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Mi perspectiva del erotismo en la historia del arte

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Mi perspectiva del erotismo en la historia del arte

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Al investigar y pasar la historia a través del erotismo, se me hizo curioso como este termino pasando de ser algo sexual, a algo sumamente de grandeza religiosa, porque al pasar las épocas el sexo y el cuerpo se fue ocultando y satanizando, y lo erótico se volvió Jesús, se volvió dios, ese ser inigualable, perfecto y grande al cual mostraban de forma erótica en los cuadros…Sumamente diferente a como era en las épocas de la prehistoria, época egipcia o Grecia clásica, en donde las obras eróticas eran los ciudadanos o gobernantes teniendo actos sexuales incluso entre mismos géneros, practicando orgias y explorando el placer. Esas obras donde el sexo y el cuerpo desnudo estaban presentes, dejaron de ser eróticas desde el paleocristianismo hasta el romanticismo, y se convirtieron en obras que intentaban mostrar el mal infernal a través de estos mismos actos, siendo, nuevamente lo menciono, Jesus el nuevo erotismo. Es interesante como después del romanticismo, el cuerpo desnudo empezó a estar más presente nuevamente en el arte, y como aun así los artistas tuvieron problemas legales y sociales por arriesgarse a retratar a este, como por ejemplo Egon Schiele, u otros artistas que incluso les quemaron los cuadros. Hoy en día, nos estamos reivindicando con esa libertad sexual que fue satanizada en las épocas cristianas, pero nos queda camino para poder admirarla de forma completa sin censuras ni prejuicios.

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Ficha técnica:
Artista: Luis Caballero.
Titulo: Le Chateau de Hors.
Técnica: Litografía sobre papel.
Medidas:.8 X 27 cm.
Fecha: 1979d.C
Corriente artística: Arte contemporáneo.
Origen: Desconocido.
Se encuentra actualmente: Colección del banco de la republica.
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Cita: “Luis Caballero". banrepcultural, Desconocido,1/12/2020, https://www.banrepcultural.org/luis-caballero/obras2.html#!prettyPhoto.
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Análisis desde su contexto histórico:
Empezando por su contexto, Luis Caballero nació en Bogotá en el año 1943.
Estudió en la Universidad de los Andes y la Academia de la Grande Chaumire en París, y centro su arte en la expresión corporal de una forma intensa, trabajando especialmente con desnudos, como bien podemos ver en la obra elegida.
Su trabajo ha sido expuesto a nivel internacional y nacional, por ende eran obras para mostrar de forma publica.
La obra nos muestra grandes de las características que lo definían a la hora de pintar, las cuales eran los personajes sin rostro que se mostraban de forma expresiva con cierta actividad, también figuras solitarias y desesperadas.
Su gran interés era el cuerpo, la superficie, sus músculos, su anatomía, y algo que también lo caracterizaba era la angustia que transmitía en sus figuras de una forma bella.
Luis Caballero, baso mucho su forma de pintar en las figuras humanas del Renacimiento, teniendo gran influencia de este.
Este hombre, tenia como gran propósito mostrar una lucha por afirmar su personalidad y un estilo único. Le interesaba plasmar el fenómeno estético, el cuerpo hermoso estando vivo o muerto, y le interesaba el cuerpo en momentos eróticos, sensuales y  provocativo, pero también mostrar a este en una imagen dramática, violenta y sufrida.
En la obra escogida, podemos ver claramente todos estos aspectos que el quería transmitir, pues es un hombre desnudo sin rostro que al parecer esta sangrando por estar sometido a un amarre en telas que aprieta su cuerpo. Se perciben sus músculos y sus huesos, y la forma humana es completamente realista.
Algo interesante acerca de este artista, es que fue el primer hombre en entrar a la facultad de artes de los Andes en su época, y en unos años conservadores se considero abiertamente homosexual, plasmando eso en sus pinturas, donde se centro dibujar relaciones hombre a hombre.
En fin, esta obra nos logra demostrar la historia de Luis Caballero y sus intenciones en la expresión.

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Después de pensarlo bastante, llegue a la conclusión de que no separaría su arte con el artista porque este nace de lo que el vive, pero no por relacionarlos me negaría a seguirlo.
Es extraño. pero me interesa ver lo que podría crear artísticamente hasta una persona que va en contra de cualquier cosa que yo piense, ya sea moral, ética, ideal... Para mi no seria una forma de apoyar sus actos si no conocer lo que hay detrás de ellos.

