# data[].attributes.attachment_link.title
Biografía español. Federico García Lorca, poeta y dramaturgo español. Biblioteca español. Instituto Cervantes

# data[].attributes.attachment_link.description
Instituto Cervantes. Aprender español. Enseñar español. Exámenes y diplomas de español. Cultura española e hispanoamericana. Todo sobre el español en España y en el mundo.

# data[].attributes.headline
antiguo Teatro Cervantes (frente a Plaza Mariana Pineda)

# data[].attributes.subject
antiguo Teatro Cervantes (frente a Plaza Mariana Pineda)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Noticia Relacionada

Verónica Soto (Jaén, 1985) nació sabiendo que quería pintar. Por eso, de chica, se pasaba las horas rodeada de lápices y pinceles, en casa, hasta que la calle llamó a su puerta. "Entré en contacto con el grafiti a través de la cultura del hip hop. Amigos que pintaban y bailaban y rapeaban... y me encantó. Estaba acostumbrada a dibujar en mi cuarto y salir a la calle y compartir lo que haces directamente era una experiencia única". Cuando salió de la Escuela de Arte de Jaén, se vino a estudiar Bellas Artes a Granada, donde sigue viviendo. "Entre medias pasé por Barcelona, Madrid, Zaragoza... Me he buscado la vida trabajando de todo, hasta haciendo caricaturas en la costa. Ahora soy diseñadora gráfica de una empresa de Madrid y pinto cuando puedo y me dejan".

El 9 de diciembre inaugura una exposición de pintura en Lucena, Córdoba, que espera traer después a Granada. Y, si hay tiempo, le sigue gustando salir a colorear muros. "Ya no es como antes, cuando tenía 23 años y salía todos los fines de semana a pintar. Ahora son cosas puntuales, como cuando me llamo Raúl (el Niño de las Pinturas) y me dijo: el sábado vamos a pintar un gran muro, ¿te apuntas? Y siempre que puedo, me apunto".

Soto camina por el largo muro de La Chana, escuchando los colores que brotan de la piedra, hasta llegar a la niña futurista. "Este es el mío", dice. Después, mirando a un lado y otro de los cien metros de grafiti recién nacidos, resopla convencida: "Ha quedado impresionante. ¿Qué aporta un muro gris? Nada. Esto aporta alegría. Y cada uno ve lo que quiere, lo que entiende".

El sábado, recuerda, fue "una experiencia genial, maravillosa y estupenda". "Juntar a tanta gente haciendo algo que nos apasiona... Si es que somos como una familia. Esto me da la vida", añade. La jornada fue mucho más que treinta y tres artistas pintando un muro de cien metros. Fue el inicio de ' La Chana Open Gallery', un proyecto que nace para convertir el barrio en una auténtica galería de arte urbano. "Los vecinos venían a hablar con nosotros, estaban encantados. Es algo que se hace en otras ciudades desde hace mucho tiempo, ya estábamos tardando, es un reclamo brutal. Esto da mucha vida a la ciudad, la convierte en algo más actual y con intereses culturales que no son los de siempre. Y es una forma de acercar el arte a todo tipo de gente".

Verónica Soto pintando y Óscar bailando. A. A.

Soto observa su obra, en la pared. "Pinté una chica futurista -dice-. Siempre suelo hacer personajes femeninos, empoderados y futuristas. Es mi manera de decir que el futuro es femenino". A su lado está el de María Die, un retrato de una mujer hecho con lava. "Experimentó con el color para contar lo que está pasando con el volcán", apunta Soto. Más allá está El Chapu, con una chica que invita a volar. "Hay protagonismo femenino en el muro y entre las artistas. Este muro enriquece la ciudad, a los ciudadanos y a los artistas, que estamos muy olvidados", subraya. Soto acaricia su obra y ríe al mirar su firma. "¿Sabes? En el corazón sigo siendo 'La tonta del bote'"

.

# data[].attributes.attachment_link.title
Granada y el grafiti de La Chana: Cien metros de color, futuro y mujer

# data[].attributes.attachment_link.description
Noticia Relacionada Verónica Soto (Jaén, 1985) nació sabiendo que quería pintar. Por eso, de chica, se pasaba las horas rodeada de lápices y pinceles, en casa, hasta que la calle llamó a su puerta. "Entré en contacto con el grafiti a través de la cultura del hip hop.

# data[].attributes.attachment_link.title
Habla el profesor e historiador Antonio Manuel Díaz. #Andaluz #Árabe #Herencia #Lingūística #ModalidadAndaluza #Lengua

# data[].attributes.attachment_link.embed_code
@nivolanivolo
Habla el profesor e historiador Antonio Manuel Díaz. #Andaluz #Árabe #Herencia #Lingūística #ModalidadAndaluza #Lengua
♬ sonido original - Ni nivola ni nivolo

# data[].attributes.headline
"La toma de Granada de 1492" de Francisco Pradilla, siglo XIX

# data[].attributes.subject
"La toma de Granada de 1492" de Francisco Pradilla, siglo XIX

# data[].attributes.headline
La Segunda República y los derechos de la mujer

# data[].attributes.subject
La Segunda República y los derechos de la mujer

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La Guerra civil española ocurrió entre los años 1936 a 1939, originada por un clima de agitación interna debido a la situación económica, política y social del país.
Se da un Golpe de estado por el General Primo de Rivera, en el que se dan medidas como la suspensión de la Constitución de 1876, fin del parlamento, etc., las cuales no son bien recibidos ni por su partido quienes obligan a dimitir al dictador Primo de Rivera.
Se proclama la Segunda república y se aprueba una nueva constitución, esta etapa no tubo estabilización pasando por 13 gobiernos en 5 años. En las elecciones de 1936, la izquierda obtuvo el poder, pero siguieron los enfrentamientos entre izquierda y derecha que ocasionaron el fusilamiento de un teniente izquierdista, recibiendo como respuesta el asesinato del líder de la oposición derechista, dando inicio a la Guerra Civil con el alzamiento militar dirigida por el General Francisco Franco, quien con el apoyo de los gobiernos fascista de Alemania e Italia gana la guerra, nombrándose Jefe del Estado español y Generalísimo de las Fuerzas de Tierra, Mar y Aire.

1. Antecedentes

Después de la Primera Guerra Mundial, España atravesaba una difícil situación política, económica y social.

1.1 Golpe de Estado del General Primo de Rivera

En estas condiciones, en 1923, el General Primo de Rivera decidió dar un golpe de Estado para liberar a España de "los políticos profesionales..., responsables del período de infortunio y corrupción que se inició en 1 898".
Hasta entonces España era una monarquía constitucional, gobernada por el rey Alfonso XIII, de la Casa de Borbón. Realizado el golpe de Estado, legaliza la situación, reconociendo a la dictadura militar de viejo molde. Suspende la Constitución de 1876, pone fin al sistema parlamentario, aleja de la escena política a los antiguos partidos políticos, se esfuerza en dar una unidad al país, iniciando una vasta labor de obras públicas; pero trata de reprimir a la oposición que ganaba más simpatías.

Sin embargo, en 1931, el dictador Primo de Rivera fue obligado a dimitir por el pueblo, incluso por su propio partido, la Unión Patriótica, (una agrupación de conservadores) y el descontento de la Fuerza Armada. Mientras tanto, los sentimientos republicanos crecían y, en las elecciones de ese año, los republicanos, bajo la consigna de monarquía o república, obtuvieron mayoría en las principales ciudades con lo que dominaron las Cortes o Parlamento. Poco después, el propio rey, siguió el camino del exilio.
A continuación se proclamó la Segunda República y se dio la Constitución de 1931. Convocada a elecciones fue elegido como presidente Niceto Alcalá Zamora. El nuevo sistema atravesó una etapa violenta, turnándose 13 gobiernos durante cinco años El Parlamento tuvo que renovarse por elecciones, durante tres oportunidades. Se alternaron socialistas y derechistas, del modo siguiente:
a. En el primer momento se producen numerosas huelgas organizadas por los izquierdistas y por el levantamiento del general Sanjurjo. En este período se decretó la nacionalización de los bienes de la Iglesia.
b. En un segundo momento, en las elecciones de 1933, triunfa la derecha y ante el anuncio de un gobierno integrado por caracterizados elementos de esta tendencia, los izquierdistas se levantan en armas, en Barcelona, Madrid y Asturias pero fueron vencidos.

1.3 Creación de Nuevos Partidos Políticos

Ante este clima de agitación interna nacen nuevos partidos, que aspiran a una renovación nacional. Algunos jóvenes estudiantes y ex-alumnos pequeñoburgueses de Madrid y Valladolid, fundan, en 1931, la JONS (Junta de Ofensiva Nacional Sindicalista), de orientación fascista, que atacaban no sólo la debilidad del gobierno, sino también la injusticia social y la opresión, y pretendía recuperar para España la antigua gloria de la época de los Reyes Católicos, de los siglos XV y XVI. En su manifiesto partidario pedían: respeto a la tradición católica, expansión imperialista, devolución de Gibraltar, Marruecos y Argelia, lucha contra las tendencias separatistas, abolición del sistema parlamentario, disolución de los partidos marxistas, reparto de las grandes propiedades, organización de patrones y empleados en sindicatos nacionales y combate a la violencia roja.
En 1933, al año siguiente de la toma del poder por Hitler, José Antonio Primo de Rivera hijo del dictador, fundó otro partido, la Falange Española, conformada por la alta burguesía y la aristocracia madrileña y bajoandaluza, partidario de Alemania e Italia. Propiamente es un movimiento antipartido. No simpatizaba ni con la derecha ni con la izquierda. Pensaba que en la derecha había la intención de conservar un orden económico injusto; en la izquierda había el deseo de derrocar el sistema económico. Creían que "... los partidos deben desaparecer. Nadie ha nacido miembro de un partido político... luchamos por un Estado Totalitario que distribuya sus frutos justamente a grandes y pequeños". No vacilaban en emplear la violencia para conseguir sus fines políticos.

2. Causas

La guerra civil española duró tres años, de 1936 a 1939, y se originó debido a las siguientes causas:

2.1 Causas Económicas.

España era un país profundamente atrasado, con pocas industrias, un campesinado muy pobre, con problemas agrarios sin resolver. Gran parte de las tierras pertenecía a la Iglesia y a la nobleza, que no tenían el menor deseo de ceder parte de sus propiedades a los más necesitados. Estas injusticias creaban diferencias y conflictos.

2.2 Causas Sociales.

En la península existía un fuerte movimiento obrero y estaba agitado por numerosos y violentos conflictos entre la izquierda y la derecha, entre republicanos y monarquistas. Las izquierdas (socialistas, anarquistas, sindicalistas y comunistas) aparecían unidas formando un bloque, el Frente Popular, opuesto a las clases dirigentes, a la Iglesia y sus privilegios. La derecha estaba conformada básicamente por la JONS, que atacaba la decadencia de España y deseaba recuperar las antiguas glorias de la época de los Reyes Católicos; y, la Falange Española, que aspiraba a distribuir sus frutos equitativamente a grandes y pequeños. La amenaza de violencia de la izquierda y la derecha era continua. A todo ello hay que agregar la debilidad e inestabilidad de los distintos gobiernos.

2.3 Causas Separatistas.

Algunas regiones como Cataluña y el vascongado abrigaban deseos autonomistas. Proyectaban constituirse en un estado independiente, con leyes, organización, idioma y cultura propios. Ello se debía a la ineptitud de los gobiernos para buscar nuevos mercados a la industria catalana, en los primeros años del siglo, en sustitución de los períodos de 1898. Posteriormente se provoca el separatismo al no actuar con autoridad en el asunto de los militares y la prensa. Así apareció la "Solidaridad Catalana" que echó las bases de un movimiento autonomista.

3. Proceso de la Guerra Civil Española

En las elecciones de 1936 la izquierda, agrupada en el Frente Popular, triunfó ampliamente y el Parlamento eligió como presidente a Manuel Azaña Díaz, en reemplazo de Niceto Alcalá Zamora. El nuevo gobernante tuvo una actitud demoledora contra los estamentos establecidos: Iglesia, ejército, aristocracia y terratenientes. Sin embargo, lejos de reducir la violencia fue incapaz de controlarla. Ocurrieron entonces huelgas, desórdenes, enfrentamientos y batallas entre grupos armados de la izquierda y la derecha. Como resultado de este enfrentamiento, el teniente José Castillo fue fusilado por los derechistas y, en respuesta, los izquierdistas asesinaron a José Calvo Sotelo, líder de la oposición derechista. Esta fue la chispa que incendió la guerra civil española.

3.1 Inicio de la Guerra civil Española

El 17 de julio de 1936, cuatro días después del asesinato de Calvo Sotelo, el General Francisco Franco, encabezo un levantamiento general en las Islas Canarias, para luego pasar a Marruecos español, siendo secundado por otras guarniciones en la península.
El alzamiento militar fue considerado por sus protagonistas como un pronunciamiento del ejército, "unido a las demás fuerzas de la nación", para restablecer el orden publico, el principio de autoridad y para defender la unidad de España.
Así se inició una sangrienta guerra civil entre dos frentes. Por un lado, los izquierdistas, apoyado por Rusia, Francia e Inglaterra y, por otro lado, los derechistas, con el respaldo de la Italia de Mussolini y la Alemania de Hitler.
Los militares golpistas de África atravesaron el Estrecho de Gibraltar, en agosto de 1936. En setiembre conquistaban Toledo, liberando a los soldados franquistas, que se encontraban sitiados en el Alcázar de Toledo. Poco después, el 1º de octubre del mismo año, Franco fue designado Jefe de Estado.

