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"L'arte degenerata: il nazismo contro le avanguardie"

Padlet curato dalla 3° A - scuola secondaria di primo grado

XI IC Gravitelli di Messina con la collaborazione delle Prof.sse S. Calascione, C. Gaglio, M. Pino, A. Spataro

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La scuola di architettura e d'arte applicata "Bauhaus" fu ideata e creata dall’architetto Walter Gropius nel 1919. Scuola democratica fondata sulla collaborazione reciproca tra maestri e allievi, mirò a creare un’unità culturale, espressione della civiltà moderna ed industriale. Alla Bauhaus insegnarono, direttamente o attraverso le pubblicazioni edite dalla stessa Bauhaus, pittori, scultori, scenografi, designer, come Paul Klee, Johannes Itten, Piet Mondrian, Vassilij Kandinskij, Mies van der Rohe. La diffusione del partito nazista che osteggiava la Bauhaus causò prima la chiusura nel 1932 della sede di Dessau e, successivamente, la soppressione definitiva della sede di Berlino nel 1933 che ebbe come conseguenza l'emigrazione in tutto il mondo della maggior parte dei suoi esponenti.

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Arte degenerata (in tedesco entartete Kunst) indicava quelle forme d'arte che non rispettavano i valori delle concezioni naziste, le quali si opponevano a molte forme d'arte contemporanea, nell'intento di conservare i valori tipici della razza ariana e della sua tradizione culturale. Il termine "degenerata" venne utilizzato per la prima volta da un medico nel 1892, il quale sosteneva che i pittori appartenenti a questa corrente artistica fossero stati contagiati da una terribile pazzia.

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ARTE DEGENERATA, 1937, Monaco di Baviera

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ARTE DEGENERATA, 1937, Monaco di Baviera

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terza sala della Mostra

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Johannes Itten è stato un pittore, designer, insegnante e teorico svizzero, noto per:

Teoria del Colore basata su un approccio scientifico, psicologico e simbolico. È famoso per la creazione della ruota dei colori a 12 sezioni, che mette in relazione i colori primari secondari e terziari

Il Bauhaus: tra il 1919 e il 1923 è stato uno degli insegnanti più influenti del Bauhaus, dove ha sviluppato e insegnato il corso preliminare.

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https://youtu.be/YacSP4FziDs?si=SnLvSmuWIyW29CD7

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L’arte degenerata è un termine utilizzato dal regime nazista durante gli anni ’30 e ‘40 per definire e screditare opere e movimenti artistici considerati in contrasto con i valori ideologici del nazismo, quali: espressionismo, cubismo, surrealismo, astrattismo e dadaismo. Essi venivano ritenuti delle forme d'arte decadenti e contrarie al “buon gusto” e alla tradizione culturale tedesca.

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Il primo Novecento fino agli anni Venti è il periodo in cui in Europa fioriscono movimenti artistici definiti avanguardie.
Il termine avanguardia ha le sue origini nel mondo militare e indica quel nucleo di soldati spericolati che, in battaglia, va più avanti del resto dell’esercito.

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Incoraggiava un approccio personale e intuitivo all’arte. Gli studenti esploravano le qualità dei materiali, il colore e le forme attraverso esperimenti pratici.

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Ludwig Mies van der Rohe, nato il 27 marzo 1886 in Germania e morto nel 1969 a Chicago fu un architetto il cui stile è caratterizzato da forme rettilinee, realizzate con semplicità. Fu associato all'arte degenerata durante il regime nazista, che perseguitava il Modernismo architettonico. Come direttore del Bauhaus, affrontò pressioni crescenti fino alla chiusura della scuola nel 1933. Le sue idee innovative, basate su minimalismo e funzionalità, furono inizialmente osteggiate, ma segnarono l'architettura moderna. La famosissima frase “Less is More” è una delle più rappresentative del pensiero e delle idee architettoniche di Van Der Rohe.

