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Está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se fue formando a lo largo del siglo XX, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerársele un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.

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Hacia 1515 Holbein el Joven y su hermano se instalaron como pintores oficiales en la ciudad de Basilea, Suiza, un centro de aprendizaje y del comercio de impresión y láminas.[8] Entraron como aprendices en el taller del pintor Hans Herbst, el más destacado de Basilea.[9] Los hermanos encontraron trabajo en Basilea como ilustradores de libros, realizando xilografías y cortes de metal para los impresores.[10]

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De un realismo inusual para la época, su pintura era extremadamente precisa. Gracias a él sabemos cómo eran Erasmo o Moro (esos retratos son putas fotografías), pero al parecer Holbein era demasiado perfeccionista y nunca quedaba del todo satisfecho con su obra. Cada pelo, cada poro de piel, cada hilo de un vestido eran importantes.

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El 29 de agosto de 1528, Holbein compró una casa en Basilea, en St Johanns-Vorstadt. Presumiblemente regresó a casa para conservar su ciudadanía, puesto que solo le habían autorizado a ausentarse durante dos años.[45] Enriquecido por su éxito en Inglaterra, Holbein compró una segunda casa en la ciudad en 1531.

La familia del artista, c. 1528. Óleo y temple sobre papel, cortado y montado sobre tabla. Kunstmuseum Basel, Basilea.

Durante este período en Basilea, pintó a La familia del artista, mostrando a Elsbeth, con los dos hijos mayores de la pareja, Philipp y Katherina, evocando imágenes de la Virgen con Niño y san Juan Bautista.[46] El historiador del arte John Rowlands ve esta obra como "uno de los retratos más conmovedores en el arte, de un artista, también, que siempre caracterizó a sus modelos con una

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Durante el periodo 1516-1530, que se puede calificar como de expansión, el artista se liberó de los cánones herméticos aprendidos durante su juventud y abarcó un mayor número de temas. Sin embargo, sus retratos fueron un elemento clave para introducirle en las cortes más prestigiosas y conocer a los hombres más poderosos de su tiempo. Algunos de ellos, como los señores de Mantua, Ferrara o Urbino, pequeños estados italianos amenazados por la expansión de las potencias internacionales, encontraron en los retratos de Tiziano una ocasión para demostrar una imagen de poder y de gloria, que quizá no se correspondía con la realidad. Ya en 1518, el pintor entró en contacto con Alfonso I de Este, duque de Ferrara. La serie de retratos de la corte estense, hoy esparcidos por medio mundo, constituyen una reveladora galería de personajes, sentimientos y situaciones.

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Holbein fue uno de los retratistas más destacados del siglo XVI. Pasó dos periodos de su vida en Inglaterra (1526-1528 y 1532-1543), retratando a la nobleza de la corte Tudor. El famoso retrato de Enrique VIII realizado por Holbein (Londres, National Portrait Gallery) data del segundo de estos periodos. «Los Embajadores» , también de este periodo, representa a dos visitantes de la corte de Enrique VIII. «Cristina de Dinamarca» es el retrato de una posible esposa del rey.

Holbein nació en Augsburgo, al sur de Alemania, en el invierno de 1497-1498. Fue alumno de su padre, Hans Holbein el Viejo. Se convirtió en miembro del gremio de artistas de Basilea en 1519. Viajó mucho y se le documentó su presencia en Lucerna, el norte de Italia y Francia. Durante estos años realizó xilografías y diseños al fresco , así como pinturas sobre tabla. Con la expansión de la Reforma en el norte de Europa, la demanda de imágenes religiosas disminuyó y los artistas buscaron obras alternativas. Holbein viajó por primera vez a Inglaterra en 1526 por recomendación del erudito Erasmo a Tomás Moro . En 1532 se estableció en Inglaterra y falleció de peste en Londres en 1543.

Holbein fue un artista muy versátil y técnicamente competente que trabajó con diversos medios. También diseñó joyería y orfebrería.

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Información personal

Nombre de nacimiento

Tiziano Vecellio di Gregorio

Nombre en italiano

Tiziano Vecellio Ver y modificar los datos en Wikidata

Nacimiento

c. 1488-1490

Pieve di Cadore, Belluno, República de Venecia

Fallecimiento

27 de agosto de 1576 (88 o 86 años)

Venecia, República de Venecia

Causa de muerte

Peste Ver y modificar los datos en Wikidata

Sepultura

Basílica de Santa María dei Frari

Nacionalidad

Italiana

Religión

Catolicismo Ver y modificar los datos en Wikidata

Familia

Padre

Gregorio Vecellio Ver y modificar los datos en Wikidata

Cónyuge

Cecilia Soldano (1525-1530) Ver y modificar los datos en Wikidata

Hijos

Horacio Vecellio Ver y modificar los datos en Wikidata

Educación

Alumno de

Giovanni Bellini

Gentile Bellini Ver y modificar los datos en Wikidata

Información profesional

Área

Pintor

Cargos ocupados

Pintor de cámara Ver y modificar los datos en Wikidata

Alumnos

Tintoretto, Simone Peterzano, Dirck Barendsz y Horacio Vecellio Ver y modificar los datos en Wikidata

Movimientos

Escuela veneciana, Manierismo

Géneros

Retrato pictórico, pintura religiosa, pintura mitológica, desnudo, pintura de historia y retrato Ver y modificar los datos en Wikidata

Distinciones

Orden de la Espuela de Oro V

er y modificar los datos en Wikidata

Firma

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Sin duda Tiziano Vecellio fue uno de los mejores pintores de la historia del arte. Era «el sol entre las estrellas» según sus colegas artistas. Maestro del retrato o el paisaje, de pintura religiosa o mitológica, pintaba el género que le venía en gana con total virtuosismo. Fue evolucionando además a lo largo de una larga carrera en la que podemos ver varios Tiziano

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El artista continuó simultáneamente con su serie de pequeñas Madonnas, que insertaba en escenas paisajísticas a la manera de la pintura de género poético-pastoral, muy de moda en aquella época. La Virgen con el Niño, San Juanito y Santa Catalina, conocida como la Virgen del Conejo, en el Museo del Louvre es el prototipo de este clase de lienzos. Otro ejemplo de pintura religiosa de este período es el Entierro de Cristo, también en el Louvre. Esta también fue la época de su mejor pintura mitológica, tales como La Bacanal del Museo del Prado o Baco y Ariadna de la National Gallery de Londres, «[...] quizá las más brillantes producciones de cultura neo-pagana o de "Alejandrismo" del Renacimiento, muchas veces imitadas pero nunca superadas, incluso ni por el propio Rubens».[11] Finalmente, habrá que destacar los retratos de medio cuerpo y bustos femeninos como el inicial Flora de los Uffizi o la Mujer mirándose al espejo del Louvre (en la que se ha intentado reconocer, sin ningún rigor histórico, a Laura de Dianti o a la esposa de Tiziano).

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Holbein alcanzó una gran fama gracias a sus retratos realistas de personas y grupos, el detallismo de la piel, el pelo, los ropajes y la ornamentación, así como el talento para representar con exactitud cada una de las diferentes texturas, que no disminuían ni iban en detrimento de las características esenciales y de dignidad de sus retratados. Tal fue el realismo de su obra que su influencia sobrepasó los límites de la pintura. La pintura del Cristo Sepultado causó gran influencia en el escritor ruso Fëdor Dostoyevsky, tanto así que lo inspiró en su novela El Idiota.

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Durante este periodo (1530-1550), tal y como se podría suponer a la vista del Martirio de San Pedro de Verona, Tiziano se dedicó a cultivar un estilo cada vez más dramático. En este momento, pintó La batalla de Cadore, una escena histórica, la más característica de las obras ticianescas perdidas o mutiladas. El artista se esforzó por plasmar magistralmente el movimiento del tumulto, en su representación más violenta del heroísmo. Rivaliza el lienzo con otras pinturas bélicas como La batalla de Anghiari de Leonardo da Vinci o La batalla de Puente Milvio de Giulio Romano. La batalla de Cadore se destruyó en 1577 en el incendio del Palacio Ducal, junto con la mayoría de las pinturas antiguas que lo decoraban. Solo existen una mala e incompleta copia en la Galería Uffizi y un mediocre grabado de Giulio Fontana. De igual manera, la Alocución del Marqués del Vasto (Museo del Prado, 1541) también fue parcialmente afectada por el incendio del Alcázar madrileño en 1734.

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Cuando en 1510 la epidemia de peste se extendió por Venecia y acabó con la vida de su compañero Giorgione, Tiziano marchó a Padua, donde demostró su talento para la técnica del fresco en sus trabajos en esta ciudad en 1511, tanto en la iglesia de los carmelitas como en la Escuela de San Antonio. Algunos de estos trabajos aún se conservan. Destacan El abrazo en la puerta dorada y tres escenas de la vida de San Antonio de Padua: El milagro del recién nacido, El milagro del marido celoso y El milagro del hijo irascible.

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La obra más importante de tiziano fue la Venus de urbino también llamada popularmente Venus de perrito es seguramente la pintura más famosa de tiziano en ella el artista usó toda su experiencia re tratística y un gran dominio Del claroscuro en detalles como las arrugas de las telas

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La obra más importante de tiziano fue la Venus de urbino también llamada popularmente Venus de perrito es seguramente la pintura más famosa de tiziano en ella el artista usó toda su experiencia re tratística y un gran dominio Del claroscuro en detalles como las arrugas de las telas

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Durante su dilatada carrera, se convirtió en el más influyente de los pintores de la Escuela veneciana, y en el más laureado de la República Serenísima en toda su historia. Las muertes de Giorgione (1510) y Bellini (1516), y los traslados de Sebastiano del Piombo a Roma (1511) y de Lorenzo Lotto a Bérgamo (1513), dejaron a Tiziano sin rivales en la ciudad.

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Tiziano - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Autorretrato, hacia 1562. Óleo sobre lienzo, 86 x 65 cm, Madrid, Museo del Prado.

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(Candía, Creta, 1541-Toledo, 1614). Pintor español de origen griego. Nacido en la capital de la isla de Creta, territorio de la República de Venecia, en el seno de una familia griega, pero probablemente de religión católica más que ortodoxa, y cuyos miembros trabajaban como colaboradores del poder colonial, se formó como pintor de iconos siguiendo los dictados de la tradición artística tardobizantina, y asimilando parcialmente -gracias al uso de grabados italianos- algunas de las fórmulas del renacimiento italiano, que incorporó de manera aislada

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La Anunciación es una obra emblemática de carácter «expresionista» del Greco, con luces deslumbrantes, colores cromáticos, donde la decoración es compuesta por zonas plásticamente distintas, unidas por movimientos ascendentes e interrumpida por la presencia de luces y destellos de fuego. La pintura está relacionada al período final de vida del artista en Toledo.

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El entierro del conde de Orgaz(1586-1588, Santo Tomé, Toledo), su obra más conocida.

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Tiziano fue una Ávila artista que recibió encargos por parte de grandes personajes de la época como Felipe el rey segundo de España o el emperador del sacro Imperio Romano gel manico Carlos V su trabajo tuvo influencias sobre muchos otros artistas ayudando a dar forma al curso de arte europeo los siglos posteriores

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Losss estudiosos modernos han caracterizado a El Greco como un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. Es más conocido por sus figuras tortuosamente alargadas y su pigmentación a menudo fantástica o fantasmagórica

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Tiziano murió el 27/08/1576 durante una terrible plaga pero probablemente no a causa de la enfermedad de hecho su cuerpo no fue llevado a la fosa común si no a la básica de dei frai dónde fue en terrado bajo 1 sencillo lápida Como quizás ya sepas si has tenido ocasiones de visitar la iglesia

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Tiziano fue conocido el pintor más destacado de la Venecia del siglo XVI el primero en tener una clientela mayormente internacional a lo largo de su dilatada carrera experimentó con diversos estilos pictocos Que reflejaban el desarrollo del arte en de su época

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Tiziano fue conocido el pintor más destacado de la Venecia del siglo XVI el primero en tener una clientela mayormente internacional a lo largo de su dilatada carrera experimentó con diversos estilos pictocos Que reflejaban el desarrollo del arte en de su época

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Retrato de la madre del artista a sus 63 años de edad - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Brueghel

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Los cazadores en la nieve perteneciente al ciclo de los <Meses> del año.Representa el invierno (diciembre y enero) Es un óleo sobre tabla (técnica de pintura que consiste en mezclar los pigmentos a base de aceite, normalmente de origen vegetal

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Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde entró en contacto con los pintores renacentistas, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida.

Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores —él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.[1]

Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas, en los que a menudo participó su taller, y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

Está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se fue formando a lo largo del siglo XX, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerársele un pintor excéntrico y marginal en la historia del art

e.[2]

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Reconocido por sus contemporáneos como «el sol entre las estrellas», en homenaje a la línea final del Paraíso de La Divina Comedia de Dante Alighieri,[2] Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

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En torno a 1600, El Greco sufrió un ictus.17 dic 2016

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Tiziano

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Nacido en Pieve di Cadore, en los Dolomitas, un pueblo rodeado de bosques antiguos y cruce de pasos alpinos, Tiziano Vecellio era el segundo hijo de Gregorio Vecellio, descendiente de una austera familia de notarios, administradores y abogados. No se sabe con certeza la fecha de nacimiento del futuro pintor y a lo largo de su vida, Tiziano proporciona informaciones contradictorias sobre su nacimiento, a menudo añadiéndose años con el fin de darse un aura de patriarca.

A los nueve años, deja Cadore junto con su hermano mayor Francesco, para irse a Venecia donde vive su tío Antonio, funcionario de Estado. Este tío descubre y promueve el talento artístico de los dos niños y los coloca como aprendices en el taller de los Zuccato, reputados fabricantes de mosaicos. Francesco muestra rápidamente otras inclinaciones que lo llevan a enrolarse en el ejército; Tiziano sin embargo, quema etapas y pasa enseguida a formar parte del taller de Gentile y Giovanni Bellini entonces uno de los más prestigiosos de Venecia. Allí se reunirá con otras estrellas emergentes de la pintura veneciana de la época, Sebastiano del Piombo y Giorgione; y es sobre todo con éste último que Tiziano encontrará más afinidades, hasta el punto de que en 1508 y en 1509, ambos jóvenes trabajarán en los frescos de la fachada del Fondaco dei Tedeschi. Queda muy poco de aquella impresionante decoración que fue acogida con entusiasmo por los contemporáneos. En los primeros años del siglo XVI, Tiziano acumula ricas experiencias que lo conducen rápidamente a una excepcional energía expresiva, evidente ya en sus primeras obras. Las lecciones de sus maestros, los Zuccato y Gentile y Giovanni Bellini, se combina con los eventos artísticos de la ciudad: la llegada de Leonardo (1500) y el descubrimiento de los movimientos de alma, es decir, la representación dramática de los sentimientos; la segunda estancia de Durero en la ciudad (1504) abre nuevos horizontes con una obra como la Fiesta del Rosario ejecutada para la comunidad alemana en Venecia, el Fondaco dei Tedeschi.

Los primeros retratos realizados por Tiziano son obras marcadas por un fuerte realismo, entre los que podemos destacar por su alta calidad el Retrato de hombre (Ariosto) y el de una mujer llamada La Schiavona ambos en la National Gallery Londres. También forman parte del principio de su carrera obras de asuntos religiosos como el pequeño retablo San Marcos con los santos Cosme, Damián, Roque y Sebastián ejecutado para la iglesia del Santo Spirito en Isola para celebrar el fin de la epidemia de peste que en 1510 asoló la ciudad. Este pequeño retablo parece asumir un papel importante en el desarrollo artístico de Tiziano, en el momento en que Giorgione acababa de morir con sólo treinta años de edad y el pintor comienza a reflexionar en los modelos que éste le ha dejado. Esta reflexión dará como frutos la elevada calidad de las formas y alta inspiración poética en obras maestras como el Concierto Campestre del Louvre, Noli me tangere de Londres y Las tres edades del hombre de Edimburgo; y no es casualidad si la atribución de todas estas obras a uno u a otro artista ha sido objeto de numerosas controversias. En el cuadro del Louvre los elementos tomados de Giorgione son tan numerosos - el juego de luces y sombras y una composición compleja - que han justificado en gran medida las dudas de aquellos que una vez lo vieron como una obra del maestro de Castelfranco.
En este lienzo, el joven Tiziano alcanza alturas poéticas mediante el uso de colores densos y la luz que los atraviesa volviéndolos más brillantes, lo que distingue de manera irrefutable Tiziano de Giorgione, incluso cuando retoma los temas de este último. Aquí los personajes de los cuatro santos invocados contra la peste, y que se han dispuesto de dos en dos a cada lado del altar en el que vemos a san Marcos patrón de la ciudad (Cosme y Damián a la izquierda y Roque y Sebastián a la derecha) probablemente anuncian un nuevo interés de Tiziano. Las formas son clásicas y las figuras tienden a un hierátismo inspirado por Bellini, pero los santos de la izquierda - se trata sin duda de retratos - presentan altas cualidades de realismo que contrastan con la timidez de las figuras de la derecha, casi dignas de Giorgione. Aquí, Tiziano abandona los temas elitistas de los círculos humanistas para volver a las representaciones religiosas, pero siempre cerca de los modelos de Giorgione.
El recuerdo de las obras de Giorgione se encuentra también en los murales que Tiziano ejecutó en 1511 para la Scuola del Santo en Padua. En ellos, Tiziano hace hincapié en el elemento trágicamente premonitorio de los episodios y el caracter intensamente dramático de la representación de los sentimientos. Esto se observa en los numerosos retratos en los que la introspección psicológica de los personajes va de par con el sentido plástico y sorprendentes efectos lumínicos, y también en las muchas Santas Conversaciones como la grandiosa Santa Conversación Balbi en la colección Magnani Rocca en Maiano (Parma ), que data de 1512-1514. Las monumentales figuras de la Virgen y santa Catalina destacan en primer plano y se adueñan del espacio para imponerse a la mirada del espectador. La misma lógica figurativa se puede encontrar en otra obra maestra (aunque el asunto haya cambiado) de la misma época: el Amor Sagrado y Amor Profano, pintado en 1514 con motivo de la boda del canciller ducal Nicolò Aurelio con Laura Bagarotto. A menudo en esa época, Tiziano utiliza la figura femenina para proporcionar a sus ricos comitentes lienzos con una sutil alusión al amor terrenal: es el caso de Flora de los Uffizi, que no se trata de un retrato sino una alegoría relacionada con el personaje clásico de Flora, protagonista de festivales romanos de caracter popular.

En el bajorrelieve clásico que decora el estanque en el que se apoyan las dos figuras de Venus, símbolos del Amor divino (la que está desnuda) y del Amor terrestre (la que está vestida), aparecen los escudos del comitente. La compleja alegoría de esta pintura refleja los gustos sofisticados del cliente, un hombre cultivado, y constituye un hito en la historia artística de Tiziano. La inspiración clásica de este bajorrelieve alegórico confirma la elección artificiosa de la iconografía.
Esta figura de Flora inaugura una nueva fase en la evolución del estilo de Tiziano como pintor de figuras. Las formas están unidas por el color y la textura y crean tensiones en toda la superficie del lienzo, dándole una animación formal.
La fama de Tiziano se encuentra ahora en su punto más alto: en 1513, es invitado por el Papa León X a instalarse en la corte papal, pero el artista rechaza la oferta prefiriendo ofrecer sus servicios a la República de San Marcos, declarándose listo para tomar el lugar del ya anciano Giovanni Bellini. Al mismo tiempo, entabla relaciones con las cortes extranjeras: por ejemplo, en 1516, se pone en contacto con Alfonso I d'Este, duque de Ferrara, para el que trabajará durante diez años hasta finalizar la decoración del Gabinete de Alabastro, realizando entre 1516 y 1518 la Ofrenda a Venus, hoy en el Museo del Prado, seguido en 1523-1524 de la Bacanal de los andrios, también en el Prado, y por último Baco y Ariadna, en Londres. Los temas dionisíacos de las llamadas Bacanales - entre los que también se encuentra Venus Anodiomena, en Edimburgo - son interpretados por Tiziano en una rica melodía de colores junto con una gran elegancia de las formas: elementos que caracterizan a toda esta fase que los críticos han definido como "clásica" y que domina la obra maestra suprema, la Asunción de la iglesia de los Frari. Es en esta obra donde se impone la voluntad de Tiziano de romper definitivamente con la tradición figurativa local, llegando a la síntesis de la fuerza dramática y la tensión dinámica que desde ese momento se convierte en la característica más evidente de su estilo.
En este gran retablo de casi siete metros de alto, uno de los primeros encargos oficiales, Tiziano inventa una nueva forma de animar el espacio pictórico para representar mejor las figuras. Abandona la tradicional puesta en escena del asunto en favor de una dinámica introducida por los gestos de las figuras y la organización del colorido. Un brazo se recorta contra el cielo, lo suficiente como para ser utilizado como "indicador de dirección" y su línea contrastada, casi torturada, resume la violencia del desarraigo cuya velocidad estalla en las manchas rojas, lanzadas a través de la superficie como la trayectoria de una flecha. De nuevo en ese comienzo de carrera, Tiziano sorprende por la nitidez y la violencia de su elección pictórica.

A este período pertenecen obras como el Pago del tributo, en Dresden ejecutada para Alfonso d'Este, o la Madonna de las cerezas, en Viena. Otra obra maestra de la pintura religiosa de esta época, es el Políptico de la Resurrección o Políptico Averoldi, ejecutado entre 1520 y 1522, para Averoldi Altobello, legado papal en Venecia. Numerosos retratos datan de la primera mitad de la tercera década, y algunos son verdaderas obras de arte ( Vincenzo Mosti, en el Palacio Pitti, El hombre del guante, en el Louvre o el retrato del duque Federico Gonzaga, en el Prado ). De esta época datan también dos obras maestras ejecutadas para las dos principales iglesias de los conventos de la ciudad, el de los Frari y San Giovanni y Paolo donde se enterraban las grandes personalidades de la Serenissima, lo que confirma que Tiziano había alcanzando una supremacía incuestionable. En el Retablo Pesaro colocado en el altar de la Inmaculada Concepción de los Frari, se ha renovado completamente el esquema tradicional de la Santa Conversación y el retablo brinda a Tiziano la oportunidad de realizar un magnífico retrato de grupo de los miembros de la familia Pesaro.
Esta obra también incluye elementos manieristas, quizá tomados de Pordenone y que Tiziano actualiza acentuando de forma significativa el dramático énfasis del conjunto. El paisaje es de muy alta calidad, con vistas de Brescia tomadas sobre el terreno. San Sebastián tiene su pie descansando sobre una columna donde se puede leer la fecha y la firma del pintor.
Tiziano es ahora un pintor con una actividad frenética: en 1529, el nuevo dux Andrea Gritti, quiere convertirlo en el pintor oficial de la República de Venecia, y que sea él quien realice la decoración del Palacio Ducal y los retratos de cortesanos. También, gracias a los buenos oficios de Federico Gonzaga, duque de Mantua, conoce en Parma en 1529 a su futuro protector el emperador Carlos V; para el duque de Urbino, Francesco Maria della Rovere, de quien había realizado un majestuosos retrato junto con el de su esposa Eleonora Gonzaga, pintó a principios de 1540 una María Magdalena, auténtico triunfo de la belleza, hoy en el Palacio Pitti, y el misterioso retrato de mujer llamado La bella, también en el Pitti; para su hijo y heredero Guidobaldo della Rovere, pinta en 1538 la llamada Venus de Urbino, que da un buen ejemplo de este período; inspirada en un modelo de Giorgione, el cuadro innova con la expresión del desnudo representado de forma armoniosa.

En la Presentación en el Templo para la Scuola Grande di Santa Maria della Carita de 1539, la perspectiva arquitectónica inspirada en la escenografía teatral juega un papel importante. Este y otros aspectos de la obra, muestra que Tiziano estaba interesado en el ambiente artístico que se vivía en la Toscana y en Roma, representado en Venecia desde 1539, específicamente por Porta y Salviati, y más tarde por el propio Vasari, quien llegó a la ciudad por primera vez en 1541 para poner en escena la comedia Talanta de Aretino. La adhesión de Tiziano al manierismo parece más una concesión a la moda que el resultado de una verdadera conversión: y si un pintor podía haberle inspirado más que otros, fue probablemente Giulio Romano, y especialmente las obras que éste había realizado en Mantua, que Tiziano tuvo la oportunidad de ver in situ. Fue Giulio Romano quien le inspiró su repertorio de desnudos musculosos, los movimientos de rotación de los cuerpos y las oposiciones e intersecciones que se encuentran en las obras de este periodo, desde la Coronación de espinas del Louvre y San Juan el Bautista de la Galería de la Academia, hasta la decoración de los techos de la iglesia del Santo Spirito in Isola, hoy en la sacristía de la Salute (1524-1544). En estas telas de discurso sagrado y en las de temas profanos como Alocución de Alfonso de Ávalos, hoy en el Prado o mitológicas como la Venus del Pardo del Louvre, el énfasis manierista de Tiziano alcanza su apogeo y se vuelve incluso brutal, declamatorio, dando lugar a representaciones de intenso dramatismo. Pero aún así, podemos ver como se imponen los volúmenes escultóricos, los audaces escorzos, los contrastes de claroscuros en composiciones dominadas por la libertad de los colores.
La iluminación dramática absorbe la desnudez de Cristo, cuyo torturada pose emerge de la masa corporal, apoyada y reforzada por el ángulo recto de la arquitectura. Se podrían identificar diferentes variaciones de las formas típicas del manierismo, pero aquí se han dinamizado para acentuar la evidencia física de los cuerpos. Alfonso de Ávalos, marqués del Vasto y de Pescara, gobernador español de Milán, se muestra hablando a sus tropas en la clásica pose de la "allocutio" romana. La intensa luz que ilumina las capas y armaduras realza la inspiración decididamente manierista de la escena. Este gran "telero" se realizó para el Albergo de la Scuola de la Carità (hoy, Galleria dell'Accademia) entre 1534 y 1539. En su parte inferior el lienzo se cortó para abrir un hueco para una puerta. La puerta a la derecha del espectador ya existía y originalmente debía corresponder al portal gótico, hoy tapiado, antigua entrada a la sala de la planta baja. El vano de la izquierda se abrió el 10 de marzo de 1572, Tiziano estando todavía vivo, tuviendo que sacrificar una parte del lienzo. Si la horizontalidad del muro ha impuesto un esquema extraído de la tradición narrativa veneciana, y especialmente de Carpaccio, Tiziano lo organiza según un espíritu extraordinariamente "moderno" y un profundo conocimiento de las soluciones arquitectónicas contemporáneas de Sansovino y Serlio.