3.2 Apoyo de los Nazis y del Fascismo Italiano

Desde los momentos iniciales, los insurrectos encontraron dura resistencia en los izquierdistas, pero el auxilio de Alemania e Italia, que acudieron con cerca de 100,000 soldados en favor de Franco, inclinaron la balanza en beneficio de los derechistas. En esa oportunidad la aviación nazi bombardeó pueblos indefensos, como Guernica, inmortalizado más tarde en el famoso óleo pintado por el genio de Pablo Picasso.
Contra la intervención de los gobiernos fascistas lucharon voluntarios de todo el Mundo, agrupados en las "Brigadas Internacionales". Sin embargo, fueron doblegados después de acciones heroicas en Brúñete, donde sucumbieron 40 mil soldados de los ejércitos contendientes, Teruel, Río Ebro, Santuario de Santa María de la Cabeza y Barcelona.

3.3 Fin de la Guerra civil Española

Las sucesivas derrotas obligaron a dimitir al presidente Azaña Díaz. Seguidamente cayó Madrid y sus bravos defensores. El 1º de abril de 1939, el General Francisco Franco anunció oficialmente el fin de la guerra, tras haber sido nombrado Jefe del Estado español y Generalísimo de las Fuerzas de Tierra, Mar y Aire. Se inicia así la dictadura franquista en España, que había de durar hasta 1975, en que le sucedió el príncipe Juan Carlos de Borbón, nieto de Alfonso XIII.

4. Consecuencias de la Guerra Civil Española

Muchas son las consecuencias de la guerra civil española, que duró 986 días, y dejó hondas raíces en la península. Señalaremos las principales:

4.1 Consecuencias Políticas.

a. Se frustró el intento de establecer el sistema socialista en España y se ahogó en sangre la Segunda República.
b. Victorioso Francisco Franco se convirtió en dictador, suprimiendo muchas libertades, marginando a políticos e intelectuales de la oposición, y más tarde, se declaró contrario a los países socialistas.
c. El nuevo régimen encarceló a 200 000 españoles opositores, expatrió a muchos patriotas y condenó a muerte a 10 000 hombres y sólo en Madrid las ejecuciones llegaban a 200 por día.
d. La dictadura de tipo fascista ocasionó la exclusión de España de la Organización de las Naciones Unidas (ONU), retardando la recuperación del país.
e. La guerra civil repercutió en todo el Mundo, movilizando a brigadas de voluntarios dispuestos a combatir.
f. La acción bélica española, tanto en la literatura y en el arte, produjo una llamarada de entusiasmo y de compromisos políticos de larga y profunda duración, incluso posterior a la Segunda Guerra Mundial.

4.2 CONSECUENCIAS ECONÓMICAS-SOCIALES.

a. La lucha entre los propios españoles no solamente cegó a muchas vidas sino arruinó la economía del país al distraer importantes sumas de dinero en la adquisición de alimentos y destruyó muchos pueblos. Igualmente, el aislamiento internacional impidió la pronta reconstrucción de la economía nacional. Recién a partir de 1960 los Estados Unidos apoya sus planes de desarrollo.

# data[].attributes.attachment_link.title
Guerra Civil Española | Historia de España

# data[].attributes.attachment_link.description
La Guerra civil española ocurrió entre los años 1936 a 1939, originada por un clima de agitación interna debido a la situación económica, política y social del país.Se da un Golpe de estado por el General Primo de Rivera, en el que se dan medidas como la suspensión de la Constitución de 1876, fin del parlamento, etc., las cuales no son bien recibidos ni por su partido quienes obligan a dimitir al dictador Primo de Rivera.

# data[].attributes.headline
Loja en "Sopa de Ganso" de los hermanos Marx

# data[].attributes.subject
Loja en "Sopa de Ganso" de los hermanos Marx

# data[].attributes.headline
La Barraca, Teatro Universitario con una misión pedagógica en toda España

# data[].attributes.subject
La Barraca, Teatro Universitario con una misión pedagógica en toda España

# data[].attributes.headline
"Meeting of styles" referente mundial del arte urbano en Granada

# data[].attributes.subject
"Meeting of styles" referente mundial del arte urbano en Granada

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Granada y Sevilla acogen por primera vez en Andalucía uno de los grandes encuentros culturales centrados en el arte urbano y el grafiti al convertirse en sedes del Meeting of Styles, un evento internacional consolidado y con fama mundial que catapulta a los artistas que destacan en cada edición. La cita está cuenta con el apoyo de la Fundación Internacional Meeting Of Styles y se celebrará del 12 al 14 de mayo en Sevilla y del 19 al 21 del mismo mes en Granada.

Para dar más solidez a ambos encuentros, la cita de Granada estará dirigida por María García Diéguez, conocida como Maria Die, y la Sevilla por Alberto García Chao -Tinto 247-, dos artistas de amplia trayectoria y con experiencia internacional en países como Alemania, Holanda, Perú, México, Chile o Malasia.

En el Meeting of Styles participarán un total de sesenta muralistas, veinte artistas locales, diez nacionales y treinta internacionales.

La fundación

La fundación internacional está formada por artistas, amantes del arte urbano y el grafiti y, desde su fundación en 1997, se han celebrado más de 400 eventos en todo el mundo que han atraído a cientos de miles de espectadores. Caracterizado por su estilo auténtico, este encuentro está considera el mejor evento de grafiti, tiene reputación mundial y se apoya en 25 años de experiencia.

Madrid y Barcelona son las únicas sedes españolas que ha tenido hasta el momento Meeting of Styles, que ha presentado un cartel diseñado por el reconocido artista El Niño de las Pinturas y por el escritor de grafiti Rakis.

# data[].attributes.attachment_link.title
Granada acogerá el 'Meeting of Styles', referente mundial del grafiti

# data[].attributes.attachment_link.description
Granada y Sevilla acogen por primera vez en Andalucía uno de los grandes encuentros culturales centrados en el arte urbano y el grafiti al convertirse en sedes del Meeting of Styles, un evento internacional consolidado y con fama mundial que catapulta a los artistas que destacan en cada edición.

# data[].attributes.headline
Inspiración para teatros de Estados Unidos (literalmente)

# data[].attributes.subject
Inspiración para teatros de Estados Unidos (literalmente)

# data[].attributes.attachment_link.description
Entre 1926 y 1937 se construyeron una decena de cines por el mundo con el nombre de 'Granada', la mayoría en Estados Unidos. Algunos de esos edificios, todavía en uso, se consideran tesoros arquitectónicos

# data[].attributes.headline
"Sueña la Alhambra", Enrique Morente & Cheb Khaleb 

# data[].attributes.subject
"Sueña la Alhambra", Enrique Morente & Cheb Khaleb 

# data[].attributes.attachment_link.entities[].name
Alhambra Egyptian Flamenco Fusion | Tomatito & Sheik Al Tuni

# data[].attributes.attachment_link.title
Enrique Morente & Cheb Khaled | Buleria - Sueña la Alhambra

# data[].attributes.attachment_link.title
Vinila Von Bismark - Solo para Mí ft. La Mari

# data[].attributes.attachment_link.title
Lagartija Nick | Nuevo Harlem video 1992

# data[].attributes.attachment_link.title
AYAX - POLIZZIA (PROD. M PADRON) | VIDEOCLIP

# data[].attributes.attachment_link.title
Lasole- Nadiela (La soledad) prod. Yuri 810 [ONE SHOT Marta]

# data[].attributes.attachment_link.title
Los Planetas - Que Puedo Hacer (Videoclip)

# data[].attributes.headline
Graffitis en Guadix en memoria de las trabajadoras de campo

# data[].attributes.subject
Graffitis en Guadix en memoria de las trabajadoras de campo

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La pintura mural "Art-até" en su nueva edición 2023 nos muestra la obra "Apocalipsis" de la artista María Die en Roldán.

La visión sobre la mujer futurista y humana, fusionada con el tema ciber que actualmente nos lleva de forma automática, fusionado con colores intensos, enfoca la visualización de la mujer en este proyecto de la artista María Die, que muestra por primera vez su arte mural en nuestro municipio.

María Die es Sevillana, afincada en Granada, donde se graduó de Bellas Artes; después de un recorrido por diferentes campos artísticos como el arte contemporáneo y conceptual, enfocó su trayectoria al Arte Urbano; la artista utiliza el arte como herramienta de lucha y de mejora, nos muestra un mural que puede tener mucho poder, un espacio por el que nos cruzamos y que podemos verlo de forma diferente cada día.

# data[].attributes.attachment_link.title
Art-Até 2023- "Apocalipsis" La visión futurista de María Die en Roldán.

# data[].attributes.attachment_link.description
La pintura mural "Art-até" en su nueva edición 2023 nos muestra la obra "Apocalipsis" de la artista María Die en Roldán. La visión sobre la mujer futurista y humana, fusionada con el tema ciber que actualmente nos lleva de forma automática, fusionado con colores intensos, enfoca la visualización de la mujer en este proyecto de la artista María Die, que muestra por primera vez su arte mural en nuestro municipio.

# data[].attributes.headline
Ballet de año nuevo 2023. Conservatorio de danza de Granada en la Alhambra. 

# data[].attributes.subject
Ballet de año nuevo 2023. Conservatorio de danza de Granada en la Alhambra. 

# data[].attributes.attachment_link.title
FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA Y DANZA DE GRANADA

# data[].attributes.headline
Historia del Teatro español de posguerra

# data[].attributes.subject
Historia del Teatro español de posguerra

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Colas de racionamiento | Cecilio Sánchez del Pando

Sucede siempre, en todos los territorios y naciones del mundo, en cualquier época de la historia. Cuando se pone fin a una guerra, pierde la humanidad y gana la miseria. Parece norma inevitable de las contiendas, donde se ponen tantas vidas en juego como dinero. Hasta en estos casos el capital suele tener prioridad sobre las personas; por supuesto, en España el orden de los factores en riesgo no iba a ser diferente, y también se sacó tajada de un país en ruinas, devastado por las bombas, las balas y el fuego, y desesperado que necesitaba por todos los medios salir adelante. La España del 1 de abril de 1939 poco tenía que ver con la de julio de 1936.

Más de 500.000 personas habían muerto en combate, otros cientos de miles se habían visto obligados al exilio y aquellos contrarios a Franco que habían optado por quedarse en España, ocultos o no, comenzaban a sufrir la brutal represión del régimen: ajusticiamientos sin juicio, asesinatos y desapariciones forzosas, amén de la terrible cifra de prisioneros destinados a pudrirse en cárceles abarrotadas o a morir en las labores de trabajo forzoso por alcanzar una libertad que nunca llegaba. Los españoles salían de la guerra no solo siendo menos - los índices de natalidad habían caído de forma alarmante-; también, encarando una situación de desempleo inherente a un panorama tan o más desolador que el que habían pintado las batallas en cada resquicio territorial en los últimos tres años: llegaban los tiempos de la posguerra.

Morir (de hambre) en España

España pasó mucha hambre. La guerra había arrasado innumerables campos de cultivo y muy pocos centros de atención y servicios básicos se habían podido salvar de los ataques. El país entraba en un periodo de recesión económica brutal condicionado por el estallido de la Segunda Guerra Mundial y agravado por las políticas autárquicas del franquismo, que hicieron perpetua la crisis durante una década. La falta de recursos extendida por toda Europa y el aislamiento comercial impuesto por la dictadura daban pie a una profunda depresión. Así lo expone el historiador José Antonio Biescas en su ensayo La economía española durante el periodo franquista. Al mismo tiempo, Franco comenzaba a pagar la deuda adquirida con Alemania por su ayuda militar durante la Guerra Civil. Lo hizo a través del envío de soldados a las tropas nazis, el pago de capitales e ingentes exportaciones agrícolas.

Si los datos de producción ya eran catastróficos una vez acabada la contienda civil, el proceso de industrialización seguía el mismo camino. La explotación laboral de los esclavos del régimen y las condiciones de trabajo más que precarias de los obreros 'libres' provocaron que la miseria rebosara y se hiciera más visible que nunca, y nada parecía indicar que aquella situación fuese a cambiar a corto plazo. España pasó mucha hambre; tanta que el problema no tardó en transformarse en una epidemia que causó verdaderos estragos en los débiles cimientos sociales. Así, mientras se vendía en el extranjero como una potencia en auge constante, el régimen quiso resolver la situación de forma rápida y atropellada, como quien pone una tirita a una herida de bala, pero con una vigilancia férrea sobre la misma: con esta premisa nació la famosa cartilla de racionamiento.

¿Cómo funcionaba este sistema? Con el objetivo de hacer de la autosuficiencia una estructura económica estable, el régimen impuso un sistema de vigilancia exhaustiva sobre la producción agrícola. Se establecieron zonas y volúmenes específicos de las áreas donde se trabajaba con el cultivo, la ganadería o la pesca. Estos recursos, regidos por un precio fijo -ínfimo- como pago a los productores, eran requisados por el Gobierno cuando ya estaban disponibles para su posterior venta. Y estos mismos recursos se compraban a través de un método de racionamiento con el pretexto de un reparto 'equitativo'. Así, Franco obtenía un control absoluto sobre la gestión y comercialización de los alimentos y otros suministros. Al menos, ese era el propósito inicial del dictador.

