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“Muchas culturas carecen de términos que puedan traducirse fácilmente como “arte” o “las artes”. Sin embargo, incluso sin una palabra para designar el arte, las personas de todas partes asocian una experiencia estética (una sensación de belleza, aprecio, armonía, placer) con sonidos, patrones, objetos y eventos que poseen ciertas cualidades.” (Kottak, 2011, p.345)

Empezando con esta cita, podemos apreciar el que no contamos con una definición exacta de lo que es arte, pero que en base a conocimientos cada persona y cultura genera una definición de lo que cree es arte.

En esta cita también se nos hace referencia a que encapsulamos el arte a lo estético, esto es correcto ya que tendemos a pensar que arte es lo bello, lo que es perfecto a nuestra vista y que genera conexión emocional.

“Un diccionario define arte como “la calidad, producción, expresión o reino de lo que es bello o de significado más que ordinario; la clase de objetos sujetos a criterios estéticos” (The Random House College Dictionary, 1982, página 76).

"Es posible que una obra de arte atraiga la atención, dirija los pensamientos y cobre un significado más que ordinario aun cuando la mayoría de las personas que la contemplan no la juzguen hermosa." (Kottak, 2011, p.345)

Acá vemos una reiteración sobre que el arte es igual a estética, pero también vemos como Kottak contradice y añade algo más a esta definición. Si el arte es conocido por hacernos sentir o conectar con la obra ¿por qué no sería una obra de arte algo que no es considerado estético? ya que aunque muchos no le consideren bellos, si se dice que el arte nos hace sentir podemos confirmar esta característica en lo "no estético", entonces debería ser considerado arte.

“Las artes incluyen a la música, las artes escénicas, las visuales, narraciones y literatura (oral y escrita). Dichas manifestaciones de la creatividad humana en ocasiones se llaman cultura expresiva.” (Kottak, 2011, p.344)

Junto al la definición de arte también se cuestiona cuáles áreas entran en calificación de arte, porque algunas personas consideran las ciencias un arte, mientra que otras se oponen a que se les catalogue arte.

“Sin embargo, tenga en mente que la cultura expresiva abarca mucho más que las artes visuales. También incluye bromas, narraciones, teatro, danza, juegos de niños, juegos y festivales” (Kottak, 2011, p.345)

Podemos apreciar que muchas veces tendemos a encasillar el arte como solo artes visuales, como por ejemplo las pinturas y dibujos. Se nos olvida que existen las artes escénicas, artes musicales, etc. no saber apreciar todo lo que nos ofrece el arte hace que seas mucho más difícil llegar a obtener una definición del arte y sus áreas.

El valor estético que se le da al arte es una forma de distinguirlo, así como su ubicación. Se nos dice que 'para que un trabajo sea considerado una obra de arte debe de ser expuesto, ya sea un museos o galerías que son lo más tradicional, pero también se puede exponer arte en áreas de ordinarias, solo que para algunas personas al ser "menos formal" no le tomas como un espacio donde se exhiben obras de arte. El cerrarnos a ciertos espacios tradicionales donde podemos apreciar obras de arte es un problema, no aprecia e incluso invalidar el trabajo de un artista solo por su espacio de exposición demuestra una mala cultura de la apreciación.

Cuando hablamos de espacios no ordinarios y sobre que para ser considerado obra de arte debe de ser expuesto hace que se cree una gran duda: ¿Son las redes sociales un espacip de exposición? ¿Si comparto mi arte por medios tecnológicos y no presenciales se considera una obra de arte?

Con lo anterior podemos concluir que la definición y calificación del arte es algo difícil de generar, aunque tenemos muchas opiniones y algunos puntos que seguimos a la hora de analizar una obra, definir el arte es algo que llega a ser muy personal.

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El concepto del arte ha sido un objeto que ha llegado a tener diversos cambios a lo largo de su existencia.

Como comenta Tatarkiewiz con respecto a la permutación del arte: "Los cambios han sido suaves pero constantes, y a través de milenios han hecho que cambie totalmente el sentido de las antiguas expresiones." (Tatarkiewicz W., 1987, p. 39), esto se observa con las áreas que el arte ha englobado, desde las actividades con reglas, como las matemáticas, arquitectura, sastrería y más, las cuales son prácticas con un mayor nivel de destreza que las que el concepto actual del arte engloba.

