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Notre document de travail : Livret Lycéens au Cinéma (24 pages) 

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Notre document de travail : Livret Lycéens au Cinéma (24 pages) 

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Fantasmagorie est le titre du premier dessin animé d'Émile Cohl. Il est considéré à tort comme le premier dessin animé du cinéma : « Il n'en demeure pas moins incontestablement pour l'Histoire le véritable créateur du « 7e art bis », le pionnier du cinéma d'animation¹ ».

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Entretien avec Michael Dudok de Wit et Toshio Suzuki, producteur (Arte) au Festival de Cannes

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Entretien avec Michael Dudok de Wit et Toshio Suzuki, producteur (Arte) au Festival de Cannes

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Introduction courte du film 7:50

Genèse

Fabrication

La simplicité

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«La Tortue Rouge» : M. Dudok de Wit et T. Suzuki- ARTE Cinéma

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CLAP.CH: “La Tortue Rouge”, interview de Michael Dudok De Wit (19:46)

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CLAP.CH: “La Tortue Rouge”, interview de Michael Dudok De Wit (19:46)

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genèse

intentions de scénario

Court commentaire sur Robinson Crusoé

les légendes japonaises, grecques, celtes

des modèles visuels : les bd européennes (Spirou, Tintin, Hergé, ..); en peinture : Rembrandt (le drame et la beauté du ciel Vermeer (la simplicité, silence et pureté)

le réalisme pointu : vit entouré de nature et d'animaux / pas un film sur la nature mais avec / a été sur une des îles tropicales des Seychelles, La Digue, (photos, mille pattes, la chaleur, les bruits et odeurs)

relation avec la production : présent sur les étapes du projet / curieux du travail en Occident différent / échange naturel "incroyable l'aide .. un rêve pour moi"

la musique . Laurent Perez del Mar est arrivé très tard. Simplicité et émotion

le son : pas de dialogue, enregistrements de respiration de différents acteurs, la nature (les oiseaux, le vent dans le bambou, le ressac), surtout du naturel et de la simplicité

des modèles pour ce film : tous les films des studios Gibli, Isao Takahata, Hayao Miyazaki (l'émerveillement de l'enfant, marcher à travers l'ombre et qui arrive dans la lumière/ Terence Malick (lumière, le silence, la nature dans La ligne Rouge et Le Nouveau Monde par exemple), Master and Commander de Peter Weir (les grands navires sur l'océan et les tempêtes)

qu'est-ce qui vous fait vibrer ? il venait de voir : Ma vie de courgette de Claude Barras (fabuleux)

pas de projet pour le moment, pas de vacances depuis longtemps

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CLAP.CH: "La Tortue Rouge", interview de Michael Dudok De Wit

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Lors de son passage à Lausanne pour la promotion de son film d'animation "La Tortue Rouge", le réalisateur Michael Dudok Dewit, a répondu aux questions de Remy Dewarrat. Un entretient détendu et sympathique que CLAP.CH a le plaisir de vous présenter.

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Résumé / Equipe / Vidéos :

présentation par Michael Dudok de Wit

Interview de Olivier Père est le directeur d’Arte France Cinéma, qui coproduit chaque année plusieurs films de cinéma.

analyse : le cycle du vivant

La leçon de dessin de Michael Dudok de Wit

autres réalisations de Dudok de Wit

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La Tortue rouge est un film extraordinaire à bien des égards. Tout d'abord par sa production atypique. Mis en scène par un réalisateur néerlandais, scénarisé par Pascale Ferran et, à la direction artistique Isao Takahata, le réalisateur du Tombeau des lucioles et figure phare du studio Ghibli à qui l'on doit les classiques comme Mon Voisin Totoro ou Ponyo...

Réflexion sur le temps, sur la famille et l'amour, La Tortue rouge se veut un récit chatoyant permettant aux animateurs du studio Ghibli de magnifier cette île déserte, spectatrice de la vie de cet homme. Ce personnage que l'on qualifierait aisément de nouveau Robinson et qui rencontre cette fameuse tortue, divinité étrange et secrète, qui se transformera en femme à l'immense chevelure rousse.

Conte écologique, splendeur de l'animation à l'ancienne, La Tortue rouge fascine par la fluidité de son récit et par le foisonnement de ces thèmes. A travers une animation parfaite et un récit simple mais pas simpliste, le film permettra d'aborder les sujets tel que l'écologie, les techniques d'animation, les relations entre animation européenne et japonaise, la place de la famille et de la nature...

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Tortue rouge (La) | Transmettre le cinéma

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La Tortue rouge est un film extraordinaire à bien des égards. Tout d'abord par sa production atypique. Mis en scène par un réalisateur néerlandais, scénarisé par Pascale Ferran et, à la direction artistique Isao Takahata, le réalisateur du Tombeau des lucioles et figure phare du studio Ghibli à qui l'on doit les classiques comme Mon Voisin Totoro ou Ponyo ...

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Entretien avec Michael Dudok de Wit pour 2e rencontre professionnelle sur l’écriture du cinéma d’animation (Abbaye de Fontevraud, octobre 2013)

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Entretien avec Michael Dudok de Wit pour 2e rencontre professionnelle sur l’écriture du cinéma d’animation (Abbaye de Fontevraud, octobre 2013)

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Attention 1h10 de conférence

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ATELIER 4 : Conversation avec Michael Dudok De Wit

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La liseuse à la fenêtre Johannes Vermeer

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La liseuse à la fenêtre Johannes Vermeer

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L'acte de baptême de " Joannis " Vermeer est dressé à Delft le , dans le milieu réformé protestant, la même année que Spinoza à Amsterdam. Sa mère s'appelait Dymphna Balthasars (ou Dyna Baltens), et son père Reynier Janszoon. Son prénom renvoie à la version latinisée, et christianisée, du prénom néerlandais Jan, qui était également celui du grand-père de l'enfant.

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Site Festival de Cannes / Un certain regard

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A travers l'histoire d'un naufragé sur une île déserte tropicale peuplée de tortues, de crabes et d'oiseaux, LA TORTUE ROUGE raconte les grandes étapes de la vie d'un être humain.

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Disponible également à partir de Transmettre au cinéma

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The Monk and the Fish (Le Moine et le poisson)

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The Monk and the Fish (Le Moine et le poisson)

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Master & Commander, de l'autre côté du monde

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Father and Daughter - Michael Dudok De Wit

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Synopsis : Un père fait ses adieux à sa fille. Elle attend son retour pendant des jours, des saisons entières, des années... Grand prix du court métrage et Prix du public dans la catégorie "Courts métrages" du Festival d'Annecy 2001.

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http://filmow.com/the-aroma-of-tea-t39459 Curta de Michael Dudok de Wit. The Aroma of Tea The Aroma of Tea

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Le Voyage de Chihiro (2001) - Bande annonce HD VOST

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Le Studio Ghibli Inc. est un studio d'animation japonais fondé par Hayao Miyazaki et Isao Takahata en 1985. Il produit des longs-métrages et courts-métrages d' animation, ainsi que, dans une moindre mesure, des téléfilms, des séries et des jeux vidéo. Le studio est connu principalement pour ses longs-métrages destinés à un large public et dont plusieurs ont remporté des succès auprès de la critique et du public, ainsi que de nombreuses récompenses. Le logo du studio est une représentation de Totoro, une créature apparue dans Mon voisin Totoro, l'un des films emblématiques du studio, sorti en 1988.

