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En el Renacimiento se buscaba principalmente la simetría y la perfección en las proporciones, siguiendo un canon clásico. Asimismo, este movimiento y sus obras destacan por las siguientes características:

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La recuperación de temas y aspectos propios de la cultura greco-romana, como la armonía, la mitología griega o la perfección de las proporciones como símbolo de belleza.

El ser humano como centro del universo.

Pérdida del poder de la Iglesia en favor de la idea de la razón. La fe pasa a un segundo plano.

Creencia en que el conocimiento es la causa principal de la felicidad del ser humano y, a su vez, el sufrimiento es una consecuencia de su ignorancia.

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Como ya hemos comentado anteriormente, el arte del Renacimiento puso en primer plano el cuerpo humano destacando la perfección de sus formas.

Es por ello que, tanto la escultura como la arquitectura de esta época, rompieron con las características del arte gótico. Por tanto, pasaron a dar protagonismo a la cultura clásica romana y griega, las matemáticas y la geometría para conseguir representar las figuras y personajes de una manera lo más fiel posible a la realidad.

Respecto a la escultura renacentista, sus artistas se caracterizaban por tener amplios conocimientos en ciencias como las matemáticas, la anatomía y la física. De este modo, conseguirían alcanzar la perfección en la representación de un cuerpo humano proporcionado. Este tipo de obras se realizaban en materiales como el bronce o el mármol.

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Las principales características del manierismo son las siguientes:

Es un arte surgido a partir de la crisis que significó para Italia la pérdida de su supremacía económica, así como el impacto sobre el papado de la Reforma protestante y el sacco de Roma por las tropas de Carlos V.

Durante el siglo XVII y hasta el siglo XX fue considerado un arte decadente, continuador imperfecto del Renacimiento. Se consideraba a los artistas manieristas como imitadores de escaso talento de los grandes artistas renacentistas, especialmente de Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.

Fue revalorizado a partir del siglo XX al ser analizado como una manifestación original de un momento particular de la sociedad europea.

En contra de las fórmulas clásicas del período anterior, que tomaban como modelo a los antiguos clásicos y la naturaleza, los manieristas tomaban como referencia las obras de artistas de las generaciones anteriores a ellos.

Por sobre esas normas clásicas del arte, los artistas privilegiaron la visión interior, la subjetividad y el gusto personal. Esta subjetividad se manifestó de distinto modo: mientras algunos artistas plasmaban visiones espirituales; otros produjeron obras intelectuales y sofisticadas.

En el aspecto formal, las obras manieristas se caracterizaron por el descentramiento, la desarticulación de la unidad espacial, la pérdida de relación lógica entre lo principal y lo secundario, el uso de colores disonantes, las exageraciones y las desproporciones.

Es un estilo artístico internacional y aristocrático, muchas veces asociado a cierta diversión intelectual vinculada al consumo de las clases altas.

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Algunas de las características del manierismo en las artes plásticas son las siguientes:

Las pinturas y esculturas del manierismo se caracterizan por su artificialidad. No hay relación directa entre lo representado y el modelo natural.

Se representan cuerpos y formas torsionadas, generando un movimiento espiralado denominado serpentinato. Las anatomías se deforman y alargan.

Se abandona la coherencia espacial: es difícil determinar cuál es el espacio donde se ubican los personajes y las relaciones espaciales entre ellos.

El uso del color y la luz es arbitrario. En algunos casos se utilizan colores estridentes y llamativos, mientras que en otros se utilizan tonos oscuros con sombras profundas.