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Desde el ámbito personal valoro y disfruto bastante tratar los temas relacionados con la filosofía y la teoría política, pues en estas veo una dimensión crucial de la sociedad y de la labor humana enfocada en el bienestar colectivo. Sobre lo anterior, considero que la madre de las cátedras es aquella que contempla el pensamiento, o mejor dicho, facultad que consta de conocer, entender, plantear y concebir la realidad humana desde su cara más profunda. Aquella cátedra es, sin lugar a dudas, la filosofía.

No obstante, el acto de filosofar viene encaminado en la búsqueda de una verdad que al fin y al cabo beneficia y busca la plenitud del hombre, razón por la cual defiendo y me veo fascinado por la herramienta intelectual que le permite a la persona humana ordenar y generar los lineamientos estructurales y básicos para la convivencia en sociedad: la política.

Finalmente, veo conveniente y acorde al caso seleccionar la política como tema de investigación en este curso, ya que aprecio mucho las obras artísticas no únicamente por su belleza o imponencia, sino por su impacto en el transcurso de la historia a modo de expresión de las circunstancias del momento.

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FICHA TÉCNICA:
Artista: Orfebres egipcios desconocidos.
Título: Máscara funeraria de Tutankamón.
Técnica: Metal trabajado con martillo y decorado con lapislázuli.
Dimensiones: Alto: 54 cm × Largo: 39,3 cm × Prof: 49 cm.
Fecha: 1354-1340 a.C.
Lugar: Museo Egipcio de El Cairo.

ANÁLISIS VISUAL:

La máscara funeraria de Tutankamón es un elemento parte del ajuar funerario de la tumba del faraón del Antiguo Egipto Tutankamón, fabricado entre los años 1354 y 1340 a.C en el periodo de la dinastía XVIII de tal civilización. El artefacto metálico fue hallado en 1922 en el interior de la tumba, en el Valle de los Reyes. Hoy en día, la obra se encuentra expuesta en el Museo Egipcio de El Cairo.

La máscara formalmente contempla la nariz, la boca, las orejas con aretes, unas cejas largas y unos ojos oscuros delineados. Asimismo, el elemento detalla una corona con una serpiente y un buitre, una barba postiza y un gran número de jeroglíficos en la parte de atrás del busto o la espalda. Por otra parte, la obra está hecha principalmente de oro y se adorna con obsidiana, lapislázuli, turquesa y cuarzo, generando así un color brillante y dorado pero contrastado con los relucientes azules y negros que se distribuyen en la máscara.

En segundo lugar, la obra en sí muestra una cara con un gesto serio, inexpresivo. En este caso, se puede apreciar un rostro con facciones jóvenes, haciendo clara alegoría a la juventud del faraón Tutankamón. Además, la máscara está cargada de una gran cantidad de joyas o decoraciones que cobran sentido en el contexto de la muerte en el Antiguo Egipcio: un faráon, una figura superior o de representación divina, que es enterrado con riquezas terrenales para poder viajar al más allá con lo necesario y reunirse con los dioses en su travesía.

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FICHA TÉCNICA:
Artista: Anónimo.
Título: Busto de Marco Emilio Escauro .
Técnica: Mármol esculpido.
Dimensiones: Sin información.
Fecha: 89 a.C.
Lugar: Museos Vaticanos.

COMPARACION CON LA OBRA DE ARTE DEL IMPERIO ROMANO:

El busto detalla a Marco Emilio Escauro, un reconocido político de la República romana que vivió desde el año 163 a.C hasta el año 89 a.C, el cual tuvo gran influencia en su tiempo y lideró la facción aristocrática y conservadora del Senado. Actualmente el busto se encuentra en los Museos Vaticanos.

Hablando del material del que está hecha la obra, esta es una piedra de mármol tallada y esculpida de forma manual. En lo que respecta a la descripción gráfica de a obra, el busto detalla las facciones de la cara de Marco Emilio contemplando diversas arrugas, desproporciones o características ordinarias de un rostro común. A diferencia del arte imperial romano, y tal como se puede apreciar en esta obra, el arte de la época republicana buscaba enfatizar en la representación más fiel y naturalista de la realidad.

