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I Want You for U.S. Army, James Montgomery Flagg (1917)

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I Want You for U.S. Army, James Montgomery Flagg (1917)

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Paru en juillet 1916, le dessin I Want You for U.S. Army est recyclé en affiche et largement diffusé pendant les dix-huit derniers mois de la Première Guerre mondiale. Son créateur, James Montgomery Flagg (1877-1960), est un illustrateur reconnu qui travaille dans tous les domaines. C’est à ce titre qu’on lui demande de réaliser la couverture d’un numéro de Leslie’s Illustrated Weekly Newspaper (1), qui consacre un dossier à la préparation militaire.

Le thème de la guerre envahit rapidement l’espace visuel. https://histoire-image.org/etudes/i-want-you-u-s-army

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Alexandre Rodtchenko - 86 œuvres d'art - peinture

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Profondément engagé, l'œuvre de Barbara Kruger interroge le pouvoir des mots et des images. En " interceptant " les injonctions de la publicité, elle alerte le spectateur sur les aliénations de la société de consommation et de ses signes. Elle aborde également les thèmes de la violence, du pouvoir et de la sexualité.

Après avoir travaillé comme graphiste dans le milieu de la publicité et de la mode, Barbara Kruger se familiarise avec les conventions de la communication de masse. Dès la fin des années 1960, sa pratique artistique s'inscrit dans un contexte de développement des études sur le genre et des combats féministes. Comme Cindy Sherman, elle détourne les codes associés au genre féminin dans l'imagerie populaire, du cinéma aux magazines de mode, pour déconstruire le discours dominant. Dès 1979, elle présente ce qui constitue sa signature jusqu'à aujourd'hui : des photomontages composés de photographies noir et blanc, le plus souvent issues de magazines des années 1940 et 1950, qu'elle intercepte et agrandit, et de slogans imprimés en police Futura Bold Italic.

Présenté dans les plus grandes collections du monde entier, son univers visuel caractéristique s'est diffusé grâce à la multiplication des supports, des affiches aux lieux publics. Ses œuvres conservées au sein de la Collection Pinault ont été présentées pour la première fois en 2006 lors de l'exposition " Where Are We Going? " à Palazzo Grassi à Venise.

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Profondément engagé, l'œuvre de Barbara Kruger interroge le pouvoir des mots et des images. En " interceptant " les injonctions de la publicité, elle alerte le spectateur sur les aliénations de la société de consommation et de ses signes. Elle aborde également les thèmes de la violence, du pouvoir et de la sexualité.

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Propagande Allemande Première Guerre Mondiale 1914-1918 ” TOI AUSSI TU DOIS REJOINDRE LA REICHSWEHR” (l'armée)

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Affiche de Propagande SoviétiqueCette affiche de propagande indique : « Homme soviétique – sois fier, tu as ouvert à la Terre le chemin des étoiles ! » 1963 

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 Alexandre Rodchenko, « Portrait of Lily Brick »,1924, propagande russe. 

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Propagande : Techniques de persuasion, cherchant à propager une idée, une opinion, une idéologie ou une doctrine et stimuler l’adoption de comportements au sein

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L'organisation des éléments les uns par rapport au autres, pour créer une ambiance, un équilibre dans la composition

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Barbara KRUGER , your body is a battleground (Ton corps est un champ de bataille), 1989,Montage photographique, Sérigraphie sur vinyle, 183 x183 cm.

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C'’est la différence entre les parties claires et foncées d’un dessin.

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Barbara KRUGER, I shop therefore I am (J’achète donc je suis, 1987Montage photographique, Sérigraphie sur vinyle, 281,9 x 287 cm. 

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En publicité, un élément qui attire le regard, généralement le slogan.
Plus généralement, un élément (dessin, slogan, début de texte) destiné à retenir l'attention.

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 Koloman Moser – Affiche pour la 13e exposition de la sécession viennoise – 1902. 

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Elle désigne les différents procédés de composition et d’impression utilisant des caractères et des formes en relief, ainsi que l’art et la manière d’utiliser les différents types de caractères dans un but esthétique et pratique. Elle peut servir à crée une ambiance et renforcer le concept d’une production graphique.

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 Jacques Louis David, Le serment des Horaces, 1784 . 

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Organisation réfléchie des éléments les un avec les autre et par rapport au support. Elle est basée sur des LIGNES DE FORCE (ou lignes directrices). Ce sont les directions principales que suivent les éléments principaux (formes ergométriques, figures, couleurs).

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Claude Monet, La Seine à Port-Villez, 1894  IMPRESSIONNISME

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Claude Monet, La Seine à Port-Villez, 1894  IMPRESSIONNISME

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Paul Signac, Antibes, les tours, 1911 POINTILLISME

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Paul Signac, Antibes, les tours, 1911 POINTILLISME

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Auguste Renoir, La vague, 1879 IMPRESSIONNISME

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Auguste Renoir, La vague, 1879 IMPRESSIONNISME

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Caspar David Friedrich, Le moine, 1808-1810

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Caspar David Friedrich, Le moine, 1808-1810

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Caspar David Friedrich, Le moine // explications

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Caspar David Friedrich, Le moine // explications

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Caspar David Friedrich, Le Moine au bord de la mer, 1808-1810

Huile sur toile * 110 x 171,5 cm * Coll. Alte Nationalgalerie, Berlin * © AKG-images

Une frêle silhouette engloutie dans un paysage vaporeux, comme perdue au bout du monde, contemple le grand spectacle de la nature. Face à elle, une tempête s'approche ou au contraire s'éloigne, et de la mer d'encre, épaisse comme du velours, s'élève une brume opaque, sombre, qui s'évanouit dans une lumière céleste. Caspar David Friedrich (1774-1840) dépeint ici une scène hautement lyrique et méditative, qui appelle à l'humilité et l'introspection. Ce chef-d'œuvre du romantisme allemand nous fait faire l'expérience de la profonde solitude : on y plonge à corps perdu comme dans un gouffre.

Ce qu'il faut savoir

En 2015, alors que l'œuvre est en cours de restauration, une réflectographie infrarouge a permis de révéler un dessin préparatoire de l'artiste, sur lequel on distingue des bateaux et des poteaux couverts de filets de pêche. Cette composition, plus classique, n'a finalement pas été retenue par l'artiste, qui a travaillé pendant deux ans à son tableau. Caspar David Friedrich n'a eu de cesse, par d'habiles effets de composition (ici la superposition des plans horizontaux qui semblent se fondre les uns dans les autres), de s'éloigner de la tradition du paysage pour tendre vers un dénuement radical, proche de l'abstraction, mettant ainsi en valeur la solitude du personnage lui-même réduit à une simple silhouette.

Où la voir ?

Sur une île aux trésors... plus connue sous le nom de l'île aux musées, dans le centre de Berlin ! Le Moine est l'un des nombreux chefs-d'œuvre du XIX e siècle conservés à l'Alte Nationalgalerie.