Para la compra de estos productos se crearon dos cartillas de racionamiento, una para la carne y otra para el resto de productos de primera necesidad. En los primeros años de posguerra, estas tarjetas eran distribuidas a nivel familiar en base al Censo de Racionamiento elaborado por la administración, pero poco después, para hacer un seguimiento mayor del consumo ante los problemas que ya estaba presentando esta fórmula, se repartieron a nivel individual, y siguiendo un patrón de clasificación discriminatoria. Había cartillas de primera, segunda y de tercera categoría, según el nivel social del consumidor en cuestión, el estado de salud y hasta su posición en la familia. Así lo expone el catedrático de Historia Contemporánea en la Universidad de Alicante Roque Moreno Fonseret: los hombres adultos podían acceder el 100% de los alimentos, aunque el porcentaje variaba según el trabajo que tuviera; las mujeres adultas y las personas mayores de 60 años recibían el 80% de la ración de un hombre adulto; los menores de 14 años, un 60%.

Para hacer efectivo su uso, las cartillas se componían de una serie de cupones en los que figuraban la cantidad y el tipo de mercancía a la que tenía derecho una persona. La Comisaría General de Abastecimientos (conocida como 'Comisaría de Abastos'), organismo dependiente del régimen encargado de la distribución de los alimentos, estableció el reparto de los bienes de la siguiente forma: cada persona tenía derecho cada semana a cierta cantidad de pan negro (el blanco era un artículo de lujo por la escasez de cultivos de trigo), carne, patatas, legumbres y arroz, así como algo de aceite y de leche. Los cereales, las legumbres y las hortalizas podían variar, según el caso. Otros productos de primera necesidad, como el jabón, y el tabaco se incluían también en este lote. Aun con esta tabla, pocas eran las veces que una persona podía adquirir tales cantidades, o siquiera tales productos. Acceder a los mismos con una cartilla de racionamiento única era también toda una trágica aventura a razón de las enormes colas formadas para llevar a casa la ración, donde se producían desde robos hasta asesinatos con tal de recibir más suministros. No lo vendió Franco así en el Boletín Oficial del Estado del 15 de abril de 1943.

"La práctica del sistema ha puesto de manifiesto defectos que pueden ser corregidos sustituyendo el régimen de cartilla familiar [...] por el de cartilla individual, que se estima como más equitativo en orden a lograr una mejor distribución de los artículos intervenidos, y más beneficioso para la economía de la Nación". Lo cierto es que ni con la cartilla familiar ni con la individual se logró beneficio alguno para España, y menos para los españoles. La calidad de los alimentos derivaba a menudo en intoxicaciones o en graves enfermedades. Pero ¿a qué se refería Franco con "defectos que pueden ser corregidos"?

La escasa cantidad a repartir de los mismos dio lugar a todo tipo de argucias desde el principio para obtener más comida. Todo valía para comer: se falseaban o duplicaban las cartillas de los hombres adultos para obtener el 100% de las provisiones decretadas, o se intentaban borrar con migas de pan los sellos que ponían los gobernadores civiles de cada región en los cupones para conseguir un poco más de todo; si fallecía algún miembro de la familia, se pretendía ocultar su muerte al régimen para poder seguir usando así su derecho a las provisiones. Hecha la ley, la trampa fue aún mucho más lejos: muchos vieron desde el primer momento en este injusto sistema, y en los agujeros del control de racionamiento del franquismo, la oportunidad de lucrarse, de nuevo, a costa de los más pobres.

El triunfo del estraperlo: qué comprar y a qué precio en los mercados negros de la posguerra

Las cartillas de racionamiento estaban destinadas al fracaso desde su puesta en marcha; los mecanismos empleados por la administración para la comercialización y para el reparto, todo fallaba. Los ricos y los amigos de Franco contaban con una serie de privilegios en el acceso a los bienes que dejaba excluidas a una multitud de familias que ya no vivían. Más bien se dedicaban a subsistir. Y si en los estratos más pobres se recurrían a métodos peligrosos e imposibles por llevarse algo más a la boca de lo que ofrecía el sistema de racionamiento del franquismo, la situación en el campo y en otros círculos de producción no era mejor. El bajo precio con el que la administración se llevaba todos los bienes dio paso rápido a una indignación que crecía en una España con rumbo fijo hacia el colapso financiero. Los trabajadores dedicados a la explotación agrícola fueron los primeros en responder, sirviéndose precisamente de las cartillas de racionamiento.

La producción empezó a bajar notablemente a principios de los años 40. La razón: se comenzaron a ocultar parte de los recursos que se llevaba para su posterior distribución oficial. Esto es, los productores se quedaban con una parte de los productos generados para revenderlos poco después de forma clandestina, sin ninguna clase de restricción. Así nacieron los primeros mercados negros del franquismo. Estos eran al principio, en palabras del historiador Miguel Ángel del Arco, "mercados negros de supervivencia, el 'estraperlo de los pobres', en el que participaban las clases sociales más bajas y que no enriquecieron a sus protagonistas, sino más bien le permitieron salir adelante a ellos y a sus familias". Se convirtieron en los "defectos" que la administración quiso eliminar a través de las cartillas de racionamiento individuales. Por supuesto, no lo consiguió. Los intentos del régimen por llevar un control más intenso de la explotación agrícola no sirvieron de nada. En todo caso, ayudaron a su proliferación, esta vez con connotaciones negativas.

Para cuando Franco vio en el estraperlo un problema real contra su sistema de racionamiento, el entramado de corrupción resultado del estraperlo se había hecho tan grande de la noche a la mañana que había llegado hasta el propio régimen. Los funcionarios del Estado fieles a la dictadura hacían la vista gorda tanto en la producción como en la comercialización clandestina de los bienes. Era normal: se beneficiaban con un acceso mayor a dichos alimentos o recibían un pago en metálico a cambio de su silencio. Pronto creció un mercado paralelo al oficial en el que podían encontrarse todos los alimentos de primera necesidad: pan blanco, legumbres, arroz, leche, aceite, jabón, tabaco, patatas; hasta carne, cuya producción escaseaba por encima del resto de alimentos.

Así, si en un momento dado el Estado no podía ofrecer un producto concreto por la insuficiente cantidad que había recibido de la mano de obra, todo el mundo sabía dónde sí podía encontrarlo: las calles, plazas o estaciones de tren, cualquier espacio parecía valer para poner en marcha un negocio de resistencia al sistema de autarquía. Eso sí, con un alto coste. Los oportunistas y contrabandistas protegidos por el propio sistema se habían adueñado de este negocio, y de un momento a otro los precios se inflaron sobremanera en todo los rincones del país, porque el estraperlo creció a lo largo y ancho del territorio. Aquí, un ejemplo: tras la Guerra Civil, el salario de un obrero en libertad podía llegar a las 10-12 pesetas diarias por su trabajo (la media estipulada estaba en poco más de 7 pesetas). Un preso del franquismo percibía, si no trabajaba de forma gratuita para el régimen, 2 pesetas, de las que 1,5 iban se usaban para su manutención y los 50 céntimos restantes iban a parar a su bolsillo o al de la familia. Aunque esta cifra variaba según diversos factores, el salario de un preso no podía ser superior al de un "trabajador libre".

En contraposición, el precio de los alimentos en los meses posteriores al conflicto nacional creció un 177% respecto a 1936. Y siguió subiendo con el mercado negro. En Bilbao, sin ir más lejos, el precio del pan blanco aumentó un 800% sobre el precio oficial; el del aceite, de los productos de primera necesidad más caros, creció hasta cuatro veces por encima del marcado por la dictadura: podía llegar a rondar las 250 pesetas; el coste de una docena de huevos se duplicó, superando las 200 pesetas; el azúcar no se quedaba atrás y subió a unas 120 pesetas. Con estos precios, si se tiene en cuenta el salario que recibían obreros libres y esclavos, pocos eran los que podían permitirse el lujo de adquirir alimentos o bienes de primera necesidad.

Una vez más, los ricos se hacían más ricos, y disfrutaban de los privilegios inherentes a su estatus a costa de los pobres. Estos, que tenían que ingeniárselas como podían para salir adelante y no morir en el intento, hacían virguerías con lo poco que recibían con la cartilla y en el estraperlo de las familias para las familias, ya en declive: se freía sin aceite, se hacían pucheros únicamente con huesos y hasta tortillas sin huevo, como se expone en el libro Cocina de recursos publicado por el gastrónomo Ignasi Doménech a finales de 1938. La miseria llevaba también a cazar gatos o ratas para cocinarlos. Cualquier fórmula se aceptaba entre los demás comensales de la mesa para engañar al hambre. A partir de los años 50, España comenzó a vivir cierto aperturismo en sus políticas económicas. El giro del franquismo hacia una leve liberalización de los precios y el comercio exterior, junto a las numerosas ayudas recibidas de otros países, llevó a estabilizar en cierta modo el sistema financiero. En 1952 se puso fin al racionamiento de alimentos, y los mercados negros acabaron por desaparecer poco después, aunque no fue hasta finales de los 60 cuando se pudo hablar deuna mejoría económica que impactase de forma positiva en los sectores más pobres de la sociedad. Para entonces, la Guerra Civil y la posguerra habían dejado ya una mancha en forma de muerte y desesperación que se antojaba difícil de borrar.

# data[].attributes.attachment_link.title
El franquismo en España (VIII): del hambre, el racionamiento y el estraperlo en las ruinas de la posguerra

# data[].attributes.attachment_link.description
Sucede siempre, en todos los territorios y naciones del mundo, en cualquier época de la historia. Cuando se pone fin a una guerra, pierde la humanidad y gana la miseria. Parece norma inevitable de las contiendas, donde se ponen tantas vidas en juego como dinero.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Grandes artistas como Picasso, Miró, Dalí, Rafael Moneo, Sáenz de Oiza, Tàpies o Barceló enriquecen con sus aportaciones, no sólo el panorama artístico español del siglo XX, sino también el internacional. El hecho artístico español se caracteriza por una marcada heterogeneidad que imposibilita, en muchas ocasiones, el poder establecer una serie de criterios unificadores de este período que permitan estudiar conjuntamente a varios artistas. Por ello, en la mayoría de los casos, es preferible valorar cada personalidad de forma individualizada. Esto es algo comprensible si tenemos en cuenta la rapidez, casi vertiginosa, a la que se han ido sucediendo las corrientes artísticas a lo largo del pasado siglo.

Picasso: La botella de Pernod. Museo del Ermitage. San Petersburgo

El comienzo del siglo XX y la ascensión al trono de Alfonso XIII (1902) arrastra, a duras penas, los coletazos de la "crisis finisecular" que, por otra parte, alumbraría manifestaciones culturales tan extraordinarias como la Generación del 98. El sistema canovista de partidos y la España de la Constitución de 1876 se tambalea. La agitación social tiene tan importantes manifestaciones como la "semana trágica" de 1909. A partir de ahí, un somero repaso de nuestra historia puede dar la impresión de que los hechos se suceden de forma vertiginosa: el Desastre de Annual (1921), la Dictadura de Primo de Rivera (1923), la República (1931), la Guerra Civil y, por fin, la larga Dictadura del general Franco. Quizá, desde el punto de vista de la Historia del Arte, sea la guerra el hecho más relevante. El aura romántica que adquiere para los progresistas de todo el mundo el apoyo al gobierno de la República tiene, como cabría esperar, reflejo en el arte que se produce en España.

La dictadura de inspiración fascista que se implanta en España al final de la guerra provoca, especialmente hasta mediados de los 50, un profundo aislamiento político y económico así como la sensación de que el país, en lo cultural, se había convertido en una especie de "páramo". La mayor parte de los intelectuales y artistas, destacados apoyos del Gobierno democrático, tienen que salir del país. Algunos regresarían a los pocos años, otros con la restauración de las libertades democráticas en 1977 (Claudio Sánchez Albornoz, Alberti...) y unos pocos, lamentablemente, morirían en el exilio (Antonio Machado, León Felipe...). Por alguna extraña razón de índole histórico-cultural _a la que no falta quien encuentre sesudas explicaciones_ los períodos en los que se agravan las condiciones de vida de los países suelen coincidir con momentos de esplendor artístico. De la misma manera que las atroces hambrunas de los siglo de decadencia de la Casa de Austria dan lugar a nuestro Siglo de Oro, el primer tercio del siglo XX, con las calamidades de toda índole que se acaban de recordar, engendran la considerada " Edad de Plata" de la cultura española. Este brillante momento estaba representado por la ya mencionada Generación del 98, integrada por escritores de la talla de Unamuno, Pío Baroja, Azorín, Valle Inclán, Maeztu, etc., y la Generación del 27, representada por Salinas, Alberti, Gerardo Diego, Miguel Hernández o García Lorca. La postguerra literaria estará protagonizada por Camilo José Cela, Sender, Martín Santos, Carmen Laforet, etc. La mayor parte de las obra de estos escritores se caracterizan, tal y como también sucederá en la pintura, por una visión negativa de la existencia, por la angustia y el desaliento magistralmente captado en los personajes y los ambientes.