El busto de Marco Emilio pudo haber sido expuesto al público en su momento debido a sus precedentes políticos destacados en el Senado, y sus características realistas pudieron haber contribuido al reconocimiento auténtico de dicha figura pública por parte del pueblo.

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FICHA TÉCNICA:
Artista: Anónimo.
Título: Estatua Ecuestre de Marco Aurelio.
Técnica: Metal fundido por partes para luego ser ensamblado y tallado.
Dimensiones: Alto: 4,24 m.
Fecha: 176 d.C.
Lugar: Museo Capitalino de Roma.

COMPARACIÓN CON LA OBRA DE ARTE DE LA REPÚBLICA ROMANA:

La Estatua Ecuestre de Marco Aurelio comprende una representación el Emperador Romano Marco Aurelio, el cual gobernó el Imperio desde el año 121 hasta su muerte en el 180. La estatua original se encuentra expuesta en el Museo Capitalino de Roma y cuenta con diversas réplicas.

En lo que concierne al material, la obra es metálica y fue inicialmente fundida por partes para luego ser ensamblada y tallada en su totalidad. Asimismo, la estatua era dorada y reluciente originalmente, factor que se ha ido perdiendo con el paso de los siglos. Hablando del contenido de la obra, esta muestra al Emperador montando un caballo de forma serena mientras saluda levantando su brazo derecho al horizonte. Con lo anterior, se puede inferir que la obra representa la impecable entrada triunfal de Marco Aurelio tras una victoria.

La estatua consta de un perfeccionamiento de los detalles tanto de Marco Aurelio como del caballo. Esta presenta una imagen ideal de un hombre estético y poderoso, la materialización de un ser divinizado que busca dar una impresión de imponencia y superioridad al pueblo, concepción que se opone completamente a la visión artística de la Roma republicana, pues esta buscaba una representación realista y naturalista ajena a todo tipo de ideal o factor fantástico.

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FICHA TÉCNICA:
Artista: Algún miembro de la Escuela Palatina.
Título: Evangelios de la Cámara del Tesoro.
Técnica: Papel pergamino decorado y pintado (Manuscrito Iluminado).
Dimensiones: Alto: 16 cm × Largo: 26,5 cm (las dimensiones de la página) .
Fecha: Siglo IX d.C.
Lugar: Capilla Palatina de Aquisgrán.

ANÁLISIS VISUAL:

El manuscrito de los Evangelios de la Cámara del Tesoro es una reliquia del arte del Imperio Carolingio, desarrollada a principios del siglo IX por miembros de la Escuela Palatina de Aquisgrán. Actualmente la obra reside en la Capilla Palatina de Aquisgrán.

En primer lugar, la obra contempla un recuadro en miniatura que presenta a cuatro hombres, cada uno en su parte correspondiente del recuadro, dividiéndose este en cuatro escenas diferentes. Todos los hombres están sentados en un pupitre mientras escriben concentrados en un libro con una pluma. Asimismo, cada hombre se encuentra acompañado por un ente o animal: el que se encuentra arriba a la izquierda tiene en el fondo a un hombre alado, el de la derecha tiene a un águila, el de la parte inferior izquierda tiene a un león alado y el último tiene a un buey. Por otro lado, el borde del recuadro se encuentra delimitado exterior e interiormente con azul y el fondo de las cuatro escenas en las que están los hombres también se resalta por su color azul.

En segundo lugar, es posible inferir que tales hombres son los cuatro evangelistas, los cuales son representados con el aro de santidad en la cabeza y túnicas blancas mientras redactan el Evangelio. Adicionalmente, los seres que los acompañan son las representaciones simbólicas de cada uno: los Santos Mateo, Juan, Marcos y Lucas, en ese orden.