Origine et prononciation du nom " Ghibli "

Le nom " Ghibli " vient du mot italien ghibli (que l'on trouve en anglais sous les formes " ghibli ", " gibli ", " gibleh "), issu du nom arabe libyen du sirocco, le vent chaud du désert : قبلي (). Il renvoie également au nom d'un avion de reconnaissance italien utilisé pendant la Seconde Guerre mondiale, le Caproni Ca.309 Ghibli. C'est Hayao Miyazaki, grand amateur d'aviation, qui a choisi ce nom. Pour lui, le studio Ghibli se doit de jouer un rôle d'éclaireur dans le secteur de l'animation japonaise, et d'y faire souffler un vent de nouveauté,.

Joe Hisaishi (ici en 2011) a composé de nombreuses bandes originales des films du studio.

Le studio est créé en par les cinéastes japonais Hayao Miyazaki et Isao Takahata, et par la compagnie Tokuma Shoten, éditrice du magazine sur l'animation, . En pratique, l'équipe existe déjà lors de la création du film Nausicaä de la Vallée du Vent, en 1983. Le film a été produit au sein du studio Topcraft. Mais le succès de Nausicaä, qui attire plus de 900 000 spectateurs en une cinquantaine de jours, ouvre la voie à la création d'un studio à part entière, plus propice à des projets qui laisseraient une plus grande indépendance et donc une meilleure liberté artistique à Miyazaki et Takahata. Plusieurs artistes ayant travaillé sur Nausicaä rejoignent le studio Ghibli et en deviennent des collaborateurs de longue date, comme l'animatrice Makiko Futaki (qui travaille pour Ghibli pendant près de trente ans), Yoshinori Kanada, Katsuya Kondō et Kitarō Kōsaka.

Utilisant les bénéfices réalisés grâce à Nausicaä, Hayao Miyazaki met en production en 1985 un téléfilm documentaire qui marque l'accès d'Isao Takahata à la réalisation : L'Histoire des canaux de Yanagawa. Au départ, le film doit être consacré à l'histoire de l'école de la ville, mais, au cours de ses visites de repérages, Isao Takahata découvre les canaux de Yanagawa, qui remontent au , et se passionne tant pour eux qu'il leur consacre le film. Constitué en majorité de prises de vue réelles, auxquelles s'ajoutent quelques séquences d'animation, le téléfilm relate les efforts des habitants de la ville de Yanagawa, dans la préfecture de Fukuoka, pour préserver les canaux de la ville contre une pollution galopante. La production prend du retard et Takahata dépasse largement le budget prévu, si bien que Miyazaki doit l'assister à la réalisation pour boucler le film, qui est diffusé sur la chaîne NHK en 1987. Il est très peu diffusé hors du Japon. N'ayant jamais été diffusé sous le logo des studios Ghibli, il demeure un cas à part, généralement non listé parmi les productions du studio,.

Le studio se concentre sur les longs métrages d'animation, dans un pays où les et les OAV sont favorisés. Le premier long-métrage d'animation produit au sein du studio Ghibli est donc Le Château dans le ciel, un film d'aventure pour lequel Hayao Miyazaki, à la réalisation, reprend des thèmes explorés dans une série télévisée d'animation à laquelle il avait travaillé avant la création du studio, Conan, le fils du futur. Le projet profite du savoir-faire de Tōru Hara et d'autres animateurs venus de son studio Topcraft, qui ferme cette année-là, et qui rejoignent Ghibli. La direction artistique du Château dans le ciel est assurée par Nizō Yamamoto, qui avait travaillé avec Miyazaki dès sa série animée Conan, le fils du futur en 1978 et avec Takahata pour Kié la petite peste en 1981 et qui reste par la suite un collaborateur durable du studio. Le Château dans le ciel sort en 1986. Le succès est là, mais modéré. Le studio Ghibli se doit de produire rapidement un nouveau film pour assurer sa stabilité financière. Le producteur Toshio Suzuki présente conjointement aux financeurs deux projets diamétralement opposés : Mon voisin Totoro de Hayao Miyazaki, un conte optimiste dans la campagne japonaise, et Le Tombeau des lucioles d'Isao Takahata, l'adaptation de la nouvelle La Tombe des lucioles d' Akiyuki Nosaka qui relate le destin tragique de deux enfants pauvres dans le Japon de l'immédiat après-guerre en 1945. Ayant réussi à réunir les financements de cette façon, Suzuki s'aperçoit vite que la mise en production simultanée de deux films pousse le studio aux extrêmes limites de sa capacité de travail de l'époque. Les deux films sortent enfin, en même temps, le . Si les entrées en salles proprement dites ne sont pas suffisantes pour former un succès commercial, les totoros, créatures velues et souriantes de Mon voisin Totoro, deviennent très vite populaires et le studio devient bénéficiaire grâce aux ventes des peluches à leur effigie. Totoro devient dès lors la mascotte du studio Ghibli et apparaît sur son logo.

C'est la sortie de son quatrième film qui assure les bases financières du studio Ghibli : 2 milliards de Kiki la petite sorcière, réalisé par Hayao Miyazaki qui adapte librement un roman pour la jeunesse d' Eiko Kadono, remporte un grand succès à sa sortie en salles au Japon le et rapporte plus de yens de recettes.

Le producteur Toshio Suzuki devient le président du studio Ghibli en 1990.

Le studio Ghibli opte alors pour une gestion de son personnel inhabituelle par rapport aux pratiques des studios d'animation japonais de l'époque. Au lieu d'employer des animateurs freelances en contrats à durée déterminée, comme c'est alors l'habitude, Toshio Suzuki décide de faire des animateurs des salariés permanents embauchés avec des contrats à durée indéterminée. Les bénéfices de chaque film permettent de payer les salaires pour la production du suivant. Cette organisation rend également possible la formation des animateurs en interne et le renforcement d'un savoir-faire propre au studio. Le film suivant est réalisé par Isao Takahata. Souvenirs goutte à goutte, qui relate le retour à la terre d'une jeune femme de Tokyo partie à la recherche de ses souvenirs d'enfance, sort en 1991 et le succès au box-office est de nouveau au rendez-vous.

Vient ensuite Porco Rosso, réalisé par Hayao Miyazaki, l'histoire d'un aviateur italien des années 1920 qui s'est retrouvé affublé d'une tête de cochon pour des raisons mystérieuses. Sorti en 1992, c'est l'un des tout premiers films d'animation japonais à connaître une diffusion hors du Japon. Le film, présenté au festival d'Annecy en 1993, remporte contre toute attente, le Cristal du long métrage. La chaîne Canal+ en assure alors dans ce pays une diffusion en salles qui se solde par un échec commercial en dépit d'un excellent accueil critique. Ce n'est qu'au cours des années suivantes que le film connaît une seconde vie en vidéo. Mais cet échec à court terme reste la première occasion où un public français non spécialisé découvre les films Ghibli et les réalisations de Hayao Miyazaki, ce qui contribue à poser les bases de leur reconnaissance et de leur succès dans les années suivantes.

Le studio poursuit la production de longs-métrages d'animation tout en expérimentant dans divers domaines, qu'il s'agisse de supports de diffusion ou de la formation de nouveaux talents au sein du studio. Ghibli produit ainsi un téléfilm à petit budget, Je peux entendre l'océan, dont la réalisation est confiée à Tomomi Mochizuki et qui est diffusé en 1993. En 1995, c'est à Hayao Miyazaki de s'essayer à une nouvelle forme : un clip vidéo de six minutes et demie, On Your Mark.