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LE CONSEGUENZE DELLA CAMPAGNA NAZISTA CONTRO L'ARTE

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LE CONSEGUENZE DELLA CAMPAGNA NAZISTA CONTRO L'ARTE

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Molti artisti, soprattutto quelli di origine ebraica, furono costretti all'esilio;

Nacquero nuove correnti artistiche;

Chiusero numerose istituzioni culturali contrarie all' ideologia nazista;

Venne imposto il divieto di insegnare arte moderna nelle accademie;

Aumentarono il valore delle opere confiscate.

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LE CONSEGUENZE DELLA CAMPAGNA NAZISTA CONTRO L'ARTE

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LE CONSEGUENZE DELLA CAMPAGNA NAZISTA CONTRO L'ARTE

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Nel 1937 nell’esposizione a Monaco di Baviera molte delle opere di artisti come Kandinsky e Klee furono presentate, ma con commenti denigratori. Altre opere di artisti (Van Gogh, Munch, Gauguin, Cézanne) furono ritirate dai musei e dalle gallerie tedesche per essere vendute all’estero o bruciate, ma oggi, l'arte degenerata è un simbolo di libertà dall'oppressione.

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Una selezione di circa seicento opere fu utilizzata per allestire la mostra itinerante inaugurata a Monaco di Baviera il 19 luglio 1937. Con l’ingresso gratuito ma proibito ai minori, la mostra ebbe oltre due milioni di visitatori.

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L' IDEA DI ORGANIZZARE UNA MOSTRA SULL' ARTE DEGENERATA 

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L' IDEA DI ORGANIZZARE UNA MOSTRA SULL' ARTE DEGENERATA 

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L’idea di organizzare una mostra sull’arte degenerata come manifestazione politica fu suggerita dall’artista tedesco Wolfgang Willrich (1897-1948) che riteneva che l’unica arte virtuosa fosse quella classica greco-romana — gradita anche ad Hitler.

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Inoltre, un altro motivo di disapprovazione dell’arte d’avanguardia fu quello della questione razziale: poiché molte delle opere moderne furono realizzate da artisti ebrei.

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MOSTRA dell'ARTE DEGENERATA, Inaugurazione della mostra «Arte degenerata» a Berlino, 1938

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MOSTRA dell'ARTE DEGENERATA, Inaugurazione della mostra «Arte degenerata» a Berlino, 1938

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La mostra itinerante allestita in diverse città tedesche e austriache tra il 1937 e il 1939 venne allestita per presentare l'arte sgradita al regime.

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La censura nazista fu un mezzo essenziale per il controllo sociale sotto il regime di Hitler. Gestita dal Ministero della Propaganda di Goebbels, limitava la libertà di stampa, controllava i media (radio, giornali, cinema) e vietava ogni opinione contraria al regime. Nel 1933, furono rimosse e talvolta anche eliminate tutte le opere moderniste nonché perseguitati tutti gli artisti d'avanguardia.

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Scriveva il critico d’arte austriaco Hermann Bahr nel suo saggio "L’espressionismo" del 1916:

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Scriveva il critico d’arte austriaco Hermann Bahr nel suo saggio "L’espressionismo" del 1916:

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"Mai vi fu epoca più sconvolta dalla disperazione, dall’orrore, dalla morte. Mai più sepolcrale silenzio ha regnato sul mondo. Mai l’uomo è stato più piccolo. Mai è stato più inquieto. Mai la gioia è stata più assente, e la libertà più morta. Ed ecco urlare la disperazione: l’uomo chiede urlando la sua anima, un solo grido d’angoscia sale dal nostro tempo."

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Il Pre-espressionismo rappresenta una fase di transizione verso l’Espressionismo, in cui gli artisti si concentrano su una rappresentazione emotiva e soggettiva della realtà utilizzando l’uso di colori intensi e forme distorte. Ha gettato le basi per movimenti che si opponevano alle tradizioni accademiche, promuovendo un’arte più autentica, incentrata sull’interiorità, sulla modernità e sulla critica sociale.