El equilibrio perfecto de la arquitectura y el paisaje, y de estos con la procesión de los miembros de la scuola, constituyen la unidad de esta obra, una interpretación sin precedentes de los modelos del siglo XV, de gran importancia para el desarrollo de la cultura pictórica futura.
Ya en 1539, a través de los buenos oficios de Aretino, Tiziano había logrado establecer contacto con la poderosa familia Farnesio de la que era originario el Papa Pablo III, y cuyo retrato ya había sido realizado con anterioridad por el artista. Aceptó la invitación del sobrino del papa Alejandro Farnesio y llegó a Roma el 9 de octubre de 1545. En esta etapa de la carrera de Tiziano este viaje le permite conocer las fuentes de la poética manierista, en las que se imponen las obras de Rafael y Miguel Angel. Sin embargo, parece que a estas alturas de su carrera e incluso antes de ponerse en ruta hacia Roma, Tiziano ha superado esa "crisis" manierista de principios de 1540. Justamente, lleva en su equipaje la extraordinaria Danae, que realizó para Octavio Farnesio antes de emprender el viaje, y que es la prueba más llamativa del total desapegado, de la ruptura que se produce en ese momento en la poética de Tiziano. En esta tela, se pone de manifiesto un renovado interés en la investigación de los efectos del color, la riqueza y libertad del pincel, especialmente en los paisajes.
Retomada por el pintor en varias versiones y comercializada por el taller, la " Danae Farnese" es una de las obras más copiadas de Tiziano como la Danae del Museo del Prado realizada para Felipe II. Su gran éxito se debe probablemente, a la cálida sensualidad de luz y color junto con un sentido clásico de una grandeza casi heroica, divina, y que constituye la respuesta veneciana a los anatomías de Miguel Ángel.
Vasari cuenta que "un día que Miguel Ángel y él fueron a visitar a Tiziano en el Belvedere, vieron en su taller un cuadro que acababa de terminar y representaba a una Danae desnuda, con Jupiter en su regazo, transformado en lluvia de oro. Lo alabaron mucho (como se debe hacer en presencia del artista). Pero cuando dejaron a Tiziano, comentando su obra, Buonarroti la elogió bastante, diciendo que le gustaban mucho su colorido y su factura, pero que era pecado que en Venecia no se prendiera desde el principio a dibujar bien y que los pintores de allá no siguiesen mejor método en el estudio. " En esas condiciones, la estancia de Tiziano en Roma no podía en ningún caso ser portadora de noticias importantes, tan grande era la distancia que le separaba del estilo artístico dominante en la ciudad de los papas. Sin embargo, Tiziano todavía permaneció varios meses en Roma donde pintó a Pablo III con sus sobrinos Alejandro y Octavio, auténtica obra maestra de introspección psicológica destacando por la vivacidad de los colores que transmiten un sentimiento casi de angustia. El artista fue nombrado ciudadano de honor de Roma, y poco después, de vuelta a Venecia, hizo una etapa en Florencia donde pudo admirar las obras artísticas de aquella ciudad. En Venecia le esperaban muchas obras inconclusas dejadas en el momento de su partida inesperada, entre ellas, el espléndido Retrato votivo de la familia Vendramin que había comenzado hacia 1543 y que acabaría ahora.

Dieciocho meses después de su regreso de Roma, Tiziano comenzó otro largo viaje que lo llevó esta vez a la corte de Carlos V en Habsburgo. La pintura más importante que Tiziano realizó allí es el Retrato de Carlos V en la batalla de Mühlberg, hoy en el Prado (1548). Durante su estancia en Habsburgo, Tiziano entabló lazos bastante íntimos con el emperador hasta convertirse en su confidente. No hay duda que al hilo de sus conversaciones, el artista desarrollara una simpatía por la persona de Carlos V que le llevó a entender las complejidades y paradojas de la situación histórica en la que el emperador se encontraba inmerso: en los retratos oficiales más imponentes que le hizo - y, más tarde, también en su Carlos V sentado (Alte Pinakothek, Munich) -, no solamente logra expresar enérgicamente su soledad, su carácter melancólico e introvertido, sino también la dignidad con la que asume su cargo. Además de retratos, Tiziano trabajó en la primera versión de Venus recreándose con el Amor y la Música, hoy en el Museo del Prado, un tema destinado a ser un gran éxito y retomado muchas veces por el maestro y su taller. También en Habsburgo, Tiziano consigue que la reina María de Hungría, hermana de Carlos V, le encargue cuatro telas para el techo de su residencia de verano en el castillo de Binche en Flandes. Las telas, con un objetivo claramente moralizante, debían representar los más célebres personajes que habían sufrido diversos tormentos en el infierno, Ticio, Sísifo, Tántalo y Ixion. En las dos telas, las de Ticio y Sísifo, que envió a Flandes y que en la actualidad se encuentran en Madrid, en el Prado, llama especialmente la atención el hecho de que Tiziano reanuda con las formas de expresión manieristas, especialmente inspiradas de Miguel Ángel, que representa con efectos de color de alta calidad.
Obra de alta calidad artística, cuya iconografía se inspira en la famosa estatua de época romana que representa a la diosa y pertenecía a los Médicis.
Aunque Carlos V recurrió a Tiziano después de su abdicación en 1556, fue su hijo Felipe, su sucesor en el trono de España, quien se convertiría en el más importante mecenas del artista. El pintor le realiza de inmediato un retrato de pie, hoy en el Museo del Prado o retratos de personajes relacionados con la corte imperial, entre ellos Retrato de un capitán con amorcillo y perro. En el encuentro entre Felipe II y el artista (con más de sesenta años de edad), que tuvo lugar en Habsburgo durante el invierno de 1550-1551, se decidió el envío regular de pinturas mitológicas y religiosas a cambio de un confortable salario anual. De esta manera, Tiziano se beneficiaba de todas las ventajas sociales y financieras que representan un cargo en la corte sin tener que sufrir sus servidumbres (esta disposición se mantuvo durante un cuarto de siglo, hasta la muerte del artista en 1576). A partir de 1551, Tiziano había espaciado significativamente su actividad para los comitentes venecianos, dejando el campo libre a una nueva generación de pintores, como Tintoretto, Veronese y Jacopo Bassano, ya que prefería centrar su atención en las numerosas peticiones que recibía de los Habsburgo y su séquito. Siete suntuosas mitologías o "poesías" de gran formato, probablemente las más importantes obras de esta asociación (rey-artista), tomaron el camino de Madrid. Concebidas de forma especial para una de las residencias de Felipe II contienen un programa iconográfico coherente y llevan un mensaje alegórico moralizante. Al parecer, fue el propio Tiziano quien basándose en las fuentes adecuadas imaginó los temas. Las telas forman pares y se corresponden tanto temáticamente como en términos de composición. Esto es particularmente evidente en el caso de Diana y Acteón y Diana y Calisto. Ambos temas, inspirados libremente de Las Metamorfosis de Ovidio, evocan el castigo infligido a víctimas inocentes por la casta y cruel diosa de la luna. Estos dos cuadros llevaron al pintor a un énfasis dramático en el que se apoya un colorido vibrante, hecho de colores fuertes y de alto contraste.

El joven y bello cazador Acteón sorprendente a Diana y a sus ninfas en el baño. Como lo anuncia el cráneo que descansa sobre la columna rústica, la diosa se vengará mediante su transformación en un ciervo y será despedazado por sus propios perros. El mito de Diana y Acteón, a menudo representado en el Renacimiento, proviene de las Metamorfosis III de Ovidio (siglo I dC), y fue una importante fuente de inspiración para los artistas.

El viejo Tiziano atraviesa ahora un largo periodo trágicamente angustioso, y sentimientos de desesperación y muerte agitan su alma; en 1556, muere su amigo Aretino; en 1558, fallece en la soledad del Monasterio de Yuste Carlos V, al que le unía un antiguo y sincero sentimiento de gratitud y estima; en 1559 fue el turno de su hermano Francesco, su fiel y oscuro colaborador. De las cartas que escribió a Felipe II se desprende el pesar de Tiziano por estas pérdidas. Pero son sus cuadros los que mejor reflejan sus vicisitudes. Incluso temas mitológicos que podrían ser alegres como Venus vendando los ojos del Amor, pintado alrededor de 1566 y hoy en Roma, se convierte en una historia llena de tensión, evidente en las expresiones tristes y pensativas de los rostros y el colorido intenso de un cielo casi en llamas.

En ese último periodo en el que se dedica intensamente a representar temas religiosos, Tiziano encuentra todavía la energía para realizar retratos, entre los que se encuentran dos de sus principales obras maestras realizadas entre 1567 y 1568: su Autorretrato, hoy en el Prado y Retrato de Jacopo Strada, en Viena. Gradualmente, a medida que nos acercamos al año 1570, la cronología de las obras de Tiziano se vuelve imprecisa, en parte debido a su homogeneidad estilística. Muchos temas religiosos: una notable serie de pinturas dedicadas a la Pasión de Cristo, como la Coronación de espinas, en Munich, Burla de Cristo, en Saint Louis (Missouri), y las dos versiones de Cristo con la cruz a cuestas en San Petersburgo y en Madrid. En estas obras altamente dramáticas, donde los toques de pintura se fusionan cada vez más de forma incoherente, a partir de ahora el artista rechaza toda descripción naturalista en la representación de los sentimientos, traduciendo sus propias emociones delante del tema abordado. Así se explica la lluvia de sudor mezclada con la sangre que baña el cuerpo torturado de Cristo en la tela de Munich, o los siniestros destellos de color de la pequeña tela de San Luis.

Las obras que concluyen la carrera artística de Tiziano datan de los últimos días del pintor. En su mayor parte se quedaron en el taller después de su muerte y fueron vendidas por su hijo Pomponio a varios coleccionistas venecianos. Entre ellas se encuentra el San Sebastián de San Petersburgo, una obra maestra de virtuosidad pictórica; el inquietante Muchacho con perros de Rotterdam; o todavía, Ninfa y pastor, hoy en Viena, surcada de destellos de luz, que muestra los efectos más típicos de la paleta de Tiziano. Un sentimiento de muerte se cierne sobre dos obras maestras en las que sin duda Tiziano trabajaba durante el verano de 1576, mientras que en Venecia hacía estragos la terrible plaga que se llevaría a Orazio, el hijo predilecto del artista. La iconografía del Castigo de Marsias se inspira en los frescos sobre el mismo tema realizados por Giulio Romano en Mantua, Sala de las Metamorfosis del Palacio Te; pero el fulgor de los tonos marrones y rojizos del fondo, los colores oscuros apenas avivados por repentinos estallidos de luz, muestran la terrible crudeza de la escena mitológica. La Piedad, una gran tela sobre el tema de la muerte, el sacrificio eucarístico y la resurrección, constituye el testamento de Tiziano. A su muerte el 27 de agosto 1576, la tela todavía estaba sin terminar, fue Palma el Joven quien la completó a base de pequeñas veladuras y escasos retoques.

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A principios del siglo XVI, Tiziano acumula ricas experiencias que lo conducen rápidamente a una energía expresiva, evidente ya en sus primeras obras.

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La Torre de Babel es una edificación mencionada en la Biblia,explica por qué los pueblo hablan diferentes lenguas

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¿Quién fue Alberto Durero? | Minuto Cultural

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Alberto Durero, cuadros del renacimiento, pintura alemana.artistas más famosos del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte

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1492 llegó a Colmar, en Alsacia, donde intentó entrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer que, cosa que no sabía Durero, había muerto en 1491.

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Considerado el máximo exponente del Renacimiento germánico, Alberto Durero nació con una habilidad y pasión innatas por el arte plástico.

Su técnica artística predilecta fue el estampado de, dibujos tallados en madera, sobre papel. Fue tal la pericia que demostró en este menester, que a la edad de 20 años ya comenzaba a codearse con los principales artistas de Europa, entre ellos, Leonardo y Raphael.