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Ficha técnica:
Artista: Egon Schiele.
Titulo: El abrazo (Amantes II).
Técnica: Óleo.
Medidas: Desconocidas.
Fecha: 1917 d.C.
Corriente artística: Expresionismo.
Origen: Austria.
Se encuentra actualmente: Österreichische Galerie Belvedere.
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Cita: “El abrazo (Amantes II)". La cámara del arte, Marzo 26- 2018, 23/11/2020, https://www.lacamaradelarte.com/2018/03/ficha-tecnica-titulo-de-la-obra-el.html.
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Análisis según sus características formales:
Esta obra esta hecha a partir de oleos con pinceladas marcadas en multidirecciones, pues se alcanza a percibir donde paso el pincel de forma desordenada.
Se ven contrastes de oscuro y claro en el general del cuadro, pero en la esquina inferior derecha se concentran estos negros dando la sensación de sombra en este lado, por lo que podemos decir que la luz proviene desde la esquina superior izquierda.
Los colores son opacos y claros en una paleta de colores de amarillos hacia piel con toques negros y blancos.
La pintura proporciona una vista cenital de los personajes, el enfoque principal,  los cuales están recostados de la esquina superior derecha, hasta la esquina inferior izquierda, por ende se genera un énfasis diagonal.
Estos personajes son un Hombre y una mujer que por su pose, demuestran una relación afectiva, pues están desnudos abrazándose el uno al otro, por lo que también demuestra una intimidad conjunta romántica. Sus expresiones faciales casi ni se logran identificar, pero sus expresiones corporales muestran una apertura a sentir la presencia amorosa del otro.
Por ultimo, casi ni podemos ver una sensacion de profundidad por escases de sombras, lo que genera que los dos cuerpos se refundan un poco en lo que seria la tela y el espacio siguiente.

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Ficha técnica:
Artista: Gustave Courbet.
Titulo:  Woman with a Parrot.
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: Ancho 1956 x alto 1295 mm.
Fecha: 1866.
Corriente artística: Realismo.
Origen: Francia.
Se encuentra actualmente: The metropolitan museum of art.
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Cita: “Woman with a Parrot". Google Arts & Culture, desconocido , 17/11/2020,  https://artsandculture.google.com/asset/woman-with-a-parrot/jgHoAxofXjqd_Q?hl=es-419.
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Análisis según sus características formales:
Esta obra esta pintada con óleo sobre lienzo. Podemos notar a simple vista una pincelada suave y delicada, lo que le da finura a la pintura.
La luz proviene desde la esquina superior derecha, lo que nos permite ver con claridad el cuerpo de la mujer y el ave que sostiene, generando sombras sutiles en las partes del cuerpo de la dama que no están frente a la luz. También, gracias a la dirección de la luz el entorno es completamente oscuro escondido en una sombra que solo permite ver los detalles relucientes de las telas y el cielo de fondo.
Hay dos contrastes de color, el mas oscuro del entorno, y el claro y brillante de la mujer y la tela blanca.
El enfoque de la imagen esta evidentemente en la mujer, pues es la que resalta significativamente, y por su posición (esta recostada), podemos decir que la obra tiene un énfasis horizontal. Esta mujer no llena todo el espacio, pues ni sus manos ni pies alcanzan a terminar a los lados laterales de la obra,  pero esta en el centro del cuadro, pues esta recostada en el suelo y debajo de un techo y cielo que la posicionan exactamente en la mitad del encuadre.
Una conexón con el espectador interesante es el ave que sostiene, pues si bien no es el que mas resalta, sus colores distintos a los de la pintura y su relación con la mujer llaman la atención.
Entre estas dos figuras, se ve una relación de confianza, pues sus expresiones casi neutras y la posición de la mujer, demuestran cierta calma en la situación... A la vez, la mujer esta ofreciendo su mano para que el ave se sostenga, por lo tanto hay una acción de aceptación y recibimiento.
Por ultimo, vemos un espacio que no es completamente plano, pues tiene una profundidad clara en 3 etapas: Delante de la mujer, la mujer, y detrás de la misma.

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Ficha técnica:
Artista: Frederick Leighton.
Titulo: El pescador y la sirena.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 66,3 cm x 48,7 cm.
Fecha: 1861.
Corriente artística:
Romanticismo
Origen: Europa.
Se encuentra actualmente:  Colección privada.
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Cita: “Frederick Leighton-  El pescador y la sirena". Pintores y pinturas- Juan Carlos Boveri, desconocida , 10/11/2020, https://boverijuancarlospintores.blogspot.com/2010/01/frederic-leighton-el-pescador-y-la.html.
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Análisis según su temática
Al ver la pintura, identificamos a una sirena seduciendo y rodeando a un hombre el cual al parecer se esta dejando llevar hacia ella y el mar. Esto, tiene ciertos componentes de la mitología griega, pues la sirena es una criatura fantástica que en tal época, su símbolo era de mujeres con un corazón frío que con sus cantos angelicales, llevaban a los hombres a su muerte. Esto podemos relacionarlo perfectamente con esta obra, la cual es del romanticismo, lo que significa que tiene una línea hacia el arte romántico.
Gracias a esto podemos deducir que la temática de la obra es el amor que lleva a la perdición por el engaño y la belleza.
La narrativa se evidencia en las poses y actos que relacionan a los dos personajes, pues la cola de la sirena rodea las piernas y los  pies del que seria un pescador, el cual tiene una expresión pasiva y de poca voluntad.  Sus ojos están cerrados, y su cuerpo esta completamente abierto, lo que puede significar que esta dispuesto a recibir sin temor. La sirena, con los pechos descubiertos, envuelve el cuello del pescador con sus brazos y acerca su boca a la de el, en una acción que pareciera que se lo fuera a llevar a el mar de donde ella proviene.
Los componentes que me ayudan a identificar el tema son las dos figuras en el eje frontal de la pintura relacionando sus cuerpos con expresiones corporales como la del hombre, totalmente abierta, y la de la mujer, en plan de seducción rodeándolo con su cuerpo. Al lado derecho inferior, logramos detectar el sombrero y herramientas del hombre, las cuales nos hacen dar cuenta de que es un pescador. En la parte central inferior identificamos el mar y su espuma, de donde proviene y va la sirena con este hombre. A los alrededores, en las partes laterales del cuadro, vemos piedras en donde se encuentra recostado el pescador.

