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Questo dipinto olio su tavola (54x40 cm) risale circa al 1488-1490 ed è conservato a Cracovia (Polonia).
Si suppone che fosse stato commissionato a Leonardo da Ludovico il Moro, duca di Milano.
Infatti la donna ritratta è Cecilia Gallerani, giovane amante di Ludovico il Moro.
Essa non appare in vista frontale, ma girata a tre quarti, con il viso e lo sguardo protesi verso destra.
osservando il dipinto si può immaginare il momento prima di quel ritratto: la donna che guarda Leonardo con l'ermellino adagiato sul suo braccio. poi accade qualcosa e la donna si gira per guardare cosa sia successo, accennando un sorriso enigmatico mentre l'ermellino si alza.
Il quadro ha una dinamica "cinematografica", che al tempo era una novità e venne copiata da molti artisti successivi.

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Leonardo iniziò quest'opera nel 1503, venne commissionata dalla signoria fiorentina per celebrare le riconquistate libertà repubblicane per le quali tanto la signoria si era battuta.
Il dipinto raffigura Sant'Anna, la Vergine e il Bambino che gioca con l'agnello. Il paesaggio alle loro spalle richiama lontanamente quello utilizzato da Leonardo nella Gioconda: paesaggio di tipo fluviale, molti alberi e catene montuose sullo sfondo. Nel dipinto si vede chiaramente come Gesù strattoni e non provi a far spaccare l'agnellino(che vuole simboleggiare il suo martirio).
La composizione dell'opera è piramidale e vede le tre figure principali del dipinto lungo una retta inclinata che passa per tutte e tre le teste dei personaggi raffigurati, la punta di questa piramide è Sant'Anna la quale è seduta con la schiena dritta, osserva la scena materna di come Maria provi a prendere e coccolare suo figlio e lo stesso Gesù che vorrebbe fare uguale con l'agnellino.

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La Gioconda, nota anche come Monna Lisa, è un dipinto olio su tavola di legno realizzato da Leonardo da Vinci, dalle dimensioni di 77x53 cm. Disegnata e dipinta intorno al 1503-1504 è la più famosa opera di Leonardo in assoluto.
Alla sua morte però alcuni piccolissimi tratti non erano finiti, essi furono completati cercando di riprendere il più possibile lo stile leonardesco.

Viene conservata nel Museo del Louvre a Parigi.
Il ritratto mostra una donna seduta a mezza figura, leggermente girata verso sinistra, ma con il volto che guarda diritto verso chi osserva il dipinto e con un leggerissimo accenno di sorriso.

Sullo sfondo, oltre un davanzale, si apre un vasto paesaggio fluviale, con la tipica idea paesaggistica leonardesca ovvero piena di picchi rocciosi e alberi.
La donna indossa una veste scollata, con un ricamo lungo il petto e in testa indossa un velo trasparente che tiene fermi i lunghi capelli sciolti, che cadono sulla spalla dove si trova appoggiato anche un leggero drappo con la funzione tipica di una sciarpa.
Molto probabilmente la donna in questione è Lisa Gherardini, moglie di Francesco del Giocondo.

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Nel 1503 Leonardo ricevette l'incarico dalla repubblica fiorentina di dipingere una parete della Sala del Gran Consiglio al Palazzo Vecchio a Firenze, ovvero la storica Battaglia di Anghiari nella quale si scontravano le truppe fiorentine con quelle milanesi il 29 giugno 1440; nel complesso la decorazione doveva quindi celebrare il concetto di libertà della repubblica, attraverso le vittorie contro nemici e tiranni. Inoltre nell'episodio centrale è raffigurata la lotta per lo stendardo, che ha una figura simbolica e in realtà vuole significare la supremazia territoriale.

Leonardo inventa fantastiche armature zoomorfe che animano ancora di più il combattimento.
Purtroppo quest'opera per motivi tecnici non fu mai finita da Leonardo, l'unica cosa che ci venne lasciata in eredità fu una bozza strumentale, la quale venne elaborata da diversi pittori.
L'ultima cosa che si sa a riguardo è che l'opera viene riconosciuta nella sua interezza a un'anonimo artista francese e ora vi si trova al Museo del Louvre.
Alcuni dettagli saltano subito all'occhio come i cavalieri che sembrano un tutt'uno con i cavalli e la visione futuristica di Leonardo che rappresenta le armature in versioni zoomorfe(l'elmo, lo spallaccio e la corazza).

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Opera portata a compimento fra il 1495 e il 1497, 460x880cm, fu eseguita per volere di Ludovico Sforza su una parete del convento milanese di Santa Maria delle Grazie, il tema principale è la cena di Cristo con gli Apostoli a Gerusalemme ma diversamente dal classico atto di istituire il sacramento dell’Eucarestia (come i dipinti di Andrea del Castagno e Domenico Ghirlandaio), dove tutti gli apostoli sono dalla parte del tavolo dove è posto Gesù tranne Giuda che è collocata dall'altra parte del tavolo davanti a Gesù (posto in quel punto isolato dagli altri per sottolineare il tradimento), Leonardo decide di sconvolgere ogni consuetudine ponendo tutti e 12 apostoli dalla parte di Gesù (6 alla sua destra e 6 alla sua sinistra).
Al momento della cena Gesù annuncia che uno dei sue discepoli lo tradirà e si crea scompiglio sul tavolo, Leonardo così facendo non ha voluto rappresentare un evento di fede ma un atto umano (il tradimento di un amico) dove riesce a rappresentare le emozioni con il linguaggio del corpo.
La fama di quest’opera fu immediata ma già nel 1517 il dipinto cominciava a deperire, nel 1977 è stato oggetto di un radicale restauro concluso nel 1997 che lo ha liberato dalle sovrapposizioni di colore non originali e ha consolidato il colore di Leonardo.