Hijo de un reconocido orfebre y ahijado del propietario de la principal imprenta de Núremberg. Durero se crió en un ambiente donde el trabajo equivalía a la creación artística, su padre intentó que siguiera sus pasos, el joven respondió bien y demostró gran destreza en el trabajo del oro. Sin embargo tal fue su habilidad en las artes gráficas, que aprendía de su padrino, que finalmente se decantó por dedicar su vida a ello.

Los grabados de Durero, son de factura impecable, y de un realismo asombroso, ello le valió para trabajar para la monarquía y la iglesia desde muy joven.

A parte de los grabados, también produjo cuadros al óleo durante toda su carrera, en los cuales se aprecia su gran habilidad artística, hoy en día son considerados paradigmas del renacimiento europeo. No se conformó con plasmar figuras en las telas, sino que realizó un aporte conceptual y técnico de gran riqueza, a la pintura y la simbología religiosa.

Cuadros de Durero

La siguiente es una selección de los 12 cuadros más célebres de Durero.

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Alberto Durero, cuadros del renacimiento, pintura alemana.

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Fue un retrato de su esposa

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Nacimiento: 21 de mayo de 1471, Núremberg, Alemania

Fallecimiento: 6 de abril de 1528, Núremberg, Alemania

Períodos: Renacimiento nórdico, Renacimiento alemán, Arte gótico

Padres: Albrecht Dürer the Elder, Barbara Dürer

Cónyuge: Agnès Dürer (m. 1494–1528)

Influenciado por: Quinten Massys, Giulio Clovio, Jacopo de'Barbari

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Hans holbein cuadro

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David carri

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Holbein: Capturing Character in the Renaissance

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💥👩‍🏫 GRABADOS de Alberto Durero 🤓 Alberto Durero BIOGRAFIA 👨‍🎨 Datos Interesantes de Durero Pintor 🤯

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21 de mayo de 1471, Núremberg, Alemania

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Los Autorretratos de Alberto Durero y la verdadera cara de Cristo

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Conferencia: "Jan Brueghel y la empatía de la pintura"

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Jan Brueghel

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Brueghel

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Brueghel

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Cinco generaciones de pintores llenan una muestra que rescata en Países Bajos el papel de las mujeres de una dinastía artística con gran espíritu comercial que abarca un siglo y medio

'Baile campesino durante la boda', obra de Pieter Brueghel, el Joven (1610), que pertenece al Museum voor Schone Kunsten Gent y que puede verse en la muestra. Hugo Maertens (useum voor Schone Kunsten Gent)

Entre 1550 y 1700, una familia de pintores convirtió los paisajes en un género protagonista en sí mismo y llenaron sus cuadros de vida campesina y gente corriente. Fueron los Brueghel -también llamados Bruegel o Breughel- especialistas a su vez en animales exóticos, alegorías, monstruos grotescos y flores. El patriarca, Pieter el Viejo, uno de los mayores artistas flamencos del siglo XVI, aplicaba la sátira a sus escenas rurales. Sus dos hijos, Pieter el Joven y Jan el Viejo, mantuvieron a su manera el detallismo que era la marca de la casa. El primero copió con respeto las obras paternas y amplió su legado. El otro creó un estilo más independiente. Los nietos y bisnietos siguieron el oficio, y los lazos entre las diferentes generaciones se presentan por primera vez en los Países Bajos en una muestra que rescata el papel de las mujeres en la continuidad de la dinastía.

El cuadro 'Los mendigos' de Pieter Bruegel, el Viejo. Gérard Blot / RMN-GP

Todo empieza con Pieter Bruegel el Viejo (1525/1530-1569), que le quitó la hache a su apellido en la madurez y por eso puede aparecer escrito de las dos maneras. Su lugar de nacimiento suele indicarse cerca de la localidad holandesa de Breda, en el antiguo Ducado de Brabante, situado entre los Países Bajos y Bélgica. Aunque hay detalles de su vida todavía poco claros, aparece en el registro del Gremio de pintores de San Lucas, en Amberes, y viajó por la Italia del Renacimiento. Aficionado a colarse en las fiestas de los pueblos sin invitación, observaba a la gente para reflejar luego sus comportamientos y costumbres con una buena dosis de crítica social.

En la exposición -titulada Brueghel, la reunión familiar, presentada en el museo Noordbrabants, de la ciudad holandesa de Den Bosch (Bolduque, en español), y que podrá verse hasta el 7 de enero- solo se usa Bruegel para Pieter el Viejo. El resto son llamados Brueghel. Del centenar de obras colgadas, ochenta son cesiones del extranjero y se ofrecen tres ejemplos del toque realista del fundador de la estirpe. En Campesinos bailando en una fiesta hay ritmo, borracheras y confidencias al aire libre. La tabla Los mendigos o los lisiados, recoge en apenas 20 centímetros la desgracia de quienes estaban considerados fuera de la sociedad. Por debajo incluso del granjero más pobre. Hay otra teoría sobre este grupo de cinco varones atados a unas muletas imposibles: que fuese una burla contra los poderosos. Tal vez, pero la sensación que perdura es la primera. El artista admiraba a otro colega de Brabante, El Bosco, al que interpreta a su manera.

El tercer ejemplo es La urraca sobre el cadalso, donde el contraste entre el hombre y la naturaleza es casi feroz. Un grupo de vecinos del pueblo cercano baila junto a un suplicio de madera donde se ha posado el ave del título. Sobre un idílico paisaje de fondo, la urraca simboliza el vicio de murmurar, condenado simbólicamente por el artista. A la derecha del espectador hay una cruz. A la izquierda, un hombre defeca oculto entre los arbustos. Terminado poco antes de su muerte, hacia los 45 años, lo legó a su esposa, Mayken Coecke. Esta, hija del pintor Pieter Coecke van Aelst, en cuyo taller de Amberes pudo haber aprendido su marido, se quedó viuda con tres hijos menores: Pieter el Joven, María, y Jan el Viejo. A partir de aquí entra en acción la línea femenina de la familia.

El óleo 'Proverbios neerlandeses' de Pieter Brueghel, el Joven Stadsmuseum Lier (Stadsmuseum Lier)

Aunque los dos niños no llegaron a recibir lecciones del padre, su progenitora guardó buena parte de los bocetos y dibujos de la obra que ya habían vendido. De este modo, facilitó la forja de la posterior empresa familiar porque la demanda de obras del patriarca se mantuvo durante décadas. Fallecida la madre en 1578, tomó el relevo la abuela, Mayken Verhulst. Era también artista, y si bien no quedan obras que se le puedan adjudicar sin reservas, el comerciante e historiador de la época, Ludovico Guicciardini, la calificó como "una de las pintoras más dignas de admiración del siglo XVI". Otro experto, Karel van Mander, indicó en su día que ella "debió enseñar a sus nietos la técnica de la acuarela y la miniatura", explica Floris van Alebeek, conservador del museo Noordbrabants. Apunta asimismo que "hay un doble retrato suyo y de su esposo atribuido hasta hace poco al primero, aunque Verhulst es una de los posibles candidatos a su autoría".

Mayken Verhulst se había hecho cargo del estudio de su propio esposo al enviudar, y su nieto, Pieter el Joven, se convirtió en el mayor propagandista de la obra paterna. El esmero con que copió y adaptó las composiciones heredadas alumbró un lucrativo mercado que se tradujo en decenas de versiones. Un buen ejemplo son Los proverbios flamencos, donde añade algunos de su cosecha a una obra muy popular repetida a lo largo de los siglos. O bien en Adoración de los Magos, ambientado en un pueblo de Brabante cubierto de nieve. Aquí, la vida cotidiana sigue su curso mientras en un rincón se produce uno de los momentos clave de la cristiandad.

Jan el Viejo, el otro hijo, fue más lanzado y se especializó en bodegones florales, animales y paisajes. Viajó y colaboró a menudo con otros colegas, entre ellos, Rubens, el influyente artista flamenco. Rubens pintaba sus modelos exuberantes, o una Virgen con el Niño, y le reservaba el fondo del cuadro para los animales exóticos y las guirnaldas. En las Alegorías de la Tierra, el Agua, el Aire y el Fuego, de Brueghel hijo, hay abundancia de animales, algunos minúsculos y con la precisión de un libro de ciencias naturales. ¿Cómo eran sus pinceles? " Debieron usar materiales específicos porque todas las especies son reconocibles en su pequeñez", afirma Van Alebeek. Jan el Viejo trabajó además en la Corte, en Bruselas, con los archiduques Alberto de Austria e Isabel Clara Eugenia (hija de Felipe II) que gobernaron los Países Bajos. "La historiadora estadounidense Elizabeth Honig dice que Pieter el Joven parecía preguntarse: '¿Cómo sería esta imagen si la pintase mi padre?'. Su hermano piensa: '¿Cómo sería si yo lo hiciese?", recuerda el mismo experto.

La obra 'Festón, máscaras y rosetones de conchas' de Jan van Kessel, el Joven. Fondation Custodia

Mayken Verhulst falleció con 82 años y contempló la ampliación de la familia y el taller, que iba acogiendo a nuevas generaciones y aprendices. Los hijos, nietos y bisnietos de Pieter y Jan se dedicaron también a la pintura o entraron a formar parte de familias de artistas, como los Teniers y los Van Kessel. Con la empresa consolidada, las pinturas en serie -como las estaciones del año- y el tratamiento del paisaje siguieron marcando el camino. Amberes, la ciudad donde la mayoría desarrollaron sus carreras, disponía además de un puerto que favoreció el intercambio entre mercaderes, artistas, coleccionistas y artesanos en la época colonial. La exposición subraya tanto el efecto que tuvo en la obra de los Brueghel y sus sucesores la llegada de animales y objetos exóticos, como la explotación de seres humanos y de recursos naturales que supuso. El mono, por ejemplo, aparece en muchos de sus cuadros.

Resta otra mujer esencial: Clara Eugenia Brueghel, hija de Jan el Viejo y nieta del patriarca, que fue la Gran Beguina de Malinas (en la región de Flandes). Estaba al frente de una comunidad de mujeres devotas, laicas y religiosas -beguinas- que no dependían de una jerarquía civil o monástica y vivían juntas con autonomía. Era una alternativa al matrimonio y la maternidad, aunque podían dejarlo y casarse si lo deseaban. Desde su puesto privilegiado, supervisó la decoración de la iglesia que utilizaban, decoró su residencia con obras familiares y es posible que también pintase. Aprovechó su red de contactos y fue así patrona y conservadora a la vez. Entre el resto de los parientes, la mayoría con apelativos que fijan su puesto en el árbol genealógico, Jan van Kessel el Viejo -bisnieto de Pieter el Viejo- plasmó con virtuosismo conchas marinas e insectos. Abraham Brueghel, otro bisnieto, se dedicó a los bodegones florales. Y aún otro, Jan Baptist Breughel, optó por los de frutas. "No hace falta ser un intelectual para apreciar el detalle de la sociedad que plasmaron", asegura el conservador.

Más información

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Cinco generaciones de pintores llenan una muestra que rescata en Países Bajos el papel de las mujeres de una dinastía artística con gran espíritu comercial que abarca un siglo y medio

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La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra una niña y la criada enigmáticamente de espaldas rebuscando en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perrito es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perrito, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.

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El Rinoceronte de Alberto Durero. Origen y fortuna del paquidermo más famoso de la historia del arte

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Tiziano fue uno de los mejores pintores de la historia del arte era el sol entre las estrellas según sus colegas artistas maestro de retrato o el paisaje de pintura religiosa mitológica pintaba el género que  le en venía gana con total virtuosismo

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Tiziano fue uno de los mejores pintores de la historia del arte era el sol entre las estrellas según sus colegas artistas maestro de retrato o el paisaje de pintura religiosa mitológica pintaba el género que  le en venía gana con total virtuosismo

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Tiziano fue un pintor italiano de la época renacentista

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Cuadro

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Este cuadro se llama Carlos V y la emperatriz

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Brueghel

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Pieter Brueghel El Viejo cuadros | Pósters, láminas y lienzos de alta calidad

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Cuadros de Pieter Brueghel El Viejo. Pósters, láminas y lienzos de alta calidad con las obras mas fámosas de Brueghel El Viejo. Envío gratuito!

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Germán Beritens en 1913 presenta varios errores y fue refutada por numerosos oftalmólogos, principalmente por el Profesor Manuel Márquez, catedrático de Oftalmología de la Universidad de Madrid. Según esta teoría, El Greco pintaba las figuras alargadas debido al alto astigmatismo que presentaba.