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Ficha técnica:
Artista: Velázquez, Diego Rodríguez de Silva.
Titulo: Las meninas.
Técnica: Óleo en lienzo.
Medidas:  Alto: 320,5 cm.; Ancho: 281,5 cm.
Fecha: 1656 d.C
Corriente artística:  Barroco.
Origen: Palacio Real Nuevo, Madrid.
Se encuentra actualmente:  Museo Nacional del Prado, Madrid.
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Cita: “Las meninas". Museo del prado, 28-04-2015,  3/11/2020, https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-meninas/9fdc7800-9ade-48b0-ab8b-edee94ea877f .

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Para empezar, vemos relación en ambas obras por la forma en la que fueron pintadas, pues en estas dos se uso óleo en lienzo. Eso no significa que por haber usado los mismos materiales la técnica también fuera igual, pues hay un trazo mas preciso y delicado en la obra de Velázquez y un trazo mas libre y despreocupado en la obra de Picasso (Lo que no significa que se haya hecho sin una intención precisa).
Esta claro que los espacios si bien son los mismos, se interpretan de forma distinta, puesto a que en la obra de Picasso por la técnica de cubismo, las diferentes perspectivas de los objetos se vuelven unidimensionales. En cambio, en la obra original de Velázquez, las formas tienen volumen en si mismas. En ambas se detecta una profundidad clara gracias a la buena repartición de los tamaños de cada sujeto en la pintura. Las obras se montan de forma distinta, pues hay un orden mas claro en la obra de la izquierda, que en el de la derecha. Incluso, en la obra de Picasso se demuestra un interés en no detallar cada personaje, tales como el niño mas a la derecha que es una figura en blanco, y el perro, el cual esta en la misma condición. Esto es completamente diferente en la obra de Velázquez, pues el efectivamente detalla y completa cada figura de su pintura.
En los colores, es evidente que hay una gran diferencia pero que a la vez tiene cierta relación, pues en el de Picasso, el color que predomina ante el blanco es el azul, mientras que el color que usa Velázquez es proporcionado generando una sensación de amarillo. Pero, ¿Cuál es la relación de estos colores tan distintos? Que ambos logran tener un aspecto opaco y seco.
Los brillos se presentan mas en la obra de Picasso por el gran uso del blanco, mientras que en la obra original hay brillos pero nunca se logra un blanco puro en ellos, por ende no hay gran impacto de luz como en el de la derecha; Lo que nos da paso a las sombras, pues se nota un contraste mas fuerte en la obra de Picasso que en la original, pues la de Velázquez tiene mas realismo y no merece de una potenciación en las luces y sombras.
Por ultimo, analizando las expresiones y relaciones de los sujetos en cada obra, en la original se logra ver personas que interactúan así tengan el rostro completamente neutro, mientras que en la de Picasso es mas difícil percibir como se relacionan los sujetos pero la inexpresividad en los rostros que también expresa, se vuelve algo mas exótico,  pues hay una exageración de la neutralidad, como podemos ver en la cara completamente blanca.

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Ficha técnica:
Artista: Pablo Picasso.
Titulo: Las Meninas.

Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: De 194 cm × 260 cm a 18 x 14 cm.
Fecha: 1957.
Corriente artística: Cubismo.
Origen: Desconocido.
Se encuentra actualmente:  Museu Picasso, Barcelona.
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Cita: “Las Meninas de Picasso". La cámara del arte, Julio 17 del 2019, 3/11/2020, https://www.lacamaradelarte.com/2019/07/las-meninas-de-picasso.html .

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Ficha técnica:
Artista: Luca Signorelli.
Titulo: El infierno.
Técnica: Fresco.
Medidas:  Desconocidas.
Fecha: 1499-1502.
Corriente artística:  Renacimiento.
Origen: Orvieto, Italia.
Se encuentra actualmente: Catedral de Orvieto, San Brizio Capilla.
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Cita: “El infierno; Luca Signorelli". Rincón del vago, 2018, 27/10/2020, https://html.rincondelvago.com/el-infierno_luca-signorelli.html .
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Análisis desde su temática:
Esta claro que la temática de la obra es el contexto del infierno, pues la pintura nos narra con 3 grupos de personajes interactuando entre si, una relación basada en el castigo en forma de fantasía.
En la parte superior de la pintura, identificamos a los ángeles que por su vestimenta, parecen ser guardianes. En el medio, vemos a criaturas con características de demonio,  las cuales arrojan a lo que seria la parte inferior de la obra, personas desnudas que al caer, se aglomeran con las demás y sufren diferentes torturas por sujetos iguales a los que las arrojaron.
Esto nos hace entender la jerarquía del bien y el mal que crea el catolicismo en el humano, y las consecuencias infernales a las que se sometería este  según esta religión.