Isao Takahata approfondit l'engagement écologique du studio Ghibli avec son long-métrage suivant, , qui s'inspire des croyances au sujet des tanuki en les replaçant dans le contexte de la modernisation du Japon. Sorti en 1994, le film remporte un succès colossal et passe devant des studios Disney au box-office ; il remporte également plusieurs prix à l'étranger, dont un Cristal du long métrage au festival d'Annecy. Pompoko est le premier film d'animation Ghibli à contenir des animations en images de synthèse, à l'initiative de Takahata. Miyazaki, réticent, adopte peu à peu l'outil pour ses films suivants.

Dans les premières années, seuls les deux fondateurs du studio réalisent leurs films, mais peu à peu, ils laissent la chance à des auteurs plus jeunes. Après Pompoko, c'est au tour de Yoshifumi Kondō, collaborateur de longue date de Miyazaki et Takahata, que le studio confie la réalisation d'un premier film : Si tu tends l'oreille, en 1995. Yoshifumi Kondo, considéré comme le successeur de Miyazaki, meurt le . Miyazaki, qui pensait prendre sa retraite, revient alors sur sa décision et poursuit sa carrière.

Au cours des années 1980 et du début des années 1990, le studio Ghibli reçoit plusieurs offres de la part de studios américains comme la Warner Bros. et la 20th Century Fox pour distribuer ses films aux États-Unis. Le studio décline ces offres, car Hayao Miyazaki se méfie des grands studios américains depuis l'affaire de la version pirate tronquée de Nausicaä de la vallée du vent. Finalement, le , The Walt Disney Company obtient l'exclusivité des droits de distribution à l'étranger des films du studio Ghibli à l'exception du film Le Tombeau des Lucioles, possédé en France par Kazé. Au début, sa filiale Buena Vista Distribution choisit de distribuer en France un film du studio Ghibli tous les six mois, et de ne les sortir en DVD qu'après leur exploitation en salle. Mais les plannings changent parfois et la sortie des films au cinéma est parfois espacée de plus d'un an. De plus, Buena Vista France décide de sortir plusieurs films directement en DVD. Aux États-Unis, les films antérieurs à 1997 sont tous diffusés directement en DVD. Certains restent, pendant un temps, introuvables en édition DVD française.

Au tournant des années 2000 : Princesse Mononoke et Le Voyage de Chihiro, la reconnaissance internationale

Logo français du film Princesse Mononoke (1997).

Le studio Ghibli connaît sa consécration commerciale et critique définitive avec la sortie de 2,35 milliards de Princesse Mononoke, film épique médiéval réalisé par Hayao Miyazaki en 1997. Le studio engage un gros budget pour le film avec yens. Mais Princesse Mononoke connaît un succès inattendu au box-office en attirant plus de 13 millions de spectateurs et en rapportant 17,76 milliards de yens. Cette fois, le succès dépasse les frontières du Japon. Le spécialiste de l'animation Sébastien Denis estime que Princesse Mononoke est une révélation au niveau mondial en matière de film d'animation japonais.

Isao Takahata réalise le long-métrage suivant : Mes voisins les Yamada, qui sort en 1999. Rompant avec le style de la plupart des autres films du studio, le film adopte un graphisme à la simplicité trompeuse, très proche du manga qu'il adapte, Mes voisins les Yamada d' Hisaichi Ishii, qui suit avec humour et poésie la vie d'une famille japonaise typique. Le film n'obtient pas le même succès que Princesse Mononoke mais contribue à la reconnaissance critique du studio et du réalisateur.

En 2001, le studio Ghibli ouvre un musée Ghibli à Mitaka, dans la banlieue de Tokyo.

Le Voyage de Chihiro, le film suivant de Hayao Miyazaki, sort en 2002 et remporte un succès encore plus considérable au Japon : avec 23 millions de spectateurs et presque 30 milliards de yens de recettes, il devient le plus grand succès japonais de l'histoire du cinéma. Mais le succès est autant critique que commercial, car le film remporte une moisson de prix à l'étranger, dont l' Ours d'or au Festival du film de Berlin en 2002 et l' Oscar du meilleur film d'animation en 2003.

Deux fans en cosplay inspirés respectivement des personnages de Sophie du Château ambulant et de Kiki dans Kiki la petite sorcière.

L'année 2002 voit également la sortie d'un film réalisé par Hiroyuki Morita, Le Royaume des chats, qui forme plus ou moins une suite à Si tu tends l'oreille. Le projet s'inscrit dans la volonté du studio de former des réalisateurs plus jeunes aptes à prendre la suite des deux fondateurs que sont Miyazaki et Takahata. Plus court que les précédents films Ghibli (70 minutes au lieu de à en moyenne), il est diffusé en salle accompagné par une sélection de courts-métrages animés par le studio. Davantage tourné vers un divertissement léger et familial que les autres productions Ghibli du moment, Le Royaume des chats reste un succès commercial au Japon. Hors du Japon, il n'est diffusé en salles qu'en France, où il fait trois fois moins d'entrées que Le Voyage de Chihiro.

En 2005 sort Le Château ambulant, long-métrage d'animation réalisé par Hayao Miyazaki et librement inspiré par le roman Le Château de Hurle de l'écrivaine britannique Diana Wynne Jones. Annoncé comme en production dès 2001, le film doit d'abord être réalisé par Mamoru Hosoda, mais la collaboration entre ce réalisateur et le studio ne se passe pas bien et Miyazaki se charge finalement de la réalisation, qu'il décide de reprendre à zéro. Le film est remis en production en 2003, avec un budget important et une animation ambitieuse dans son degré de détail. Le film remporte un immense succès au Japon et dépasse le million d'entrées en France.

À l'occasion de la sortie du Château ambulant en France, une exposition est organisée par BVI France, la branche française de Buena Vista International (qui assure alors la diffusion des films Ghibli). Consacrée conjointement à Hayao Miyazaki et au dessinateur Jean Giraud, alias Mœbius, l'exposition Miyazaki Mœbius. Deux artistes dont les dessins prennent vie se tient à l'hôtel de la Monnaie à Paris de à . Elle insiste sur l'aspect de créateurs d'univers des deux artistes et sur leur influence mutuelle.

Le projet suivant des studios Ghibli doit être au départ un nouveau film de Miyazaki, adapté du Cycle de Terremer, une saga de de l'écrivaine américaine Ursula K. Le Guin, qu'il désire adapter depuis longtemps. Censé prendre sa retraite, Hayao Miyazaki a cependant du mal à confier la réalisation à quelqu'un d'autre. Le producteur Toshio Suzuki décide alors de confier le projet à Gorō Miyazaki, le fils de Miyazaki. Gorō Miyazaki travaille pour le musée Ghibli et a une formation de paysagiste et non d'animateur. Hayao Miyazaki a beaucoup de mal à accepter ce choix, et les deux hommes ne se parlent pas pendant toute la production. Celle-ci se déroule pourtant au rythme prévu et Les Contes de Terremer sort en 2006. La presse se montre critique, notamment envers le manichéisme de l'intrigue, qui tranche avec les films précédents du studio. Le film réalise toutefois une bonne performance au box-office japonais avec quatre millions d'entrées.