Barceló: Gran comida española. MNCARS. Madrid

Otros ámbitos de la cultura como la música también van a estar magníficamente representados: Falla, Joaquín Rodrigo, Pau Casals, Cristóbal, Rodolfo y Ernesto Halfter, este último será quien se atreva a completar la gran obra de Falla, La Atlántida (según el texto de mosen Jacinto Verdaguer).

2. BREVE REPASO DE LA ARQUITECTURA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX

En los primeros años del siglo XX, en España se produce una fuerte reacción que dio lugar a una fuerte reacción que dio lugar a una arquitectura que vuelve los ojos al pasado, especialmente al Renacimiento, más concretamente, a la arquitectura tradicionalmente denominada plateresca. Uno de los arquitectos más representativos en este sentido fue José Urrioste y Velada (1850-1909), autor del Pabellón de España en la Exposición Universal de París (1889), en el que se funde el estilo de Covarrubias con el de Rodrigo Gil de Hontañón.

Una de las figuras claves de la arquitectura madrileña de principios de siglo es Antonio Palacios y Ramilo (1876-1945). En su producción destacan obras tan representativas como el Círculo de Bellas Artes de la calle de Alcalá de Madrid y el Palacio de Telecomunicaciones sito en la plaza de Cibeles de esta misma ciudad.

Palacios y Ramilo: Palacio de Telecomunicaciones. Actual sede del Ayuntamiento de Madrid

Estrechamente ligado a esta corriente artística, proclive a exaltar algunos de los momentos más brillantes de la arquitectura española, se encuentra el Regionalismo. Este estilo aparece en las obras del arquitecto cántabro Leonardo Rucabado (1876-1918), igualmente interesado por la arquitectura renacentista. Demostró tener unas excelentes capacidades para fusionar elementos pertenecientes a estilos diferentes. Su obra más importante es la Plaza de Canalejas en Madrid. De la misma generación que Rucabado es es Aníbal González (1876-1929). Realizó la Plaza de España, en Sevilla, que más tarde será fuente de inspiración para otros muchos edificios sevillanos como el Hotel Alfonso XIII. En la Plaza de España conviven elementos de clara filiación renacentista con otros de procedencia barroca: las torres de los extremos traen a la memoria la catedral de Murcia. El conjunto de El Escorial es el modelo adoptado por su grandeza y majestuosidad para la realización del Ministerio del Aire, en Madrid (1943-1951), de Luis Gutiérrez Soto.

Aníbal González: Plaza de España. Sevilla

Gutiérrez Soto: El Ministerio del Aire. Madrid

El siguiente paso en la arquitectura española lo constituye el Racionalismo, que supone una ruptura con el arte que se había hecho anteriormente, en el sentido de que se clausura cualquier nexo con el pasado en favor de una arquitectura funcional, de formas simples que pretende servir a las necesidades sociales, sin preocuparse excesivamente por los aspectos formales. Irrumpe con fuerza una serie de arquitectos interesados en distanciarse de las revisiones historicistas y llegar a una arquitectura sin referencias del pasado. Este grupo de arquitectos, agrupados bajo la denominación de Generación de 1925, está integrado, entre otros, por Luis Blanco Soler, fiel seguidor de Le Corbusier y de la Bauhaus. De esta manera surge en Cataluña el G.A.T.C.P.A.C. (Grupo de Artistas y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea) y, más tarde el G.A.T.E.P.A.C. (Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea). Uno de los arquitectos más brillantes del Racionalismo en España es Eduardo Torroja (1899-1961), autor de la Tribuna del Hipódromo de la Zarzuela de Madrid, (1935). En Cataluña, el representante más importante del G.A.T.C.P.A.C. fue Josep Lluís Sert i López (1902-1983), autor de la Casa Bloc, inspirada en la Unidad de habitación de Le Corbusier.

Eduardo Torroja: Tribuna del Hipódromo. Madrid

Otros arquitectos de gran relevancia son: Francisco Javier Sáenz de Oiza ( Torres Blancas, 1965), Ricardo Bofill ( el barrio de la Antígona en Montpellier), Rafael Moneo ( Museo de Arte Romano de Mérida, 1980-86), Alejandro de la Sota ( edificio de correos de León), Santiago Calatrava, quien tiene en su haber algunos de los puentes más innovadores de nuestro país, del que Josep María Montaner dice: "En la obra de Santiago Calatrava se produce la síntesis de dos paradigmas aparentemente opuestos: la máquina y la obra de arte. En su obra aparecen influencias de las estructuras óseas orgánicas, de la obra de Antonio Gaudí, del diseño aerodinámico norteamericano de los años cincuenta y de todos los maestros de la arquitectura escultórica", o el ya desaparecido César Manrique, en cuya obra se funde el paisaje de Lanzarote, lugar en el que se encuentra la mayor parte de su obra, con la arquitectura.

Sáenz de Oiza: Torres Blancas. Madrid

Moneo: Museo de Arte Romano. Mérida

Calatrava: Puente Lusitania. Mérida

3. LA ESCULTURA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX

En España, durante el siglo XX, podemos destacar importantísimos escultores como Julio González, Pablo Gargallo, Alberto Sánchez y Eduardo Chillida.

Julio González (1876-1942) frecuentó el círculo de Els Quatre Gats. Era amigo de Picasso, amistad especialmente intensa durante la estancia de ambos en París. Trabajó preferentemente con metales, material con el que realizó algunas de sus más destacadas aportaciones a la escultura. Tras unos años apegado a la abstracción, recupera el naturalismo con obras como Monserrat gritando (1937), escultura que se exhibió junto al Guernica en la Exposición Universal de París de 1937.

Julio González: Monserrat gritando. MNCARS. Madrid

Pablo Gargallo (1881-1934) es un artista de origen aragonés (nació en la localidad zaragozana de Maella) aunque la mayor parte de su vida la pasó en Barcelona. Sus primeros pasos en el mundo de la escultura los dio en el taller de Eusebi Arnau, con el que trabajaba cuando el arquitecto catalán Domenech i Montaner encargó una chimenea para uno de sus edificios, obra que acabará realizando el joven Gargallo. En 1903 volvió a recibir otro encargo de este arquitecto. En este caso se trataba de la decoración para el hospital de Sant Pau, que él concibió con unos relieves con el tema de los pecados capitales y las virtudes. Una de las obras más significativas de su trayectoria es La pequeña faunesa de pie (1908). En ella podemos hablar de una simplificación de formas y un gusto por la escultura clásica. En épocas posteriores sustituye los volúmenes sólidos por el juego entre macizo y vacío y se percibe en su obra la influencia del Cubismo, tal y como podemos ver en El gran profeta (1933), que se encuentra en el Museo se Arte Contemporáneo Reina Sofía y que resume bastante bien la concepción escultórica de este artista.

Pablo Gargallo: Gran Bailarina II. Museo Pablo Gargallo. Zaragoza

Alberto Sánchez Pérez (1895-1962), más conocido como Alberto, nació en Toledo y se trasladó más tarde a Madrid. El pintor uruguayo Barradas le introdujo en el mundo del arte, lo que le haría conocer al pintor Benjamín Palencia, al que, a partir de entonces, le uniría una estrecha amistad. Su obra más importante es la que realizó para el Pabellón español en París titulada El pueblo español tiene un camino que conduce una estrella (1937) que, desgraciadamente, no se conserva. A diferencia de Gargallo, que evolucionó hacia una escultura en la que el vacío desempeña un papel esencial y en la que nunca se llega a la abstracción, Alberto Sánchez perfirió las figuras macizas y las formas curvas e indefinidas que paulatinamente pierden du relación con la realidad.

Eduardo Chillida es uno de nuestros mejores escultores. Nació en San Sebastián en 1924, donde murió en 2002, pero durante un tiempo vivió en París. Uno de los materiales preferidos de este escultor es el hierro, que puede aparecer combinado con el granito, acero, etc. Sus obras tienen grandes dimensiones y suelen estar integradas por varias piezas que se unen para conformar un todo. Algunas de las creaciones de Chillida pretenden unir arte y naturaleza como El peine del viento en San Sebastián.

Chillida: El peine del viento. San Sebastián

4.1. Primeros pasos: 1881-1901

Pablo Ruiz Picasso, uno de los grandes genios de la pintura universal, nace en Málaga en 1881. Su padre, José Ruiz Blasco, era pintor y además se cree, o al menos así lo afirma Roland Penrose (uno de los principales biógrafos del pintor) que los orígenes artísticos de la familia Picasso se remontan a 1541. Sus diez primeros años transcurrieron en su ciudad natal. Por aquel entonces, la familia pasaba por serias estrecheces económicas. Más tarde, al padre le ofrecieron un puesto de trabajo mejor en La Coruña, de tal modo que toda la familia se trasladó a esta ciudad. En 1895 con un motivo similar _el trabajo del padre_ la familia Picasso se traslada a Barcelona. Se presentó en esta ciudad al examen de admisión de la Escuela de Bellas Artes de "La Lonja" de Barcelona. Durante sus estudios en esta institución, demostró ser un verdadero niño prodigio. Su primer gran cuadro lo realizó en 1895: La primera Comunión, obra que llegó a satisfacer todas las exigencias académicas. Después, se instaló en Madrid al haber conseguido ingresar en la Academia de San Fernando. En 1897 su obra Ciencia y Caridad obtiene Mención de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid y Medalla de Oro en la de Málaga. Durante su estancia en la capital pudo visitar frecuentemente el Museo del Prado y conocer y copiar las obras de los más grandes pintores. Tras esta etapa madrileña debió regresar a Barcelona para curarse de la escarlatina. Una vez restablecido se instaló en Horta de Ebro con su amigo el pintor Manuel Pallarés. En 1899 regresó a Barcelona y frecuentó los más importantes círculos artísticos como Els Quatre Gats, cervecería en la que se reunían artistas de la talla de Rusiñol y Nonell.

Picasso: Autorretrato. Galería Nacional. Praga

Picasso: Ciencia y Caridad. Museo Picasso. Barcelona

La capital artística del momento era París, adonde se dirigió para conocer las principales novedades. Le interesó de modo especial la obra de Toulouse-Lautrec, Degas, Cézanne y Bonnard. Sintió una gran fascinación por los ambientes nocturnos ( Mujer con sombrero azul, 1901).

Picasso: Mujer con mantón sentada. Museo Picasso. Barcelona

4.2. La época azul y la rosa: 1901-1906

El suicidio de su amigo el poeta Casagemas y las grandes dificultades económicas, marcaron el final de una etapa de iniciación y el principio de un nuevo período llamado azul. Por aquel entonces pintó varios cuadros alusivos a la muerte de Casagemas, en los que este aparece amortajado, así como uno alusivo al entierro del poeta, poco tiempo después de haber visto El entierro del Conde de Orgaz. Ene esta obra predomina el azul, color que le pareció apropiado para expresar el dolor y el sufrimiento que le inspiraba este acontecimiento. El azul se convirtió en básico y distintivo de sus cuadros durante cuatro años, durante los que vivió míseramente en su estudio, sumido en la pobreza y el dolor. Por ello, los personajes que protagonizan sus obras son ciegos, mendigos ( El guitarrista ciego, La vida, La Celestina). Son figuras representadas en solitario que tienden a la estilización para acentuar la sensación de soledad y la angustia.

Picasso: El guitarrista ciego. Instituto de Arte. Chicago

En 1904 finaliza este período de tristeza y se inicia la etapa rosa, durante la que Picasso recupera muchas de las ilusiones perdidas y muestra especial predilección por los personajes circenses que protagonizarán gran parte de sus obras, no sólo ahora sino a lo largo de toda su trayectoria pictórica. En este momento vuelve a Francia por cuarta vez. Allí conoce a Fernande Olivier, mujer con la que convivirá durante un tiempo. Ahora pinta La mujer de la corneja, en la que el azul va perdiendo importancia, quedando relegado al fondo en favor del ámbar. Este cuadro representa la transición hacia el período rosa, lo mismo que Artistas. Sigue existiendo la melancolía pero impregnada ya de una cierta dulzura, incluso de una cierta sensualidad, puesto que las figuras comienzan a perder sus perfiles agudos y se tornan más redondeadas y suaves. La familia de Saltimbanquis (1905) y El equilibrista de la bola (1905) son, además de claros exponentes de la pintura de la etapa rosa, muestra del conocimiento de la escultura clásica que Picasso había alcanzado tras sus numerosas visitas al Museo del Louvre. En 1906 conoció a Matisse y su obra, lo que debió de contribuir notablemente a que su paleta se aclarase.