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Las obras más conocidas de Durero son:

Autorretrato a punta de plata (1484, Viena, Albertina)

Cementerio de San Juan (acuarela y gouache, h. 1489, museo de Bremen)

Retrato de Alberto Durero el Viejo (1490-1497, Florencia, Uffizi)

Autorretrato (1493, París, Museo del Louvre)

Acuarelas (1495): Wehlsch Pirg (Oxford, Museo Ashmolean), Col alpino

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Brueghel

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Pieter Brueghel de Oude​ llamado el Viejo, /ˈpitəɾ ˈbɾøːxəl/ ( Breda o Breugel, h. 1525- Bruselas, 5 o 9 de septiembre de 1569) fue un pintor y grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores Brueghel, es considerado el pintor holandés más importante del . Con Jan Van Eyck, el Bosco y Pedro Pablo Rubens, es considerado como uno de los cuatro grandes maestros de la pintura flamenca. Solo 45 pinturas de su autoría han sobrevivido hasta la actualidad.

La biografía de Pieter Brueghel el Viejo presenta lagunas debido a la ausencia de fuentes escritas. Los historiadores a menudo se ven reducidos a formular hipótesis. Entre otros datos, el lugar y la fecha de su nacimiento se prestan frecuentemente a conjeturas. Karel van Mander dice que nació "cerca de Breda en el pueblo cuyo nombre tomó para transmitirlo a sus descendientes". Sin embargo, había dos pueblos con el nombre de Brueghel o Brogel, uno en el Brabante Septentrional a unos 55 km de la actual villa holandesa de Breda, y el otro -que era doble y se denominaba Grote (Gran) Brogel y Kleine (Pequeño) Brigel- estaba situado en el actual Limburgo belga, alrededor de 71 km de Breda, y perteneciente en aquella época al principado de Lieja. Diversos biógrafos e historiadores han establecido posteriormente que Kleine-Brogel y Grote-Brogel estaban a alrededor de 5 km de Brée que, en el siglo XVI, se llamaba Breede, Brida o en latín Breda. Van Mander no habría pensado en que Breda en Brabante pudiera ser confundida con Breede-Brida-Breda en Limburgo. Así pues, el problema no está resuelto.​

Para calcular la fecha de su nacimiento se tienen en cuenta dos hechos. El primero, que se sabe cuándo murió, en 1569, y que se produjo "en la flor de la vida" ( medio aetatis flore) lo que quiere decir entre los 35 y 45 años. El segundo, que fue admitido como maestro en los liggeren ("registros") del gremio de San Lucas en Amberes en 1551,​ siendo así que esto solía ocurrir entre los 21 y 25 años.​ Con ello se puede situar la fecha de nacimiento de Brueghel entre 1525 y 1530, por lo que es un contemporáneo de Felipe II de España.

También es insegura la ortografía exacta de su apellido, siendo las formas más frecuentes Brueghel, Bruegel y Breugel.​ Tampoco es seguro que adoptase ese apellido por ser el del lugar de nacimiento, porque para el ya existían los apellidos como nombres de familia.​

Siempre según van Mander,​ fue aprendiz de Pieter Coecke van Aelst, artista cultivado, decano del gremio de artistas, a la vez pintor y arquitecto y con cuya hija Mayken terminó casándose. Prácticamente desconocido en su etapa de formación, los únicos datos sobre su vida y su carrera nos los ofrece una biografía de 1609, que le presenta como un ignorante dedicado a la pintura cómica. Sin embargo, parece suficientemente demostrado que fue un hombre de cierta cultura, puesto que conoció a estudiosos y científicos de su país. En 1551 fue aceptado como maestro en el gremio de pintores de Amberes.

Entre 1551 y 1553 viajó por Francia e Italia. En Roma pudo trabajar con el miniaturista Giulio Clovio. Permaneció una temporada en el taller de un maestro siciliano. Algunos de los cuadros que ilustran este viaje son Combate en el puerto de Nápoles, la escena de La caída de Ícaro y El suicidio de Saúl, así como algunos dibujos. Al hacer el viaje, tuvo que atravesar los Alpes, realizando una importante colección de dibujos sobre su paisaje. Parece que el viaje, más que para formarse, fue para realizar dibujos de paisajes italianos y alpinos que el grabador Hieronymus Cock pudiera reproducirlos en grabado.​

Entre 1555 y 1563 se estableció en Amberes, donde trabajó para el editor Hieronymus Cock, haciendo dibujos preliminares para diversos grabados, entre los cuales destaca una serie sobre Los siete pecados capitales donde Bruegel introdujo elementos fantásticos y grotescos inspirados en El Bosco. En Amberes frecuentó un círculo de artistas y eruditos humanistas como el mecenas Nicolás Jonghelinck que tenía dieciséis de sus obras. Se sabe que fue amigo del cartógrafo Abraham Ortelio, quien escribió algunas conmovedoras líneas en su memoria.​

En 1562, a petición de su futura suegra,​ se trasladó a Bruselas, al barrio de Marolles, en el número 132 de la calle principal ( rue Haute) en una casa con tejados escalonados de estilo medieval flamenco típico del siglo XVI. En la iglesia de Nuestra Señora de la Capilla ( Notre-Dame de la Chapelle o Kapellekerk) se casó, en el año 1563, con Mayken Coecke, hija de su maestro Pieter Coecke van Aelst.

En 1564 nació el primogénito de sus hijos, Pieter Brueghel el Joven, llamado Brueghel d'Enfer ("del Infierno"). La situación política y religiosa en Flandes se está deteriorando. En 1567 el duque de Alba inició una sangrienta campaña de represión contra los rebeldes. Su segundo hijo, Jan Brueghel el Viejo, llamado Brueghel de Velours ("de Terciopelo") nació en 1568, el mismo año de la ejecución de los condes de Egmont y de Horn. Parece seguro que Brueghel el Viejo fue protegido por el gobernador de los Países Bajos españoles, Granvela, coleccionista de sus obras. Sus dos hijos, Pieter y Jan, se convirtieron en pintores, pero ninguno de ellos fue discípulo de su padre, ya que este falleció cuando ambos era aún niños. Según Karel van Mander, es probable que fueran instruidos por su abuela Mayken Verhulst van Aelst, quien también era artista. Jan Brueghel siguió los pasos de su padre y se convirtió en pintor, especializándose en paisajes; en cambio Pieter Brueghel el Joven se dedicó a la escritura. Los dos se destacaron mucho en lo que hicieron ya que tenían el talento de sus padres.

Otros miembros de la familia fueron Pieter van Aelst y la ya mencionada Mayken Verhulst (los suegro y suegra de Pieter Brueghel el Viejo), Jan van Kessel, padre (nieto de Jan Brueghel el Viejo) y Jan van Kessel, el Mozo. A través de David Teniers, la familia está también emparentada con toda la familia Teniers de pintores y la familia Quellinus de pintores y escultores, puesto que Jan-Erasmus Quellinus se casó con Cornelia, hija de David Teniers el Joven.

Se sabe muy poco de la personalidad de Brueghel, aparte de estas pocas líneas de Carel van Mander: "Era un hombre tranquilo, sabio y discreto, pero en compañía, era divertido y le gustaba asustar a la gente o sus aprendices con historias de fantasmas y cientos de otras diabluras."

La vida social de Brueghel se extendió mucho más allá del círculo intelectual, asistiendo voluntariamente a bodas campesinas a las que se hacía invitar como "pariente o paisano" de los esposos. Recibió el apodo de "Brueghel campesino" o "Brueghel el Campesino" por su supuesta práctica de vestirse como un campesino para mezclarse en las bodas y otras celebraciones, obteniendo así inspiración y detalles auténticos para sus pinturas de género. También se ha indicado que el origen de este apodo viene de sus representaciones de la vida campesina.

Van Mander cuenta algunas anécdotas, un poco fantasiosas, como su intromisión en el matrimonio con su amigo Hans Frankaert, joyero de Amberes: "En compañía de Franckert, a Brueghel le gustaba visitar a los campesinos, en las bodas o ferias. Los dos hombres se vestían como los campesinos, e incluso como los demás invitados llevaban regalos, y se comportaban como si pertenecieran a la familia o pertenecían al círculo de uno u otro de los esposos. Le encantaba observar las costumbres de los campesinos, sus modales en la mesa, bailes, juegos, formas de cortejo, y todas las bufonadas que podían ofrecer, y que el pintor supo reproducir, con gran sensibilidad y humor, con el color, tanto a la acuarela como al óleo, siendo muy versado en las dos técnicas. Conocía bien el carácter de los campesinos y campesinas de Kempen y de sus alrededores. Sabía cómo se visten al natural y pintar sus gestos groseros cuando bailaban, caminaban o se quedaban en pie mientras se dedicaban a tareas diferentes. Dibujaba con convicción extraordinaria y dominaba particularmente bien el dibujo a pluma."

Brueghel murió en Bruselas en septiembre de 1569 y fue enterrado en la iglesia de Nuestra Señora de la Capilla en Bruselas.

Su retrato se encuentra en Pictorum Aliquot Celebrium Germaniae Inferioris Effigies, de Dominicus Lampsonius. Este retrato del pintor, atribuido al grabador Johan Wierix, se publicó con un poema de Lampsonius en 1572.

Brueghel es conocido por sus paisajes, género en el que alcanzó una notable importancia. Se le suele considerar como el primer artista occidental que pintó paisajes por sí mismos, en lugar de como telón de fondo de alegorías religiosas. En la naturaleza encontró Brueghel su mayor inspiración siendo identificado como un maestro de paisajes. Se caracterizan por una amplia panorámica vista desde lo alto. Así se aprecia en obras como Combate naval en el puerto de Nápoles, Camino del Calvario o la serie de las Estaciones. Creaba una historia, al parecer combinando varias escenas en una sola pintura. Sus paisajes del invierno de 1565 (por ejemplo, Los cazadores en la nieve) corroboran la dureza de los inviernos durante la Pequeña Edad de Hielo. Cuando cruzó los Alpes en su viaje a Italia, dibujó numerosos paisajes. Le resultaron muy importantes para su carrera, pues a su regreso los desarrolló por grabados que se difundieron por toda Europa.

Una parte de su obra, que enlaza más directamente con la obra de su predecesor El Bosco, representa temas apocalípticos. En esta línea pintó Caída de los ángeles rebeldes, Dulle Griet y El triunfo de la Muerte, e igualmente bajo inspiración bosquiana diseñó grabados para el editor Hieronymus Cock, entre ellos siete sobre Los pecados capitales.

Brueghel destacó, sobre todo, en escenas familiares y populares, escenas de género, pobladas por campesinos, a menudo con un gran elemento paisajístico. Ejemplos de esta temática son: Juegos de niños, El banquete de bodas, La parábola de los ciegos ( 1568), El país de Jauja y Danza de campesinos. En estas escenas había una intención moralizante, representando los defectos del ser humano, algo que también había hecho El Bosco en, por ejemplo, La Piedra de la Locura. Así, La parábola de los ciegos representaría la necedad del mundo, mientras que El país de Jauja ( 1567) representaría lo efímero de los bienes materiales.

Uno de sus temas más famoso es La torre de Babel,​ del que pintó tres cuadros, si bien se conservan dos: La construcción de la torre de Babel (1563, Museo Kunsthistorisches de Viena) y La Pequeña torre de Babel ( Róterdam). Simbolizaría el destino fatal de la creciente sed de poder del ser humano. Puede que el interés del pintor por la torre de Babel procediera del carácter cosmopolita de su ciudad de Amberes.

La pintura de Brueghel se presenta generalmente en tres períodos:

las primeras composiciones que están llenas de personajes tomados de la vida;

el ciclo de las Estaciones que relata la marcha del mundo según las leyes de la Naturaleza;

los últimos cuadros, en los que los grandes personajes se destacan sobre un paisaje que no es más que un fondo.

Brueghel se formó dentro de la escuela flamenca. El pintor rompe con sus predecesores o el gusto italiano del . Al conectar la Edad Media y el Renacimiento, supera el arte de los primitivos flamencos y supera a los italianos; la unidad de sus composiciones, su talento narrativo y su interés por los "géneros menores" hacen de él un artista inclasificable dentro de la historia del arte. La influencia más obvia sobre su arte es el antiguo maestro holandés el Bosco, particularmente en sus pinturas más tempranas "demonológicas" de Brueghel como El triunfo de la Muerte y Dulle Griet. Con el Bosco comparte cierto tratamiento fantástico en determinadas escenas, una tradición figurativa, como se ve en El triunfo de la Muerte que se expone en el Museo del Prado. El Bosco representa el final de la Edad Media, es el último "primitivo" y Brueghel comenzó un nuevo siglo, una era moderna que se abre con el descubrimiento del hombre y del mundo. Sin embargo, la obra del Bosco quiere inspirar un terror devoto, algo que está totalmente ausente en Brueghel. Para el primero, el mundo es un "sueño de Dios" o un engaño del Diablo; la Naturaleza es una tentación perjudicial. Para el otro, la acción humana por el contrario es todo su valor: alegrías o desafíos al destino, el hombre debe intentar la aventura a pesar de las amenazas.