Titre japonais de Ponyo sur la falaise (2008).

Ponyo sur la falaise, sorti en 2008, voit le retour d'Hayao Miyazaki à la réalisation, pour un film aux graphismes délibérément plus épurés et plus naïfs que ceux des derniers films en date du studio. En partie inspiré par une nouvelle de Natsume Sōseki, La Porte, et par les souvenirs et les voyages du réalisateur, le film renoue avec l'esprit enfantin de Mon voisin Totoro pour narrer la fuite d'une sirène déterminée à devenir humaine et sa rencontre avec un petit garçon.

Le studio confie la réalisation de son film suivant à un nouveau réalisateur : Hiromasa Yonebayashi, qui travaille chez Ghibli depuis 1996. Arrietty : Le Petit Monde des Chapardeurs s'inspire librement de la série de romans de fantasy pour la jeunesse, Les Chapardeurs ( The Borrowers), de l'écrivaine britannique Mary Norton. Le film sort au Japon en 2010.

La Colline aux coquelicots, deuxième film réalisé par Gorō Miyazaki, d'après le manga de Chizuru Takahashi et Tetsurō Sayama, est l'occasion d'une collaboration apaisée entre le fils et son père. La production est perturbée par le séisme du mais sort à la date prévue en . Le film relate une histoire d'amour et de secrets de famille dans le Japon des années 1960.

Le , le porte-parole de la compagnie new-yorkaise GKIDS annonce avoir obtenu les droits de distribution nord-américains pour La Colline aux coquelicots, long-métrage sorti en 2011 au Japon : c'est la première fois depuis une quinzaine d'années qu'un film est distribué hors du Japon par une autre entreprise que Disney.

Illustration d'un emaki (rouleau peint) vers 1650 relatant le conte Kaguya-hime, qu'Isao Takahata adapte au cinéma avec Le Conte de la princesse Kaguya en 2013.

L'année 2013 voit la sortie de deux longs-métrages réalisés par les deux fondateurs du studio. En juillet, Le vent se lève de Hayao Miyazaki retrace le parcours de Jirō Horikoshi, ingénieur en aéronautique militaire au début du siècle, tiraillé entre sa passion pour l'aéronautique, une marche à la guerre qui le dépasse et ses sentiments pour une jeune femme tuberculeuse. Le film ne recourt au merveilleux que dans les scènes de rêve. Malgré des critiques parfois déconcertées, le film prend la tête du box-office japonais de l'année. En décembre, Le Conte de la princesse Kaguya, d' Isao Takahata, adapte le conte traditionnel japonais Kaguya-hime ( La Princesse Kaguya) dans un univers visuel tout en aquarelles. La production dépasse largement les délais prévus et met en difficulté la campagne publicitaire initialement prévue (la sortie devait coïncider avec celle de Le Vent se lève). Le film est accueilli par la critique comme un chef-d'œuvre, au Japon puis en France, mais ne parvient pas au succès escompté dans les salles, ce qui fait perdre de l'argent au studio.

Souvenirs de Marnie, qui sort au Japon à l'été 2014, est le deuxième long-métrage de Hiromasa Yonebayashi (déjà réalisateur d'Arrietty : Le Petit Monde des Chapardeurs). Inspiré du roman de l'écrivaine britannique Joan G. Robinson, il développe une intrigue mêlant secrets de famille et surnaturel'. Le film est très bien accueilli par la critique, mais le succès commercial n'est pas au rendez-vous.

Une rumeur se diffuse le sur des sites anglophones et est reprise en France, annonçant l'arrêt de la production de longs-métrages,. Cependant, elle semble infondée et basée sur une erreur de traduction d'une interview de Toshio Suzuki, le producteur. Suzuki évoque une " pause ", une " reconstruction " et une " restructuration ", ce qui pourrait signifier une réorganisation et un recentrage des activités du studio.

En , pour la première fois en Occident, le studio Ghibli expose 1 300 dessins originaux, introduisant la technique du ou dessin préparatoire au musée des Arts ludiques de Paris, un procédé d'animation essentiel et inédit du studio. Initié par Isao Takahata, ce procédé, antérieur à la création du studio, persiste et permet d'après le cofondateur de " définir le point de vue, le cadrage, l'angle de la caméra, la taille des personnages et ce qui apparait à l'écran ".

Gorō Miyazaki, architecte et réalisateur, en 2017.

Le studio participe alors à une coproduction internationale, La Tortue rouge, réalisée par le néerlandais Michael Dudok de Wit et à laquelle participent des sociétés de production françaises, belge et allemande. Le film sort en 2016.

La même année, Hayao Miyazaki commence à travailler sur un nouveau projet, Le Garçon et le Héron, un long-métrage animé adapté du roman Et vous, comment vivrez-vous ? de Genzaburō Yoshino, publié en 1937. À la fin de l'année 2019, aucune date de sortie n'est annoncée. Le , le studio annonce qu'un deuxième film est en production en plus de celui-là. En , le studio indique que ce deuxième film s'intitulera Aya et la Sorcière, qu'il est réalisé par Goro Miyazaki et qu'il s'agit d'un long-métrage entièrement produit en images de synthèse, adapté du roman Aya et la Sorcière ( Earwig and the Witch) de Diana Wynne Jones.

L'année 2020 voit le studio Ghibli modifier ses partenariats en matière de distribution de ses films à l'étranger. Selon les termes d'un partenariat avec la plate-forme de vidéo à la demande Netflix, l'intégralité des longs-métrages produits par Ghibli (excepté la coproduction La Tortue rouge) deviennent visionnables en ligne sur cette plate-forme en Europe, au Moyen-Orient, en Afrique et en Océanie en 2020, tandis que la plate-forme HBO Max obtient les droits de diffusion sur Internet aux États-Unis ; Le Tombeau des lucioles y est disponible dès . En , le distributeur européen Wild Bunch annonce avoir acquis les droits de distribution du catalogue du Studio Ghibli en France, succédant à Disney.

Le Garçon et le Héron, long-métrage réalisé par Hayao Miyazaki, sort au Japon le sans aucune campagne publicitaire préalable. Le film génère 1,83 milliards de yens, soit l'équivalent de 13,2 millions de dollars américains, durant son premier week-end d'exploitation en salles, et connaît ainsi le meilleur démarrage jamais obtenu par un film du studio Ghibli, devant celui du Château ambulant qui avait obtenu 1,48 milliards de yens durant le premier week-end à sa sortie en 2004.

En , le Studio Ghibli devient une filiale du groupe de télévision privé japonais Nippon Television, diffuseur habituel des films Ghibli. C'est une décision de Hayao Miyazaki et du producteur Toshio Suzuki. Âgés de 82 et 75 ans, ils souhaitent consacrer moins d'énergie à la gestion du studio.

Le studio Ghibli est récompensé à titre collectif par une Palme d'or d'honneur lors du festival de Cannes 2024.

Les années correspondent aux premières dates de sorties, généralement japonaises. Nausicaä de la Vallée du Vent, sorti en 1984, ne fait pas partie de cette liste, car ce film est réalisé avant la création du studio, et ce, même si Ghibli s'y réfère comme faisant partie de son catalogue.

Les jeux auxquels le studio ou l'un de ses membres a participé :

L'entrée du musée Ghibli.