Finalmente, en lo que concierne al tema de la política, este tipo de manuscritos fueron realizados por artistas especializados que utilizaban estos elementos para lecturas colectivas y enseñanza a través del conocimiento de la Palabra. Todo esto tuvo lugar bajo un Segundo Renacimiento iniciado por Carlomagno con el fin de recuperar la grandeza pasada y esparcir el aprendizaje por medio de escuelas como la que realizó esta obra, la Palatina.

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FICHA TÉCNICA:

Artista: Anónimo.

Título: Iglesia de San Millán (Segovia).
Técnica: Mampostería y ladrillo.

Dimensiones: Alto: 9 m × Ancho: 8 m × Largo: 16 m.

Fecha: Siglo XI - Año 1126.

Lugar: Segovia, comunidad autónoma de Castilla y León, España.

COMPARACIÓN CON LA OBRA DE ARTE GÓTICO:

La obra consiste en una edificación con muros de color marrón claro y techos de color marrón oscuro. La construcción no es de mucha altura y su parte más alta es una torre con una cruz en la punta. Por otro lado, el edificio se divide en múltiples naves que a su vez cuentan con pequeñas ventanas con arcos semicirculares.

Ahora bien, se trata de la iglesia de San Millán, ubicada en Segovia, España. Este templo es una obra artística construida hace casi 900 años perteneciente al estilo románico, el cual se caracterizaba por su intento de imitación del pasado antiguo bajo la influencia de la Iglesia Católica. El arte románico se desarrolló en un constexto rural.

Hablando de los aspectos materiales, la obra está construida a base de mampostería aglutinada con mortero de cal, arena y agua, esto junto con ladrillo. Asimismo, el templo cuenta con paredes anchas y gruesas que poseen ventanas y puertas pequeñas. Por otra parte, la iglesia cuenta con un ábside con arco semicircular al igual que las puertas y las ventanas, una nave central, una torre, una bóveda superior al lado de la torre, cubiertas de ladrillo en todo el techo y un absidiolo.

En lo que respecta al tema de la política, este templo es un ejemplo de la manifestación de la hegemonía cultural y social de la Iglesia en ese entonces. La institución religiosa en la Edad Media utilizaba su poder económico para construir este tipo de edificaciones en gran cantidad, así como su poder cultural reflejado en el dominio de los modelos y estilos artísticos y arquitectónicos. La Iglesia designaba sacerdotes y obispos a los templos para así influenciar a la población que asistía a la Eucaristía en templos como este.

Por último, y retomando la ya mencionado, la iglesia de san Millán se utilizaba y se sigue utilizando en la actualidad para celebrar las misas y llevar a cabo los demás sacramentos requeridos.

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FICHA TÉCNICA:

Artista: Maestro Gerhard.

Título: Catedral de Colonia.
Técnica: Construcción con piedra caliza al estilo gótico.

Dimensiones: Alto: 157 m × Ancho: 86,25 m × Largo: 144,5 m.

Fecha: 1239 - 1880.

Lugar: Colonia, estado de Renania del Norte - Westfalia, Alemania.

COMPARACIÓN CON LA OBRA DE ARTE ROMÁNICO:

La obra consiste en un edicicio alto con gigantescas dos torres delanteras y una torre en el centro del techo. La construcción cuenta con bastantes ventanas angostas y altas repartidas a lo largo de la obra junto con bastantes minitorres puntiagudas. Por otro lado, todo el edificio cuenta con una gran cantidad de detalles.

Ahora bien, se trata de la Catedral de Colonia, ubicada en Westfalia, Alemania. Este templo es una obra artística construida hace casi 800 años perteneciente al estilo gótico. A diferencia del románico, el arte gótico se desarrolló en el ámbito urbano en el resurgimiento de las ciudades; este se caracterizó por carecer de adornos exagerados y buscar la expresión perfecta y naturalista de la belleza que agrada a Dios utilizando elementos como la luz.