Picasso: La familia de Saltimbanquis. Galería Nacional. Washington

4.3. El nacimiento del Cubismo: 1907-1917

La transición del período rosa al Cubismo supone en la obra de Picasso una profunda ruptura que se inicia con su propio Autorretrato y Las señoritas de Aviñón, uno de sus cuadros más conocidos para el que realizó un buen número de bocetos. A ésta le anteceden en el tiempo El retrato de Gertrud Stein (1906) y Las dos mujeres desnudas (1906), en las que, además de los tonos rosados, se percibe una influencia de la escultura ibera e, incluso, de Cézanne. El punto de partida de Las señoritas de Aviñón (1907) es, posiblemente, El baño turco de Ingres, aunque entre ambos existen muchas diferencias. En la obra de Picasso, los cuerpos de las mujeres han sido reducidos a los elementos indispensables, se han geometrizado y simplificado. Las posturas de éstos son imposibles: una de ellas, sentada de espaldas en primer plano, mira al espectador con el rostro de frente, un rostro que parece una máscara africana, otra de las fuentes de inspiración fundamentales para Picasso en este momento. En esta obra la luz ilumina por igual toda la superficie al tiempo que se combina con la de perfil, como ya se vio en la plástica egipcia. El cuadro es una rebelión contra el arte occidental, un intento por romper con todo lo que se había hecho hasta el momento y una renuncia definitiva al empeño por representar la tridimensionalidad. En 1909 se instala en Horta de Ebro y allí se inicia lo que se ha llamado Cubismo analítico, en el que se llega a la paulatina desaparición del propio motivo y al distanciamiento del natural, que también aplicó al retrato. La superficie del cuadro se dividía en facetas, pequeñas superficies de un solo color limitadas por líneas rectas. El punto culminante del Cubismo se alcanza con el Cubismo hermético, en el que la obra alcanza tal grado de abstracción que apenas podemos distinguir el objeto representado. El Cubismo sintético estará representado en la obra de Picasso por obras como Arlequín y Guitarra o Los tres músicos.

Picasso: Las Señoritas de Aviñón. Museo de Arte Moderno. Nueva York

Picasso: Fábrica de ladrillos en Horta d'Ebre. Museo del Ermitage. San Petersburgo

4.4. Los años 20 y 30 en la obra picassiana

En 1917 va a Italia entrando en un período en el que el Clasicismo es un elemento clave de su obra. Allí diseña los escenarios para un ballet con música de Erik Satie y con argumento de Jean Cocteau. En 1922 Picasso pinta su obra Jóvenes corriendo por la playa, en la que dos mujeres de colosales dimensiones corren por la playa en lo que es un canto a la femineidad y a las formas rotundas y sólidas. Las figuras monumentales son simples y claras, carentes de movimiento, como si de inmensas columnas se tratara.

Picasso siente un gran amor por los personajes circenses como demuestran los múltiples retratos de us hijo vestido de arlequín que pintó, en los que, a excepción del rostro, el resto queda inacabado, creando una sensación de abocetamiento. En 1921 vuelve al Cubismo y pinta Los tres músicos, obra en la que un pierrot, un arlequín y un monje, miembros de la Commedia dell' Arte Italiana, tocan instrumentos camuflados tras una máscara.

Picasso: Los tres músicos. Museo de Arte Moderno. Nueva York

En los años 20, Picasso es ya una artista consagrado que se aproxima al Surrealismo como demuestra La mujer con flor, en el que el rostro y la flor se confunden y se hacen considerablemente irreales. En Interior con mujer dibujando y en Muchachas jugando con un barco, las figuras de formas óseas y redondeadas recuerdan a las esculturas de Henry Moore.

El 26 de abril de 1937 la legión Cóndor alemana, participante en la Guerra Civil del lado del general Franco, bombardea la localidad vizcaína de Guernica. El gobierno republicano le había hecho un encargo a Picasso con motivo de la Exposición Universal de París del año 1937 para el pabellón español. La noticia del bombardeo fue tan impactante para él que decidió realizar un cuadro inspirado en este hecho. Para llegar a la versión definitiva debió de pintar antes un gran número de bocetos y apuntes que culminan en la colosal obra. En esta ocasión, Picasso decide no emplear una amplia gama cromática, juega con tonalidades que van desde el blanco al negro. Mujer llorando es una cuadro pintado en 1937 para cuya realización tomó algunos apuntes del Guernica. En su rostro se combina la visión de perfil y de frente y, aunque emplea vivos colores, es una obra de gran dramatismo. La mujer llora amargamente al tiempo que muerde con rabia un pañuelo. Los perfiles son cortantes, hirientes como también lo es el dolor. Sus obras ahora muestran la difícil situación de España vivida a causa de la guerra y el modo en que los acontecimientos dolorosos influyen en el pintor. En este momento las temáticas de sus obras están impregnadas de un enorme sufrimiento y de una gran desolación.

Picasso: Mujer llorando. Colección particular. Inglaterra

4.6. De 1946 a 1973 en la obra picassiana

En el 1945, cansado de residir en París, Picasso toma la decisión de comprar una casa en Provenza, en Mènerbes. Durante estos años de su vida vio aumentar notablemente su fama, y esto hizo que se aislase más para poder crear en soledad, libre de la opinión pública. Este aislamiento no supuso que dejase de preocuparse por hechos que convulsionaron al mundo entero como la guerra de Corea, hecho que hizo que pintase en 1951 el cuadro del mismo nombre. En 1955 compra en Cannes la villa de La Californie. Allí inicia una reflexión sobre el arte de tal modo que vuelve sus ojos hacia los grandes maestros de todos los tiempos y revisa las obras de Velázquez, Goya, Jacques-Louis David y Manet, entre otros. Recurre a cuadros como Las Meninas (1957) o Desayuno en la hierba (1961), reinventándolos según su personalísima manera de entender la pintura. En los últimos años de su vida se produce una síntesis genial de todos los caminos que ha ido recorriendo, lo cual demuestra que había alcanzado una total madurez.

Picasso: Las Meninas. Museo Picasso. Barcelona

La clave de la aportación de Picasso al arte contemporáneo estriba en su enorme capacidad para fusionar elementos de culturas antiguas con lo contemporáneo, siempre dentro de una constante investigación formal. Murió en Mougins, el 8 de abril de 1973.

5. LA PINTURA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX

Els Quatre Gats es el nombre de una cervecería barcelonesa en la que se solían reunir, entre los años 1897 y 1903, una serie de pintores muy vinculados al Modernismo e influidos por la obra de Toulouse -Lautrec.

Ramón Casas (1866-1932) fue discípulo de Joan Vicens y de Carolus-Durand. Conocía bastante bien la técnica impresionista, así como la pintura de Degas y la estampa japonesa. Fue un hábil retratista que trabajó durante bastantes años como ilustrador de diferentes revistas como Pèl & ploma y Forma. Otro de sus méritos es el de haber sido uno de los más importantes cartelistas publicitarios de nuestro país, como demuestran los carteles que hizo para el Anís del Mono, Champagne Codorniú y Cigarros de París.

Casas: La Carga. Museo Municipal. Olot

Santiago Rusiñol (1861-1931), al igual que hemos señalado en el caso de Casas, era un gran conocedor de la pintura impresionista. Durante una temporada se estableció en París y allí pintó paisajes próximos a Montmartre. Paulatinamente su paleta se fue aclarando y su dibujo se agilizó. Captó con absoluta maestría la intimidad de la vida cotidiana en el interior de las casas y sus patios. En su obra sobresalen los jardines, entre los más bellos se encuentran Jardines de Aranjuez (1911) y El Generalife (1922).

Rusiñol: Jardines de Aranjuez. Colección del Banco Exterior. Barcelona

Isidro Nonell (1875-1911) estuvo influido, no sólo por el Impresionismo, sino también por el Realismo. Era un gran dibujante que realizó escenas populares barcelonesas para el periódico La Vanguardia. Para ello se sirvió de una pincelada ágil y suelta, especialmente emotiva, al representar escenas o personajes gitanos, que le aproximan al Expresionismo.

Nonell: Miseria. Museo de Bellas Artes. Barcelona

Muy próximo al grupo de Els Quatre Gats estuvo, durante cierto tiempo, Anglada-Camarasa (1871-1959). Además de conocer bastante bien el panorama pictórico parisino, estuvo ligado a la Sezession vienesa con la que colaboró en alguna exposición. En este ambiente aprendió a utilizar los colores vibrantes e intensos que son una constante de sus obras de ambiente modernista.

5.2. La pintura surrealista en España: Dalí y Miró

Salvador Dalí (1904-1989) fue un pintor surrealista que se caracterizó por mantenerse a lo largo de su producción en la vertiente figurativa de esta corriente, en la que se integró en 1929. Su pintura impresionó rápidamente a los surrealistas franceses a los que propuso "el método paranoico-lírico", que consiste en objetivar y sistematizar el delirio, manteniendo así la vigencia del sueño en la vigilia.

Dalí nace en Figueras, ciudad en la que su padre trabajaba como notario. Comienza a pintar a los diez años demostrando su habilidad para el dibujo y sus grandes dotes para el arte. Más tarde se instala en la Residencia de Estudiantes de Madrid con la finalidad de estudiar Bellas Artes, de donde, finalmente, lo acabarían expulsando. En la Residencia conoció a Federico García Lorca y Luis Buñuel, con los que mantuvo una estrecha amistad.

A partir de 1929, tras contactar con André Breton y sus seguidores, se inicia definitivamente en el Surrealismo. En estos años la influencia de la pintura metafísica, en concreto de Giorgio de Chirico, es lo más notable de sus cuadros. El dibujo era un elemento decisivo que sabía manejar de una manera absolutamente magistral. Dalí no sólo fue un gran conocedor de la pintura de su tiempo, sino que también admiró a grandes pintores de otras épocas como Rafael ( Cabeza rafaelesca estallando, 1951), Piero della Francesca ( Primer estudio de la Madonna de Port Lligat, 1949), Millet ( El mito trágico del Ángelus de Millet, 1963), la pintura barroca ( El Cristo de san Juan de la Cruz, 1951 y Corpus Hypercubus, 1954) y a los pintores que emplean el recurso del espejo como Van Eyck o Velázquez ( Cuadro estereoscópico inacabado).

Dalí: Corpus Hypercubus. Metropolitan Museum of Art. Nueva York

Comienza a recurrir a determinados temas que permanecerán de un modo constante en su obra: las formas blandas que se deslizan por una superficie, la anamórfosis o imágenes cifradas, los paisajes desolados, las hormigas, etc. Muchos de estos elementos que forman parte de su repertorio iconográfico, los podemos encontrar también en las películas de Buñuel. Una de sus obras más bellas es La metamorfosis de Narciso (1936-37), en la que retoma uno de los temas de Las metamorfosis de Ovidio.

Dalí: La Metamorfosis de Narciso. Tate Gallery. Londres

Al igual que otros muchos pintores, la Guerra Civil fue un hecho que le conmovió profundamente y que le llevó a pintar Construcción blanda con judías hervidas: premonición de la Guerra Civil (1936). En ella, bajo un cielo de blancas y algodonosas nubes, un ser deforme y monstruoso se agita autodestruyéndose, de la misma manera que España se estaba autodestruyendo en una guerra inútil.

Miró: Caracol, flor, mujer y estrella. MNCARS. Madrid

Miró: La masía. Galería Nacional. Washington

El panorama artístico madrileño de entreguerras lo van a animar pintores como Daniel Vázquez, José Gutiérrez de Solana y los integrantes de la denominada Tercera Escuela de Madrid: Benjamín Palencia y Zuloaga.

Solana: La tertulia. MNCARS. Madrid

Benjamín Palencia (1894-1980) se traslada a Madrid desde su Albacete natal. Este gran paisajista, interesado de manera especial por los planos paisajes castellanos, evoluciona desde la pintura impresionista hacia el Expresionismo. Tras viajar por Europa se asienta definitivamente en el barrio de Vallecas en donde formó, junto con Maruja Mallo y Díaz Corneja, la llamada Escuela de Vallecas. En 1974 entra a formar parte de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Benjamín Palencia: Villar del Pedroso. Museo Provincial. Albacete

Ignacio Zuloaga (1870-1945) nace en el seno de una familia de artistas vascos. Perfecciona sus conocimientos de pintura en París en donde conoció a Rusiñol, Uranga, Puvis de Chavannes, Degas y Gauguin. Además de París, Andalucía y la fiesta taurina serán puntos de referencia esenciales de su obra. Su pintura se caracteriza por el dibujo contundente y por amplias manchas de intensos colores que le aproximan estilísticamente a Gauguin.

5.4. El informalismo: el Dau al Set y el grupo El Paso

En 1945 se funda en Barcelona un grupo de artistas que quedan englobados bajo la denominación Dau al Set. Sus trabajos se encuentran dentro del realismo mágico debido a su carácter surrealista y a las influencias de Klee o del propio Miró. De todos ellos, el que mayor protección internacional ha tenido es Antoni Tàpies (1923-2012). Las obras de Tàpies tienen un marcado carácter matérico por lo que a menudo se las ha calificado de art brut, por la exaltación que hace del material. Por otro lado, también están muy próximas a l'arte pavera por el empleo de materiales pobres como el cartón, las telas, las cuerdas, etc. A medida que pasa el tiempo, su obra irá incluyendo la preocupación por los problemas sociales. Modest Cuixart (1925-2007) se sentía profundamente atraído por la pintura expresionista. Su obra evolucionó notablemente por la influencia de Miró, alcanzando una mayor valoración del dibujo y haciéndose más colorista. A partir de los años 50 el dibujo pierde importancia en favor de la incorporación de materiales tradicionalmente considerados extrapictóricos a sus lienzos, es decir, aquellos que no se utilizan de manera habitual en la pintura.