Cuando viajó a Italia, aprendió la forma de pintar de los renacentistas. Siguió la corriente manierista que afectó a toda Europa. Esto se ve en la característica descomposición del cuadro en multitud de escenas (Proverbios, 1559).

Ahora bien, tiene una concepción más moderna y realista que los manieristas. Esto se ve en la ironía con que trata los temas. También en que no se esfuerza por mostrar una belleza ideal, sino en reflejar a las personas de manera bastante realista. Resulta innovador que el sujeto de sus temas sea colectivo, el grupo, y no un personajes aislado o un grupo pequeño. El que hiciera de la vida y costumbre de los campesinos el centro principal de una obra era raro en la pintura de la época de Brueghel. Su representación terrenal, nada sentimental pero vívida de los rituales de la vida pueblerina -incluyendo la agricultura, la caza, las comilonas, fiestas, danzas y juegos- son ventanas únicas de una cultura campesina desaparecida y una fuente primaria de evidencia iconográfica tanto sobre aspectos físicos como sociales de la vida del siglo XVI. Por ejemplo, la pintura Los proverbios flamencos ilustra docenas de aforismos entonces contemporáneos (muchos de ellos aún se usan en el holandés o flamenco actual), y Juegos de niños muestra la variedad de entretenimientos de los que disfrutaban los jóvenes.

Usando abundante energía cómica y espíritu, creó algunas de las más antiguas imágenes de protesta social en la historia artística. Como ejemplos pueden señalarse pinturas como El combate entre don Carnal y doña Cuaresma (una sátira del conflicto de la Reforma)[cita requerida] y grabados como El asno en la escuela y Cajas fuertes combatiendo Huchas. Se dice que en su lecho de muerte ordenó a su esposa que quemara los dibujos más subversivos para proteger a su familia de la persecución política.​ Se le considera precursor del Barroco al norte de los Alpes. El colorido de sus Estaciones (1565) anticipa la pintura del .

Al final de su carrera aumentó el tamaño de las figuras, y se aprecia una nueva concepción de la estructura del cuadro. Pintó en un estilo más sencillo que el estilo italianizante que prevalecía en su época. En sus últimos cuadros adopta tamaño grande. Hay menos figuras, de un tamaño más grande, que se destacan sobre el fondo; perdiendo importancia el fondo.

A diferencia de los pintores del Renacimiento, Brueghel no representó el desnudo y se interesó poco por el retrato. Sus personajes están bien alejados de la glorificación de los cuerpos bien proporcionados. En sus cuadros dominados por la vida popular, el pintor muestra los campesinos tal como son, en sus actividades y su ocio. Por vez primera en la historia de la pintura, la clase campesina se humaniza dentro de una visión objetiva. Las cabezas se alinean y se aprecia que el artista es sensible a las emociones y las debilidades.

Incluso las escenas bíblicas de Brueghel se sitúan en su mayor parte dentro de un pueblo y la descripción de la plaza pública repleta de gente ocupa más espacio que el tema (véase El empadronamiento de Belén). En el siglo XVI, de hecho, la calle y la plaza eran los lugares de encuentro y entretenimiento: los juegos de invierno, el carnaval, la procesión y las kermeses, danzas rituales campesinas, todo era un pretexto para la celebración y el pintor narra estos encuentros que Felipe II, por su parte, desea prohibir.[cita requerida]

En la serie de las Estaciones muestra la unión profunda de los seres vivos sujetos a los ciclos naturales, expresa la concepción estoica según la cual el mundo es una construcción bien ordenada dentro de la cual el hombre ocupa un lugar preciso y acepta su destino. En cambio, en las otras telas, Brueghel parece temer el orgullo y la rebelión del hombre contra el orden de la creación (es Nemrod y su loca empresa, Ícaro y su sueño o incluso el Castigo de los ángeles rebeldes). La alegría puede coexistir con el peligro si el hombre se somete a la fatalidad y se integra en la sinfonía de elementos naturales.

La obra de Brueghel aparece de manera destacada en la novela de Don DeLillo del año 1997 Underworld (novela de DeLillo). En el prólogo, titulado "El triunfo de la Muerte" y ambientado en el partido de béisbol del año 1951 entre los Giants y los Dodgers en el que Bobby Thomson golpeó el así llamado "Shot Heard 'Round the World", una reproducción de la pintura epónima (h. 1562) flota hacia las manos de J. Edgar Hoover entre una granizada de celebración de fragmentos de papel y otros desperdicios después de un home run. Más tarde en la novela, el personaje Klara Sax compara los conceptos de muerte y juego, discutiendo otra pintura de Brueghel, Juegos de niños (1560): "No sé lo que la historia del arte dice sobre esta pintura. Pero yo digo que no es diferente de otros famosos Brueghel, ejércitos de muerte marchando por el paisaje. Los niños son gordos, retrasados, un poco siniestros a mi gusto. Es una especie de amenaza, alguna locura". Kinderspielen. Parecen como enanos haciendo algo terrible" (U 682).

La novela Precipitadamente por Michael Frayn sigue el descubrimiento ficticio de una sexta pintura desaparecida en la serie de Las Estaciones de Brueghel. El personaje principal, Martin Clay se traslada al campo durante varios meses con su esposa e hija para acabar la obra de un libro. Sin embargo, rápida y obsesivamente queda absorbido por el mundo de Brueghel y la historia de los Países Bajos del siglo XVI cuando él cree haber descubierto la pintura de la primavera Abril-Mayo desaparecida Los juerguistas escondida en una chimenea en la finca campestre del poco escrupuloso vecino señor Churt. La historia sigue con hilarantes consecuencias.

La pintura Los cazadores en la nieve se usa ampliamente en la obra del director de cine ruso Andrei Tarkovsky en su 1972 .

La pintura Los proverbios flamencos se usó como obra de arte de la cubierta para el llamado primer álbum de Fleet Foxes, Fleet Foxes.

Camino del Calvario es el tema principal de la película del año 2011 The Mill and the Cross, película sueco-polaca en la que Rutger Hauer interpreta al personaje de Pieter Brueghel.

La novela Ciudades de la noche roja (1981) escrita por William S. Burroughs usa El triunfo de la Muerte como obra de arte en la cubierta.

Todas las investigaciones relativas a la vida, a las actividades, a la personalidad, al espíritu y la obra de Pieter Brueghel el Viejo, tienden a completar, a precisar cuando no a corregir lo que el primero, Karel Van Mander relata sobre ellos en su Libro de Pintores ( Het Schilder-Boeck en la primera edición), publicado en Harlem, datada en 1604. Se encuentra bajo el encabezado "Pierre Bruegel, de Bruegel", que él escribió bajo el título El Libro de Pintores de Karel van Mander:​

La naturaleza hizo una elección singularmente feliz el día que escogió, entre los campesinos de una aldea oscura brabanzona, al humorista Pieter Brueghel para hacer de él pintor de los campesinos.

Nacido cerca de Breda en el pueblo cuyo nombre tomó para transmitirlo a sus descendientes, Pieter Brueghel fue el primer discípulo de Pieter Coeck de quien se casa más adelante con la hija que le había llevado en sus brazos cuando ella era una niña.

Luego pasó a Jerónimo Cock, entonces fue a Francia e Italia. Las obras de Jerónimo Bosco había sido el objeto especial de sus estudios y, a su vez, hizo un montón de diabluras y temas cómicos, por lo que le llamaron Pedro el Gracioso. De hecho, hay pocas obras de su mano que podamos mirar sin reír y el espectador más sombrío se hace menos severo ante él. Brueghel, durante sus viajes, hizo un considerable número de vistas tomadas de la naturaleza, de modo que podríamos decir de él que al atravesar los Alpes, él se había tragado las montañas y las rocas para vomitarlas, a su vez, sobre telas y tablas, tanto logró representar la naturaleza con fidelidad. Se estableció en Amberes y entró en el gremio en 1551. Un comerciante llamado Hans Franckert, le encomendó muchas pinturas. Era un buen hombre que estaba muy apegado al pintor.

Juntos, Franckert y Brueghel se complacían en ir a las fiestas y a las bodas pueblerinas, disfrazados de campesinos, ofreciendo regalos como los demás invitados y diciéndose que era de la familia de uno de los cónyuges.

La felicidad Brueghel fue estudiar las maneras rústicas, estas fiestas, los bailes, los amores campestres que traducía de forma excelente con su pincel, tanto al óleo como al temple, ya que ambos tipos le eran familiares. Fue maravilloso ver cómo llegó a sus campesinos ataviados con la moda campestre o de otra manera, para presentar su actitud, sus andares, su forma de bailar. Logró una extraordinaria precisión en sus composiciones y se servía de la pluma con gran habilidad para dibujar pequeños puntos de vista de la naturaleza.

El testimonio de los contemporáneos, sobre todo en el mundo del arte y de la edición de Amberes, muestra que Brueghel tuvo numerosos amigos y admiradores. El cartógrafo flamenco Abraham Ortelio le rindió homenaje en su Album amicorum:​

El pintor Eupompos, cuando se le preguntó cuál de sus predecesores consideraba su maestro, respondió señalando a la multitud: "Debemos imitar a la naturaleza misma, no a un artista". Frase que encaja bien con nuestro amigo Bruegel al que yo llamaría no el pintor de pintores, sino la naturaleza de los pintores: lo que quiero decir es que merece ser imitado por todos. Como dice Plinio acerca de Apeles, nuestro Bruegel pintó muchas cosas que no podían ser pintadas. En todas sus obras, siempre hay más de pensamiento que de pintura. Eunapio dice otro tanto sobre Timantes [...] Los pintores que representan a los seres graciosos, en la flor de la edad, y quisieron añadir a la pintura un no se qué de elegancia encantadora que sacaban de sí mismos, distorsionando la imagen representada y alejándose del modelo tomado, se alejaban también de la verdadera belleza. Nuestro Bruegel es puramente de este trabajo.

Ludovico Guicciardini, comerciante florentino instalado en Amberes, lo cita dentro de su Descrittione de' Paesi Bassi​ ("Descripción de los Países Bajos") publicado por Cristóbal Plantino en 1567:

Pieter Bruegel de Breda, gran imitador de la ciencia y de la imaginación de Jerónimo Bosco, también le valió el apodo de Segundo Jerónimo Bosco.

Brueghel ha ganado notoriedad suficiente como para ser mencionado por Giorgio Vasari que le consagra esta mención en sus Vite:

Celebramos también como buen pintor. [...] Pierre Breughel de Amberes, maestro excelente.

Dominicus Lampsonius,​ Lampsonius, que trabajó para el mismo editor que Brueghel, Hieronymus Cock, y conoció los escritos de Guiccardini, hace este panegírico y lo dirige a Pieter Breughel los versos siguientes:

Nos recuerda las vivas concepciones de su maestro, Que, con un hábil pincel, fielmente nos presenta su estilo, Y, al hacerlo, incluso lo supera? Tú te elevas, Pieter, gracias a tu arte fecundo, A la manera de tu viejo maestro trazas las cosas agradables. Bien hechas para hacer reír; con él tú mereces ser considerado el igual de los más grandes artistas.

El testimonio de Dirck Volkertszoon Coornhert, grabador él mismo, muestra la estima que el pintor había alcanzado entre sus colegas. Coornhert describe aquí su placer ante La muerte de la Virgen​ en una carta a Ortelio datada el 15 de julio de 1578:​

Querido Ortelio, vuestro precioso regalo acaba de llegar y no sé cómo expresar mi gratitud. Aprecio mucho la delicadeza del dibujo y la calidad del grabado. Brueghel y Philippe (Galle) se han superado a sí mismos. Considero que nunca han sido mejores. La bondad de su amigo Abraham Ortelio permite dar a conocer su talento, de manera que los amantes del arte del porvenir podrían deleitarse en él.

Creo que nunca he visto una más bella representación dibujada o grabada que esta triste habitación. ¿Qué estoy diciendo? Me parece realmente escuchar las palabras de dolor, los sollozos, las lágrimas y la expresión de infelicidad, las quejas y los gemidos se hacen aquí realidad; en este trabajo, nadie puede dejar de participar con fervor de la tristeza del acontecimiento. Se trata de una cámara mortuoria, y sin embargo todo parece vivo, así de grande es la autenticidad.

El pintor Giovanni Paolo Lomazzo, considerado como uno de los pioneros de la historia del arte, cita a Brueghel con admiración:​

"De los flamencos, he visto ciertos cuadros al óleo hechos recientemente [...] y son admirables: y los pintores que los han ejecutado, Gill Mostraert, Pier Breughel no merecen más que elogios ..."

El autor bruselense Michel de Ghelderode experimentó durante toda su vida una gran admiración por los cuadros de Brueghel, que citó a menudo en sus obras, como Los ciegos, inspirado por el cuadro La parábola de los ciegos.

En la obra La Balada del Gran Macabro, pieza en la que la atmósfera y los personajes no son sino una reminiscencia del Combate entre don Carnal y doña Cuaresma y El triunfo de la Muerte. El país donde se desarrolla la historia es él mismo llamado "Brueghelandia", referencia directa al artista.