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Ficha técnica:
Artista:  Hubert and Jan Van Eyck.
Titulo: The Ghent Altarpiece: Adoration of the Mystic Lamb.
Técnica:  Fresco.
Medidas:  11 feet 5 inches x 15 feet.
Fecha: 1432.
Corriente artística:  Renacimiento.
Origen: Bélgica.
Se encuentra actualmente:  Saint Bavo's cathedral Ghent.
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Cita:  “The Ghent Altarpiece: Adoration of the Mystic Lamb”.Google arts & culture, desconocido, 19/10/2020, https://artsandculture.google.com/asset/the-ghent-altarpiece-adoration-of-the-mystic-lamb-hubert-and-jan-van-eyck/6gE6DlMZF-OvSQ .

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Analizando y comparando estas dos obras desde  sus características formales,  podemos empezar desde lo mas evidente: el color.
En la obra de Giotto, los colores son mucho mas brillantes, claros y luminosos,  en cambio, los colores de la obra de Jan Van Eyck son mas opacos y oscuros, incluso mas realistas. La iluminación de Giotto es mucho mas potente, en las telas de los vestidos se nota que resalta la luz especialmente en la vestimenta de Judas, la luz pareciera que proviene desde la derecha por las sombras que se generan en la izquierda del cuadro y los vestidos. Gracias a estas sombras, se genera una sensación de pesadez en la ropa, aunque esta no es completamente realista. Por  otro lado, la luz del cuadro de Jan es mejor proporcionada, pues no hay brillos exagerados y las sombras de las telas de las vestimentas generan una sensación de realismo en ellas; Esta claro de donde proviene la luz, que es el sol del centro y como de este se proporciona para todo el cuadro, generando mas oscuridad en la parte inferior de la obra, pues pinta la sombra que se genera al ser esta la parte de atrás de la gente que recibe la luz de frente.
El espacio de la obra de Jan Van Eyic es muy proporcionado, pues la profundidad perfecta la genera gracias al tamaño de la gente respecto a los demás, los arboles, montañas, castillos y paisajes al fondo de manera que se logra un espacio perfecto. Por otro lado, la profundidad en el cuadro de Giotto es menos clara, pues casi que todos los hombres están del mismo tamaño así estén en distintas lejanías y no se siente un paisaje claro.
En fin, es evidente que Giotto tenia una gran técnica al pintar y optimismo en sus colores, pero Jan Van Eyck tenia un avance  significativo en sus detalles, proporciones, colores y realismo.

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Ficha técnica:
Artista: Giotto.
Titulo: Il Bacio di Giuda.
Técnica: Fresco.
Medidas: Altura: 200 cm; Ancho: 185cm.
Fecha: 1305 d.C.
Corriente artística:  Renacimiento.
Origen: Italia.
Se encuentra actualmente: Capilla de los Scrovegni, Pauda (Italia).
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Cita:  “El beso de Judas”.Historia arte , 10-03-2016, 19/10/2020, https://historia-arte.com/obras/el-beso-de-judas-de-giotto .

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Ficha técnica:
Artista: Maurice de Sully.
Titulo: Notre-Dame de París .

Técnica:  Edificio religioso hecho en piedra caliza. s
Medidas:
Fecha: 1163-1250 (primer período), 1250-mitad del siglo XIV (segundo período).
Corriente artística: Gótico francés.

Origen: Isla de la Cité, París, Francia.
Se encuentra actualmente: Isla de la Cité, París, Francia.

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Desde su función y composición, podemos ver que ambas estructuras tienen mucha relación en lo dicho anteriormente, pues tienen una función religiosa, son monumentos dirigidos a la oración, al dios católico. Ambas son espacios públicos en donde se desarrolla un ritual católico dentro. Su estructura es parecida, pues tienen formas angelicales como también del infierno en si. Ambas muestran una historia o mensaje en sus muros respecto a las creencias de la época. Son gloriosas, grandes y llamativas.
En diferencia, la románica es mas sencilla en su estructura que la gótica, pues es un tallado menos extravagante que la de la izquierda. También, tienen formas distintas, la románica es en forma de arco y la otra tiene la superficie plana con ciertos picos mas altos. Las ventanas se diferencian en que la gótica las tiene alargadas y angostas,  mientras que el énfasis de las ventanas de la estructura románica son mas amplias.
Se nota un avance arquitectonico por las columnas de la estructura gotica y por los tamaños, mas no le quita grandeza a las estructuras románicas que en la imagen se ve avanzada.
Por ultimo, siento que vemos una gran relación en ambas obras, solo que la románica es la que le abrió la puerta a la gótica para avanzar en la arquitectura y su complejidad, que si lo pensamos bien puede ser muy erótica por su grandeza.

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Ficha técnica:
Artista:  Maestro Mateo y taller.
Titulo: Pórtico de la Gloria.

Técnica: Granito y mármol policromados.
Medidas: 18 x 11 m.
Fecha: 1188.
Corriente artística: Románico.