Caspar David Friedrich

1808 - 1810

Huile sur toile

110 x 171,5 cm
Coll. Alte Nationalgalerie, Berlin
À lire aussi : Le retable d'Issenheim de Grünewald : sublime douleur

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" Le Moine au bord de la mer " de Friedrich : ultra céleste solitude

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Une frêle silhouette engloutie dans un paysage vaporeux, comme perdue au bout du monde, contemple le grand spectacle de la nature. Face à elle, une tempête...

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Le radeau de la Méduse // analyse et contexte

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Le radeau de la Méduse // analyse et contexte

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Les salles du Louvre sont peuplées de fantômes. Les historiens en font leur miel. Et plus une toile est célèbre, plus elle semble receler de vérités cachées. Exemple avec "Le Radeau de la Méduse" de Théodore Géricault, présenté au Salon de 1819.

Temps de lecture : 1 min.

Détail du "radeau de la Méduse" (FranceÔ / culturebox / capture d'écran)

Ce jour-là, l'historien américain Marcus Rediker est venu expliquer le contexte d'une époque, 1816, et de ce qui est en jeu dans "Le Radeau de la Méduse". Selon lui, cette œuvre visionnaire préfigure l'abolition de l'esclavage, en 1848.
Sur le plan historique, Louis XVIII est de retour sur le trône pour la Seconde Restauration. Les Britanniques rendent le Sénégal à la France par le traité de Paris. La Méduse fait le voyage pour entériner cette restitution. Son naufrage sur les côtes africaines fait coexister "toute une humanité".

Reportage : Christian Tortel, Denis Rousseau-Kaplan, Daniel Quellier. Montage : Fred Martinvalet. Mixage : Bruno Haetjens.

" L'esclave au Louvre : une humanité invisible ", joli titre pour un cycle de rencontres dans l'un plus célèbre musée du monde. Quand les écoles d'art enseignent l'esthétique d'un tableau parmi les plus connus du romantisme, l'historien américain Marcus Rediker s'intéresse aux destinées individuelles des marins.

Nous sommes au musée du Louvre, salle Denon avec ses toiles monumentales et ses foules de curieux venus du monde entier. Des peintures et des toiles emblématiques, telle La liberté guidant le peuple, de Delacroix.Tout près, le Radeau de la Méduse, de Théodore Géricault.
Françoise Vergès, politologue, ancienne présidente du Comité pour la mémoire de l'esclavage, a invité Marcus Rediker dans le cadre des présentations "L'esclave au Louvre : une humanité invisible".

Ce qui est dépeint ici est une multitude humaine multi-ethnique. Ils sont Africains, ils sont du Moyen-Orient, ils sont Européens, ils sont ce qu'on appelle aux Etats-Unis "une mosaïque humaine", c'est une réalité fondamentale de la vie sur mer directement reliée à l'aventure impériale du Radeau de la Méduse.

Marcus Rediker
En 1816, la frégate Méduse s'échoue au large de l'actuelle Mauritanie. Certains naufragés ont droit à des chaloupes, d'autres doivent se contenter d'un radeau de fortune, morts et vivants ensemble.
Les écoles d'art enseignent à leurs étudiants l'esthétique du tableau, l'un des plus connus de la période romantique.
Aujourd'hui la démarche est de proposer une autre lecture pour faire apparaître une humanité invisible, pourtant omniprésente, celle de l'esclave.

"Géricault a inclus trois, peut-être quatre et sans doute cinq Africains à bord du radeau dans le but d'insister sur le lien historique entre l'esclavage et le colonialisme"

L'objectif est réussi : savoir lire une toile majeure, c'est transformer des personnages laissés dans l'ombre de la mémoire en acteurs reconnus de l'histoire.

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Le Radeau de la Méduse, l'histoire d'une humanité à venir

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Les salles du Louvre sont peuplées de fantômes. Les historiens en font leur miel. Et plus une toile est célèbre, plus elle semble receler de vérités cachées. Exemple avec "Le Radeau de la Méduse" de Théodore Géricault, présenté au Salon de 1819.

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une référence importante à replacer dans ce contexte : Géricault, Le radeau de la méduse, 1818-1819

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une référence importante à replacer dans ce contexte : Géricault, Le radeau de la méduse, 1818-1819

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Actuellement visible au Louvre

Numéro principal : INV 4884
Autre numéro d'inventaire : C 51

Titre : Le radeau de la Méduse
Ancien titre : Scène de naufrage (Titre du Salon de 1819)

Hauteur : 4,91 m ; Largeur : 7,16 m

Date de création / fabrication

1e quart du XIXe siècle (1818 - 1819)

Salon de 1819. Acquis à la vente posthume de l'artiste par l'intermédiaire de Pierre-Joseph-Dorcy, ami de Géricault, le 12 novembre 1824.
Localisé au musée dans l'inventaire C.

entrée - Collection de Charles X

Musée du Louvre, Département des Peintures

Denon, [Peint] Salle 700 - Salle Mollien, romantisme

Bibliographie

- Hilaire, Michel ; Stépanoff, Pierre (dir.), Musée Fabre : guide des collections, [Musée Fabre], Paris, Réunion des musées nationaux, 2021, p. 200

- Le Modèle noir : de Géricault à Matisse, cat. exp. (Paris, musée d'Orsay, 26 mars - 21 juillet 2019 ; Pointe-à-Pitre, Mémorial ACTE, 13 septembre - 29 décembre 2019), Paris, Flammarion, 2019, p. 69-70, 84,107, 387, fig. 42, p.71

- Lahaeye, Anaelle, " Face au cadavre: comprendre les évolutions du motif au XIXe siècle ", Revue de l'art, n°204, 2019-2, 2019, p. 59-64, p. 63, note 25

- Entfesselte Natur. Das Bild der Katastrophe seit 1600, cat. exp. (Hambourg (Externe, Allemagne), Kunsthalle, 29 juin - 14 octobre 2018), Hamburger Kunsthalle, 2018, p. 67-68, 216, 332, 348-357, ill. coul., n° 7, kat. 189

- Milovanovic, Nicolas, Le Louvre 1h30 Chrono. Le guide de la visite, Paris, Louvre éditions/ Hazan, 2018, p. 22-23, ill. coul.