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Munch dipinge con un linguaggio espressionista: i colori sono usati puri, netti e contrapposti tra di loro; hanno tonalità accese anche quando la presenza della morte è incombente. Le sue tele parlano di temi fondamentali quali l’amore e la morte usando colori acidi e violenti con l'uso di linee sinuose per esprimere una condizione esistenziale di malinconia e pessimismo della vita. Infatti, l’artista dipingeva non quello che vedeva, ma quello che sentiva dentro.

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James Sidney Edouard, Barone Ensor è stato un significativo pittore e incisore belga, riconosciuto per la sua influenza sull'espressionismo e sul surrealismo.

Una posizione di primo piano nelle sue opere ebbero le rappresentazioni di maschere e di scheletri, che avevano una valenza simbolica: le prime camuffano ed accentuano una realtà che il pittore giudica sgradevole e crudele, mentre i secondi sottolineano la vanità e l’assurdità del mondo. Anche la morte è una presenza costante nella sua opera pittorica, come pure il suo latente disgusto per la borghesia e i suoi valori. La "colpa" di Ensor per il regime nazista fu quella di essere stato tra i precursori dell'Espressionismo.

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L'espressionismo tedesco è un movimento caratterizzato dalla ricerca del soggettivo nella realtà che li circonda. Le metropoli, la vita di strada, il circo stimolano riflessioni sulla solitudine dell'uomo, sull'alienazione dell'individuo, sull'immoralità. Questa corrente artistica ha inciso profondamente sul mondo dell‘arte, trasportando l‘osservatore in un vortice di emozioni umane intense, che emergono con forza in opere pittoriche, scultoree, letterarie e teatrali.

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Ernst Ludwig Kirchner, Scena di strada berlinese

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Ernst Ludwig Kirchner, cofondatore di Die Brücke e tra i principali esponenti dell’Espressionismo tedesco. Sviluppò uno stile caratterizzato da colori intensi e figure angolari per esplorare temi come l’alienazione urbana, i paesaggi e le tensioni sociali del primo Novecento. Dopo la Prima Guerra Mondiale, visse una crisi personale segnata da problemi di salute mentale e dipendenze, che influenzarono profondamente il suo lavoro.

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Erich Heckel è stato uno dei più significativi esponenti dell’Espressionismo tedesco e membro fondatore del Die Brücke. Attraverso il suo lavoro, Heckel esplorò temi come la condizione umana, la natura e le tensioni emotive del suo tempo utilizzando linee marcate, colori vividi e composizioni semplificate per esprimere emozioni profonde. Le sue opere spesso ritraggono figure umane stilizzate immerse in paesaggi naturali o urbani, con un senso di tensione. Durante la Prima Guerra Mondiale, lavorò come infermiere militare, un’esperienza che influenzò profondamente il suo lavoro, portandolo a riflettere sul dolore e sull’umanità.

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Max Beckmann è stato un importante pittore tedesco, associato all’Espressionismo. Le sue opere, dai colori intensi e figure spesso distorte, esplorano temi come l'alienazione, il conflitto interiore e la condizione umana.

Perseguitato dal regime nazista Beckmann fu costretto all’esilio nei Paesi Bassi e poi negli Stati Uniti. Tra le sue opere più famose ci sono i trittici, come Departure (1932-1933), che rappresentano il caos e la lotta per la libertà. Studiando i trittici medievali tedeschi ripropone nei suoi quadri passato, presente e futuro in un solo pezzo documentando il cambiamento che stava avvenendo nel suo tempo. Deportare è fatto di pannelli cupi, a simboleggiare la violenza del nazismo, e di un pannello centrale chiaro e luminoso, quasi a offrire sollievo al tormento.