El nombre del pintor figura además en diversas antologías de la pintura:

P. A. Orlandi, Abecedario pittorico ( Abecedario pictórico, 1719):

[...] Pintó las cosas absurdas y ridículas, no tanto por el color y el dibujo que eran nobles y dignos de un maestro, como por la materia y la invención.

J.-B. Descamps, La Vie des peintres flamands ( La vida de los pintores flamencos, 1753):

Brueghel hizo bocetos durante las fiestas y las bodas campesinas, que él pintó admirablemente al óleo y al temple. Nacido para esta clase de asuntos, puede ser el primero en su arte, sin Téniers. Sus composiciones están muy bien concebidas, el dibujo es correcto, los trajes de buena calidad, las cabezas, las manos son captadas con su valor espiritual.

Sir Joshua Reynolds, Journey to Flanders and Holland ( Viaje a Flandes y Holanda, 1797):

Este pintor ajeno a cualquier forma de técnica pictórica; pero en este cuadro [la Matanza de los Inocentes, que Reynolds conoció por una copia], hay muchas ideas, una representación viva y variada de la desesperación: tanto que él hizo por veinte modernos. Bajo este aspecto, el autor [...] se distingue de los versificadores de hoy en día que no llevaba en ellos algún pensamiento de un peso, caen fácilmente en el falso galope de versos ridiculizado por Shakespeare en Como gustéis.

El gusto por Brueghel el Viejo culminó en torno al año 1600. En 1594, tras su entrada triunfal en Amberes, el archiduque Ernesto de Austria recibió una serie de cuadros de maestro representando los meses del año, sin duda un regalo de prestigio.​ En 1609, su hijo Jan Brueghel el Viejo escribió al cardenal Federico Borromeo, arzobispo de Milán y creador de la Biblioteca Ambrosiana, no podía procurarse más cuadros de su padre, con la excepción de lo que poseía él mismo, el Cristo y la adúltera. La situación era tal que, según explica, el Emperador ha ofrecido el precio más alto para adquirir todas las obras de Brueghel.​

En un contexto semejante es favorable a la proliferación de copias, imitaciones y falsificaciones.​ Y en efecto, es entonces cuando aparecen numerosos dibujos hechos con pluma, que un " Maestro de pequeños paisajes" realizó manifiestamente en el estilo de Brueghel. Surgen así un grupo de 25 dibujos, que llevaban la firma de Brueghel y que datan de 1559-1562. Actualmente se sabe que fueron ejecutados a finales del siglo XVI, probablemente por Jacob Savery o incluso Cornelis Cort,​ y quizá un propósito fraudulento.​ La misma hipótesis debe considerarse para los célebres Paisajes de montaña, o Vistas de los Alpes, consideradas por mucho tiempo como obras maestras de Brueghel. En realidad, la mayoría de estos dibujos fueron ejecutados a finales del siglo XVI.​

Joos van Liere, corpus de dibujos naert'leven largo tiempo atribuidos a Brueghel el Viejo

Maestro de los Pequeños Paisajes, corpus de dibujos largo tiempo atribuidos a Brueghel el Viejo

Roelant Savery, probablemente el "Maestro de los paisajes de montaña", largo tiempo atribuidos a Brueghel el Viejo

Jacob Savery, su hijo, probablemente el "Maestro de los pequeños paisajes"

Cornelis Cort

Corneille Metsys

Joos de Momper, a quien se ha reatribuido La Tempestad

Cornelis van Dalem, paisajista bruegheliano

Jan Van Wechelen, realizó los personajes de paisajes de Cornelis Dalem

Pieter Balten, paisajista contemporáneo de Brueghel

Índice de los grabadores que trabajaron sobre dibujos de Brueghel el Viejo (en francés)

Hay 45 pinturas sobrevivientes que han sido declaradas auténticas, así como un cierto número de obras perdidas. Una tercera parte de estas obras se halla en el Museo de Historia del Arte de Viena ( Kunsthistorisches). Existe también un gran número de dibujos y grabados. Se han perdido un buen número de sus obras, y algunos cuadros que en el pasado se le atribuyeron, se considera actualmente que son copias más tardías realizadas por sus hijos.

Paisaje con Cristo y los apóstoles en el Mar de Tiberíades, 1553, probablemente en conjunto con Marten de Vos, colección privada.

Los peces grandes se comen a los pequeños, 1556, Albertina, Viena

Los proverbios flamencos, 1559, Museos estatales, Berlín

Juegos de niños, 1560, Museo Kunsthistorisches, Viena

Temperance, 1560

Saúl (Batalla contra los Filisteos en el Gilboa), 1562, Museo Kunsthistorisches, Viena

Dos monitos, 1562, Museos estatales, Berlín

La torre de Babel, 1563, Museo Kunsthistorisches, Viena

La huida a Egipto, 1563, Courtauld Institute Galleries, Londres

La muerte de la Virgen, 1564, grisalla, Upton House, Banbury, Oxfordshire

Camino del Calvario, 1564, Museo Kunsthistorisches, Viena

La serie de las Estaciones. Un ciclo de seis o doce pinturas de los meses o estaciones del Libro de las Horas, de la que sobreviven cinco:

Cazadores en la nieve (diciembre-enero), 1565, Museo Kunsthistorisches, Viena

Día triste (febrero-marzo), 1565, Museo Kunsthistorisches, Viena

Cosecha de heno (junio-julio), 1565, Palacio Lobkwicz en el Complejo del Castillo de Praga

Los cosechadores o La cosecha (agosto-septiembre), 1565, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

El regreso de la manada (octubre-noviembre), 1565, Museo Kunsthistorisches, Viena

La calumnia de Apeles, 1565, dibujo, Museo Británico, Londres

El pintor y el conocedor, h. 1565, dibujo, Albertina, Viena

Censo en Belén, 1566, Colección de arte de Amalia Lacroze de Fortabat, Argentina / Museos reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas

Conversión de Pablo, 1567, Museo Kunsthistorishes, Viena

Masacre de los inocentes, h. 1567, versiones en la Royal Collection, Museo Kunsthistorisches de Viena y en Museo Nacional Brukenthal, Sibiu,​ y en Upton House, Banbury

La boda campesina, 1568, Museo Kunsthistorisches, Viena

La danza campesina, 1568, Museo Kunsthistorisches, Viena

El campesino y el ladrón de nidos, 1568, Museo Kunsthistorisches, Viena

La parábola de los ciegos, 1568, Museo di Capodimonte, Nápoles

La tormenta en el mar, obra inconclusa, probablemente la última pintura de Bruegel.

El pez grande se come al chico, 1556, un grabado a partir de dibujo de Brueghel

En los albores del siglo XXI, pocos dibujos quedan de la mano de Brueghel el Viejo, a menudo se han atribuido a otros artistas, principalmente a través del estudio de las marcas de agua y monogramas de papel, que demostrarán la posteridad de los dibujos.

A Roelant Savery (1576-1639) se han atribuido los célebres dibujos Naer't leven - in situ - y varios Grandes Paisajes parecen ser de la mano de su hermano mayor Jacob Savery (h. 1565-1603). De artistas aún anónimos llamados el Maestro de los paisajes de montaña​ -que podrían ser Roelant o Jacob Savery​-, el Maestro de los pequeños paisajes​ -que podría ser Joos van Liere​ o incluso Cornelis Cort​-, pero también Jerónimo Bosco, Pieter Balten, la familia Coecke, los propios hijos de Brueghel -Pieter y Jan- o su entorno, se reparte la autoría de otras composiciones, paisajes, personajes y escenitas campestres. Parece también que el gran éxito de las composiciones de Brueghel el Viejo ha atraído a los falsificadores.​

El último catálogo razonado de los dibujos de Pieter Brueghel el Viejo​ describe 61 dibujos autógrafos y seis conocidos por una copia. De estos 67 artículos, treinta y cinco se completaron con el fin de ser grabados. Ochenta y cuatro grabados fueron publicados (sin contar con los que se hicieron a partir de una pintura o póstumos). Le falta entonces al menos cuarenta y nueve dibujos.​

La obra grabada a partir de Brueghel el Viejo alcanza el centenar, según el especialista Louis Lebeer.

A partir de 1556, se encuentra el nombre de Brueghel asociado al del editor Hieronymus Cock para el letrero Aux quatre vents. Dibuja planchas satíricas como El pez grande se come al chico. Al año siguiente publicó la serie de los Siete pecados capitales seguida en el año 1558 por Las siete virtudes.​

La Caza del conejo silvestre -realizado en 1560- es el único grabado que Brueghel el Viejo ejecutó por sí mismo, y que se publicó por Hieronymus Cock. Se conoce el dibujo original.​ Largo tiempo considerado como una copia, recientemente se ha vuelto a atribuir al maestro.​ Podría ilustrar el viejo proverbio "perseguir dos liebres a la vez", esto es, hacer dos cosas al mismo tiempo.​ Por los efectos de luz y la atmósfera, prefigura ya dos grandes cuadros Los cazadores en la nieve y El regreso del rebaño ​ o el carácter diurno y estacional desempeña un importante papel.​

Brueghel es también el inventor de un gran número de grabados ejecutados por otros artistas y publicados por Hieronymus Cock:​ La Cocina magra y la Cocina grasa, grabados por Pieter van der Heyden en 1563. Al igual que los del Bosco, sus grabados siguieron estampándose después de su muerte.

Conjunto de Doce grandes paisajes (1555-1556)

Conjunto de Doce proverbios flamencos (hacia 1568), según obra de Pieter Brueghel, grabados por Jan Wierix

Conjunto de Buques de mar, Frans Huys (Amberes, 1522-1562) hacia 1561-1562.

La primavera y El verano por Pieter van der Heyden (Amberes, 1570 (los dibujos preliminares de otras dos estaciones se deben a Hans Bol).

1. El nombre posee diferentes ortografías: Bruegel como Pieter el Viejo firmaba generalmente su nombre, Brueghel que adoptaron todos sus descendientes y continuadores, Breughel, Breugel, o incluso Brueghels (véase más abajo). Por razones de homogeneidad, la grafía más difundida (con "h") se conserva como título del artículo.

2. Véase René Van Bastelaer y G. Hulin de Loo I, p. 45, apoyado por el canónigo J. Coenen (en Het oude Land van Loon IX, 2, 1954, pp. 56-61 bajo el título Waar werd Pieter Bruegel geboren) aunque contradicho por el historiador Charles Terlinden (Ch. Trelinden, pp. 233-234) y la inscripción en torno al retrato de Brueghel grabado en 1606 por Aegidius Sadeler I a partir de Bartholomeus Spranger y que dice: Petrus Bruegel ex ambivaritis, Belga pictor aevi hujus inter principes?, "ambivarite" (según A. Wauters, p. 19) que significa aquí habitante del marquesado de Amberes, del que Breda y sus alrededores eran considerados como dependencias. O Guicciardini que habla de Pietro Brueghel di Breda en su obra Descrittione di tutti i Paesi Bassi (publicado en Amberes en 1567 por Sylvius, à la p. 99), donde aún vivía Pieter Brueghel el Viejo.

3. Louis Lebeer, Catalogue raisonné des estampes de Breughel l'Ancien, 1991

4. En la primera edición de Schilder-Boeck de Carel Van Mander, el nombre del artista se escribe siempre ortografiado Brueghel. En la segunda edición de 1618, la ortografía que se adopta es Breughel, salvo en tres ocasiones. De hecho, hasta alrededor de 1557-1558, el supuesto alumno de Pieter Coecke van Aelst, firmó sus dibujos y grabados Brueghel, en letra cursiva, y desde ese momento en adelante Bruegel en letras capitales romanas. Sólo sus hijos adoptaron, junto a otros, la ortografía Breughel. Así que debería adoptar la forma de Bruegel ya que, por razones desconocidas hasta el presente, es la elegida por el propio pintor para firmar, entre otros, sus dibujos y grabados. No se puede invocar irregularidad con la cual al ortografiar fonéticamente los nombres dentro de los documentos antiguos, para no tener en cuenta los dos formas donde Brueghel escribió su nombre, puesto que a partir de 1557-1558, dejó de escribir su nombre Brueghel para no volver a escribir más que Bruegel (Lebeer, ibidem, 1991)

5. Desde el siglo XIV se usaron apellidos. Alphonse Wauters estudió la familia Breughel (Sociedad arqueológica de Bruselas, 1888, pp. 7-79 ) y allí el sabio archivero demostró, con documentación de apoyo, que en la época del pintor Pieter Brueghel, vivía en Bruselas un profesor en medicina, llamado, también él, maestro Pieter, meester Peetren, Bruegelio; además, un concejal de la ciudad llamado Guillermo Van Breughel, nacido en Oirschot, cerca de Bois-le-Duc, asumió el cargo en Bruselas en 1572 y murió el 9 de junio de 1609, a la edad de 65 años. El apellido Bruegel - Breughel, por lo tanto ya existía. Max Friedländer (Max Friedländer XVI, p. 1) señala que el genitivo Peeter Brueghels adoptado para la inscripción, en 1551, de Brueghel en los Liggeren (Registros, de la corporación de los pintores de Amberes) se refiere más a su ascendencia que a su lugar de origen. Con ello querría decir que era "hijo de Brueghel" y no "oriundo de Brueghel". F. Grossman (p. 11) escribe que esta cuestión tiene más interés que el académico, pues si se rechaza la afirmación de Karel Van Mander de que Brueghel nació en el pueblo del mismo nombre, sólo quedarían los temas de algunas tablas para mantener lo que debe considerarse la leyenda de Brueghel, el campesino, de Boeren-Bruegel.