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Quest'opera, iniziata nel 1483 dopo che Leonardo arrivò a Milano su commissione della Confraternita dell’immacolata Concezione.
Il dipinto ha come ambientazione un luogo ombroso e roccioso sorto su un cimitero cristiano, in questa ambientazione si intravedono sprazzi di luci e un paesaggio d’acqua e monti lontano.
Il dipinto ritrae la Vergine, Gesù bambino, un angelo e San Giovannino.
Leonardo colloca i sacri personaggi in un ambiente ombroso in modo da costruire volti e parti del corpo attraverso la luce. Inoltre le varie specie erbose sono colpite dalla luce e sono un richiamo alla vita.
Il braccio dietro la Vergine è teso ad abbracciare il piccolo San Giovannino che è in adorazione di Gesù; l’Angelo in ginocchio guarda un ipotetico osservatore fuori dal quadro e indica con la mano destra San Giovannino (questa attenzione è dovuta al fatto che Battista è il patrono di Firenze), mentre con il braccio destro sorregge il Bambino.

La composizione del dipinto è a forma piramidale dove sono racchiuse due delle concezioni principali di Leonardo:

1. Il dipinto deve dare una sensazione di rilievo
2. La perfezione del paesaggio deve essere alla pari della figura umana solo cosi l’artista si può considerarsi completo.

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Quest'opera è stata realizzata per i canonici regolari agostiniani di San Donato a Scopeto, presso Firenze e ora esposta alla Galleria degli Uffizi a Firenze.
Leonardo colloca la scena all'aperto.
La vergine e il Bambino, al centro della composizione, sono attorniati dai Magi, dai pastori e dagli angeli.
La capanna della Natività è in posizione decentrata, in secondo piano.
In secondo piano si osservano gruppi di fanciulle e cavalieri impegnati in un furioso combattimento.
I due alberi sono anche elementi simbolici: l'alloro nella parte anteriore e la palma subito dietro alludono al destino del Bambino.
Nella tavola si sommano le esperienze del quattrocento e per la prima volta Leonardo introduce nella composizione anche il linguaggio dei gesti e dei volti.
Il restauro iniziato nel 2012 e concluso nel marzo 2017, rimosse gli strati di vernici.

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Quest'opera si trova ora alla Galleria degli Uffizi a Firenze.

La tavola è databile al 1472/1475 ed è divisa orizzontalmente in 2 parti da un basso muretto; al di sotto si svolge l'evento dell'annunciazione, al di là si può invece osservare un paesaggio fluviale (alla sinistra dell'angelo) e marino (alla destra dell'angelo), che rivela lontane montagne perse nella foschia. La tavola fu poi restaurata nel 2000.

L'angelo, con le ali spiegate, è proteso verso la vergine, seduta appena fuori dalla propria casa con davanti un leggio. La giovane donna rivela la sorpresa sollevando il braccio sinistro e mostrando il palmo della mano, ma il suo volto è imperturbabile e sereno.

La nuvola che avvolge l'ultimo tratto del monte, prima della vetta, indica la grandezza del monte stesso.

I cipressi scandiscono verticalmente il dipinto aggiungendosi alle tracce verticali dell'edificio.

Il manto rosso dell'angelo e quello azzurro di Maria sono drappeggiati in modo del tutto naturale.

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Tra le opere più famose di Leonardo abbiamo La Gioconda, L'Annunciazione, L'Adorazione dei Magi, La Vergine delle Rocce, Il Cenacolo, La Battaglia d'Anghiari, Sant'Anna e la Dama con l'ermellino.

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Leonardo non smise mai di disegnare, numerosi sono infatti i disegni che ci sono pervenuti e anche i fogli sui quali aveva fatto schizzi, schemi, abbozzi e figure che accompagnano gli scritti.
Un esempio lampante di disegno che servì da bozza per una scultura fu un disegno con un cavaliere su un cavallo, che si caratterizza per un tratteggio fitto e parallelo. Questo disegno servì per realizzare il Monumento Sforza (che però non fu mai realizzato), al quale Leonardo lavorò fino al momento della sua partenza da Milano nel 1499.
Nel disegno il tratto è rapido e il contorno marcato da più tratti. Il tratteggio definisce invece le ombre e le luci, interrompendosi in corrispondenza di quelle porzioni del corpo soggette alla luce. Il modo di tratteggiare è tipico dei mancini (lui era mancino infatti), che va da in alto a sinistra fino in basso a destra.
Altri due importanti aspetti della poetica figurativa dell’artista sono il contrapposto e lo sfumato.
Il contrapposto è il bilanciamento delle masse corporee che hanno subito una torsione (rotazione secondo due sensi opposti) attorno a un asse verticale.

Lo sfumato invece è il passaggio graduale e impercettibile dall'ombra alla luce, ma è anche la perdita graduale della precisione dei contorni.

Un’altra importante caratteristica di Leonardo è l’omogeneità del segno.

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Leonardo Da Vinci, nato il 15 aprile 1452 in provincia di Firenze, ha svolto molte professioni: fu un architetto e scultore, pittore, trattatista, scenografo, anatomista, musicista, progettista e inventore.
Tra tutte le sue professioni il ruolo di pittore fu molto importante.
Dopo essersi formato a Firenze nella bottega di Andrea del Verrocchio dal 1464 al 1465, Leonardo diventa un vero e proprio pittore indipendente nel 1472 e si trasferisce a Milano nel 1482, presso Ludovico Sforza.