Origen: España.
Se encuentra actualmente: Catedral de Santiago de Compostela.

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Cita: "Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, del maestro Mateo", artemagistral, 24/09/2016,  13/10/2020, http://artemagistral.blogspot.com/2016/09/portico-de-la-gloria-de-la-catedral-de.html#:~:text=Maestro%20Mateo%3A%20P%C3%B3rtico%20de%20la,Dimensiones%3A%2018%20x%2011%20m.

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Ficha técnica:
Artista: Kerald (Maestro del Codex Egberti).
Titulo:  Codex Egberti, escena: Bethlehemitischer Kindermord.

Técnica: Pintura en papel.
Medidas: 10,3 x 13,3 cm.
Fecha: Siglo X.
Corriente artística: Pintura otoniana.
Origen: Alemania.
Se encuentra actualmente: Biblioteca trier.
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Análisis desde la composición:
Cuando empezamos a observar analíticamente la imagen, podemos notar que esta fraccionada en 4  partes donde hay distintos grupos de personas. Al lado izquierdo están hombres posicionados al mismo nivel, los cuales son de poder gracias a sus armas y características de vestimenta fina como son sus vestidos morados con detalles dorados, coronas, capas rojas y zapatos elegantes. Sus cuerpos se inclinan hacia la misma dirección (derecha),  y son 4, al igual que las mujeres del otro lado,  el derecho, las cuales están semi desnudas y a diferencia de los mencionados anteriormente, sus cuerpos no se inclinan hacia la misma dirección, pues aparte de que están a diferentes niveles, dos están viendo al lado derecho, y las otras dos al lado izquierdo.
En el centro, vemos a otros dos grupos de personas; Al lado izquierdo, 3 hombres con menos poder por sus vestimentas simples, dirigiéndose con espadas hacia el grupo derecho, personas desnudas con menor tamaño de forma desordenada y con heridas letales. Por ultimo, vemos al lado de las mujeres de la derecha, unos muros de piedra que van casi al nivel de los hombres poderosos de la izquierda. Gracias a esta organización de los objetos en grupo, podría decir que hay un énfasis en curva, a lo que me refiero con esto es que hay un hundimiento en el nivel de los sujetos al centro del dibujo, mientras que en las esquinas, el nivel de los sujetos esta mas alto e incluso casi igual a su otro extremo.  Por esta misma curva que se hunde en el centro, el espacio no se completa, si no que tiene en el centro superior un vacío en el cual va el cielo.
Podría decir que el enfoque esta en el centro, donde esta sucediendo toda la violencia hacia los desnudos, pues es donde se presenta la crisis de la pintura.
Por ultimo, podemos ver una relación clara entre los grupos de sujetos que vemos, pues los hombres de poder y de menos poder de la izquierda están atacando a las  personas desnudas de la derecha, y las mujeres siendo espectadoras,  sufren a consecuencia ello.
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Cita:   "Zeno.org". Kerald (Maestro del Codex Egberti): Codex Egberti, escena: Bethlehemitischer Kindermord, desconocido, 22/09/2020,
http://www.zeno.org/Kunstwerke/B/Kerald+(Meister+des+Codex+Egberti)%3

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Ficha técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo: Pantocrátor del Sinaí.
Técnica: Encáustica en madera.
Medidas: 84 x 45,5 cm.
Fecha: Siglo VI.
Corriente artística: Arte  Bizantino.
Origen: Egipto.
Se encuentra actualmente: Monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí, Egipto
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Cita:  “Pantocrátor del Sinaí”. La cámara del arte, Agosto 21, 2018, 15/09/2020, https://www.lacamaradelarte.com/2018/08/pantocrator-del-sinai.html.
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Nota: Lo erótico también es divinidad y deseo, no encontré sexualidad en lo bizantino pero en las tutorias encontramos esta alternativa.

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A partir de la figura:
Comenzando por las expresiones en cada imagen, podemos notar bastantes diferencias. En Adán y Eva se presenta una expresión relacionada entre ambos personajes desnudos,  sus cuerpos indican una posición cerrada, donde se cubren sus zonas intimas con cierta vergüenza y timidez. Esto gracias a que están encorvados y sus brazos tapan en el caso de Eva los pechos y el pubis y en el caso de Adán, su órgano sexual masculino. Aparte, sus rostros no están detallados, por ende se genera una inexpresión, una seriedad y neutralidad en sus miradas. En el caso de Pantocrátor del Sinai, es completamente distinto, pues es el único presente en la pintura y no se evidencia ningún tipo de vergüenza ni cuerpo cerrado, se ve relajado. El rostro esta mas elaborado y detallado, tiene una expresión neutra y seria. Así el personaje este en solitario, pareciera por la mirada fija que se generara una relación entre el espectador y este mismo.
En esta obra, la relación es con el espectador; En la de Adán y Eva la relación es entre si, rechazando al que los ve.
En fin, en la obra de tu izquierda, se identifica una calma por la expresión facial y corporal, mientras que en la obra de tu derecha, por lo mismo dicho anteriormente, se identifica una sensación de incomodidad y negación a la sexualidad, algo característico de esta época.