Curiosamente, para el ensayo de Teoría del conocimiento de la convocatoria de noviembre 2023 del Programa de Diploma de Bachillerato Internacional, el segundo título contenía la siguiente cita de Godfrey Harold Hardy “los patrones del matemático, como los del pintor o poeta, deben de ser hermosos” (G. H. Hardy, 1940, p. 85), lo cual tiene una estrecha relación con el argumento del cambio que posee el concepto del arte debido a que expone un pensamiento más actual sobre la belleza que tienen las matemáticas, exponiendo a su vez que, si en la actualidad piensan eso, ¿Cómo en la antigüedad, donde las matemáticas o procesos aplicables “cuadrados” (por su gran cantidad de destreza para la aplicación) no lo iba a ser?, sin embargo, este pensamiento llevó a que la creatividad y lo que viniera de las mentes creativas y no siguieran los parámetros necesarios, no fueran realmente un “arte”. Esto lleva a cuestionarse, ¿realmente el arte en ese momento venía del intelecto reglamentario y lo que actualmente se aplaude como inteligencia o habilidad pesada?, porque, al ponerlo en perspectiva con muchas de las obras de la época, como son muchas imágenes del cristianismo o catolicismo, porque sí, las obras que entran en el concepto actual (o en el que más adelante mutaría), eran movidas en su gran mayoría por la religión.

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“Las definiciones tanto de arte como de religión implican “más que lo ordinario” o lo “extraordinario”. Los estudiosos religiosos separan lo sagrado (religioso) de lo profano (secular).” (Kottak, 2011, p.346)

Un argumento que llamó nuestra atención es la conexión de lo artístico y lo religioso, que aunque no la tenemos muy presente, a la hora de cuestionar esta afirmación podemos darnos cuenta de que existe esta conexión.

De acuerdo con el antropólogo Jacques Maquet (1986), una obra de arte es algo que estimula y sostiene la contemplación. Atrae la atención y la reflexión. Macquet subraya la relevancia de la forma del objeto en la producción

de tal contemplación artística.

Esto es un punto de comparación entre el arte y religión porque como explicamos anteriormente, una de las características del arte es el generar emociones, en este caso es la contemplación, también que podemos considerar la iglesia como un espacio de exposición, ya que en ellas podemos encontrar numerosos trabajos artísticos, que además de generar una reacción en la persona (aunque tener una reacción ante una obra de arte no es exigido, pero tendemos a pensar que si no hay un sentimiento reflejado no puede ser una obra) está expuesto en un espacio donde puede ser apreciado, por lo que cuenta con dos puntos importantes a la hora de calificar trabajos artísticos como obras de arte.

Podemos concluir que aunque las iglesias no están destinadas principalmente a ser espacios de exhibición artística, cuentan como una y hace que los trabajos dentro de sus instalaciones sean obras de arte. También podemos agregar que las iglesias representan otras áreas como las artes musicales, las escénicas y la danza.

La iglesia y el arte comparten muchas cosas en común, y aunque la iglesia no se centre en el estudio del arte, es uno de los espacios que más la representa.

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Seguidamente, Tatarkiewiz toca el concepto del arte en la edad media, donde se deja atrás la idea de que únicamente las áreas que representaban una “verdadera destreza” fueran arte, si no que comenzaban a incluir cosas con relación a la habilidad, ya sea la pintura o las ciencias. Este concepto del arte permitió darles voz a más áreas de conocimiento, dejando expuestas a las mismas al mundo y generando que, aunque el concepto del arte haya abarcado una mayor extensión, permitía a su vez que diferentes áreas fueran catalogadas como algo con técnica (según la raíz griega del término “arte”, y habilidad-industria según el término proveniente del latín). Empero, esta suma de extensiones que representaban al arte también creó una división interna donde, de manera implícita-explícita, catalogaban el arte como algo liberal o vulgar, la última también siendo vista como común o mecánica, según menciona Tatarkiewiz, cosa que hace denotar que, por mucho que busquen una igualdad entre las materias que buscaban componer el arte, las mismas seguían siendo verdaderamente juzgadas por su dificultad, la cual realmente no puede ser medida por la diferencia de habilidades (las cuales también estaban cuantiando), dejándolo así como un concepto que tomaba en cuenta el pensamiento de personas que podrían pertenecer al gremio artístico, que con ciertas características que su perspectiva consideraba como difíciles, trabajosas o más, tendrían un reconocimiento más alto que las más “sencillas” o que realmente no tuvieran un impacto que ellos vieran como real; “Tampoco se creía, según ese aspecto, que todas las 'bellas artes' eran liberales: el arte del escultor, que exigía un esfuerzo físico, era para los antiguos un arte vulgar, como podría serlo igualmente la pintura.” (Tatarkiewiz, 1987, pp. 40-42).

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Bajo la misma premisa del arte y su división en dos subcategorías, según Mundo ITAM: “en la Edad Media, se establecieron 7 artes liberales divididas en dos secciones: trivium y quadrivium. El trívium era la rama del lenguaje, compuesta por; gramática, dialéctica y retórica, y el quadrivium la de matemáticas, compuesta por; aritmética, geometría, astronomía y música.” (Mundo ITAM, 2017, pár. 4), además, coloca a la filosofía como la reina de las artes liberales. El termino de “artes liberales” presenta curiosidad por su nombre, ya que, según lo que es liberalidad hoy en día, donde engloba sinónimos como “libre” o “abierto”, no empata mucho con ciertas áreas que en un pasado fueron consideradas arte por su estructuración, dejando así al concepto como algo ambiguo o mal connotado.