Musée Ghibli

Après neuf ans de préparatifs, le studio Ghibli ouvre un musée Ghibli en à Mitaka, dans la banlieue de Tokyo. L'architecture du musée a été conçue par Gorō Miyazaki. Le musée présente des expositions permanentes et des expositions temporaires, un cinéma projetant des courts-métrages visionnables uniquement là et plusieurs commerces. Les expositions revêtent un aspect éducatif, en exposant les étapes de la création d'un film d'animation, ainsi qu'un aspect de divertissement, en proposant des décors inspirés des films du studio.

La maison de Satsuki et Mei du film Mon voisin Totoro, bâtie pour l'Exposition universelle 2005, est ensuite intégrée au parc Ghibli.

En 2005, le studio Ghibli inaugure une reconstitution de la maison de Satsuki et Mei, l'un des principaux lieux du film d'animation Mon voisin Totoro. Elle est construite dans le Parc d'expositions d'Aichi, dans la ville de Nagakute, dans la préfecture d'Aichi, dans le cadre de l' Exposition universelle de 2005 que la ville accueille cette année-là.

En 2017, Toshio Suzuki annonce qu'un parc d'attraction Ghibli est en projet dans ce même parc d'exposition d'Aichi, pour une ouverture initialement prévue en 2020. Le parc s'étendra sur un peu plus de 7 hectares (le parc d'exposition englobant près de 200 hectares), ce qui en fait la plus grande attraction Ghibli jamais construite,. En 2018, la préfecture d'Aichi rend publiques des informations sur son futur plan. Le parc sera divisé en plusieurs zones, consacrées aux univers de plusieurs films produits par le studio. L'ouverture du parc a eu lieu le , avec trois zones : Seishun no Oka Area (La Colline de la jeunesse, englobant la maison de Satsuki et Mei qui préexistait au parc), Ghibli no Ōsōko Area (le Magasin géant Ghibli) et Dondoko Mori Area (la Forêt de Dondoko). L'ouverture de deux autres zones, Mononoke no Sato Area (le village de Mononoke) et Majo no Tani Area (la Vallée de la sorcière), est prévue pour 2023.

Le studio Ghibli est récompensé à titre collectif par une Palme d'or d'honneur lors du festival de Cannes 2024.

Notes et références

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Bibliographie

Emmanuel Trouillard, Bibliographie analytique des travaux universitaires (en français et en anglais) portant sur l'œuvre de Hayao Miyazaki et du Studio Ghibli, , 26 p. ([HAL https://hal.science/hal-01367684%EF%BF%BD hal-01367684�], lire en ligne)

Collectif (rédaction du magazine AnimeLand), Hommage au studio Ghibli : Les artisans du rêve, Paris, Ynnis Édition, , 136 p.

Articles connexes

Liens externes

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Le Studio Ghibli Inc. est un studio d'animation japonais fondé par Hayao Miyazaki et Isao Takahata en 1985. Il produit des longs-métrages et courts-métrages d' animation, ainsi que, dans une moindre mesure, des téléfilms, des séries et des jeux vidéo.

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Bande-annonce de Le Nouveau Monde de Terrence Malick avec Colin Farrell, Q'Orianka Kilcher, Christian Bale!Plus de vidéos du film : http://www.premiere.fr/film/Le-Nouveau-Monde-141488

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La Grande Vague de Kanagawa (神奈川沖浪裏, Kanagawa-oki nami-ura?, littéralement Sous la vague au large de Kanagawa), plus connue sous le nom de La Vague, est une célèbre estampe japonaise du peintre japonais spécialiste de l'ukiyo-e, Hokusai, publiée en 1830 ou en 1831 pendant l'époque d'Edo.

Cette estampe est l'œuvre la plus connue de Hokusai et la première de sa fameuse série Trente-six vues du mont Fuji, dans laquelle l'utilisation du bleu de Prusse renouvelait le langage de l'estampe japonaise. La composition de La Vague, synthèse de l'estampe japonaise traditionnelle et de la « perspective » occidentale, lui valut un succès immédiat au Japon, puis en Europe, où elle fut une des sources d'inspiration des impressionnistes.

Les trente six vues du Mont-Fuji : https://fr.wikipedia.org/wiki/Trente-six_vues_du_mont_Fuji

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Bande annonce officielle du film Le vent se lève (Kaze Tachinu), prochain Ghibli de Miyazaki

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Commençons l'année par une publicité fort à propos. Contre les microbes.

Pourquoi cette réclame ? Il ne s'agit pas ici de lutter contre l'épidémie de grippe qui sévit dans le pays, mais d'évoquer tout un pan méconnu de la carrière d'un grand cinéaste d'animation. J'ai nommé Michael Dudok de Wit, dont je vous ai déjà beaucoup parlé sur ce blog et dans le journal ( son portrait).

J'ai eu la chance et l'honneur d'animer une rencontre avec le réalisateur de La Tortue rouge, lors du dernier Carrefour de l'animation, au Forum des images, dont il était invité d'honneur. Michael Dudok de Wit a ainsi montré ses cinq courts-métrages, à commencer par son film de fin d'études, The Interview (1978), qu'il a dit ne pas avoir revu depuis... 1978 !

Autres raretés, ses publicités, donc, ont attiré mon attention, tant on y retrouve sa touche si singulière. Certes, dans les premières réclames réalisées dans les années 1980 au sein du studio de Richard Purdum, à Londres, le lien n'est pas forcément évident entre une mystérieuse tortue et des microbes hirsutes, une bouteille de whisky anthropomorphes ou des bonbons chocolatés fantaisistes.

Mais le dynamisme de l'animation, l'efficacité du récit et le côté sautillant des personnages se retrouvera plus tard dans Tom Sweep (1992), pilote d'une série qui n'a jamais vu le jour, et Le Moine et le Poisson (1994), César du meilleur court deux ans plus tard.

Père et Fille, chef d'œuvre de tendresse et d'émotion et Oscar du meilleur court métrage en 2001, lui assure une reconnaissance internationale et de nombreuses propositions de publicités qui collent si bien à son style qu'on les dirait imaginées par le cinéaste lui-même.

Les similitudes sont frappantes avec les superbes pubs qu'il réalise pour la compagnie téléphonique AT&T. Sans dialogues ou presque, ces spots abordent les mêmes thèmes : transmission filiale, impermanence des choses, passage des générations, la contemplation de la nature...

Chose incroyable, ces films n'ont pas été imaginés ni storyboardés par Michael Dudok de Wit mais par les créatifs de l'agence de pub avec laquelle il a travaillé !

Même le thème musical de ce film pour United Airlines, récompensé au Festival d'Annecy, en 2005, ressemble à ceux de ses autres films.

Stéphane Dreyfus

Thèmes associés

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Les publicités très personnelles de Michael Dudok de Wit

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Commençons l'année par une publicité fort à propos. Contre les microbes. Pourquoi cette réclame ? Il ne s'agit pas ici de lutter contre l'épidémie de grippe qui sévit dans le pays, mais d'évoquer tout un pan méconnu de la carrière d'un grand cinéaste d'animation.

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MA VIE DE COURGETTE Bande Annonce Teaser + Extraits (Animation - Cannes 2016)

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"La Tortue rouge": un conte touchant de simplicité et de beauté sur la vie humaine.

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"La Tortue rouge": un conte touchant de simplicité et de beauté sur la vie humaine.