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Ficha técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo: Adán y Eva.
Técnica: Dibujo en piedra/Fresco.
Medidas: Desconocidas.
Fecha: Siglo III.
Corriente artística: Arte paleocristiano.
Origen: Roma
Se encuentra actualmente: Catacumba de los santos Marcelino y Pedro
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Cita:  “Adan y Eva”. Arte Historia, 2017, 15/09/2020, https://www.artehistoria.com/es/obra/ad%C3%A1n-y-eva-4 .

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Ficha técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo: Desconocido.
Técnica: Tallado en mármol.
Medidas: Desconocidas.
Fecha: Aprox siglo I d.C
Corriente artística: Arte erótico romano.
Origen: Tarragona.
Se encuentra actualmente: Museo nacional arqueológico de Tarragona.
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Análisis desde los materiales
En la estatuilla podemos notar que la técnica es un tallado en mármol blanco. Esta técnica se uso de una forma bastante detallada y delicada, pues no solo hace la forma con las características y detalles de un falo, si no que le añade un rostro sutil y claro de hombre con expresión; Ademas,  esculpe el pene y piernas de este.
Por eso mismo, podemos ver un avance en la técnica de tallado de piedra, pues se logro con precisión crear una obra antropomórfica erótica, siendo el órgano sexual masculino un hombre.

Cita: "La vida sexual de los romanos", Historia National Geographic, 16/04/2013, https://historia.nationalgeographic.com.es/a/vida-sexual-romanos_7188/1 .

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Ficha técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo: Gálata Moribundo
Técnica: Escultura en Bronce (La copia en mármol)
Alto: 93cm.
Longitud:187 cm.
Fecha: 228 a.C
Corriente artística: Obra helenista.
Origen: Grecia.
Se encuentra actualmente: (La copia) Museo Capitolino de Roma
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Análisis desde el espacio
En esta escultura, notamos como su cuerpo se relaciona con la superficie de forma espacial. Esta en un énfasis horizontal y el enfoque se presenta en el hombre herido. Su cuerpo llena de forma casi completa la superficie de lado a lado, siendo entonces limitado por ella. Por ultimo, podemos ver una especie de "Decrescendo" en la composición de la figura, pues la superficie esta levantada en donde el cuerpo esta en su punto mas alto, mientras que la superficie tiene un hundimiento en donde el cuerpo reposa a su nivel mas bajo.

Cita:   Kokita, Eri, "Historia del Arte : de la prehistoria a nuestros días", Blogspot, 20/12/2018, http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2018/12/galata-moribundo.html.

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Comparando ambas obras con el espacio, lo primero que podríamos decir es que en la obra helenista, el protagonista es solo uno relacionado con un objeto, mientras que en la Obra de Grecia Clásica, son 5 personajes los que están pintados y relacionados entre si. También observamos un manejo del espacio distinto, pues en la obra de tu izquierda el espacio tiene un descrestando con la figura, formando así en el espacio negativo un triangulo, mientras que en la obra de la derecha el espacio se mantiene casi recto entre ellas, generando menor espacio negativo que personajes.
En semejanzas, diría que en ambas obras participan hombres desnudos relacionándose con las demás figuras presentadas a su alrededor, pues no hay neutralidad si no movimiento y expresión lo cual genera una presencia de los hombres de lado a lado, por ende, ambas obras están en énfasis horizontal, pues ninguna figura esta recta verticalmente, si no inclinadas hacia adelante.

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Ficha técnica:
Artista: Pedieo.
Titulo: Desconocido.
Técnica: Dibujo sobre crátera.
Medidas: Desconocidas.
Fecha: 510 a.C
Corriente artística: Obra de Grecia clásica.
Origen: Grecia antigua.
Se encuentra actualmente: Museo de Amsterdam
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Análisis desde el espacio
Prácticamente la obra esta constituida por 5 hombres teniendo una practica sexual conjunta, la cual llena el espacio, dejando como único objeto una mesa.
La pintura se presenta en un énfasis horizontal, siendo limitada por las orillas de la vasija que van desde el inicio de esta, hasta su parte inferior en donde empieza el soporte. El enfoque principal podría darse en el trió de los hombres, mientras que atrás esta un dueto.
(La comparación, esta en el cuadro amarillo)

Cita: "Erotismo en el arte griego antiguo", Educomuncaciones, fecha no especificada, https://educomunicacion.es/arte_erotico/grecia_antigua_arte_erotico.htm .

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Ficha Técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo: Lady of snakes.
Técnica: Tallado.
Altura: 29,5cm
Ancho: Aprox 11,5 cm
Fecha: Aprox 1600 a.C
Corriente artistica: Obra minoica.
Origen: Creta
Se encuentra actualmente: Museo de Iráklion.
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Análisis desde la figura
En la imagen podemos ver una relación clara entre la mujer, las serpientes y el animal de 4 patas. Comencemos por la pose de la mujer, la cual esta completamente abierta, con los pechos expuestos y neutra en sus expresiones faciales,  lo que puede significar seguridad y poder, aparte de su atuendo fino.
Esta mujer sostiene dos serpientes que no muestran oposición si no que se dirigen hacia el cuerpo femenino, sin atacar ni apretar de mas.
Encima de la cabeza de la mujer, vemos cómodamente a un animal pequeño de cuatro patas sentado, con confianza y sin temor alguno. La relación de todas las figuras genera un equilibrio, y demuestra grandeza.