Hablando de los aspectos materiales, la obra está construida a base de piedra y grandes extensiones de cristal. Asimismo, y a diferencia del templo románico, la iglesia cuenta con paredes delgadas y llenas de estatuas y terminados escultóricos, que poseen ventanas y puertas gigantes y angostas. Por otra parte, la obra ya no cuenta con un ábside y en vez de tener arcos semicirculares cuenta con arcos ojivales o apuntados. Esta ahora incluye en su estructura arbotantes, contrafortes y un rosetón en la cara frontal junto con una bóveda de crucería.

Al igual que con la iglesia de San Milán, en términos de política, este templo es un ejemplo de la manifestación de la hegemonía cultural y social de la Iglesia en su época. La institución religiosa en la Edad Media utilizaba su poder económico para construir este tipo de edificaciones en gran cantidad, así como su poder cultural reflejado en el dominio de los modelos y estilos artísticos y arquitectónicos.

Por último, y retomando la ya mencionado, la magistral Catedral de Colonia se utilizaba y se sigue utilizando en la actualidad para celebrar las misas y llevar a cabo los demás sacramentos requeridos.

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FICHA TÉCNICA:

Artista: Rafael Sanzio.

Título: León X y dos Cardenales.
Técnica: Pintura al óleo sobre tabla.

Dimensiones: Alto: 155 cm × Ancho: 118 cm.

Fecha: 1518 - 1519.

Lugar: Galería de los Uffizi, Florencia, Italia.

ANÁLISIS VISUAL:

La obra presenta a tres hombres vestidos con una prenda blanca completa y una especie de capa roja sobre sus hombros y torso. El hombre del centro viste un gorro rojo y se encuentra sentado en una silla de madera frente a una mesa de mantel rojo, esto mientras tiene la mano derecha sobre un libro abierto. El hombre a la izquierda de la pintura observa fijamente al hombre del centro y el hombre ubicado a la derecha mira hacia los espectadores agarrando la silla con sus dos manos.

Ahora bien, se trata de León X y sus dos Cardenales, una obra del Renacimiento del siglo XVI que retrata colectivamente al Papa de ese entonces junto con dos cardenales, que a su vez son sus primos: Julio de Médicis (y futuro Sumo Pontífice Clemente VII) a la izquierda y Luis de Rossi a la derecha. La pintura ilustra, de manera casual y nada extraordinaria, a estos tres hombres en la oficina papal de la Sede de los Estados Pontificios. Se evidencia por sus expresiones faciales su descontento mientras estudian con su libro de rezos, esto debido a la rebelión de Lutero contra el Papado que apenas iniciaba a perturbar a la Iglesia Católica.

Hablando del estilo artístico, al ser del Renacimiento, la obra presenta una representación lo más semejante posible a la realidad, haciendo uso de la perspectiva de imagen y las proporciones científicas y geométricas para plasmar en el lienzo la imagen lograda. En lo que respecta a las figuras, estas ya no cuentan con un acabado lineal o brusco, sino que evidencian un uso de múltiples colores para generar el efecto de degradación, permitiendo ilustrar sombras que dan la sensación de tridimensionalidad o profundidad. La obra rescata el modelo de retrato clásico, trayendo así a colación el principal espíritu del arte renacentista.

En lo que respecta a los aspectos materiales, la obra está pintada en un lienzo de tamaño mediano con una pincelada minuciosa y trabajada. La obra utiliza colores en escalas para generar el efecto de profundidad y perspectiva de tres dimensiones.

En torno al tema seleccionado, la obra ilustra a la persona que encarnaba la mayor autoridad política y religiosa de los Estados Pontificios: al Papa. Este era el jerarca máximo de la Iglesia Católica y tenía voz y voto decisivos en la totalidad de las jurisdicciones de la época en la zona italiana, esto sumado a que influenciaba con gran poder a todo el continente europeo a través de sus monarquías absolutas.

Por último, esta pintura tiene como propósito dar un registro visible y práctico de aquellas personalidades para que se conserve el conocimiento de su apariencia.

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FICHA TÉCNICA:

Artista: Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Título: La Apoteosis de Homero.
Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: Alto: 386 cm × Ancho: 515 cm.

Fecha: 1827.