- Rosenberg, Pierre (dir.), Poussin, Le Massacre des Innocents. Picasso, Bacon, cat. exp. (Chantily, musée Condé, 11 septembre 2017 - 7 janvier 2018), Paris, Flammarion, 2017, p. 144

- Lemoine, Annick ; Christiansen, Keith (dir.), Valentin de Boulogne. Réinventer Caravage, cat. exp. (Paris, musée du Louvre, 22 février-22 mai 2017), Paris, Musée du Louvre/Officina Libraria, 2017, p. 87

- Galerie Hubert Duchemin, Découvertes : cinq tableaux et un dessin [Paris, Galerie Hubert Duchemin, 2016], Paris, 2016. , p. 39-44, coul., n° 2

- Lemoine, Annick ; Christiansen, Keith (dir.), Valentin de Boulogne: Beyond Caravaggio, cat. exp. (New-York, The Metropolitan Museum of Art, 7 octobre 2016 - 16 janvier 2017), New Haven, Yale University Press, 2016, p. 75

- Eugène Delacroix & Paul Delaroche. Geschichte als Sensation, cat. exp. (Leipzig, Museum der Bildenden Künste, du 11 octobre 2015 au 17 janvier 2016), Petersberg, Michael Imhof Verlag, 2015, p. 241, coul. p. 241

- Bertinet, Arnaud, Les musées de Napoléon III : une institution pour les arts (1849-1872), Paris, mare & martin, 2015, p. 188

- Peter John Brownlee (dir.), Samuel F. B. Morse's Gallery of the Louvre and the art of invention, cat. exp. (exposition itinérante à travers les Etats-Unis, 2015-2018), Chicago, Terra Foundation for American Art/ Yale University Press, 2014, p. 39-40, 52-53, 59, fig. 18, fig. 28

- Trempler, Jörg, " Costa Medusa - Théodore Géricault malte 1819 mit dem 'Floss der medusa' das erste Livebild einer Schiffskatastrophe Kunststück N°14 ", Welkunst, N°3 März 2012, 82 Jahrgang, 2012, p. 68-69, p. 68-69, couleur

- Pomarède, Vincent (dir.), L'Amour et Psyché à Milan : Antonio Canova, François Gérard, cat. exp. (Milan, Palazzo Marino, du 1er décembre 2012 au 13 janvier 2013), Soveria Mannelli, Rubbettino Editore, 2012, p. 40, p. 40, Fig. 15

- Calouste Gulbenkian Foundation (dir.), The Ages of the Sea, cat. exp. (Lisbonne, Calouste Gulbenkian Museum, du 26 octobre 2012 au 27 janvier 2013), Lisbonne, 2012, p. 149, coul. p. 149, n° 32

- Städel Museum (dir.), Schwarze Romantik. Von Goya bis Max Ernst, cat. exp. (Francfort, Städel Museum, du 26 septembre 2012 au 20 janvier 2013), Ostfildern, Hatje Cantz Verlag, 2012, p. 38, coul. p. 38, Abb. 6

- O'Brien, David, Antoine-Jean Gros, peintre de Napoléon, Paris, Gallimard, 2006, p. 210

- Géricault, cat. exp. (Paris, Galeries nationales du Grand Palais, du 10 octobre 1991 au 6 janvier 1992), Paris, R.M.N., 1991, p. 153, ill. coul.

- Bazin, Germain, Théodore Géricault Etude critique, Documents et catalogue raisonné T -VI, I - VI, Paris, La bibliothèque des Arts, 1987 - 1994, p. 236 t.2; p. 11(bis), p.95 T.6;, ill. coul p.11 bis, dét.152 B p.375, t.2; 1923 t.6

- Compin, Isabelle ; Roquebert, Anne, Catalogue sommaire illustré des peintures du musée du Louvre et du musée d'Orsay. III. Ecole française, A-K, Paris, R.M.N., 1986, p. 275, ill. n&b et coul. p.24

- Grunchec, Philippe, Tout l'oeuvre peint de Géricault, Paris, 1978, n° 189

- Compin, Isabelle ; Reynaud, Nicole, Catalogue des peintures du musée du Louvre. I, Ecole française, Paris, R.M.N., 1972, p. 178

- Eitner, Lorenz, Géricaults Raft of the Medusa, London, 1972, p. 1-176

- Sterling, Charles ; Adhémar, Hélène, Musée national du Louvre. Peintures. Ecole française. XIXe siècle. A-C, vol. I, Paris, Musées nationaux, 1958, n° 947

- Brière, Gaston, Musée national du Louvre. Catalogue des peintures exposées dans les galeries. I.Ecole française, Paris, Musées nationaux, 1924, n° 338

- Clement, Ch., Géricault, étude biographique et critique avec le catalogue raisonné de l'oeuvre du maître, Paris, 1879, n° 97

- Villot, Frédéric, Notice des tableaux exposés dans les galeries du Musée Impérial du Louvre. 3ème partie. École française, 1855, n° 242

- Loire, Stéphane, " Les tableaux de Jean Jouvenet pour Saint-Martin-des-Champs" ", Musées des Arts et Métiers. La Revue, n° 28-29, mars 2000, pp. 69-76, p. 76

Bibliographie de comparaison

- De David à Courbet. Chefs d'oeuvre du musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon, cat. exp. (Rennes, musée des Beaux-Arts, du 4 juin au 28 août 2016; Dole, musée des Beaux-Arts, du 14 octobre 2016 au 19 février 2017; Clermont-Ferrand, musée d'art Roger-Quilliot, du 16 mars au 3 septembre 2017), Gand, Snoeck, 2016, p. 78, coul. p. 78, Fig. 1

France ; Géricault, Théodore

France ; Géricault, Théodore

Géricault, Théodore ; France

Géricault, Théodore ; France

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Actuellement visible au Louvre Numéro principal : INV 4884Autre numéro d'inventaire : C 51 Titre : Le radeau de la Méduse Ancien titre : Scène de naufrage (Titre du Salon de 1819) Hauteur : 4,91 m ; Largeur : 7,16 m Date de création / fabrication 1e quart du XIXe siècle (1818 - 1819) Salon de 1819.

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Turner, le négrier /// analyse et contexte

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Turner, le négrier /// analyse et contexte

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Le Négrier ou Le Bateau négrier (en anglais : The Slave Ship), de son nom complet Négriers jetant par-dessus bord les morts et les mourants - un typhon approche ( Slavers Throwing overboard the Dead and Dying, Typhoon coming on), est un tableau de Joseph Mallord William Turner. Il a été exposé pour la première fois en 1840 à la Royal Academy de Londres et est aujourd'hui au musée des beaux-arts de Boston.

Dans cette représentation maritime romantique, Turner montre un bateau, visible en l'arrière-plan, naviguant à travers une mer tumultueuse et laissant dispersées de nombreuses formes humaines, flottant dans son sillage.