Cita:   Senta,  German "Snake goddess", Khan Academy, fecha no especificada, https://www.khanacademy.org/humanities/ancient-art-civilizations/aegean-art1/minoan/a/snake-goddess

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Ficha Técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo:  Placa de Terracota de Babilonia.
Técnica: Tallado en piedra.
Alto: 13.5 cm
Ancho: 7.5 cm
Fecha: Aprox 2000-1700 a. C
Corriente artística: Obra mesopotamica.
Origen: Mesopotamia.
Se encuentra: Vorderasiatische Museum.

Citación: "Las placas eróticas mesopotámicas", Arqueología e historia del sexo, 27/08/2016, http://historsex.blogspot.com/2016/08/las-placas-eroticas-mesopotamicas.html .

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Ficha Técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo: Papiro Erótico de Turín.
Técnica: Dibujo en papiro.
Longitud: 260 cm
Ancho: 25 cm
Fecha: Aprox 1279-1213 a.C
Corriente artística: Obra egipcia.
Origen: Antiguo Egipto.
Se encuentra:  Museo Egipcio de Turín-Italia.

Citación:  "Papiro erótico de Turín", EcuRed, 19/6/2017, https://www.ecured.cu/Papiro_er%C3%B3tico_Tur%C3%ADn .

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Ficha Técnica:
Artista: Desconocido.
Titulo: Los amantes.
Técnica: Tallado en piedra.
Alto: 10,8cm
Ancho: 6,2cm
Profundidad: 3,8cm
Fecha: Desconocida (aprox 11.000 años atrás).
Corriente artística: Obra Prehistórica.
Proviene de: La cueva de Ain Sakhri en Cisjordania.
Se encuentra en:  Museo Británico
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Análisis desde los materiales
Observando la obra, lo primero que vemos es que es es una escultura que representa los inicios de esta técnica.
El material es la piedra caliza, usada frecuentemente en esta época, y a simple vista podemos notar que esta tallada en piedra.
Sus características físicas son leves, pues no hay mayor detalle en la figura. Notamos que son dos personas, pero no tenemos claro su sexo, y estas dos se relacionan entre si, ya que están frente a frente y se rodean con las piernas, evidenciando un acto sexual. Gracias a la falta de detalle y técnica usada, vemos como se funden sus cuerpos, pues se mezclan de lo unidos que están gracias a la forma de creación de esta escultura.

Citación: "Estatuilla de los amantes de Ain Sakhri", Geografia, historia y arte, 10/10/2012, https://historiarrc.blogspot.com/2012/10/estatuilla-de-los-amantes-de-ain-sakhri.html .

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Mi enfoque serán las obras eróticas, pues me parece interesante poder estudiar la sexualidad en su interpretación mas sensible como es el arte, y así mismo verlo en sus diferentes épocas con sus distintas percepciones, ya sea el sexo como algo natural, como algo prohibido, como la revolución,  como el amor, como una venta...y notar como la mentalidad según el periodo de la historia transforma un mismo concepto y un acto tan común. Me pareció genial escoger este tema ya que la sexualidad ha estado plasmada en el arte desde los orígenes del hombre, y no es algo que haya permanecido constante en el entendimiento de la sociedad si no que se transformaba por la cultura cada vez que avanzaban los años, y no era una transformación ligada si no que acababa con las anteriores, para hacerme entender: En las tribus indígenas la sexualidad era algo natural, pero llego la iglesia católica y cambio radicalmente el concepto dando paso a otra época en la historia.
En fin, también pienso que como es un acto tan dependiente de su cultura, me abre paso a conocer mas del contexto histórico social, y poder ver esto interpretado por el arte me parece muy interesante.

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¡IMPORTANTE! A partir de aquí haré corrección a todo lo que he hecho. 

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¡IMPORTANTE! A partir de aquí haré corrección a todo lo que he hecho. 

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A diferencia de la obra de Grecia Clásica,  aquí vemos a una escultura que pareciera de mármol o una roca típica, con técnica avanzada  en el detalle del cuerpo humano, movimiento, expresión facial y corporal, relación entre si y el realismo de las telas. Ya no estamos observando una interacción erótica en términos de placer, si no una interacción sexual en términos de relaciones humanas enfrentadas a la crisis, donde no solo entran los hijos si no la serpiente, la cual rodea sus cuerpos y si se detalla, aparte de apretarlos y juntarlos, hay una serpiente especifica que esta mordiendo a Laocoonte.
También si nos fijamos en los cuerpos de los niños, notaremos que los brazos están cortados de forma perfecta, por lo que no se sabe si la intención del artista fue dejarlos así, o la historia genero fracturas en la escultura.
https://www.culturagenial.com/es/escultura-laocoonte-y-sus-hijos/

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Nombre: Laocoonte y sus hijos.
Autor: Anónimo.
Origen: Grecia.
Fecha: Aprox 170 -150 a.C
Altura: 2,42 metros
Descubierta: En 1506 d.C
Ubicación actual: Museo Vaticano