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Les Inrockuptibles Jean-Baptiste Morain

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Un naufragé est coincé sur une île gardée par une tortue fabuleuse. Un beau conte, fruit de la collaboration inédite entre l'animation européenne et les studios Ghibli.

La Tortue rouge marque une étape importante dans l'histoire du cinéma d'animation : la rencontre entre l'animation européenne (et des producteurs comme Arte, Why Not et Wild Bunch, entre autres) et les célèbres studios japonais Ghibli (qui n'avaient jamais travaillé avec un autre studio, pas même japonais).

Isao Takahata, le plus grand animateur nippon avec Miyazaki, est également le directeur artistique du film du Néerlandais Michaël Dudok de Wit - dont le scénario a été écrit avec la collaboration de la cinéaste Pascale Ferran. Plus étonnant : ce sont les gens de Ghibli qui ont fait appel il y a dix ans à Dudok de Wit, qui s'était fait connaître en 1994 avec un court métrage d'animation, Le Moine et le Poisson, ayant triomphé dans les festivals du monde.
Une histoire simple, presque biblique
La Tortue rouge, film sans aucun dialogue, bercé par la musique parfois un peu omniprésente de Laurent Perez Del Mar, raconte une histoire extrêmement simple, presque biblique, toute métaphorique : celle de la vie. Un naufragé (aux traits neutres, pas du tout dans la veine des studios Ghibli, avec ses grands yeux bien connus) se retrouve sur une île déserte. Il sympathise avec des crabes. Il tente d'abord de s'échapper de l'île en construisant des radeaux de fortune.

Mais ils se font tous détruire par une créature étrange, qui va s'avérer être une grande tortue rouge. Elle le ramène sans cesse vers l'île. Cette créature, l'altérité, se fait femme pour lui, et ils vont avoir un enfant. Puis un tsunami - magnifique scène - s'abat soudain sur l'île...
Ici, l'homme n'est que de passage
Tout est simplicité et beauté, humanité et universalité dans ce récit d'une vie humaine à travers ses multiples étapes, obstacles et découvertes : la solitude, l'étrangeté du monde et de l'autre, l'amour, la vieillesse et mort, en passant par l'enfant qui grandit et qui lui aussi découvre le monde.

On notera, dans un geste d'une belle épure et comme on aurait pu s'y attendre, que jamais le duo puis trio ne s'installe, ne construit des infrastructures (même une simple cabane) ou ne colonise ce territoire sauvage, comme auraient pu le faire des Robinson Crusoé modernes. Non, ici tout reste inviolé, l'homme n'est que de passage.

La Tortue rouge a reçu le prix spécial Un certain regard lors du dernier Festival de Cannes. Dudok de Wit, vient, à plus de 60 ans, de réaliser un très beau film, pour adultes et enfants de tous âges, sans prêchi-prêcha.

La Tortue rouge de Michaël Dudok de Wit (Fr., Belg., Jap., 2016, 1 h 20)

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"La Tortue rouge": un conte touchant de simplicité et de beauté sur la vie humaine

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Un naufragé est coincé sur une île gardée par une tortue fabuleuse. Un beau conte, fruit de la collaboration inédite entre l'animation européenne et les studios Ghibli.

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Deux grandes étapes d'une dizaine d'années

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Deux grandes étapes d'une dizaine d'années

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De l'idée du scénario au premières recherches graphiques

Le thème du naufragé (Robinson Crusoé de Daniel Defoe, L'Odyssée de Homère par exemple)

Les recherches graphiques : le fusain de l'homme au panier, "la ligne claire" de Hergé, les gestes des naufragés, plis des vêtements (se photographie et fait venir également James Thierrée (acrobate, petit-fils de Chaplin) pour les attitudes.

Les huttes, les pots pour transporter l'eau potable sont abandonnées. Il se consacre au radeau (maquette en bambou)

la bouteille qui trouve son origine dans Tintin : Le trésor de Rackham le Rouge

les décors :"C'est comme si je cherchais d'abord l'univers physique dans lequel va se dérouler l'histoire. Avec un univers inspirant, je me sens à l'aise pour la raconter. Si j'ai choisi une côte tropicale pour la Tortue Rouge, c'est que, dans mon imagination, j'aimerais vivre dans cet endroit-là, marcher dans l'eau transparente, courir dans une forêt de bambous, sentir les odeurs et dormir sous le ciel étoilé"

Va sur l'île de La Digue aux Seychelles, photographie et fait des croquis de l’île

les bambous, s'inspire de la bambouseraie des Cévennes et de l’illustrateur japonais Hasahui Kawase

Il réalise finalement une image de chacune des scènes clés du film dans son décor qui set de base de discussion avec la production.

Le story-board et l'animatique de 2007 à 2011 "le story-board permet de mesurer chaque dessin, chaque idée"

Il aime afficher les vignettes sur un mur dans un premier temps

les vignettes sont déjà précises: décomposition qui montre l'acting du personnage, les ombres, des couleurs, le posing, les mouvements des personnages, l'orientation, les petits traits marquant les émotions

l'animatique consiste à enregistrer le story-board synchronisé à la bande-son qui sera la maquette. permet de vérifier les raccords, les durées des vignettes, le rythme. Le montage précède le tournage en animation ... C'est le travail avec la chef monteuse Céline Kéképikis

La réécriture avec Pacale (Ferran (Petits arrangements avec les morts, L'âge des possibles, Lady Chatterley, Bird people)

intervient sur les deuxième et troisième parties. Propose de développer le personnage de la femme et de prolonger le récit (s'arrêtait au départ du fils) jusqu'à la mort du père

"Ça me semblait important que l'enfant comprenne d'où il vient, ce qui a donné la scène des dessins sur le sable. Je trouvais cela beau que les parents racontent à leur fils son héritage familial. La question de l'héritage, ou de la transmission, devenant un des fils souterrains du film. Pas seulement du point de vue familial mais aussi à un niveau plus cosmogénique: comment la nature, dont nous sommes tous issus, est une sorte d'héritage commun, qui nous transmet des choses qu'il nous faudra transmettre à notre tour."

à chaque version de scénario, sont dessinées les vignettes et réalisé l'animatique

les quelques dialogues prévus notamment sur la séquence d'offrande du coquillage, sont abandonnés

ce qui oblige à un scénario basé sur des situations archétypales afin de faciliter la compréhension "universelle" : Une architecture en trois actes: l'homme seul / L'homme et la femme tortue / L'enfant. Le protagoniste est l'homme, l’antagoniste la femme tortue. Le turning point (élément déclencheur) se situe au moment du meurtre de la tortue qui fait changer radicalement le personnage, transcendant son antagonisme en amour. Le climax correspond au tsunami.

En 2011, l'animatique est aboutie avec 651 plans seulement contre un millier en général pour une animation.