Antonio Tàpies: Ocre. Museo de Arte Moderno. Louisiana

En Madrid aparece en 1957 un grupo de artistas que integran lo que conocemos como el grupo El Paso. Los motivos de su nacimiento han de buscarse en la necesidad que estos pintores sentían de una profunda renovación en el panorama artístico y social español. Era muy importante que estos cambios tuvieran lugar desde el seno de una agrupación de pintores con ideales comunes. El nombre de este grupo hace referencia a su intención de ser una transición hacia un nuevos arte que no se quedara en la plasmación de la realidad y en la exaltación del color. Sus principales integrantes eran Millares, Saura, Canogar y Feito. Posteriormente se incorporaron Viola, Rivera y Chirino. El grupo terminará desmembrándose en 1959.

Manuel Millares (1926-1972) empezó en la pintura captando en sus lienzos los paisajes de Lanzarote bajo un punto de vista expresionista. Más tarde tiende hacia una pintura más materia que culmina en la exaltación de los materiales pobres, especialmente de las arpilleras. Estos materiales adquieren tal volumen que se aproximan a la escultura.

Millares: Homúnculo. Banco Urquijo. Madrid

Antonio Saura (1930-1998) admira la pintura de Picasso, Miró, los pintores tenebristas del Barroco español y las Pinturas Negras de Goya. Es el mejor representante del Expresionismo abstracto que tenemos en España. Su gama cromática se limita al blanco y al negro, pasando por el gris.

Saura: Crucifixión. MNCARS. Madrid

5.5. El Hiperrealismo y la Posmodernidad

El Hiperrealismo es una corriente que va a tener una importante representación en España con pintores como Antonio López y Eduardo Naranjo. En ambos casos, la realidad se representa con absoluta fidelidad en el lienzo, haciendo gala de un dominio técnico impecable. Más allá de esta verosimilitud plástica late la sensación de angustia y desaliento, especialmente perceptible en la obra de Antonio López.

Antonio López García nació en Tomelloso (Ciudad Real) en 1936. Se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Una buena parte de sus cuadros nos muestra imágenes solitarias y las habitaciones deshabitadas bañadas por una fría luz. En ellos se recoge la angustiosa soledad del hombre de nuestro tiempo. Algunas de sus obras más interesantes son La Gran Vía y El conejo desollado.

Antonio López: La Gran Vía. Colección particular

Eduardo Naranjo (1944) representa la vertiente andaluza del Hiperrealismo. En este caso, aunque también se preocupa de representar la realidad, la diferencia con Antonio López estriba en que la figura humana se convierte en parte fundamental de su obra. En ella es posible encontrar extrañas asociaciones de objetos que le aproximan al Surrealismo, incluso al Realismo mágico literario.

Lo mismo que sucedía en la arquitectura, a partir de los años 80 los artistas pretenden liberarse de cualquier etiqueta, tratan de reivindicar un estilo propio y, sobre todo, buscar nuevas alternativas artísticas. Uno de los principales representantes que tiene la pintura española en la actualidad es Miguel Barceló. Nacido en Felanixt en 1957, se dio a conocer en torno a 1981. A partir de este momento apuesta por una pintura matérica y figurada. Junto a él sobresalen pintores como Eduardo Úrculo que se ha hecho muy conocido por convertir los sombreros y las maletas en protagonistas de sus cuadros, Pérez Villalta apasionado de la tradición clásica como muestran las anatomías de los personajes de sus cuadros y José María Sicilia, cuyas fuentes de inspiración son de lo más variado: el mar y objetos que forman parte de la vida cotidiana como tijeras, planchas o aspiradoras. También sobresalen en su producción la importancia del blanco y de los escritos de san Juan de la Cruz, así como la utilización de la cera.

(KAHNWEILER. Der Weg Zum Kubismus, 1958)

El punto de partida de este cuadro se encuentra en un hecho luctuoso. El 26 de abril de 1937, la legión Cóndor alemana, reforzada por tres cazas italianos, bombardeó la ciudad de Guernica. Destruyeron la cuarta parte de los edificios y se incendió el 70% de la ciudad. Se calcula que hubo más de 200 muertos.

Antes del comienzo de la Guerra Civil española, Picasso se había comprometido a pintar un cuadro que representase a España en la Exposición Universal de París, dedicada al progreso y la paz. Este hecho conmovió de tal modo al pintor, que terminó convirtiéndose en la inspiración del proyecto. Así lo recrea en unos versos que aparecen al final de una colección de aguafuertes titulados Sueño y mentira de Franco: "Gritos de niños, gritos de mujeres, gritos de pájaros, gritos de árboles y de piedras, gritos de ladridos, de muebles, de camas, de sillas, de cortinas, de cazuelas, de gatos y papeles, gritos de olores que se arañan, gritos de humos (...)".

Antes de abordar la obra preparó una serie de bocetos preliminares. En ellos se ensayan las figuras que más tarde habrían de protagonizar este colosal lienzo de 3, 51 x 7, 82 m. La composición es claramente piramidal. Tras ella se esconde una elaborada disposición de los elementos, aunque tras una primera impresión parece una obra en la que reina el caos. Se prescinde de la perspectiva, lo cual concede a este cuadro una gran sensación de intemporalidad. De igual manera prescinde del color. La gama cromática va desde el blanco al negro, quizás como mecanismo para expresar el terrible pesimismo que esta situación desencadenó en el pintor. En esta obra es fácil percibir los rastros del Cubismo, puesto que, además de ser tremendamente plana, se combinan la visión de frente con la de perfil.

El significado de las figuras no está demasiado claro puesto que sobre ellas se han expresado múltiples teorías, algunas de ellas muy contradictorias. En primer lugar nos encontramos con el toro, sólidamente ubicado en el cuadro, que es una de las imágenes esenciales de la iconografía picassiana. Picasso explica de esta manera su significado: "El toro representa la brutalidad, el caballo, el pueblo. Sí, en este cuadro he utilizado símbolos, pero en los otros no". Bajo él aparece una madre que sujeta en sus brazos a su hijo muerto, un tema posiblemente inspirado en la Matanza de los inocentes que tantas veces que se ha representado a lo largo de la historia de la pintura. El niño es el único personaje del cuadro que tiene la boca cerrada, ya que el resto de los personajes la abren, algunos muestran una lengua picuda que simboliza el grito de pánico que provoca la guerra, el grito desgarrador y punzante del horror. En primer término tenemos la imagen de un soldado roto en fragmentos, posiblemente en clara alusión a todos los soldados muertos en el desastre. En el centro del cuadro aparece el caballo, que se agita desesperadamente, gritando al igual que la mayoría de los personajes que aparecen en él. Es el pueblo, víctima de esa brutalidad que implica la irracionalidad de la guerra. Una mujer entra con fuerza por una ventana, trayendo una lámpara. Irrumpe en la escena como una bocanada de aire fresco, como un elemento esperanzador en medio de tanta desesperación y angustia. Igualmente esperanzadora y positiva es la rosa que emerge de la espada del guerrero. Debajo, una mujer contempla toda la escena arrodillada. Finalmente, encontramos otra mujer que alza las manos al cielo en señal de plegaria, que implora que todo esto llegue a su fin. Esta imagen, la orante, la podemos encontrar desde el arte paleocristiano. También recuerda, por la posición de los brazos, a uno de los protagonistas de Los fusilamientos de Goya.

Picasso partió de un hecho concreto como el bombardeo de Guernica para hacer con esta obra una crítica de la guerra en general, y de la Guerra Civil española en particular. Convirtió su pintura en un grito contra la atrocidad de la guerra: "El artista es un ser político que vive pendiente y consciente de todos los acontecimientos _desoladores o placenteros_ que ocurren en el mundo y reacciona contra ellos. ¿Cómo es posible no interesarse por otras personas, subir a una torre de marfil y aislarse de una vida que aporta tantas cosas buenas? No, la pintura no existe sólo para decorar las paredes de las casas. Es un arma que sirve para atacar al enemigo y para defenderse de él". El artista manifestó en repetidas ocasiones su rechazo a la dictadura franquista y se negó a que este cuadro viniera a España hasta que no existiera un régimen de libertades (su voluntad original era "hasta que no se restaurara la República"). Durante estos cuarenta años estuvo en Nueva York hasta que en 1981 se trasladó al Casón del Buen Retiro (Museo del Prado). Actualmente se encuentra en el Museo Centro de Arte Reina Sofía.

Este cuadro vuelve a ser noticia por el pésimo estado de conservación en el que se encuentra, pese a sus relativos pocos años. Los expertos que se reunieron en Madrid en enero de 1998 en un simposio internacional titulado Guernica, los problemas técnicos y éticos de la manipulación de las obras de arte, creen que las 51 lesiones que se pueden observar en el lienzo se deben a los numerosos traslados a los que se ha visto sometido y que por ello es conveniente que se restaure y no se someta a más cambios de ubicación.

"Acodados sobre el viejo, sobre el costroso mármol de los veladores, los clientes ven pasar a la dueña, casi sin mirarla ya, mientras piensan en ese mundo que, ¡ay!, no fue lo que pudo haber sido, en ese mundo en el que todo ha ido fallando poco a poco, sin que nadie se lo explicase, a lo mejor por una minucia insignificante".

La colmena. Camilo José Cela

Alfredo Aracil y Delfín Rodríguez

"Al contrario que en la música, en la pintura no hay niños prodigio. Lo que se considera como genialidad precoz es la genialidad de la niñez. Y ésta desaparece con los años".

"Cuando era joven, mi éxito era mi defensa. Las épocas rosa y azul fueron los biombos detrás de los que me encontraba seguro".

"Braque me dijo una vez: En el fondo siempre has amado la belleza clásica. Es cierto. Incluso hoy se me puede aplicar esta afirmación. No se inventa cada año un nuevo tipo de belleza".

"Ya es suficiente, ¿no? ¿Qué me falta por hacer? ¿Qué podría todavía añadir? Todo está dicho".

"Hacia 1904 se adentra en una etapa temática folclórica con fuerte colorido y una clara influencia del estilo decorativo modernista en sus fondos de sinuosos ritmos muy elaborados así como en sus sofisticados retratos. En su etapa mallorquina se dedica espacialmente al paisaje, al bodegón y a los conjuntos florales".

Francisco Calvo Serraller

"Dalí ha dotado al Surrealismo de un instrumento de primer orden, el método paranoico-crítico, que ha demostrado que puede aplicarse indistintamente a la pintura, a la poesía, al cine, (...)"

"Encuentro mis títulos a medida que trabajo, del mismo modo que en mis telas una cosa lleva a la otra. Cuando he encontrado el título, vivo en su ambiente. El título puede convertirse en algo real".

"La imagen ha podido se para mí un soporte estructural para no caer en el caos, pero ahora creo firmemente que ella puede llevar en sí un ataque a una sociedad y una actitud moralista, o bien responder a una nueva visión del hombre en su contexto actual, sin que esta aparición de un contenido menos hermético tenga necesariamente que suponer un retroceso o una aceptación de contactos literarios o anecdóticos".

"El gran vidrio de Marcel Duchamp, ese cristal roto ha sido, quizá, la obra del siglo XX que más me ha hecho reflexionar, tanto como algunos cuadros clásicos. Está hecho con los materiales del siglo pero me remite a lo que es el arte desde su propia materialidad, que ejerce tanta fascinación sobre mí como si fuese pintura, lo que no me ocurre con los mismos materiales en otras obras".

A partir de su visita en 1936 con Paul Éluard a un pequeño pueblo próximo a Cannes donde existía una gran tradición ceramista desde época romana, sintió un gran interés por esta técnica. La novedad era algo que despertaba en él un especial entusiasmo en cualquier ámbito de la vida y, por supuesto, también en el artístico. En un principio hizo fuentes, platos, jarras, que con el paso del tiempo fue convirtiendo en toros, palomas (que había visto desde niño en los cuadros de su padre), búhos, mujeres, etc.

Anamórfosis o imágenes cifradas

Imágenes que sólo aparecen mirando el cuadro de determinada manera y que permiten realizar una doble lectura del mismo. Es como si hubiese dos cuadros en uno solo. Los tres enigmas gloriosos de Gala o El hombre invisible son algunos de los ejemplos de este recurso.

# data[].attributes.attachment_link.description
Grandes artistas como Picasso, Miró, Dalí, Rafael Moneo, Sáenz de Oiza, Tàpies o Barceló enriquecen con sus aportaciones, no sólo el panorama artístico español del siglo XX, sino también el internacional. El hecho artístico español se caracteriza por una marcada heterogeneidad que imposibilita, en muchas ocasiones, el poder establecer una serie de criterios unificadores de este período que permitan estudiar conjuntamente a varios artistas.

# data[].attributes.attachment_link.title
La Novia - Inma Cuesta canta "La Tarara" - Fragment filmu "Krwawe gody"

# data[].attributes.attachment_link.title
Carmen París "Nana del caballo grande" BSO LA NOVIA

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"¡Porque yo me fui con el otro, me fui! Tú también te hubieras ido. Yo era una mujer quemada, llena de llagas por dentro y por fuera, y tu hijo era un poquito de agua de la que yo esperaba hijos, tierra, salud; pero el otro era un río oscuro, lleno de ramas, que acercaba a mí el rumor de sus juncos y su cantar entre dientes."