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Otto Dix si specializzò nella pittura ritrattistica, ma la sua curiosità e il suo desiderio di migliorare lo portarono a visitare molte mostre artistiche.
Con lo scoppio della prima guerra mondiale, Otto Dix decise di arruolarsi volontariamente nell'esercito tedesco, ma, al termine della guerra, tornò a casa profondamente traumatizzato. Da allora, la sua arte fu profondamente influenzata dalla sua esperienza della guerra e della violenza umana.

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Otto Dix prese parte alla corrente realista, incentrando i suoi dipinti su tematiche dure e crude. A causa delle sue idee e delle sue opere, il nazismo lo considerò offensivo verso i soldati e lo stato tedesco.

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Le opere di Dix ebbero forte impatto nel denunciare gli orrori della guerra e della società tedesca, lasciata alla deriva di se stessa dopo l’acclamazione della nuova Repubblica di Weimar.

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Il cubismo è un movimento artistico che nasce in Francia e si contraddistingue per la scomposizione delle figure geometriche con la compenetrazione di piani taglienti e la presenza di molteplici punti di vista.

Si possono individuare tre fasi:

1- protocubismo, che semplifica le forme geometriche e riduce i volumi.

2- Cubismo analitico, che raffigura il soggetto da diversi punti di vista.

3- Cubismo sintetico, che ricompone le forme scomposte con colori più accesi.

I maggiori esponenti del cubismo sono: Pablo Picasso, Paul Cèzanne e Robert Delaunai.

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Le opere di Pablo Picasso sono estremamente varie e si evolvono continuamente. Inizialmente si concentrò su temi di sofferenza, usando colori freddi, per poi passare a toni più caldi e scene più leggere. Con il Cubismo rivoluzionò la pittura, scomponendo le forme e rappresentando più punti di vista contemporaneamente. Continuò a sperimentare stili diversi, tra cui il Surrealismo, e non si limitò alla pittura, ma esplorò anche la scultura e la ceramica. La sua arte è caratterizzata da una continua innovazione e ha avuto un impatto duraturo sull’arte moderna.

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Primo acquarello astratto - V. Kandinskij

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L'astrattismo è un movimento artistico che si sviluppa principalmente nel XX secolo, caratterizzato dalla rappresentazione non figurativa della realtà. In altre parole, l'arte astratta si distacca dalla rappresentazione di oggetti riconoscibili o scene naturali, concentrandosi su forme, colori, linee e texture come elementi autonomi.

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Composizione con Rosso, Blu e Giallo - Mondrian

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Mondrian ha creato le sue opere più rappresentative del movimento De Stijl a partire dagli anni '10 e '20, ma il culmine della sua arte astratta è stato raggiunto tra gli anni '20 e '40. In particolare, la serie di opere "Composizioni" con il suo stile distintivo (linee nere, rettangoli bianchi e colorati).

La "rappresentazione" nelle opere di Mondrian manifestano equilibrio e ordine, piuttosto che la rappresentazione di oggetti naturali o riconoscibili.

L'artista cercava di esprimere l'essenza dell'armonia universale attraverso l'uso di forme geometriche semplici, come il quadrato e il rettangolo, e colori puri: il rosso, il blu, il giallo, il bianco, il nero e il grigio.

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Kandinskij Autunno è stato creato nel 1904, un periodo in cui l'artista stava esplorando nuove modalità espressive che lo avrebbero portato alla totale astrazione nei suoi dipinti.

Infatti, non è una rappresentazione realistica della stagione autunnale, ma piuttosto una rappresentazione simbolica del concetto di autunno, incentrata sul cambiamento e sul movimento. I colori caldi e terrosi evocano il senso di trasformazione tipico dell'autunno, con l'uso di sfumature di giallo, arancione, rosso e marrone. Questi colori richiamano la caduta delle foglie e il ciclo naturale di vita e morte. Nonostante l'opera non segua uno stile naturalistico, l'artista cerca di trasmettere l’essenza emotiva della stagione attraverso l'uso di astrazione e cromatismo.