Lugar: Museo de Louvre, París, Francia.

COMPARACIÓN CON LA OBRA DE ARTE ROMÁNTICO:

La obra presenta a un hombre barbado en el centro, vestido con una túnica blanca siendo coronado por un ángel, esto en medio de una multitud de personas que observan directamente o señalan al hombre. Asimismo, hay dos mujeres sentadas a los pies del hombre sin mirarlo, una a cada lado. La escena se presenta de día y de fondo hay un palacio de estilo antiguo.

Ahora bien, se trata de La Apoteosis de Homero, una obra de estilo neoclásico que resalta y ovaciona la personalidad del aedo de la Antigua Grecia. La pintura ilustra a cuarenta y dos de los más grandes e ilustres artistas de la historia aclamando al poeta junto con dos mujeres, las cuales representan a La Ilíada y La Odisea, obras de Homero. El aedo es coronado con una corona de laurel por una Victoria alada. El palacio del fondo es de estilo jónico.

Hablando del estilo artístico, al ser del Neoclasicismo, la obra presenta un evidente rescate al pasado clásico añadiendo una personalidad antigua y un templo con arquitectura griega clásica. Por otro lado, la obra presenta una escena estática que no intuye un movimiento violento, también muestra un panorama ordenado y estructurado teniendo a Homero como eje central y a las demás personas como fondo complementario. Además, la pintura permite inferir el trabajo académico y analítico de Ingres en el desarrollo de detalles y aspectos concordantes con la historia de cada uno de los personajes presentes.

En lo que respecta a los aspectos materiales, la obra está pintada en un lienzo de gran tamaño a pinceladas rápidas. La obra utiliza diversos colores y un uso de la perspectiva para generar el efecto de profundidad.

En torno al tema de la política, la obra manifiesta un homenaje a un personaje de la Antigua Grecia que desmpeñó un rol importante en la actividad política de la comunidad. Homero fue un poeta crucial en la esfera política de su época ya que se encargaba de educar al pueblo y enseñar doctrinas y obediencia social a través de la mitología. En adición, la pintura rescata una concepción antigua de estética que se remonta a la época imperial milenios atrás.

Por último, ya como se había mencionado, esta obra de arte buscar proporcionar un homenaje a la figura de Homero y ensalzarlo como el máximo precursor de las artes y humanidades de Occidente.

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FICHA TÉCNICA:

Artista: Eugéne Delacroix.

Título: La Muerte de Sardanápalo.
Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: Alto: 392 cm × Ancho: 496 cm.

Fecha: 1827.

Lugar: Museo de Louvre, París, Francia.

COMPARACIÓN CON LA OBRA DE ARTE NEOCLÁSICO:

La obra ilustra a un hombre barbado con túnicas blancas acostado en una cama mientras observa a las personas a su alrededor: varias mujeres desnudas recostadas o desmayadas, dos hombres intentando apuñalar a una mujer cada uno, otro hombre tirando de un caballo blanco y varios hombres y mujeres más lamentándose u observando con miedo la situación. Además, el piso del espacio en el que se desarrolla la escena está lleno de ornamentos y tesoros dorados.

Ahora bien, se trata de La Muerte de Sardanápalo, una obra de estilo romántico que presenta la trágica muerte del rey de Nínive en Asiria. La pintura ilustra al posible hermano del mítico rey asirio Azurbanipal ordenando quemar y destruir todo el interior de su palacio, esto junto con la directriz de degollar a todas sus mujeres y caballos. Esto se da debido a que al haber conspirado contra su hermano, este habría ordenado el asedio de la ciudad y, tras una inminete derrota de Sardanápalo, este acabaría con todo el aposento con él mismo incluido.

Hablando del estilo artístico, al ser del Romanticismo, la obra presenta un evidente rescate del pasado, pero no un pasado clásico como en el Neoclasicismo, sino un pasado sumerio. Por otro lado, la obra presenta una escena de vívido movimiento capturado como una fotografía, mostrando al público un acto violento y brusco. También muestra un escenario caótico y desordenado lleno de actuaciones simultáneas. Además, la pintura permite hace uso más de un elemento emocional que de uno racional o académico puntual, pues la obra juega con los sentimientos mostrando una escena dramática e impactante con características altamente exóticas y nada ordinarias.