La tragedia es un drama que se produce de manera misteriosa e inevitable. Así es como comienza La Novia de Paula Ortiz. Palabras tan arduas y duras provocan un sentimiento hostil y de desesperación que surge del imaginario del poeta célebre Federico García Lorca. Y es que la palabra de Lorca es universal. Otorguen a un servidor el derecho de explayarse ante semejante obra maestra, de la cual ya estamos observando poco a poco su grandeza a través del reconocimiento que está recibiendo. Y lo que le queda por delante.

La Novia es cine en mayúsculas y un respiro en nuestro gusto cinematográfico, hartos de observar las mismas historias contadas una y otra vez expuestas con el piloto automático, queriendo innovar en la sencillez, pues en teoría ya está todo inventado. Cierto es que estamos hablando de una adaptación de la famosa obra Bodas de Sangre, pero la originalidad en este aspecto recae en la adecuación en sí. En España no somos muy asiduos a plasmar nuestros textos clásicos en la gran pantalla, algo que otros países hacen sin miramientos, como es en el caso del país originario de Shakespeare. ¿Cuántas versiones existen de Macbeth? A puñados. ¿De Hamlet? Otras muchas. ¿Y de Romeo y Julieta? Hasta una versión musical. Quizás es el respeto el que nos lleve al miedo más profundo. Somos una sociedad de boquilla, valientes hasta la médula mediante la palabra, pero en cuanto a los actos nos acomodamos en el sofá y esperamos que sean otros los que hagan el trabajo sucio. "Así va España" se ha dicho en innumerables ocasiones.

Por esta razón, la valentía de la joven directora Paula Ortiz acoge mayor fuerza cuando se introduce en el mundo lorquiano y consigue rescatarlo con una belleza propia del poeta. Su visión talentosa es innegable, pues ya con su primer largometraje, De tu ventana a la mía, fue nominada a los premios Goya en 2011 a mejor director novel y ganó el premio Pilar Miró en la Seminci de Valladolid. Si bien el argumento de su primer trabajo no tiene que ver con La Novia, parece ser que la mujer es su especialidad, en cuanto al retrato femenino y sus características.

Para la directora hacer esta película supuso alcanzar el sueño que tuvo desde infante, cuando leyó la obra teatral y se imaginó cómo sería en imágenes. A esto me refiero cuando digo que la valentía es lo que nos diferencia entre unos y otros. ¿Por qué dejar una idea en el limbo cuando se puede llevar a cabo con los medios pertinentes además de los miedos que supone un trabajo así? Porque el miedo es lo que nos hace reaccionar de la manera más primitiva e impulsiva, pero cuando se supera la seguridad surgida provoca que se crezca humanitariamente en todos los sentidos.

El proceso de casting debe ser una de las partes más crudas y complicadas, pues se está decidiendo qué imagen publicar, qué representación del trabajo se va a exponer. Sin embargo, en esta ocasión Ortiz parecía tenerlo claro: Inma Cuesta es la Novia. Su constitución es pura raza española, su tez, sus ojos oscuros, su pelo negro y sus curvas tendrían que estar en la cabeza de Lorca cuando escribió Bodas de Sangre. Una actriz que ha pasado por muchos registros, con una trayectoria cinematográfica y televisiva muy amplia, desde Amar en tiempos revueltos haciéndose más conocida en Águila Roja y dando el salto a la gran pantalla mostrando un registro amoldable en La voz dormida, Primos y, posteriormente, 3 bodas de más, donde fue nominada a los Goya como mejor actriz. Sin embargo, no era su momento, estaba claro que algo más grande tendría que llegar y palabras tales como "te sigo por el aire como una brizna de hierba" serán las que lleven a esta actriz criada en Jaén al olimpo del cine español. Trabajar en su papel fue una catarsis total para ella, y no pensamos lo contrario, pues se desenvuelve con soltura en un terreno de sentimientos trágicos, un registro complicado y una lucha entre la razón y el corazón. Parece no tener problema alguno en mostrar su yo en todo su esplendor y rompe todas las leyes de la interpretación para compartir algo que pocas actrices pueden hacer: adueñarse de un personaje ya existente de manera íntima.

En la tremenda apuesta le acompañan Asier Etxeandía en el papel del Novio y Álex García como Leonardo. Un juego peligroso de tres. La rivalidad entre los dos hombres se hace explícita en la película, muy conseguido por la directora, algo que en la obra lorquiana se intuye y casi no se proyecta, por el juego de intuición que Federico García Lorca llevaba a través de sus palabras, hasta el fatídico desenlace. No obstante, Ortiz llega a plasmar lo necesario, a través del texto original pero retocado y recolocado a su antojo para así llevar una línea argumental con sobresaltos y pasos en el tiempo. Intercala a su vez imágenes de los tres protagonista de niños con la realidad del momento y es algo que permite ser disfrutado y comprendido en cuestión de minutos.

La esencia de la película recae en la sensación experimentada que produce. Una historia conocida por muchos, con un trágico final, pero que, aun así, sorprende en su conjunto. La Novia vive un duelo interno entre el deber y el amor pasional, con quien debe casarse, el Novio -Exteandía-, a quien quiere por su dulzura y los años que les unen juntos desde pequeños, se hace formal el anunciamiento de la boda cuando la Madre del Novio, interpretada por una inverosímil Luisa Gavasa, acude a la hacienda del Padre de la Novia, en la piel del entero y eterno Carlos Álvarez Novoa, para acordar el casamiento. Cabe destacar el trabajo de Asier Etxeandía quien, pasando ya su época de promesa de la interpretación, con sus dotes interpretativas fruto de las tablas en el teatro firma una exégesis sublime. Es el Novio que ama y no es correspondido, pasando de la alegría a la ira en cuestión de segundos, sin entender realmente las actitudes de su futura esposa.

"Novio: Vamos un rato al baile.

Novia: No. Quisiera echarme en la cama un poco.

Novio: Yo te haré compañía.

Novia: ¡Nunca! ¿Con toda la gente aquí? ¿Qué dirían? Déjame sosegar un momento.

Novio: ¡Lo que quieras! ¡Pero no estés así por la noche!"

A medida que el relato avanza la actitud de la Novia resulta más hostil con quien ya es su marido. Las conversaciones entre los dos suelen ser frases cortas y están salpicadas por las interrupciones de la Madre, quien desconfía siempre de la Novia, incluso en el momento en que se celebra la boda. Como contrapunto la relación con Leonardo es pasional e irracional, pues aunque él ya esté casado, el sentimiento entre ambos es mutuo y el secreto debe ser guardado para no herir sentimientos ajenos. Álex García es el amante, el novio en la sombra, quien despierta el deseo de la protagonista cuando le recita entre susurros al oído los versos de Lorca.

"Leonardo: Después de mi casamiento he pensado noche y día de quién era la culpa, y cada vez que pienso sale una culpa nueva que se come a la otra; pero ¡siempre hay culpa!

Novia: Un hombre con su caballo sabe mucho y puede mucho para poder estrujar a una muchacha metida en un desierto. Pero yo tengo orgullo. Por eso me caso. Y me encerraré con mi marido, a quien tengo que querer por encima de todo."

Autoengañarse es una práctica que todos hemos llegado a hacer en nuestra vida cuando creemos que no estamos actuando bien a la vista de otros. Forzarse a querer es un acto inconcebible, sin embargo, es la tragedia por excelencia y así se expone. Finalmente, los sentimientos salen a la luz y, en ocasión se puede mentir a los demás pero nunca no a uno mismo, pues, ¿quién mejor que nosotros nos va a conocer?

"Estas manos que son tuyas,
pero que al verte quisieran
quebrar las ramas azules
y el murmullo de tus venas.
¡Te quiero! ¡Te quiero! ¡Aparta!
Que si matarte pudiera,
te pondría una mortaja
con los filos de violetas.
¡Ay, qué lamento, qué fuego
me sube por la cabeza!"

El poder de la palabra, que en La Novia se emite tan cual con la lírica de la obra literaria, es un punto fuerte en la cinta de Paula Ortiz con palabras llenas de significado que se proyectan en el espectador y que se recogen con naturalidad y sinceridad. Aventuro a predecir, como ya lo hice cuando terminé de ver la primera proyección del filme, que La Novia pasará a la historia de nuestro cine por cosas como la que se menciona, plasmar perfectamente la palabra de Lorca en la pantalla y de quien proyecta el trabajo de la mano de cada uno de los actores. Un elenco que, aparte de estar formado por el trío amoroso, se dota de unos personajes secundarios hechos a medida, entre los que se encuentran Leticia Dolera, Manuela Vellés, Consuelo Trujillo y los ya mencionados Luisa Gavasa y Carlos Álvarez Novoa. Éste último no pudo disfrutar del visionado de la película, pues las desgracias nunca vienen solas, y como si de un enlace a la película se tratase, el actor falleció antes de poder ser conocedor de las glorias emitidas por crítica y público días antes. Un capitán de barco que deja huérfana a la tripulación, una tripulación que está tirando con fuerza y no permiten que se hunda, más bien lo contrario.

Para algunos la impetuosa apuesta visual de la que se caracteriza la película resulta cargante y artificial, muchos comentarios escuché de ser una cinta bonita cubierta de un filtro de Instagram; no obstante, una vez visualizada parece imposible concebir otra ambientación y ese color tierra que se le da. Filmada en Zaragoza y en la Capadocia, Turquía, los terrenos áridos son la semejanza a nuestra tierra, nuestra raza y al mundo de Lorca, donde hay desiertos, un ojo en el cielo, cristales, la mendiga, los puñales, un caballo... Y esto se hace realidad gracias al trabajo de dirección de fotografía de Migue Amoedo y a la digitalización en algunas escenas, permitiendo la congelación de la imagen observándola desde todos los puntos. De esta forma se huye de la teatralidad y se visiona un trabajo completo a nivel visual. A su vez la elección de la música se clasifica en dos niveles: la partitura compuesta por Shigeru Umebayashi, potenciando la tragedia de los personajes y las canciones populares del mundo lorquiano y de nuestras raíces como son 'La Tarara', la 'Nana del caballo grande', el 'Pequeño vals vienés' que compuso Leonard Cohen a través de un poema de Lorca, 'Madeja madeja' o el cantar de boda sefardí de 'La Novia y el Novio', que se asemeja al mundo del literato y proporciona en la película una escena de locura y descenso a los infiernos de la protagonista.

Es inevitable no percibir un sentimiento, a la hora de visualizar La Novia, de estar frente a algo grande y de nuestra tierra, con un simbolismo que emana de cada poro y que nos hace partícipes de la historia, una historia de raza y universal en su proposición, para disfrutar en cualquier ocasión, porque es imposible despegar la vista de la pantalla en su necesaria hora y media de metraje. La Novia es tanto Federico García Lorca como Paula Ortiz, y sin duda, es la mejor película española del año, pues no se ciñe a ser simple entretenimiento, se debe concebir como arte y, por consiguiente, cultura.

"Y apenas cabe en la mano.
pero que penetra frío
por las carnes asombradas
y allí se para, en el sitio
donde tiembla enmarañada
la oscura raíz del grito."

# data[].attributes.attachment_link.description
"¡Porque yo me fui con el otro, me fui! Tú también te hubieras ido. Yo era una mujer quemada, llena de llagas por dentro y por fuera, y tu hijo era un poquito de agua de la que yo esperaba hijos,

# data[].attributes.attachment_link.title
Pachi Garcia-Pequeño Vals Vienes-(Cohen) Adaptacion para el film La Novia

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Exposición temporal en el Museo Lázaro Galdiano

El Gobierno de Aragón y la Fundación Ibercaja han organizado conjuntamente la exposición Goya y Buñuel. Los sueños de la razón, que se inauguró el pasado 13 de diciembre en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid y donde permanecerá hasta el 4 de marzo de 2018. La muestra reúne una cuidada selección de obras originales de ambos creadores aragoneses, que alcanzaron cotas excepcionales de creatividad en sus respectivas producciones pictóricas y cinematográficas.

Del 13/12/2017 al 4/03/2018

Lugar: Museo Lázaro Galdiano. Calle Serrano 122 (Madrid).

Precio: ENTRADA GRATUITA.

El pintor Francisco de Goya y el cineasta Luis Buñuel son figuras culminantes que Aragón ha aportado a la historia de la cultura universal. En reconocimiento de ello, el Gobierno de Aragón y la Fundación Ibercaja, en colaboración con la Fundación Goya en Aragón y el Centro Buñuel Calanda, han organizado la exposición "Goya y Buñuel. Los sueños de la razón". La muestra, comisariada por Amparo Martínez y José Ignacio Calvo, quiere poner de manifiesto que ambos poseyeron un enorme potencial creador, analizando el espíritu crítico y curioso que les permitió explorar las posibilidades del arte para cuestionar la realidad de sus propios contextos históricos.

Visitas guiadas a la exposición

Con motivo de la exposición "Goya y Buñuel. Los sueños de la razón" realizaremos visitas guiadas a la muestra por los educadores del Museo.

Fechas: domingos 14 y 21 de enero y 11 de febrero de 2018 ¡PLAZAS AGOTADAS!

Hora: 12 h. (duración aproximada de 1 hora y 15 minutos)

VISITA GRATUITA

Necesaria inscripción previa en Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

VISITAS GUIADAS A LA EXPOSICIÓN PARA GRUPOS
El equipo educativo del Museo también ofrece visitas guiadas para grupos:

Precio: 4€ por persona.

Duración: 1 hora y 15 minutos.