La peinture de J.M.W. Turner aurait été inspirée par la lecture de l'ouvrage The History and Abolition of the Slave Trade de Thomas Clarkson. En 1781, le capitaine du navire négrier Zong, avait ordonné de jeter 133 esclaves par-dessus bord, de façon à pouvoir collecter des paiements de la part d'assurances pour " perte en mer ",. Cet évènement a probablement inspiré Turner pour la création de son paysage. Le peintre choisit en effet d'effectuer son exposition en même temps qu'une conférence d'organisations abolitionnistes. Bien que l'esclavage a été interdit dans l' Empire britannique depuis 1833, Turner et de nombreux abolitionnistes estimaient que l'esclavage devait également être universellement aboli - les Espagnols et les Portugais continuant de le pratiquer. Turner expose ainsi son œuvre au cours de la conférence, de façon que le Prince Albert, qui intervenait durant l'évènement, puisse la voir et être touché. Cette démarche avait pour objectif de provoquer une accentuation des efforts britanniques en matière de lutte contre l'esclavage. On trouve à côté de la peinture un poème, L'illusion du désespoir, écrit par Turner lui-même en 1812 :

" En haut, les gars, amenez les mâts de hune et amarrez-là ;
Ce soleil couchant courroucé et les bords de ces nuages farouches
Déclarent l'arrivée du Typhon là-bas.
Avant qu'il ne balaie vos ponts, jetez par-dessus bord
Les morts et les mourants - peu importent leurs chaînes
Espoir, Espoir, fallacieux Espoir !
Où est ton marché maintenant "

- Turner

La première impression que crée la peinture est celle d'un immense coucher de soleil rouge foncé au-dessus d'une mer orageuse, telle l'indication de l'approche d'un typhon. En y regardant de plus près, on distingue un navire au loin. Les mâts du navire sont rouges, correspondant à la couleur rouge sang du ciel et en écho de la couleur cuivre de l'eau. Ce choix de couleurs brouille les contours entre les différents objets dans la peinture. Les voiles du bateau ne sont pas déployées, révélant que le navire se prépare à l'arrivée du typhon. Au premier plan, on voit un nombre important de corps flottants dans l'eau ; leur peau noire et leurs chaînes indiquent qu'ils sont esclaves, et qu'ils ont été jetés à la mer. En regardant de plus près, on peut observer des poissons et des monstres qui nagent dans l'eau, prêts à manger les esclaves, tandis que des mouettes tournoient dans le ciel au-dessus du chaos.

Comme dans la plupart des autres œuvres de Turner, Le Négrier est structuré autour une couleur centrale en interaction avec d'autres couleurs. Si quelques coups de pinceau définis sont présents, les objets, les couleurs et les corps sont indistincts. Plus précisément, les éléments sont définis par leurs couleurs et certains d'entre eux, comme les corps des esclaves, n'ont pas de réelle frontière. C'est le contraste avec les pigments autour d'eux qui permet de les définir. La couleur la plus présente est le rouge du coucher de soleil, qui empiète dans l'eau et le navire, et le marron des corps et des mains des esclaves.

L'accentuation sur les couleurs plutôt que sur les tracés est typique de nombreuses œuvres romantiques de l'époque. Les formes indistinctes et l'omniprésence de la couleur rouge du coucher du soleil permettent de mettre l'accent sur la nature et de montrer sa domination sur l'homme. D'autres couleurs, comme le bleu froid de l'océan et la teinte sombre de l'eau semblent donner vie à l'océan et enrichissent l'observation de l'œuvre par une vraie émotion de la nature. Le fait que les corps soient peints en petit et que le bateau apparaisse en arrière-plan accentue davantage l'attention sur la nature plutôt que l'humanité.

En mettant en avant la nature, plutôt que les corps et les objets, Turner évoque le concept de " sublime" inventé par Edmund Burke. L'idée du sublime, c'est de la totale impuissance de l'humanité et de sa terreur face à la nature ; en dramatisant la force des vagues et du soleil, Turner utilise Le Négrier pour encapsuler le concept de Burke à la perfection. La décision de Turner de peindre le travail avec une série de rapides, frénétiques coups de pinceau plutôt que de définir précisément les contours apporte de l'intensité à la peinture, et sert à ce que le spectateur se sente encore plus accablé. Bien que la taille de la peinture soit relativement petite comparée à d'autres paysages romantiques, celle-ci captive le spectateur dans le doute d'une manière encore plus puissante.

Certains observateurs ont fait valoir que Le Négrier représenterait, en réalité, la réaction de Turner à la révolution industrielle. La peinture peut être considérée comme une allégorie contre l'exploitation des esclaves humains et du travail en faveur des machines et du progrès économique - représentés par la tempête que traverse le cruel capitaine. Cependant, la tempête pourrait également être considérée comme une représentation de la nature et de la futilité de l'industrialisation. La dernière ligne du poème témoignerait ainsi des doutes de Turner vis-à-vis du libre marché.

Face à l'extravagance du tableau de Turner, la critique se déchaîna. D'après le romancier britannique William Makepeace Thackeray, dans le Fraser's Magazine de :

" C'est le pan de couleurs le plus formidable qu'on ait jamais vu [...] Le tableau est-il sublime ou ridicule ? En réalité, je ne sais. Des rochers de gomme-gutte parsèment la toile ; des flocons de blanc sont étalés à la truelle ; des vésicules de vermillon s'activent follement çà et là [...] D'en haut, le soleil luit sur une mer horrible d'émeraude et de pourpre [...] Si la statue de Wilberforce, en bas devait être confrontée à ce tableau, le vieux gentilhomme de pierre bondirait de sa chaise et s'enfuirait terrifié ! " "

- William Makepeace Thackeray, Fraser's Magazine de

La critique de The Art Journal s'exclama également le 15 mai devant l'œuvre de Turner : " [...] même dans ses caprices les plus fous, il y a tant de preuves d'un génie supérieur [avec ce tableau] dont l'objet saillant n'est autre qu'une longue jambe noire, entourée par un banc de John Dorys aux nuances d'arc-en-ciel, qu'on distingue mieux à travers la surface de l'océan que des mouches dans l'ambre ".

L'Athenaeum du évoque le tableau comme " une extravagance passionnée de ciel jaune souci, de mer couleur grenade, et de poissons habillés aussi gaiement que des fleurs de jardin en rose et vert, avec une jambe, brun foncé, informe qui jaillit de ce chaos bigarré afin de tenir la promesse du titre ".

Le critique d'art John Ruskin, qui a été le premier propriétaire du tableau Le Négrier, a écrit :

" Je crois que si j'en étais réduit à asseoir l'immortalité de Turner sur une seule de ses œuvres, je choisirais celle-ci. Sa conception hardie, idéale au plus haut sens du mot, repose sur la vérité la plus pure, et forgée avec le savoir concentré d'une vie [...] et tout le tableau dédié au plus sublime des sujets et des impressions - la puissance, la majesté, la morbidité de la haute mer, profonde, illimitée ! "

- John Ruskin

Le tableau de Turner est également présent dans la littérature. Dans Un Vagabond à l'Étranger, Volume 1, Chapitre XXIV, Mark Twain évoque Le Négrier de Turner :