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Paul Klee è stato un artista svizzero-tedesco, noto per il suo stile unico che mescolava espressionismo, surrealismo e astrazione. Usava colori vivaci e forme semplici per esplorare emozioni e stati d’animo. Le sue opere, spesso poetiche, sono caratterizzate da simboli e immagini stilizzate. Tra le sue opere più famose ci sono “Twittering Machine” e “Senecio”, che mostrano il suo interesse per il colore e la forma. La sua arte continua a essere apprezzata per la sua originalità e profondità.

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Il dadaismo è una corrente artistica e letteraria nata a Zurigo, nella Svizzera neutrale nella prima guerra mondiale e sviluppatasi tra il 1916 e il 1922. Il movimento che ha interessato le arti visive , la letteratura, il teatro e la grafica, incarnava la sua politica antibellica attraverso un rifiuto degli standard artistici, come dimostra il nome dada che non ha un vero e proprio significato , tramite opere che erano contro l’arte stessa.

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Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (intervento su riproduzione fotografica)

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Marcel Duchamp pittore, scultore e scacchista francese naturalizzato statunitense, viene considerato uno degli artisti più influenti e importanti del XX secolo. Grazie a lui nacque infatti l’arte concettuale con l'’intuizione dei ready made, ovvero oggetti di uso comune che vengono decontestualizzati in modo da diventare opere d’arte, accuratamente selezionati dall’artista stesso. A volte, invece, i ready made consistevano in interventi di alterazione di grandi capolavori del passato, come nel caso della Gioconda di Leonardo Da Vinci.

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Fontana e Ruota di bicicletta sono i due ready made più conosciuti di Duchamp, ancora oggi riconosciuti come opere in grado di sovvertire le convenzioni artistiche dell’epoca. Duchamp, infatti, aveva bene in mente la propria idea di arte, rifiutando tutte le opere che riproducevano la realtà e prediligendo piuttosto un’approccio più intellettuale, da decifrare, annullando tutte le correnti d’avanguardia sviluppatesi nei cento anni precedenti.

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Salvador Dalì, La persistenza della memoria

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Il Surrealismo è stato un movimento artistico e culturale nato negli anni ‘20, che cercava di rappresentare l’inconscio, i sogni e la fantasia. I surrealisti credevano che l’arte dovesse esprimere ciò che si trova nella parte nascosta della nostra mente, quella che non controlliamo. Per fare ciò, usavano tecniche come l’automatismo, che consiste nel disegnare o scrivere senza pensare, lasciando libero sfogo alla fantasia.

Tra i principali artisti surrealisti ci sono Salvador Dalí, famoso per le sue opere bizzarre come “La persistenza della memoria”, René Magritte, noto per le sue immagini misteriose, e Max Ernst, che mescolava diverse tecniche artistiche. Il surrealismo ha influenzato anche la letteratura, il cinema e il teatro, cambiando il modo in cui pensiamo all’arte e alla realtà.

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Max Ernst è stato un famoso artista tedesco che ha contribuito al movimento artistico surrealista.

Iniziò ad usare delle tecniche molto particolari, come il frottage (che consiste nel passare un foglio su una superficie ruvida e fare un disegno con il risultato) e il grattage (che prevede di raschiare la pittura per scoprire immagini nascoste sotto).

Con opere molto originali, Ernst cercò di mostrare il mondo invisibile delle emozioni e dei pensieri nascosti.

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Marc Chagall è stato un pittore russo naturalizzato francese, tra i più noti del Novecento. Costretto a lasciare la sua patria, vi restò sempre molto legato, nonostante, a causa della sua religione ebraica e del suo rifiuto di sottostare ai dettami del regime sovietico, fosse cosciente di non potervisi stabilire.

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Chagall è diventato celebre per i suoi dipinti che raffigurano scene sognanti e fantasiose, dalle vivaci tinte colorate e linee semplici, pervase da un sentimento di gioia e serenità. Le sue opere non sono riconducibili ad un particolare movimento, bensì sono espressione di uno stile personale che attinge in parte alle avanguardie contemporanee, per poi superarle.