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Por otro lado, las consideradas como artes en la actualidad no eran catalogadas, en ciertos casos, como arte, lo que hace preguntarnos ¿qué fue ese salto en significados para que, en la actualidad, conceptos ajenos, desplazados o con un valor diferente, fueran tomados como arte? Cosa que, nuevamente, nos hace pensar en que el arte estaba pensado como algo que fuera a un ámbito de inteligencia útil en las comunidades como algo de trabajo, que ayudara a saciar la necesidad de conocimiento que el humano trae por naturaleza o que fuera de significancia social, mientras que lo “bonito” era algo que se buscaba como un placer visual, no como algo meramente significativo.

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Sandro Botticelli, “El nacimiento de Venus”, c. 1484–1486,  Wikimedia Commons, dominio público

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Occidente

Se enfoca el individualismo

Se ve el arte más como una práctica de expresión personal, que una obra en cierta manera es producto de la mente exclusiva de su autor, de su forma de ver el mundo.

Se trata el arte más “como una forma de libertad expresiva, que da rienda suelta a la imaginación y a la necesidad humana de crear o ser lúdico.” (Kottak C. 2011)

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El concepto de arte a cambiado mucho al pasar de los siglos, ya que como habla Tatarkiewicz antes se incluían actividades que ahora se excluyen como viceversa, un ejemplo de esto es la poesía que antes se consideraba una filosofía y no un arte, y luego se le incluye. Se menciona que el significado dado por Charles Batteux sobre las bellas artes fue ilusorio, ya que en el siglo XIX, aparecen muchas áreas polémicas que podían o no incluirse en esta definición. Se dudaba de cual era la clasificación correcta, ya que por ejemplo mencionan que la fotografía tenia intervención de una maquina, lo cual difería al concepto de que el arte es una actividad exclusivamente humana, y así con muchas otras actividades.

Se habla también de la controversia sobre los muebles artísticos y los llamados "Objets d'art", y como Batteux no pensaba incluir en su sistema, estos no eran considerados arte, hasta que el pasar del tiempo les de el epíteto de "artistico" y empiezan a aparecer en museos.

Lo que utilizaban de argumento en el siglo XIX fue que al no ser arte "puro" y eran mas de ser propósitos utilitarios mas que belleza, no merecían ser parte de los museos.

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La gran ola de Kanagawa (1830 - 1833), grabado de Katsushika Hokusai, Museo Metropolitano de Arte (Nueva York), Wikimedia Commons Dominio Público

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No occidente

Se presenta a los países del resto del mundo como el opuesto de la visión occidental; donde occidente se enfoca en el individuo, el resto del mundo se enfoca en la comunidad y el aspecto social del arte

“Con frecuencia se critica a quienes trabajan con arte no occidental porque se considera que ignoran al individuo y se enfocan demasiado en la naturaleza social y en el contexto del arte” (Kottak C. 2011)

Presenta el ejemplo del pueblo Tiv en Nigeria, cuenta como en Tiv, los artistas “mediocres” se presentan a hacer su arte en público recibiendo críticas y comentarios del público, incluso que estos algunas veces dejan sus obras y otra persona llega a intervenirlas como les parezca

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¿Por qué la diferencia?

Otra curiosidad es esa diferencia tan marcada y clara que hace Kottak entre el arte occidental y el arte no occidental. Si bien es verdad que hay diferencias culturales entre territorios y que muchas veces países y culturas aledañas pueden terminar compartiendo muchas características; en este caso las culturas occidentales siendo individualistas y las orientales o africanas siendo más colectivistas; lo cual en muchos aspectos tiende a ser cierto, en el caso del arte se puede convertir en una vision demasiado reduccionista de este evento cultural.

Por un lado se podria mencionar a muchos artistas antiguos y contemporaneos de ambos lados que cumplen con las características opuestas a lo que su región geografica daria a pensar. Para occidente, podemos volver a los casos de Diego de Velásquez o Auguste Rodin, que si bien se quedaron con la mayoría del crédito por sus trabajos, utilizaron una variedad de ayudantes y consejeros a lo largo de su vida para realizar partes de sus obras, lo cual chocaría con la idea de que la obra y el artista son únicos para con el otro. Para el lado oriental podemos mencionar artistas contemporáneos como King jung gi, Yayoi Kusama, Chiho Aoshima o Wang Tiande; o Antiguos como Hokusai o Luo Ping. Que trabajan en una gran media como individuos, cuyos nombres están circunscritos a sus obras.