" Avant que j'étudie l'art, l e Négrier de Turner était pour moi ce qu'un chiffon est à un taureau. M.Ruskin a étudié l'art au point ou une image l'emporte dans une extase de plaisir aussi folle que cela me jetait dans un élan de rage l'année dernière, quand j'étais ignorant. Ses connaissances lui permettent - et moi aussi maintenant - de voir de l'eau dans cette boue jaunâtre, et des effets naturels dans ces sinistres explosions de fumée et de flamme et ce coucher de soleil cramoisi. Cela le réconcilie - et moi aussi maintenant - avec les chaînes flottantes et d'autres choses qui ne peuvent pas flotter ; il nous réconcilie avec les poissons qui nagent autour de la boue - je veux dire l'eau. La plus grande partie de l'image est une impossibilité manifeste, c'est-à-dire un mensonge ; et seule la culture rigide peut permettre à un homme de trouver la vérité dans un mensonge. Mais cela a permis à M. Ruskin de le faire, et cela m'a permis de le faire, et j'en suis reconnaissant. Un journaliste Bostonien est venu et a jeté un œil sur Le Négrier flottant dans ce violent incendie de jaune et de rouge, et a dit que cela lui rappelait un chat à coquille de tortue en forme de tomate. Dans mon état alors de non-instruit, cela est allé à ma maison de ma non-culture, et j'ai pensé qu'il était un homme avec un œil non obstrué. Cette personne est un âne. C'est ce que je dirais, maintenant. "

- Un Vagabond à l'Étranger, Volume 1, Chapitre XXIV, Mark Twain

La peinture a fait l'objet d'une longue suite de poèmes de David Dabydeen, Turner (1994 ; réédité en 2002)

En 2018, Sondra Perry s'inspire du tableau pour son installation Typhoon coming on à la Serpentine Galleries.

Ressources relatives aux beaux-arts :

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Le Négrier ou Le Bateau négrier (en anglais : The Slave Ship), de son nom complet Négriers jetant par-dessus bord les morts et les mourants - un typhon approche ( Slavers Throwing overboard the Dead and Dying, Typhoon coming on), est un tableau de Joseph Mallord William Turner.

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Le voyageur sans boussole // analyse Centre Pompidou

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Le voyageur sans boussole // analyse Centre Pompidou

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Jean Dubuffet
(1901, France - 1985, France)

Le Voyageur sans boussole

" Ce sont des paysages de cervelle. Ils visent à restituer le monde immatériel qui habite l'esprit de l'homme." (Dubuffet)

Bien qu'appartenant à la série des Paysages du mental, cette peinture se découpe de manière classique entre zones céleste et terrestre. Au gré des aspérités de la matière apparait un "tumultueux désordre d'images" au caractère instable et indéterminé. Ces formes aux échelles et points de vue apparemment aberrants sont pour l'artiste des " débris de souvenirs". Explorateur, archéologue ou âme errante, un voyageur chemine, perdu ou en symbiose avec les éléments du sol.

Domaine
Peinture

Technique

Huile sur Isorel

Dimensions

118,5 x 155 cm

Acquisition

Achat, 1976

N° d'inventaire

AM 1976-11

En salle :
Musée - Niveau 5 - Salle 28 : Gaston Chaissac / Jean Dubuffet

Artiste

Jean Dubuffet
(1901, France - 1985, France)

Titre principal

Le Voyageur sans boussole

Date de création

08 juillet 1952

Domaine
Peinture

Technique

Huile sur Isorel

Dimensions

118,5 x 155 cm

Acquisition

Achat, 1976

Secteur de collection

Arts Plastiques - Moderne

N° d'inventaire

AM 1976-11

Le Voyageur sans boussole (Fasc. VII, n° 217) s'inscrit dans la série en trois volets des " Tables paysagées, paysages du mental, pierres philosophiques " (1951-1952). À propos du second ensemble d'œuvres, Dubuffet précise : " Ce sont des paysages de cervelle. Ils visent à restituer le monde immatériel qui habite l'esprit de l'homme : tumultueux désordre d'images, de naissances d'images, d'évanouissements d'images, qui se chevauchent et s'entremêlent, débris de souvenirs de nos spectacles mélangés à des faits purement cérébraux et internes - viscéraux peut-être " (Prospectus II, p. 80-81, Jean Dubuffet, " Tables paysagées, paysages du mental, pierres philosophiques "). L'inconfort, la déstabilisation, que génère une telle imbrication incongrue de registres, sont d'autant plus vifs que ceux-ci semblent finalement bien s'accommoder entre eux. Dans ces " hauts-reliefs ", essentiellement à l'huile sur Isorel, sont généralement - et paradoxalement - distinguées, comme dans Le Voyageur sans boussole, deux zones, certes inégales : l'une céleste, une bande étroite et tortueuse, l'autre terrestre, vaste étendue de sol. Mais les échelles et les points de vue sont aberrants, et ce découpage classique du tableau permet, en restituant le tumulte dans un décor de paysage ordinaire, de souligner le caractère instable et non figé de toute chose et l'existence propre à chaque point de l'univers, qui mérite une vision rapprochée. C'est ce dont Le Géologue (décembre 1950), tableau précurseur de la série, montrant un petit bonhomme scrutant l'environnement à travers sa loupe, voulait témoigner. Ici, le " voyageur sans boussole ", errant tout à la fois dans l'épaisseur et sur la surface d'un terrain d'une incroyable richesse d'événements, semble moins perdu que déterminé à affirmer sa condition d'être au monde, en parfaite symbiose avec les éléments. La matière informe aux tons rompus, tout en épaisseurs et en accidents, vient parachever ce sentiment de fusion.

Sophie Duplaix

Source :
Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

Loreau (Max).- Catalogue des travaux de Jean Dubuffet, fascicule VII, Tables paysages, paysages du mental, pierres philosophiques .- Paris, Jean-Jacques Pauvert, 1967 (cat. n° 217 cit p. 141 et reprod.) . N° isbn 2-7073-0245-7
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100 oeuvres nouvelles 1974-1976 : Musée national d''art moderne.- Paris : éd. du Centre Pompidou, 1977 (cit. et reprod. coul. p. 31) . N° isbn 2-85850-026-6
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Cinq années d''enrichissement du patrimoine national 1975 - 1980, Donations, dations, acquisitions : Paris, Galeries nationales du Grand Palais, 15 novembre 1980-2 mars 1981. - Paris, éd. de la Réunion des musées nationaux, 1980 (cat. n° 228 cit; p. 257-258 et reprod. p. 257) . N° isbn 2-7118-0165-9
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Jean Dubuffet, rétrospective : peintures, sculptures, dessins : Saint-Paul, Fondation Maeght, 1985 (cat. n° 33 reprod. coul. p. 75)

La Collection du Musée national d''art moderne. Catalogue établi par la Conservation du Musée. - Paris : éd. du Centre Pompidou, 1986 / rééd. 1987 (sous la dir. d''Agnès de la Beaumelle et Nadine Pouillon) (cit. et reprod. p. 178-179) . N° isbn 2-85850-292-7
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Jean Dubuffet : Prague, Kinsky Palace, 4 octobre-28 novembre 1993 (cat. n° 27 cit. p. 74 et reprod. coul. p. 135)