Des plans tests sont alors réalisés, d'abord dessinés au crayon à papier, le réalisateur accepte finalement l'animation dessinée sur écran tactile (comme dans Loulou, l'incroyable secret (2013) de Eric Omond et Grégoire Solareff

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La production et post-production 2013-2016 

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La production et post-production 2013-2016 

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La production Prima Linea propose une équipe réduite d'artistes pour une période de deux ans.Notre réalisateur solitaire réalisateur devra coopérer avec d'autres ...
Le design des personnages

sont réalisés des model sheet avec les expressions, détails du corps, poses, son évolution morphologie, le vestimentaire

du travail pour le personnage féminin notamment pour les plans assez rapprochés où l'on peut distinguer son état émotionnel

les recherches de plis des habits sont confiés à Antonio Mengaul Llobet

Le bestiaire vers le réalisme et la simplicité sera confié à Dominique gandois qui modélise en 3D mais le rendu est en 2D pour rester dans le style du film

Le layout est l'étape qui suit le story-board. Elle consiste en la mise en place artistique et technique au trait de chaque plan au format définitif du travail :

il s'agit de dissocier pour chaque vignette les différents plans : décors, personnages, éléments fixes, ...

le layout décor est réalisé sur papier ; rôle essentiel dans le film dans l'expression de l’écoulement du temps, reflet de la lumière,, les lignes, les formes, les couleurs, la palette des gris pour la nuit par exemple. délégué à Julien de Man

L'animation

Les effets spéciaux et le compositing

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La leçon de dessin par Michael Dudok de Wit 

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La leçon de dessin par Michael Dudok de Wit 

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La Tortue rouge est un film extraordinaire à bien des égards. Tout d'abord par sa production atypique. Mis en scène par un réalisateur néerlandais, scénarisé par Pascale Ferran et, à la direction artistique Isao Takahata, le réalisateur du Tombeau des lucioles et figure phare du studio Ghibli à qui l'on doit les classiques comme Mon Voisin Totoro ou Ponyo...

Réflexion sur le temps, sur la famille et l'amour, La Tortue rouge se veut un récit chatoyant permettant aux animateurs du studio Ghibli de magnifier cette île déserte, spectatrice de la vie de cet homme. Ce personnage que l'on qualifierait aisément de nouveau Robinson et qui rencontre cette fameuse tortue, divinité étrange et secrète, qui se transformera en femme à l'immense chevelure rousse.

Conte écologique, splendeur de l'animation à l'ancienne, La Tortue rouge fascine par la fluidité de son récit et par le foisonnement de ces thèmes. A travers une animation parfaite et un récit simple mais pas simpliste, le film permettra d'aborder les sujets tel que l'écologie, les techniques d'animation, les relations entre animation européenne et japonaise, la place de la famille et de la nature...

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Tortue rouge (La) [CAC] | Transmettre le cinéma

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La Tortue rouge est un film extraordinaire à bien des égards. Tout d'abord par sa production atypique. Mis en scène par un réalisateur néerlandais, scénarisé par Pascale Ferran et, à la direction artistique Isao Takahata, le réalisateur du Tombeau des lucioles et figure phare du studio Ghibli à qui l'on doit les classiques comme Mon Voisin Totoro ou Ponyo ...

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A travaillé à partir du film

deux mois pour 52 minutes

un violoncelle et un rythme ternaire, les vœux du réalisateur

Michael est précis en termes d'émotions et Perez del Mar a traduit en musique

travail avec le monteur son, Sébastien Marquis, et mixeur, Alain de Villers, pour que la musique soit intégrée dans le son. Tout a été accordé avec les sons oiseaux, forêts, ...

sons de bambous, rythmique avec des bambous

"une thématique forte sans cannibaliser les images" avec des variations

si doute sur la nécessité de la musique, elle était enlevée et inversement. Au départ la scène du tsunami était une scène ultra brute  et Perez del Mar a proposé une musique, voulait apporté de l'empathie, du romanesque

un rythme narratif particulier, la musique peut créer un autre rythme parallèle à celui des images

rendre le film accessible en matière musicale

n'a pas de démarche particulière car film d’animation

est intervenu très tard

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Interview Laurent Perez Del Mar - LA TORTUE ROUGE (Ghibli)

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relever les plans dont la composition graphique rappelle l'écriture musicale. Les intégrer dans votre carnet avec photogrammes

de la même manière relever dans la bande sonore, les bruits de la nature et la musique mêlés. Comme d’habitude, les commenter.

La page web de Laurent Perez del Mar : http://www.laurentperezdelmar.com/fr_FR/#part_filmography

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La réalisation expliquée par le réalisateur 

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La réalisation expliquée par le réalisateur 

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Le travail de compositeur de réalisateur de film

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Le travail de compositeur de réalisateur de film

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Interview Laurent Perez Del Mar : le travail de compositeur

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Une dimension physique, burlesque et onirique

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Une dimension physique, burlesque et onirique

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Le langage du corps expriment l'intériorité des personnages

noter "l'acting" très physique du jeu de James Thiérrée

le contre-point comique, voire burlesque, produit par les crabes

Le recours à la métaphore pour traduire les pensées conscientes ou non des personnages

les rêves du père et du fils qui se répondent parfois

noter l'absence de rêve ou de rapprochement de l'intériorité du personnage de la mère

les scènes de réveil (10)

Lien proposé avec L'enfant invisible de André Lindon. Quelques photogrammes intéressants en l'absence du film.

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Explore the latest and popular posts around the world from Instagram.

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Fin de la séquence 3 de 10:01 à 11:59
Fin de la séquence 17 de 01:04:22 à 01:08:06
depuis l'axe du "langage" singulier crée dans le film mais bien évidemment en intégrant les dispositifs filmiques habituels (consulter le mur 2 Mise en scène)

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La bande annonce du spectacle "Raoul" de James Thiérrée

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La bande annonce du spectacle "Raoul" de James Thiérrée

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Extraits de Métamorphoses de Georges Méliès 

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Extraits de Métamorphoses de Georges Méliès 

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Le cyclope et la mer de Philippe Julien 

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Le cyclope et la mer de Philippe Julien 

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Afin de rompre sa solitude, Le Cyclope de la Mer, gardien de phare de haute mer, s’invente une colonie de marionnettes en bois flotté auxquelles il donne mouvement et voix, jusqu’au jour où il recueille un poisson rouge sur la plate forme du phare.

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Générique

Réalisation : Philippe Jullien.

Scénario : Philippe Jullien et Jean-Pierre Lemouland.

Assistant réalisation : Pierre Bouchon.

Animation : Souad Wedell, Fabienne Collet, Pierre Bouchon.

Stagiaire animation : Hugues Briere.

Décors : Jean-Marc Ogier.

Assistante décors : Fabienne Collet.

Stagiaires décors : Benjamin Botella, Rodolphe Albarede.

Marionnettes : Daniel Buthiaux, Souad Wedell.

Costumière : Anne-Claire Quemener.

Machiniste : Dominique Lomet.

Photographe de plateau : Coralie Portet.

Montage image : Anne Rennesson.

Etalonnage : Jean-Marc Gréjoie.

Montage son / Mixage : Thierry Gault.

Bruitage : Philippe Honore-Beaudoin.

Musique : Yann Tiersen avec l'aimable autorisation du label Ici D'ailleurs et des éditions BMG.

Production : Jean-Pierre Lemouland.

Assistante de production : Sarah Pouilly.

Une co-production JPL Films / Arte avec la participation du Centre National de la Cinématographie, du Conseil Régional de Bretagne, du Ministère des Affaires Étrangères, de la Direction de l'Action Audiovisuelle Extérieur avec le concours de l'Institut Culturel de Bretagne / Skol-Uhel ar vro, de l'Atelier Régional Cinématographique Bretagne.