Entonces, ¿de dónde nace esta diferenciación? Por un lado, está la realidad de que socialmente los países orientales tienden a ser más colectivistas y los occidentales más individualistas; “En general -hay muchas excepciones- los occidentales tienden a ser más individualistas, y la gente de países asiáticos como India, Japón o China tiende a ser más colectivista” (Robson D. 2017). Este evento cultural puede sesgarnos a la hora de analizar el arte de cada región, que si bien en muchas instancias se ve influenciada por este aspecto cultural, en muchas otras difiere del mismo.

Otro aspecto a considerar es el límite de nuestra visión desde el punto del mundo en el que estamos, tanto nosotros los lectores como el autor mismo. Tenemos más acceso y mayor sensibilidad hacia el arte occidental. Es difícil hacer un juicio de valor sobre las técnicas o procesos artísticos de una región como África si apenas tenemos acceso toda la información y cultura que se mueve allá. Decir que el arte de esta o aquella región es de X manera es una tarea complicada si no tenemos un conocimiento extenso de la cultura en cuestión y peligramos a caer en estereotipos.

Dicho esto, viendo que existen ejemplos de contradicciones al estereotipo en ambos lados de la balanza y un gran hueco en el conocimiento, cabe preguntar si la división regional es lo suficientemente precisa para el caso del arte. Viendo los ejemplos dados antes, un patrón que se repite es que las zonas donde se encuentran más artistas “individualistas” tienden a ser zonas más “desarrolladas”, zonas que tienen y han tenido mayor conexión con los cruces culturales y con el proceso de globalización, mientras que los lugares donde el arte se trata de forma más colectiva, sin un autor específico o de pertenencia a toda la comunidad, tienden a verse en pueblos o territorios más alejados del ajetreo del mundo contemporáneo, no necesariamente que estén aislados en su totalidad, pero lo suficiente como para que la influencia de este último no sea tan grande, véase por ejemplo el pueblo Tiv, que menciona Kottak.

Como se mencionó al principio, es bien sabido que las tendencias culturales hacia el individualismo como las entendemos en la actualidad nacieron en occidente, pero tomando en cuenta, la existencia previa de artistas individuales en la antigüedad de otras regiones,  y la forma en que la figura del “artista” se ha propagado globalmente, dando espacio en la actualidad a “artistas” de todas las regiones del mundo, se puede pensar que en el arte hacer una división exacta entre el individualismo occidental contra colectivismo no occidental sé queda corta para explicar el mundo actual. Sería más acertado decir que las zonas del mundo más cercanas a la modernidad tienen mayor tendencia a la a formar artistas individuales (potencialmente por influencia occidental). Al mismo tiempo, podemos ver que en la misma historia occidental hay rupturas a este concepto del artista como el único creador de su obra.

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“Artistas mediocres”

En la lectura, Kottak se refiere a los artistas mediocres de Tiv, dice que “los artistas mediocres trabajan en público, donde por lo general obtendrían comentarios de los mirones (críticos). Con base en sugerencias críticas, un artista con frecuencia cambiaba un diseño, como un tallado, durante su elaboración” (Kottak C. 2011). Algo que parece curioso de la forma en que Kotak menciona estos actos es que parece hacerlo desde una perspectiva que favorece la visión occidental del arte. En primer lugar, cuando pensamos en arte como un trabajo colectivo o social, igual que con cualquier otro acto grupal, es normal que múltiples personas junten sus capacidades para lograr una meta.

Cuando se realiza una trabajo en grupo, no consideramos “mediocres” a las personas que no pueden o tienen dificultad con una parte del trabajo. Cuando vemos una obra colectiva, como una película, el actor difícilmente sabría como manejar las luces, o el editor como construir el set, o el productor las vicisitudes de manejar el equipo de sonido, cada persona tiene una tarea y no se espera que sea capaz de realizar el trabajo entero por su cuenta. Incluso si vemos trabajos de arte que se han considerado más tradicionalmente individuales como sería la pintura y la escultura, desde la antigüedad era común que el artista principal tuviera asistentes, como serian Juan de Pareja para Diego Velasquez, o Camille Claudel para Auguste Rodin. Llamar “mediocre” al artista por trabajar su obra de manera que involucre a otras personas de forma directa o indirecta, parece nacer desde la percepción de que el artista es uno y su obra es única de él o ella, lo que es una idea puramente occidental, bajo los parámetros mismos que Kottak describe. Esto se apoya de que aparte de llamar mediocres a los artistas públicos, dice que “Había pocos artistas Tiv habilidosos, y dichas personas evitaban hacer su arte en público”(Kottak C. 2011). Sin hacer mención en ningún momento de habilidades técnicas, creativas, emocionales, etc, que diferencien a estos artistas “habilidosos” de los artistas “mediocres”, más que el hecho de que estos últimos reciban apoyo e influencia del público.