En lo que respecta a los aspectos materiales, la obra está pintada en un lienzo de gran tamaño a pinceladas rápidas. La obra utiliza aún más colores que en La Apoteosis de Homero.

En torno al tema de la política, la obra representa directamente a un gobernante antiguo de Babilonia que cometió suicidio ante una derrota anunciada. La obra romántica hace uso de una imagen pictórica violenta y arrebatada para ilustrar las consecuencias directas de las decisiones inhóspitas de un gobernante impune, tal como lo era Sardanápalo.

Por último, ya como se había mencionado, esta obra de arte buscar exaltar de forma exótica un pasado no europeo a través de una obra brusca y llena de expresión emocional.

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FICHA TÉCNICA:

Artista: Pierre-Auguste Renoir.

Título: El Almuerzo de los Remeros.
Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: Alto: 129,5 cm × Ancho: 172,7 cm.

Fecha: 1881.

Lugar: Colección Phillips, Washington D. C., Estados Unidos de América.

ANÁLISIS VISUAL:

La obra ilustra a varias personas en una terraza con techo de tela en medio de un entorno rural, son nueve hombres y cinco mujeres en total. Un hombre de pie se recuesta ligeramente en la baranda. Dos mujeres y un hombre están sentados frente a una mesa de mantel blanco mientras otro hombre que se encuentra de pie los observa y apoya sus manos en las sillas. La mesa se encuentra llena de alimentos, botellas y copas de vidrio. Trece de las personas de la escena llevan sombrero y la mayoría de ellos viste ropas opulentas y elegantes. En el fondo se aprecian a las personas hablando entre si.

Ahora bien, se trata de El Almuerzo de los Remeros, una obra de estilo impresionista que presenta a un grupo de amigos de Renoir descansando en una terraza del restaurante Maison Fournaise a orillas del río Sena en Francia. La pintura representa a los conocidos cercanos del artista en una habitual salida al establecimiento. Más específicamente, en la pintura quedan plasmados Gustave Caillebotte (pintor), Angele Legault (actriz), Adrien Maggiolo (periodista), Alije Charigot (su futura esposa), entre otros.

Hablando del estilo artístico, al ser del Impresionismo, la obra no conserva los detalles y normas estéticas que el arte conservó hasta el Realismo. El arte moderno nace con este movimiento y tal como la pintura muestra, no se busca representar con perspectiva lineal o con un montaje académico la realidad, pues la realidad impresionista se basa en retratar la percepción del artista de mundo, contemplando los límites y cualidades del sentido de la vista. Esta representación es más fiel a la forma meramente humana de apreciar su entorno, pues con simples pinceladas rápidas y colores luminosos se da la impresión de ver una escena real y cotidiana.

En lo que respecta a los aspectos materiales, la escena está plasmada en un lienzo de tamaño mediano y, ya como se había mencionado, hace uso de diversos colores y de la luz por medio de pinceladas frescas y sencillas para dar la impresión al espectador de estar frente a una fotografía.

En torno al tema de la política, la obra no ataña directamente a una figura, mecanismo o autoridad. No obstante, la obra retrata un espacio de reunión típico en la Francia del siglo XIX en la que se discutían temas relevantes de la sociedad y su futuro político. En aquella época Francia se encontraba en la Tercera República y los círculos intelectuales eran muy importantes para contruir la naciente democracia, entre ellos, los artistas y los periodistas. La labor crítica y social de las personas que almuerzan en la pintura era crucial ya que como ciudadanos sí participaban de la ctividad política a través de la participación ciudadana y elecciones.

Por último, el objetivo de esta obra era proporcionar una mirada del mundo y sus aspectos. Con esta pintura, el pintor buscaba reproducir su percepción de la realidad y compartirla con la sociedad en general.