Número de personas: mínimo 10, máximo 20 personas.

Necesaria reserva previa en Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

La exposición

La exposición se compone de pinturas y grabados de Goya, fotogramas y secuencias en pantalla de películas de Buñuel, documentos y libros, que proceden de colecciones públicas y privadas como Museo de Zaragoza, Museo Goya. Colección Ibercaja-Museo Camón Aznar, Museo del Prado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Lázaro Galdiano, Filmoteca Española, entre otros. Todo ello apoyado con textos y rotulaciones que vertebran los contenidos de acuerdo a los propósitos de la muestra. Acompañando la exposición se presentará, además, la edición de una publicación con ensayos de destacados especialistas en la obra de Goya y Buñuel.

En la muestra se establecen convergencias entre ambos creadores: aragoneses, sordos y afrancesados. Ambos compartieron un audaz interés por explorar la naturaleza humana; los dos fueron creadores magistrales de atmósferas innovadoras y fueron tenaces luchadores para encontrar los medios de expresión con los que poder identificarse; y los dos no sólo viajaron al interior de sus mentes, sino que también lo hicieron al exterior geográfico. Sin embargo, también se vislumbran las diferentes mentalidades, épocas, culturas y motores creativos que sitúan a Francisco de Goya y a Luis Buñuel en posiciones muy distantes.

La exposición no pretende emparejarlos bajo el supuesto de que ambos persiguieran objetivos comunes, pero sí resulta factible confrontarlos a través de categorías de nivel más abstracto, como se puede observar en las diferentes secciones en las que se ha estructurado la muestra: el afán de explorar el mundo y aprender de él, el sentimiento de incomodidad ante lo defectuoso, la libertad creativa y su derivación hacia la subversión y, finalmente, la mirada desinhibida hacia el interior. A ello se añade un cierto número de evocaciones o citas concretas que Buñuel quiso hacer de Goya, que quedan más en el terreno de lo anecdótico que de la influencia efectiva.

"Goya y Buñuel. Los sueños de la razón" se plantea como un gran proyecto expositivo con un programa de itinerancias que comenzará en Zaragoza y está previsto continuar en ciudades de Estados Unidos y Sudamérica. Todo ello, con el objetivo de dar a conocer el universo de dos grandes creadores cuyo influjo fue más allá de nuestras fronteras.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES: "Caprichos", primera edición (1799). Abierto por "El sueño de la razón produce monstruos" [Capricho, 43]. Aguafuerte y aguatinta, 213 x 151 mm (huella plancha). Museo Lázaro Galdiano

# data[].attributes.attachment_link.description
El Gobierno de Aragón y la Fundación Ibercaja han organizado conjuntamente la exposición Goya y Buñuel. Los sueños de la razón , que se inauguró el pasado 13 de diciembre en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid y donde permanecerá hasta el 4 de marzo de 2018.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Video Item Preview

remove-circle Internet Archive's in-browser video "theater" requires JavaScript to be enabled. It appears your browser does not have it turned on. Please see your browser settings for this feature.

# data[].attributes.attachment_link.title
Sangre de un poeta : Jean Cocteau : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

# data[].attributes.attachment_link.description
remove-circle Internet Archive's in-browser video "theater" requires JavaScript to be enabled. It appears your browser does not have it turned on. Please see your browser settings for this feature.

# data[].attributes.attachment_link.title
"La Concha y el Clérigo" -  Germaine Dulac (1928)

# data[].attributes.attachment_link.description
Uploaded by Argenis Mills on 2013-11-04.

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Colaboradores de los proyectos Wikimedia

# data[].attributes.attachment_link.title
Benito Pérez Galdós - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Fotografiado por Pablo Audouard hacia 1904

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Crítica | Las paredes hablan

Género de opinión que describe, elogia o censura, en todo o en parte, una obra cultural o de entretenimiento. Siempre debe escribirla un experto en la materia

El documental recorre algunas de las cuestiones más relevantes alrededor de un hecho tan sencillo pero tan fundamental como la pintura en muros

El día 21 de julio de 1959 un joven de 27 años llamado Carlos Saura, formado en el Instituto de Experiencias e Investigaciones Cinematográficas, la antigua Escuela Oficial de Cine, presentó a censura la primera versión del guion de Los golfos, su estimulante primer largometraje. Sesenta y cuatro años después, y con una carrera encomiable detrás, el director de obras maestras como La caza, La prima Angélica y Cría cuervos estrena nueva película el próximo viernes: el documental Las paredes hablan, un trabajo sobre el nervio de la expresión artística, la necesidad del testimonio pictórico y el impulso que ha llevado al ser humano desde el Paleolítico hasta la actualidad a pintar los muros que le sirven de hogar, de refugio o de vida en solitario o en comunidad.

"Un hombre se propone la tarea de dibujar el mundo" es la frase que abre Las paredes hablan. Así sería hace 45.000 años, cuando alguien decidió decorar una cueva de la isla indonesia de Leang Tedongnge, y así continúa con los innumerables grafitis de las ciudades actuales y sus suburbios. Con la ayuda de una serie de presencias de la alta cultura y de la cultura popular, Saura reflexiona sobre esa implacable necesidad. A partir de charlas espontáneas sin apenas guion previo con gente tan diversa como el paleontólogo Juan Luis Arsuaga, el pintor Miquel Barceló, el artista visual y creador de arte urbano Suso33 o la comisaria de arte Anna Dimitrova, el documental recorre algunas de las cuestiones más relevantes alrededor de un hecho tan sencillo pero tan fundamental como pintar las paredes.

La identidad de aquellos pintores rupestres. Dónde aprendieron, dónde practicaron, además, en un mundo en el que no cabía la posibilidad del error, del borrado y vuelta a empezar. La abundancia de animales, aunque nunca depredadores, y la escasez de paisajes. Cómo se iluminaron para el ejercicio de su pintura en unos reductos tan inhóspitos. Por qué y para qué pintaban. Si se hacía para uno mismo o para los demás. Si se hacía en comunidad o si el encargado era simplemente el artista del grupo. Cuestiones de extrema sencillez, casi imposible de dilucidar en algunos casos, que se van resolviendo a través de una estructura convencional sin alardes, aunque también sin desajustes.

Por otro lado, o mejor, en paralelo, miles de años después también se discurre acerca del propósito y la influencia del arte urbano. Y sobre la necesidad de algo tan innecesario como la pintura. Dejar huella, para qué, en una especie de yo estuve aquí tan sutil como vanidoso. Película de amor al arte en un tiempo en el que la palabra y el concepto ni siquiera existían, Las paredes hablan es el documental de alguien que ya nada tiene que demostrar. De un hombre, de un creador, que da sus últimos pasos artísticos con la dignidad, la nobleza y la sencillez del ser prehistórico y al que, frente a todos los obstáculos, le puede la curiosidad. El impulso de la creación artística a los 91 años.

Las paredes hablan

Dirección: Carlos Saura.

Intervienen: Miquel Barceló, Juan Luis Arsuaga, Suso33, Anna Dimitrova.

Género: documental. España, 2022.
Estreno: 3 de febrero.
Duración: 75 minutos.

Suscríbete para seguir leyendo

Sobre la firma

Más información

# data[].attributes.attachment_link.title
'Las paredes hablan': Carlos Saura y el impulso de la expresión artística a los 91 años

# data[].attributes.attachment_link.description
Crítica | Las paredes hablan Género de opinión que describe, elogia o censura, en todo o en parte, una obra cultural o de entretenimiento.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
A Carlos Saura le gusta meter el dedo en el arte. No le basta con ser un mero observador que asiste con calma a espectaculos culturales como el flamenco, las jotas, los fados. Le pasa lo mismo con la fotografía, una pasión que se refleja en su cine, pero que también lleva a cabo en primera persona, lanzándose a la calle, cámara en mano, para capturar sus particulares instantáneas. Su última inmersión tiene que ver el arte más crudo y orgánico y lo plasma en Las paredes hablan (2023).

Su nuevo largometraje documental ha sido producido por Malvalanda, bajo la firma de María del Puy Alvarado y ya puede verse en cines. Un viaje personal y artístico hacia los orígenes del arte y su relación con las tendencias más vanguardistas. Pasado y presente se unen aquí para intentar entender por qué los artistas hacen arte, cuál es su impulso creador, cómo permanece la impronta de sus obras y dónde radica su capacidad para transgredir. A continuación te damos 5 claves del último trabajo del cineasta zaragozano:

1. Un viaje artístico con un artista renacentista

Presentado en el Festival de San Sebastián, su productora María del Puy Alvarado, definió a Saura como "un verdadero artista renacentista y una fuerza de la naturaleza". En Las paredes hablan, bajo el personal y singular prisma del consagrado cineasta aragonés, se retrata la evolución y relación del arte con la pared como lienzo de creación, desde las primeras revoluciones gráficas en las cuevas prehistóricas hasta las expresiones más vanguardistas del arte urbano.

2. El pulso del arte urbano atraviesa la obra

El creador urbano , uno de los artistas que participa en el documental, habla de esta película como "una oportunidad de despertar la mirada al arte urbano. Me ha enseñado mucho trabajar con Saura, hemos jugado como niños con este proyecto que es, además, una propuesta y una oportunidad para generar un debate". Las paredes hablan se ha rodado en 14 localizaciones como las Cuevas de Puente Viesgo y Altamira en Cantabria y el Yacimiento de Atapuerca en Burgos, pero también en las coloridas calles de Barcelona y los barrios de Lavapiés y Embajadores en Madrid donde el graffiti es el protagonista.

3. Carlos Saura, un protagonista inesperado

Además de dirigir, Carlos Saura protagoniza, por primera vez, todo el metraje de una de sus películas. Sus charlas y encuentros con los diferentes artistas son el hilo conductor de este apasionante viaje personal hacia el origen del arte. El cineasta recorre lugares fundamentales de la creación artística.

4. Nombres destacados de la cultura

Para su realización se ha contado con la participación de artistas, personalidades y expertos como Pedro Saura, pintor de la neocueva de Altamira; Juan Luis Arsuaga, director científico del Museo de la Evolución Humana y codirector de Atapuerca; Miquel Barceló, uno de los iconos más reconocidos del arte contemporáneo; Anna Dimitrova, comisaria de Arte; Roberto Ontañón Peredo, director del Museo de Prehistoria y Arqueología y de las Cuevas Prehistóricas de Cantabria; Zeta, artista de graffiti; Suso33, creador urbano; Cuco, muralista; y Musa71, escritora de graffiti.

5. Amplia presencia de mujeres en la parte técnica

Además de la presencia de María del Puy Alvarado, ganadora de un Goya, Las paredes hablan también cuentan con el trabajo de varias mujeres destacadas de la industria audiovisual española como la también ganadora del Goya Vanesa Marimbert, montadora de la película y Juana Jiménez, en la dirección de fotografía.

Las paredes hablan (2023), de Carlos Saura. Estreno en cines el 3 de febrero.

# data[].attributes.attachment_link.title
Carlos Saura se pasa al Grafiti: 5 claves de 'Las paredes hablan'

# data[].attributes.attachment_link.description
A Carlos Saura le gusta meter el dedo en el arte. No le basta con ser un mero observador que asiste con calma a espectaculos culturales como el flamenco, las jotas, los fados.

# data[].attributes.attachment_link.title
Por Bulerías - Joaquín Grilo & Belén Maya

# data[].attributes.attachment_link.title
Joaquín Cortés dancing in the movie " Flamenco" directed by Carlos Saura

# data[].attributes.attachment_link.description
Web oficial den Centro José Guerrero de Granada. Centro de arte contemporáneo que ofrece exposiciones temporales, actividades y publicaciones.

# data[].attributes.headline
CCC- Centro Cultura Contemporánea de la UGR 

# data[].attributes.subject
CCC- Centro Cultura Contemporánea de la UGR 

# data[].attributes.attachment_link.title
La Madraza - Centro de Cultura Contemporánea UGR

# data[].attributes.attachment_link.description
Una cookie es un pequeño fragmento de texto que los sitios web que visita envían al navegador y que permite que el sitio web recuerde información sobre su visita, como su idioma preferido y otras opciones, con el fin de facilitar su próxima visita y hacer que el sitio le resulte más útil.

# data[].attributes.headline
Crear sin prisa, una vuelta a la artesanía - Cervezas Alhambra

# data[].attributes.subject
Crear sin prisa, una vuelta a la artesanía - Cervezas Alhambra

# data[].attributes.headline
hip hop y afrofusión en Granada - Anastasia khnykina

# data[].attributes.subject
hip hop y afrofusión en Granada - Anastasia khnykina

# data[].attributes.headline
Las transformaciones urbanísticas de Granada con la Universidad  

# data[].attributes.subject
Las transformaciones urbanísticas de Granada con la Universidad  

# data[].attributes.attachment_link.title
LA UNIVERSIDAD DE GRANADA Y LAS TRANSFORMACIONES URBANAS DE LA CIUDAD.

# data[].attributes.headline
El urbanismo medieval en tiempo de al-Andalus de Granada, Madinat Garnata

# data[].attributes.subject
El urbanismo medieval en tiempo de al-Andalus de Granada, Madinat Garnata

# data[].attributes.attachment_link.title
Madinat Garnata - Esquema Histórico de la ciudad de Granada del siglo XI al siglo XV