Rendezvous : Masterpieces from the Centre Georges Pompidou and the Guggenheim Museums : New York, Solomon R. Guggenheim Museum, 16 octobre 1998-24 janvier 1999. - New York : Guggenheim Museum Paris/Centre Georges Pompidou, 1998 (cat. n° 258 cit. p. 627 et reprod. coul. p. 464) . N° isbn 0-89207-213-X
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Big Bang. Destruction et création dans l''art du XXe siècle : Paris, Centre Pompidou, Musée national d''art moderne-Centre de création industrielle, 15 juin 2005-22 février 2006. - Paris : éd. du Centre Pompidou, 2005 (sous la dir. de Catherine Grenier) (cit. p. 178 et reprod. coul. p. 89) . N° isbn 2-84426-286-4
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Collection Art Moderne :[Catalogue de] La collection du Centre Pompidou/Musée national d''art moderne. - Paris : Editions du Centre Pompidou, 2006 (sous la dir. de Brigitte Leal) (cit. et reprod. coul. p. 197) . N° isbn 978-2-84426-317-9
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Chefs-d''oeuvre ? : Metz, Centre Pompidou-Metz, 12 mai 2010-29 août 2011. - Metz : éd. du Centre Pompidou-Metz, 2010 (sous la dir. de Laurent Le Bon) (cit. et reprod. coul. p. 168) . N° isbn 978-2-35983-004-0
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Jean Dubuffet, El viajero sin brújula / Traveller without a compass : Málaga, Centre Pompidou-Málaga, 11 juillet-14 octobre 2018 (sous la dir. de Sophie Duplaix) (cit. p. 8, 14 et reprod. coul. p. 15) . N° isbn 978-85-949006-0-0
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Préhistoire : une énigme moderne : Paris, Musée national d''art moderne, 8 mai - 16 septembre 2019. - Paris : Centre Pompidou, 2019 (reprod. coul. p. 137 (oeuvre non exposée)) . N° isbn 978-2-84426-848-8
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Jean Dubuffet. Rétrospective : Martigny, Fondation Pierre Gianadda, 3 décembre 2021-6 juin 2022. - Martigny : Fondation Pierre Gianadda, 2021 (sous la dir. de Sophie Duplaix) (cat. n° 13 reprod. coul. p. 39) . N° isbn 978-2-88443-172-9
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Sur les pas de Jean Dubuffet en Auvergne : Clermont-Ferrand, musée d''Art Roger-Quillot, 8 juillet-30 octobre 2022. - Paris : In Fine éditions d''art, 2022 (cat. n° 57 reprod. coul. p. 85) . N° isbn 978-2-38203-081-3
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Le Voyageur sans boussole - Centre Pompidou

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" Ce sont des paysages de cervelle. Ils visent à restituer le monde immatériel qui habite l'esprit de…

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Jean Dubuffet, Le voyageur sans boussole, 1952

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Jean Dubuffet, Le voyageur sans boussole, 1952

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(huile sur isorel)

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Jean Dubuffet, Hautes pâtes ( 1943 à 1960 )

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Jean Dubuffet, Hautes pâtes ( 1943 à 1960 )

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1943 à

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Jean Dubuffet au centre de la terre | Connaissance des Arts

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Cette période-clé est déjà annonciatrice de certaines de ses recherches ultérieures. Mais en 1943, date à laquelle Dubuffet se consacre à la peinture,

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William Turner, précurseur dans la représentation des effets atmosphériques et de l’impressionnisme, est couramment qualifié de « peintre de la…

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Gaō Kègōng (1248-v 1310), Montagne dans la brume, Gaō Kègōng, Musée national du Palais, Taipei (Taiwan)

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Gaō Kègōng (1248-v 1310), Montagne dans la brume, Gaō Kègōng, Musée national du Palais, Taipei (Taiwan)

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Gaō Kègōng 高克恭 (1248-v 1310) est un grand paysagiste de l’époque Yuán.

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Leonard de Vinci (1452 - 1519) , La Joconde   RENAISSANCE ITALIENNE

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Leonard de Vinci (1452 - 1519) , La Joconde   RENAISSANCE ITALIENNE

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De La Joconde aux Noces de Cana

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5. De La Joconde aux Noces de Cana

C'est dans la salle des États qu'est exposé le tableau le plus célèbre du monde : La Joconde. Cette vaste salle, la plus grande du musée, permet d'accueillir de nombreux visiteurs. C'est aussi là que sont présentées d'autres œuvres très connues de l'école vénitienne, comme Les Noces de Cana de Véronèse.

Exposer La Joconde

Une vraie icône mérite une place dans le musée digne de sa célébrité ! La salle des États a été choisie en 1966 pour exposer le chef-d'œuvre de Léonard ; c'est la plus vaste du Louvre.

Le célèbre sourire énigmatique de Monna Lisa ne cesse de séduire depuis des siècles. Un de ses premiers admirateurs fut le roi François Ier. Ce dernier, qui invite Léonard de Vinci en France, lui achète le tableau en 1518. C'est ainsi que l'œuvre est entrée dans les collections royales qui sont exposées au musée du Louvre depuis la Révolution.

Depuis 2005, La Joconde trône seule au centre de la pièce, derrière une vitrine qui la protège. Cette présentation exceptionnelle répond aux exigences de sécurité, mais aussi à des nécessités de conservation : l'œuvre n'est pas un tableau peint sur toile, mais sur un panneau de bois de peuplier. Avec le temps, le bois a travaillé et une fissure est apparue. C'est pourquoi La Joconde doit être conservée dans des conditions de température et d'humidité extrêmement stable dans une vitrine climatisée.

Le saviez-vous ?

Un nouveau bleu

La restauration de la salle des États, menée en 2019, a donné aux murs ce bleu soutenu dont les nuances renforcent le contraste avec la richesse de la palette des maîtres vénitiens (les rouges, les jaunes, les orangés, les verts...) dont les œuvres sont présentées dans la salle. C'est le changement le plus récent dans un lieu qui en a connu beaucoup.

Une salle historique

Construite entre 1855 et 1857 par l'architecte Hector Lefuel, la salle des États abrite les grandes séances législatives sous le Second Empire. C'est de là que vient son nom. Le décor souhaité par Napoléon III est imposant et fastueux, avec ses voûtes peintes qui proclament la gloire de l'Empire. Après la chute de l'empereur, la pièce est dévolue au musée du Louvre pour accueillir la peinture française du 19e siècle. En ce début de IIIe République, l'architecte Edmond Guillaume transforme la pièce pour l'adapter à cette nouvelle fonction : les fenêtres sont condamnées pour laisser plus de place aux tableaux, et une verrière est percée au plafond pour apporter un éclairage zénithal qui limite les reflets. Après la Seconde Guerre mondiale, les tableaux des peintres français sont remplacés aux murs par les peintures vénitiennes.