6. Pieter el Viejo o el Anciano, en Diccionario Larousse de la Pintura, I, 1987, Planeta-Agostini.

7. "Documentos para la comprensión del contexto humanista". Archivado desde el original el 24 de noviembre de 2012.

8. "Mientras vivió en Amberes, vivía con una criada con la que quería casarse si no fuera por su lamentable tendencia a mentir, lo que repugnaba a su amor por la verdad. Llegó a un acuerdo con ella según el cual haría una muesca en un palo de madera cada vez que él la sorprendiera mintiendo. Eligió un palo bastante largo, y le advirtió que si el palo quedase cubierto de cortes, reconsideraría su decisión de pedirla en matrimonio. Esto sucedió en poco tiempo. Mientras tanto, la viuda de Pieter Cock había decidido finalmente instalarse en Bruselas, y él se enamoró de la hija de su maestro fallecido. Había estado a veces en sus brazos cuando era joven. Decidió casarse con ella, y se lo pidió a su madrastra, abandonó Amberes y se trasladó a Bruselas, con el fin de alejarse y olvidarse de la chica con quien había mantenido anteriormente una relación amorosa". Karel Van Mander citado en Schilder-Boeck.

9. Martínez Jiménez, José Antonio; Muñoz Marquina, Francisco; Sarrión Mora, Miguel Ángel (2011). "Lenguaje y comunicación". Lengua Castellana y Literatura (Akal edición). Madrid: Akal Sociedad Anónima. p. 123. .

10. Mayor, A. Hyatt. Prints & People: A Social History of Printed Pictures. Princeton: Princeton University Press, 1971, 426.

11. Ortelio, Abraham (1550 y sq.). Pembroke College, ed. Album amicorum (Manuscrito edición). Cambridge.

12. Vasari, Giorgio (1568). Lorenzo Torrentino, ed. Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, 2.ª edición revisada y aumentada. Florencia.

13. Lampsonius, Domenicus (1572). Hieronymus Cock, ed. Pictorum aliquot celebrium Germaniae inferioris effigies (Las Efigies de los pintores célebres de los Países Bajos). Amberes.

14. Momazzo, Giovanni Paolo (1584). Paolo Gottardo Pontio, ed. Trattato dell' arte della pittura diviso in sette libri. Milán.

15. Ángeles García, "Otro 'bruegel el viejo' para El Prado", El País, 24 de septiembre de 2010. [Consulta: 26.09.2010].

16. Martin Royalton Kish, Pieter Bruegel as a Draftsman, Yale University Press, 2001

17. "Vida y obras de Brueghel". Archivado desde el original el 15 de julio de 2011.

18. Orenstein Nadine, Catalogue, n.° 81 & 82, Róterdam 2001

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Pieter Brueghel el Viejo - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Pieter Brueghel de Oude​ llamado el Viejo, /ˈpitəɾ ˈbɾøːxəl/ ( Breda o Breugel, h. 1525- Bruselas, 5 o 9 de septiembre de 1569) fue un pintor y grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores Brueghel, es considerado el pintor holandés más importante del .

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Brueghel procedía de una ilustre familia de artistas y, junto con Rubens, estaba considerado el principal pintor de Amberes…

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Hans Holbein el Joven - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Encontrado en Google en es.wikipedia.org

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El Retrato del padre de Durero a los 70 años de edad (o Padre del Pintor) es un óleo sobre tabla de tilo de 1497 atribuido al pintor alemán y grabador Alberto Durero, conservado en la National Gallery de Londres. Junto con el retrato de 1490 conocido como Alberto Durero el Viejo con rosario, es el segundo de dos retratos de Alberto Durero el Viejo (1427-1502), padre del artista. La semejanza del modelo con el retrato más antiguo, así como con un dibujo en punta de plata de 1486 que se cree un autorretrato hecho por el padre, no dejan dudas sobre su identidad.​​ Se cree que el retrato de Londres es una de muchas copias de un original perdido.​ Está en malas condiciones, pues se le ha desprendido pintura del fondo y de partes del manto. En 1955 fue limpiado, lo que reveló una especial calidad en la descripción de la cara. Eso hizo que algunos lo considerasen un Durero original. Sin embargo, la National Gallery sigue presentándolo como "atribuido a Alberto Durero".​​

Aunque maestro orfebre y muy viajado, Alberto el Viejo vivió en la pobreza toda su vida. Con su mujer mucho menor, Bárbara Holper, tuvo 17 hijos, de los que solo dos llegaron a adultos. Murió en 1502, cinco años después de finalizado el retrato. Apoyó el talento precoz de su hijo y lo reconoció a temprana edad, por lo que lo envió como aprendiz con Michael Wolgemut, por entonces uno de los pintores más prestigiosos de Núremberg. En sus viajes Alberto el Viejo entró en contacto con la segunda generación de pintores flamencos, y a través de ellos transmitió una influencia clave en el desarrollo artístico de su hijo.

Durero pintó dos retratos de su padre, uno de abril de 1490 -el mes previo a partir de viaje como oficial pintor- y el Retrato a los 70 cuando volvió a Núremberg. Tras la muerte de su padre, el artista escribió un afectuoso elogio en que sostiene que en vida el anciano "experimentó múltiples aflicciones, pruebas y adversidades. Pero solo tuvo elogios de todo el que lo conoció."​

Alberto Durero el Viejo

Tras la muerte de su padre, cinco años después de que se pintara el retrato, Durero escribió que Alberto el Viejo "pasó una vida de esfuerzo y durísimos trabajos, sin más sustento que el que ganó con sus propias manos para sí, para su mujer y sus hijos, de modo que tuvo bastante poco. Experimentó múltiples aflicciones, pruebas y adversidades. Pero solo tuvo elogios de todo el que lo conoció pues vivió una vida cristiana honorable, fue con todo un hombre de espíritu paciente, tranquilo y pacífico y muy agradecido a Dios. Para sí mismo tuvo poca necesidad de compañía y placeres mundanos; también fue de pocas palabras y hombre temeroso de Dios".​

Nació en 1427, en Ajtós, cerca el pueblo de Gyula en el Reino de Hungría.​ Su apellido original era Ajtósi. En 1455 se mudó a Núremberg y lo cambió por Dürer para adaptarlo al dialecto local. Aprendió el oficio de orfebre bajo el tutelaje de Hieronymus Holfer. En 1467, el año en que su aprendizaje acabó, se casó con Bárbara, la hija de 15 años de Holfer. La pareja tuvo 18 hijos, de los que solo dos sobrevivieron hasta adultos.​

Alberto el Viejo viajó mucho y en su estadía en Flandes conoció a los pintores flamencos. Ahí estuvo expuesto a la obra de Jan van Eyck y de Rogier van der Weyden, y desarrolló por ellos un gran aprecio que transmitiría a su hijo, cuyo arte muestra una gran deuda con esos pintores.​​ De su padre, Durero aprendió a apreciar la atención minuciosa, casi forense, al detalle realista característico de los pintores del norte, así como su uso de los colores brillantes. Estas lecciones fueron fundamentales para el desarrollo del joven artista y lo diferenciaron de sus colegas alemanes, cuyo trabajo a menudo puede parecer comparativamente tosco y pesado.

Alberto, cuando su hijo tenía 14 años, lo mandó a estudiar con Michael Wolgemut, un pintor también conocedor de los artistas del norte.​ El joven artista ya mostraba tal potencial que su padre creyó que tenía que formarse con el mejor maestro local disponible.​

Descripción

El retrato muestra a Alberto el Viejo, a los 70, de medio cuerpo contra un fondo rojizo plano. Lleva un gorro húngaro negro y manto marrón largo con una prenda interior negra. Tiene una mirada penetrante e inteligente, aunque podría interpretarse como hostil hacia el espectador. La edad pesa sobre sus facciones enjutas. Las mejillas carnosas se pliegan pesadamente, tiene los labios finos y el cabello greñudo y desordenado. La piel está muy arrugada y los ojos pequeños le dan un aspecto cansado.​ En comparación con el Alberto Durero el Viejo con Rosario, de 1490, sus manos, aunque visibles, están inactivas, posiblemente debido a la artritis. Tiene la piel muy arrugada y los ojos pequeños le dan aspecto de cansado. Comparado con el Alberto Durero el Viejo con rosario, de 1490, las manos, aunque visibles, están inactivas, posiblemente debido a la artritis, y en vez de tener una expresión suave y piadosa, parece impaciente, mientras en las palabras de Marcel Brion la "mirada aturdida en sus ojos parece ya prever su propia muerte... [La] intensidad casi demacrada de [su] mirada [que] se dirige a los que lo rodean como si pudieran solucionar los problemas urgentes para los que sus propios labios no tenían respuesta."​

Roberto conserva algo de la apostura de su juventud; tiene una estructura ósea fuerte con los pómulos prominentes típicos de la sangre eslava y magiar en la apariencia húngara. Tiene unos ojos casi exóticos que se acercan a sus sienes de un modo casi oriental.​

Procedencia y atribución

Existe una fuerte evidencia de que el retrato fue originalmente colgado junto al Autorretrato de Durerode 1498.​ Ambos tienen las mismas dimensiones y muestran a sus modelos de medio cuerpo. En 1650 la ciudad de Núremberg dio ambos retratos a Thomas Howard, conde de Arundel, como presente para el rey Carlos I de Inglaterra, en una época en que se consideraba a Durero el mayor orgullo de la ciudad.​ Ambos más tarde los vendió Cromwell. El retrato de Alberto el Viejo finalmente fue adquirido por la National Gallery en 1904, donde lleva el número de inventario NG1938. El autorretrato lo compró el Museo del Prado de Madrid.​

Cuando la National Gallery compró la pintura había poca información sobre su atribución o procedencia. Un pedazo de etiqueta de papel fue encontrado en el revés que se creía haber fechado a partir del siglo XVII, y era similar a otro encontrado en la parte posterior del autorretrato de Durero de 1498. Además, se notó la semejanza del personaje con el retrato de 1490 y con el presunto autorretrato de 1486, y se encontró un inventario de 1639 que describe un retrato del padre en que usa un gorro negro y "una prenda [de color] amarillo oscuro en cuyas anchas mangas se esconden las manos, pintadas sobre un fondo rojizo muy agrietado".​ Estos descubrimientos conducen a la creencia de que era la pintura de Durero registrada en posesión de Carlos I.

Autorretrato a los 26, 1498, Museo del Prado, Madrid. Óleo sobre tabla. Durante siglos se lo colgó junto al retrato de su padre.

Referencias

1. Von Fircks, Julian. "Albrecht Dürer the Elder with a Rosary". En Van Eych to Durer. Borchert, Till-Holger (ed). Londres: Thames & Hudson, 2011. 419. ISBN 978-0-500-23883-7

2. ↑ Wieseman, Marjorie E. "'The Painter's Father', 1497". National Gallery, Londres, 30 de junio de 2010. Consultado el 13 de agosto de 2011.

Allen, Jessie. Alberto Durero. Whitefish, MT: Kessinger Publishing, 2005. ISBN 0-7661-9475-2

Bailey, Martin. Dürer. Londres: Phidon Press, 1995. ISBN 0-7148-3334-7

Conway, Martin. "Dürer Retratos, Notes". The Burlington Magazine for Connoisseurs, Volumen 33, Núm. 187, octubre 1918. 142-143

Brion, Marcel. Dürer. Londres: Thames and Hudson, 1960.

Campbell Hutchison, Jane. Albrecht Dürer: A Guide to Research. Nueva York: Garland, 2000. ISBN 0-8153-2114-7

Foister, Susan. Dürer Nuremberg Legacy: The case of the National Gallery Portrait's of Dürer father. Museo Británico, 21 de marzo de 2003.

Sturge Moore, Thomas. Albert Dürer. Kessinger Publishing, 2004. ISBN 1-4191-0533-7

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Retrato del padre de Durero a los 70 años de edad - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El Retrato del padre de Durero a los 70 años de edad (o Padre del Pintor ) es un óleo sobre tabla de tilo de 1497 atribuido al pintor alemán y grabador Alberto Durero, conservado en la National Gallery de Londres.

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Jan Brueghel el Viejo - 113 obras de arte - pintura