Remerciements : Suzanne Biermann, Sandra Brunet, Karen Byot, Moran Caouissin, Yannick Conan, Sylvia Croutzeilles, Marie-Noëlle Dalle, Violaine Dejoie-Robin, Martine Durand, Maurice Frear, Paulette Grimault, Yvon Guillon, Herveline Guilloux, Michel Guilloux, Emmanuelle Guiraud, Christophe Jorg, Aissa Lahoucine, Yvon Le Gars, Dominique Lemetayer, Vincent Melcion, Maryline Millet, Ghylaine Nozdei, Claudine Riaux, Alain Rosello, la famille Souchais, Roland Thepot, Benoît Vanoni.

Et tout particulièrement Louis-Armel Bourdon et Olivier Gillon ainsi que le Cinéma Triskell de Betton, la ville de Betton, le district de Rennes, le CRÉA de l'Université Rennes 2 et Produire en Région.

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Réalisation : Philippe Jullien. Scénario : Philippe Jullien et Jean-Pierre Lemouland. Assistant réalisation : Pierre Bouchon. Animation : Souad Wedell, Fabienne Collet, Pierre Bouchon. Stagiaire animation : Hugues Briere. Décors : Jean-Marc Ogier. Assistante décors : Fabienne Collet. Stagiaires décors : Benjamin Botella, Rodolphe Albarede. Marionnettes : Daniel Buthiaux, Souad Wedell.

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L'homme qui plantait des arbres de Frédéric Back (France, 1987, 30’)

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L'homme qui plantait des arbres de Frédéric Back (France, 1987, 30’)

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Film d'animation d'après le récit de Jean Giono dans lequel un berger donne une nouvelle vie à un paysage presque désert (Dit par Philippe Noiret. Frédéric Back (1924-2013), Canada 1987). "L'Homme qui plantait des arbres" remporte l’Oscar du meilleur court métrage décerné par l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences de Los Angeles, aux États-Unis, le 11 avril 1988.

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L'homme qui plantait des arbres (après Jean Giono / dit par Philippe Noiret)

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La planète sauvage de rené Laloux - 1973 

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La planète sauvage de rené Laloux - 1973 

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La Planète sauvage est un dessin animé étonnant qui raconte comment des humains ravalés au rang d’animaux de compagnie d’extraterrestres géants parviennent à se libérer du joug de leur oppresseur. Posant une vaste réflexion sur les notions de société, d’intelligence ou encore de nature humaine, le tout porté par des décors psychédéliques et inventifs,

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Comment une petite fille rescapée d’un crash pendant l’été 1941 va survivre avec l’aide d’un puma protecteur.

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"Anna"

Spring 1941. A plane crashes in the Canadian Rockies and a little girl is taken in by a puma.
  
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A short movie by : 

Alexia Rubod 
Antoine Poyard 
Jordann Jacobé
Alexis Choquard 
Sophie Bracmard 
Yunhan Liu

Original Soundtrack by :  

Laura Lermigeaux

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AWARDS : 

Professional Jury, « Coup de Cœur » - Official Graduation Ceremony, Valenciennes, France
University of Avignon, « 1% Numérique » - Avignon, France
Rotary Club Carry Côte Bleue / Rotary District 1760 - « Professional Action Award »
Arpa International Film Festival, « Best Animated Short Film »  - Hollywood, USA
Animex Awards 2016, « CGI Animation Award » - Middlesbrough, UK
Torrelavega Film Festival 2016, « Best Animated Film » - Torrelavenga, Spain
Neum Animated Film Festival, « Best Student Film » - Neum, Bosnia
Bengaluru International Short Film Festival, « Second Runner Up » - Bengaluru, India


SELECTIONS :

Animago Award - Munich, Germany
SIGGRAPH Asia - Macao
Anima 2016 - Brussels, Belgium
Lund Fantastic Film Festival - Lund, Sweeden
Badalona Film Festival - Barcelona, Spain
Festival de Mamers - Mamers, France
Colcoa French Film Festival - Hollywood, USA
CMS International Children’s Film Festival - Lucknow, India
Festival international d'art vidéo de Casablanca - Casablanca, Morocco
FICCI Best Animated Frames Awards 2016 - Mumbai, India
Zlín Dog International Student Film Competition - Kudlov, Czech Republic
La Nuit Du Court-Métrage d'Amiens 2016 - Amiens, France
SIYFF - Séoul, Korea
Festival de l'Acharnière - Lille, France
Festival des Nouveaux Cinémas - Paris, France
Sacramento French Film Festival - Sacramento, USA
Film Festival of Madrid, « Vermouth in Short » - Madrid, Spain
Animanima Festival 2016 - Cacak, Serbia
Carton Festival - Buenos Aires, Argentina
Sapporo International Short Film Festival and Market – Sapporo, Japan
Lahore International Children’s Film Festival - Lahore, Pakistan
International Animation Festival of Brazil - Rio de Janeiro, Brazil
International Student and Video Festival of Beijing Film Academy - Beijing, China
Annual Kuandu International Animation Festival - Tapei, Taiwan
Festival Tournez Jeunesse, « Grandes Écoles » - Monistrol sur Loire, France
Festival du court-métrage de Saint-Maur-des-Fossés - Saint-Maur-des-Fossés, France
Festival du cinéma international en Abitibi-Témiscamingue, « Volet Jeunesse » - Québec, Canada
Grenada Afterglow Film Festival - Genada, USA
Festival Tournus 2016 - Tournus, France
SIFFCY - New Delhi, India
Animal Film Festival - Grass Valley, USA
ClujShorts - Cluj, Romania
International Animation Festival Chilemonos - Santiago, Chile
Children’s Film Festival Seattle - Seattle, USA

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This graduation movie was made in MoPA school, France, in 2015.

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Métamorphosis  de   Juanfran Jacinto    Carla Pereira

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Métamorphosis  de   Juanfran Jacinto    Carla Pereira

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Il est trentenaire et habite encore chez sa mère. Taciturne et tourmenté, il a définitivement perdu contact avec la réalité. Une nuit, resté seul, il décide de se libérer une fois pour toutes de ses démons intérieurs. En compétition nationale au festival de Clermont-Ferrand 2020.

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Découvrez l'offre VOD-DVD de la boutique ARTE

Il est trentenaire et habite encore chez sa mère. Taciturne et tourmenté, il a définitivement perdu contact avec la réalité. Une nuit, resté seul, il décide de se libérer une fois pour toutes de ses démons intérieurs. En compétition nationale au festival de Clermont-Ferrand 2020.

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Métamorphose (inspiré de la nouvelle de Franz Kafka) de Frédéric Even et Louise Mercadier - 2015 

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Métamorphose (inspiré de la nouvelle de Franz Kafka) de Frédéric Even et Louise Mercadier - 2015 

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Un matin, après une nuit d'angoisse, symptôme d'une révolte inconsciente, un homme se réveille transformé. Il tente de rejoindre ses parents qui toquent à sa porte. Au prix d'un douloureux effort, il parvient à leur ouvrir, mais à sa vue, pris d'effroi et de dégoût face à son inquiétante étrangeté, ses parents referment la porte sur lui. Placé hors du monde et désespérément seul, il devra endurer le processus d'anéantissement qui s'engage contre lui.

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Métamorphose (inspiré de la nouvelle de Franz Kafka)

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Les Fantômes d'Ismaël d'Arnaud Desplechin se déroulant en partie sur l'île de Noirmoutier, profitons-en pour vous proposer un Top 5 spécial "Iles au cinéma".