La peinture vénitienne

Titien, Tintoret, Véronèse... Les plus grands peintres vénitiens rivalisent par leurs œuvres éblouissantes. Les monumentales Noces de Cana de Véronèse occupent tout le mur qui fait face à La Joconde. D'autres tableaux célèbres l'entourent : Le Concert champêtre de Titien et son Homme au gant, l'esquisse fougueuse réalisée par Tintoret pour Le Couronnement de la Vierge appelé aussi Le Paradis, projet pour un immense décor dans la salle du Grand Conseil au palais des Doges, de sublimes portraits, comme Une patricienne de Venise, dite La Belle Nani de Véronèse... et tant d'autres.Couleurs et lumières témoignent de la virtuosité des artistes vénitiens de la Renaissance.

Chefs-d'œuvre de la peinture vénitienne

Autour de La Joconde, n'oubliez pas de regarder les œuvres des grands maîtres vénitiens !

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Le saviez-vous ?

Le plus grand tableau du Louvre

Paolo Caliari, dit Véronèse, Les Noces de Cana Salle 711, Aile Denon, Niveau 1

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Snow Storm - Steam-Boat off a Harbour's mouth making signals in shallow water, and going by the lead. The author was in this storm on the night the Ariel left Harwich (Tempête de neige - Vapeur au large d'un port fiasant des signaux, en eau peu profonde et se faisant guider. L'auteur se touvait dans cette tempête la nuit où L'Ariel quitta Harwich). P398.
William Turner, 1842
Huile sur toile, 91,4 x 122 cm
Londres, Tate Gallery

Turner a peint de nombreux tableaux qui explorent les effets des éléments naturels déchaînés. Dans Tempête de neige, Bateau à vapeur loin du port, c'est un bateau à vapeur qui et pris au cœur de la tempête. Le navire peut être interprété comme un symbole des efforts futiles de l'humanité pour lutter contre les forces de la nature. On a souvent dit à l'époque que Turner avait conçu ce tableau en se faisant attacher au mât d'un navire lors d'une réelle tempête en mer. Il semble bien que ce ne soit que légende. L'histoire racontée par Turner montre néanmoins combien comptait pour lui l'engagement total de soi dans l'observation du monde.

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Tempête de neige, vapeur loin du port de William Turner

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Snow Storm - Steam-Boat off a Harbour's mouth making signals in shallow water, and going by the lead. The author was in this storm on the night the Ariel left Harwich (Tempête de neige - Vapeur au large d'un port fiasant des signaux, en eau peu profonde et se faisant guider.

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Willima Turner, Tempête de neige - Vapeur au large d'un port faisant des signaux, en eau peu profonde et se faisant guider, 1842

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Willima Turner, Tempête de neige - Vapeur au large d'un port faisant des signaux, en eau peu profonde et se faisant guider, 1842

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(L'auteur se trouvait dans cette tempête la nuit où L'Ariel quitta Harwich) Huile sur toile, 91,4 x 122 cm, Londres, Tate Gallery

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Impression soleil levant et les impressionnistes

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Impression soleil levant et les impressionnistes

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Claude Monet, Impression soleil levant (1872) IMPRESSIONNISME 

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Claude Monet, Impression soleil levant (1872) IMPRESSIONNISME 

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Petit jeu : clignez des yeux, qu'apercevez-vous ?

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Gustave Le Gray, La vague brisée (photographie argentique, 1857)

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Gustave Le Gray, La vague brisée (photographie argentique, 1857)

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Gustave Le Gray, Marines (photographies, 19e siècle)

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Gustave Le Gray, Marines (photographies, 19e siècle)

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Hokusai, La Grande Vague de Kanagawa (1830 ou 1831, estampe, gravure sur bois, Japon)

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Hokusai, La Grande Vague de Kanagawa (1830 ou 1831, estampe, gravure sur bois, Japon)

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En bref

Mondialement connu pour ses Pool Paintings et surtout son Bigger Splash (1967), David Hockney (1937 - ) produit depuis les années 1950 une œuvre solaire et hédoniste à la croisée du pop art et de l'hyperréalisme. L'artiste anglais puise son inspiration aussi bien chez Vermeer, Fra Angelico que Matisse ou Picasso. Intéressé par tous les procédés de fabrication de l'image, il n'hésite pas à utiliser la technologie (fax, photocopieur ou iPad...) et à jouer de la perspective pour renouveler sa peinture. Il a également publié plusieurs ouvrages théoriques notamment sur la technique des maîtres anciens. C'est un des plus grands artistes figuratifs vivants.

Il a dit

" À partir du moment où vous trichez par égard pour la beauté, vous savez que vous êtes un artiste. "

Sa vie

David Hockney est né en 1937 à Bradford, dans une famille modeste de cinq enfants. Dans cette ville industrielle du nord de l'Angleterre, il étudie les Beaux-Arts entre 1953 et 1956, avant d'intégrer le prestigieux Royal College of Art de Londres en 1959. Il est profondément marqué par la rétrospective Picasso, présentée à la Tate Gallery durant l'été 1960. " Picasso pouvait maîtriser tous les styles. La leçon que j'en tire, c'est que l'on doit les utiliser tous ", en conclut-il.

En 1964, il quitte son Angleterre grise et puritaine, où l'homosexualité est encore illégale, pour le soleil de la Californie. Sa peinture s'imprègne de la lumière éblouissante de Los Angeles et de son mode de vie hédoniste. Hockney devient le chroniqueur de cette vie cool - un des mots-clés de l'époque. Il troque la peinture à l'huile et les pinceaux pour l'acrylique et le rouleau, et réalise, dès son arrivée, plusieurs tableaux inspirés du magazine homo-érotique Physique Pictorial. La série des Pool Paintings fera ensuite sa célébrité.

À partir de 1968, Hockney se lance dans une série magistrale de doubles portraits inspirés de ses proches, affirmant sa constante fascination pour la nature humaine. Ces œuvres sont également hantées par les maîtres qu'il admire : Vermeer, Balthus ou Hopper. Très vite, le sujet essentiel devient la relation psychologique qui unit les protagonistes.

Au début des années 1970, Hockney se retrouve, de son propre aveu, dans une impasse artistique et cherche un nouveau souffle. Il renoue avec la photographie, à laquelle il s'intéresse depuis les années 1960, et crée des " joiners ", assemblage d'une multitude de clichés pris selon différents points de vue. Il réinterprète ainsi les leçons cubistes de Picasso, et compose des portraits ou des paysages réalisés à l'aide d'un appareil Polaroïd.

Hockney approfondit sa réflexion sur la perspective classique et les moyens de s'en affranchir. Il intègre, au début des années 1980, la " perspective inversée " dans des paysages enveloppants : le point de fuite est derrière le spectateur et tout le tableau converge vers lui. S'inspirant des rouleaux de la peinture chinoise, l'artiste recrée les impressions successives d'un spectateur en mouvement. Le tableau synthétise alors l'ensemble de ces sensations.