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Aquí podemos ver una vasija que cumple con la estética clásica de la época, ya que tenemos el típico fondo negro con criaturas dentro naranjas. Si nos fijamos en los ojos, notamos que también siguen el estilo de dibujarlos como si estuvieran de frente, estando la cara de perfil. Se nota un dibujo de cuerpo mas elaborado, donde así sea sencillo el detalle, resaltan cierta musculatura.
Asi mismo, entrando en detalles mas superficiales, podemos ver un grupo de hombres presentando actividad sexual de forma conjunta. Esto podría demostrarnos la mirada de la época hacia la homosexualidad, aunque investigando al parecer la admiración por el hombre (Machismo extremo) generaban este tipo de relaciones intimas entre ellos.

https://www.nuevatribuna.es/articulo/historia/grecia-clasica-sexo/20170213140454136673.html

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Nombre: Indefinido.
Artista: Pedieo.
Año: 510 a.C
Origen: Grecia antigua.
Medidas: No se encuentran.
Se encuentra actualmente: Indefinido.

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Vemos a una mujer sosteniendo dos serpientes en ambas manos hacia arriba, y un gato sentado en su sombrero. Esta mujer esta seria y con un vestido prestigioso que le descubre únicamente los pechos. El material parece una especie de roca tallada y procesada para obtener un brillo especial. También pareciera que se le aplico tinte para resaltar los negros.
Es una escultura que aparenta ser muy fina y muestra poder por la pose y los animales que sostiene. Puedo llegar a pensar que es un símbolo de alguna diosa que representa también la sexualidad por la desnudez únicamente en sus pechos.

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Nombre: No se identifica.
Artista: Anonimo.
Altura: 30cm
Fecha: Aprox 1600 a.d.c
Origen: Creta
Se encuentra actualmente: Museo de Iráklion

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Mesopotamia: Placa de  Terracota de Babilonia.

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Mesopotamia: Placa de  Terracota de Babilonia.

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Artista: Anónimo.
Se encuentra actualmente: Vorderasiatische Museum.
Medidas: 13.5x7.5 cm
Fecha: Aprox 2000-1700 a. C
Origen: Mesopotamia.

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Artista: Anónimo.
Longitud: 2,59
Ancho: 25 cm
Fecha: Aprox 1150 a.C
Origen: Antiguo Egipto.
Se encuentra:  Museo Egipcio de Turín-Italia.

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Podemos ver un tallado en roca  que le da forma a una unión de dos personas sin rastros de nada que les cubra su desnudez, donde ambas están mirándose de frente y se rodean mutuamente en un acto sexual pero no violento, como no lo imaginamos en esa época, si no con amor. Podríamos encontrar una metáfora visual tal vez, o no, a propósito de las dos personas no solo juntas si no mezcladas, pues vemos como los cuerpos se refunden entre si. Se nota una técnica no detallada pero clara en el acto que esta sucediendo, sin rastros de materiales aparte de solo roca y algo que le diera forma. El poco detalle permite abrir aun mas la interpretación , pues no se sabe si son dos mujeres, dos hombres, o una relación heterosexual.

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Artista: Anónimo.
Nombre: Los amantes.
Proviene de: La cueva de Ain Sakhri en Cisjordania.
Alto: 10,8cm
Ancho: 6,2cm
Profundidad: 3,8cm
Existencia: Aproximadamente 11.000 años.
Se encuentra en:  Museo Británico

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La palabra que escogí fue revolución, pues podemos pensar que el arte también puede ser una forma de exponer inconformidad, y que esta rebeldía pudo acabar e iniciar muchos periodos en la historia.

En lo personal, me parece interesante poder enfocar mi estudio de la historia en los rebeldes, en tal vez los más locos en este ámbito. Para mí el cambio es revolución, y el arte está lleno de eso, incluso la primera obra que se hizo en el mundo entero pudo ser un acto revolucionario. Y es que este tema se presenta en todas las épocas, por algo la historia cambia y por algo así haya generado crítica y juzgamiento en su momento, tengo hoy en día la oportunidad de conocerlo.

También, es una fuente de inspiración para mí, poder conocer las historias tanto personales como artísticas de estas personas y su impacto en el momento. Puede haber una especie de identificación conociendo tales acontecimientos y relacionándolos con lo que es mi arte. Hasta podría arriesgarme a decir que me parece divertido y motivador este enfoque, pues la locura es algo que siempre te dejara con los ojos abiertos.

También a través de esta mirada, podre conocer el contexto social y político de cada época a través de la perspectiva de alguien que no está de acuerdo, por ende, hay profundidad en la crítica, y no seguimiento ciego de poder que pretende captar a los ciudadanos, lo cual es muy recurrente en la historia e incluso hoy en día.

Es una manera de conocer la historia desde otra perspectiva, estudiar lo que la gente rechazo y admirarlo, entenderlo y hasta criticarlo. Por esto, quiero irme por la revolución, porque tiene riesgo, porque para mí representa lo que es el arte que trasciende y cambia, y porque me encanta.