En 1986, le peintre anglais décide d'utiliser une photocopieuse couleur laser. Il tente ainsi de lutter contre l'idée absurde de l'obsolescence supposée de la peinture, s'emparant des nouvelles technologies pour les mettre au service de son art. Il poursuit avec le fax (1989), l'ordinateur (1990), la palette graphique (2008), l'iPhone (2010), l'iPad (2011), et plus récemment la caméra haute résolution.

À lire aussi : David Hockney addict aux technologies

Ses œuvres clés
A Bigger Splash, 1967
Sans doute son œuvre la plus iconique. Hockney livre ici une vision idéale de la Californie de la fin des années 1960. L'image s'inspire d'une publicité vue dans un magazine consacrée aux piscines...D'une grande rigueur géométrique, que seul le splash vient troubler, l'image confine à l'abstraction. Le plongeoir jaune du premier plan donne toutefois l'idée de profondeur. Le tableau est bordé d'un cadre clair à la manière d'un Polaroïd que l'artiste commence alors à utiliser.
Portrait d'un artiste (Piscine avec deux personnages), 1972
Ce tableau profondément sentimental, Hockney le peint peu avant sa rupture avec Peter Schlesinger. Ce dernier regarde un jeune homme en train de nager : l'artiste donne à son amant la place qu'il se réserve habituellement. L'œuvre est née de deux photographies prises par Hockney, l'une d'un nageur dans une piscine, l'autre de Peter, immobile, fixant le sol. Après une première version en 1971, qu'il abandonne, il revient à son sujet après une nouvelle série de photographies prises par le réalisateur Tony Richardson lors d'un séjour en France, qui lui permet de trouver une solution à son problème de perspective.
Pearblossom Hwy., 11-18th April 1986, #1, 1986
" J'ai réalisé Pearblossom Hwy, lorsque Vanity Fair m'a demandé d'illustrer un article de mon ami Gregor Von Rezzori retraçant le voyage de Humbert Humbert à la recherche de Lolita. C'est mon dernier photocollage et, sans aucun doute, le plus pictural de tous ceux que j'ai exécutés. Il m'a fallu neuf jours pour prendre les photographies et deux semaines pour les assembler. Je le considère comme ma réponse panoramique à la perspective orientée vers un point unique. " Hockney a retenu ici la leçon du cubisme selon laquelle l'œil ne peut saisir un point focal unique.
Henry Geldzahler and Christopher Scott, 1969
En 1968, Hockney se lance dans une série de doubles portraits de ses proches (amis, parents, collectionneurs...). Ces œuvres portent l'empreinte des maîtres qu'il admire : Vermeer, Balthus, Hopper... Ici, il représente assis Henry Geldzahler, historien et commissaire d'exposition, avec son petit ami Christopher Scott.
Garden, 2015-2016
Dans une palette vive et lumineuse, Hockney peint sur le motif. Ici, son jardin de Santa Monica, depuis sa terrasse à la végétation luxuriante, qui n'est pas sans rappeler Matisse.

de Jack Hazan

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Autant inspiré par les maîtres anciens que par les nouvelles technologies - comme le montre la nouvelle exposition du musée de l'Orangerie, "David Hockney. A Year in Normandie" - David Hockney est l'auteur d'une œuvre solaire, imprégnée de l'hédonisme californien.

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Il était... une œuvre : "gris bleu, taches bleues de Loire" par Olivier Debré

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Il était... une œuvre : "gris bleu, taches bleues de Loire" par Olivier Debré

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Il était... une œuvre : "gris bleu, taches bleues de Loire" par Olivier Debré au CCC OD de Tours

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Olivier Debré, Longue traversée gris-bleu de Loire, 1976. Huile sur toile, 181 x 250 cm. (Tours, musée des Beaux-Arts) ABSTRACTION LYRIQUE

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Olivier Debré, Longue traversée gris-bleu de Loire, 1976. Huile sur toile, 181 x 250 cm. (Tours, musée des Beaux-Arts) ABSTRACTION LYRIQUE

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David Hockney, série de piscines                             (né en 1937, Royaume-Uni, peintre et photographe, vit depuis 2019 en Normandie)  POP ART, HYPERREALISME

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David Hockney, série de piscines                             (né en 1937, Royaume-Uni, peintre et photographe, vit depuis 2019 en Normandie)  POP ART, HYPERREALISME

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Affiche pour les Jeux Olympiques de Munich (1972)

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Claude Monet, les Nymphéas (19e siècle) IMPRESSIONNISME

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Claude Monet, les Nymphéas (19e siècle) IMPRESSIONNISME

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Offerts par le peintre Claude Monet à la France le lendemain même de l'armistice du 11 novembre 1918 comme symbole de la paix, les Nymphéas sont installés selon ses plans au musée de l'Orangerie en 1927, quelques mois après sa mort. Cet ensemble unique, véritable "Sixtine de l’impressionnisme", selon l’expression d’André Masson en 1952, offre un témoignage de l’œuvre du dernier Monet conçu comme un véritable environnement et vient couronner le cycle des Nymphéas débuté près d’une trentaine d’années auparavant. L’ensemble est l’une des plus vastes réalisations monumentales de la peinture de la première moitié du XXe siècle. (source : musée de l'Orangerie, Paris)

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Les Nymphéas de Claude Monet | Musée de l’Orangerie

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Dès 1940, le musée Marmottan s'ouvre à l'impressionnisme en devenant l'écrin de l'iconique Impression, soleil levant. L'œuvre, qui est entrée dans l'histoire pour avoir donné son nom au groupe, fonde les collections impressionnistes de l'établissement. En 1966, un autre événement majeur marque la vie des collections.

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Horaires et accès

Le musée est ouvert :

- Du 3 au 13 juillet 2023 : Boutique, jardin, restaurant (les galeries sont fermées)

- Du 14 juillet au 10 septembre 2023 : Exposition " Renoir à Guernesey, 1883 "
- Du 11 au 28 septembre 2023 : Boutique, jardin, restaurant (les galeries sont fermées)

- Du 29 septembre 2023 au 7 janvier 2024 : Exposition " Flower Power "

Voir le détail des jours d'ouverture sur le calendrier : " horaires et accès ".

À 1h de Paris et de Rouen
Informations détaillées
Météo à Giverny

Temps nuageux
20°C

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Horaires et accès Le musée est ouvert : - Du 3 au 13 juillet 2023 : Boutique, jardin, restaurant (les galeries sont fermées) - Du 14 juillet au 10 septembre 2023 : Exposition " Renoir à Guernesey, 1883 " - Du 11 au 28 septembre 2023 : Boutique, jardin, restaurant (les galeries sont fermées) - Du 29 septembre 2023 au 7 janvier 2024 : Exposition " Flower Power " Voir le détail des jours d'ouverture sur le calendrier : " horaires et accès ".