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Constante debate entre la idealización, inspirada en al arte antiguo y el apego a la realidad de los clásicos

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Constante debate entre la idealización, inspirada en al arte antiguo y el apego a la realidad de los clásicos

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El afán de Ingres por la idealización se hace presente en los retratos que realizó de mujeres, donde daba su propia apreciación de la sensualidad y la belleza estética
A pesar de lo anterior también captó retratos donde se aprecia la mujer “cortés” o la mujer burguesa de la época

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El espejo tras la figura femenina.  Retrato  Condesa de Haussonville 

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El espejo tras la figura femenina.  Retrato  Condesa de Haussonville 

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En sus retratos femeninos suele valerse del recurso del espejo, como generador de un espacio más amplio y que además le sirve para poder ver detalles de las retratadas, como sus peinados.

Con esta utilización demostraba además su pericia en la composición de los espacios y la figura.

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La  representación de la mujer en la pintura romántica

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La  representación de la mujer en la pintura romántica

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Se lleva a cabo bajo las ideologías de este movimiento, en donde se quieren integrar: el deseo, la poesía, el cuerpo, la intuición, el amor y la muerte en un “todo” artístico

Por otro lado, también se crea un estereotipo o arquetipo de la mujer mística, en donde se unen las ideologías del terror y la pasión;  el espiritismo, los sueños, que normalmente significa un amor imposible, incomprendido.

La mujer inaccesible, que ni siquiera puede ser concebida como objeto de amor y adoración porque sus miras están puestas en Dios, alcanza una dimensión casi incorpórea, alejada de cualquier carnalidad, es casi un espíritu pero se trata de una mujer que representa al amor.

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El arquetipo de la mujer, donde se lleva a cabo una batalla entre la mujer idealizada, representando el amor puro y la naturaleza sensual de la belleza y sumisa al hombre; con la mujer burguesa, “cortes” y cabeza de la familia.

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Aparece como estandarte de la liberación, como acción reivindicatoria a la situación social imperante y desafortunada de que la sociedad era objeto.

Entendida como símbolo de todo lo que estaba bajo sometimiento, el romántico la presenta como modelo de pacificación.

Se asiste así a un replanteamiento de la figura de la mujer en la modernidad y se revaloriza lo erótico y lo concerniente a la feminidad, entrando en crisis las estructuras sociales burguesas, en las que la mujer estaba relegada a un segundo plano en la vida pública y privada.

Se identifica también la figura femenina con la naturaleza, lo que motiva que lo femenino adquiera mayor valor

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Gustave Courbet
Año: 1866
Ubicación: Museo Metropolitano de Arte (Estados Unidos)
Material: Oleo sobre lienzo
Dimensiones: 129.5 cm x 195.6 cm

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Lo grotesco en el arte y la cultura occidental

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Lo grotesco en el arte y la cultura occidental

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-Lo grotesco nos lleva más allá del mundo que conocemos donde se convierte lo monstruoso y maravilloso de nuestra imaginación
-Lo grotesco se entiende mejor por lo que hace que por lo que es

-Es algo generado culturalmente y aparece para romper con los límites culturales, comprometiendo y contradiciendo lo que es conocido, propio o normal.

-Unido estrechamente al cuerpo ,a la ida de lo femenino
- Lo grotesco en el juego, subvierte las reglas o convenciones, sea conflicto pero también da nuevas posibilidades al describir lo horrible, lo feo, lo desagradable.
-Es la voz de lo marginal, genera cierto sentimiento de empatía.

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Quizás aquí se podría incluir un cuadro sobre el COLOR en Delacroix, porque en su obra ya aparece un primer quiebre respecto del color que luego explorarán mucho más profundamente los impresionistas y postimpresionistas. Como un eje que también puede vertebrar el coloquio final

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Gustave Courbet (1819-1877), El origen del mundo (1866)

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Gustave Courbet (1819-1877), El origen del mundo (1866)

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Para Courbet la fuerza de la pintura reside en la pintura y no en el sujeto; su forma de representar no idealiza ni dramatiza lo pintado; no embellece, no representa sujetos en pose, con las ropas ordenadas (o desordenadas de un modo especial), no genera una espiritualidad artificial. Rechaza todo aquello que se considera a priori poético: lo bello, lo gracioso, en sentimiento de la naturaleza como tradicionalmente habían sido concebidos. Quiere vivir la realidad tal como es, ni bonita ni fea, y para hacerlo rechaza todos los esquemas, prejuicios, las convenciones, las inclinaciones del gusto, elimina la mentira, la ilusión, la fantasía. En el link que se suministra a continuación puede localizarse la imagen mencionada, la que fue removida por el sistema por violar sus normas de contenido: https://www.musee-orsay.fr/fr

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Marcantonio Raimondi (1515), El juicio de Paris

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Marcantonio Raimondi (1515), El juicio de Paris

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Las figuras reclinadas del Almuerzo Campestre de Manet corresponden al grupo de dioses pluviales de la esquina inferior derecha de este grabado, que a su vez proviene de Rafael.

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Le déjeneur sur l´herbe, Eduard Manet (1863)

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Le déjeneur sur l´herbe, Eduard Manet (1863)

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De este modo, un tema de encuadre de la famosa obra de Manet es un fragmento de un grabado de Marcantonio Raimondi, copia de un fresco perdido de Rafael.

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Al mismo tiempo, Bialostocki cree que los artistas tienden a basar nuevas obras de arte en fórmulas iconográficas tradicionales que le parecen más próximas y por lo tanto entendibles y susceptibles de transmitir mejor su idea. Entonces una imagen ya existente atrae como un imán a las nuevas formas iconográficas que aparecen, obligándolas a presentar cierta similitud con ella, generando una verdadera "fuerza de gravedad iconográfica".

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Bialostocki sostiene que existen ciertas imágenes sobrecargadas de un significado especial y típico y en las que también se pueden encontrar mezclados contenidos tanto cristiano-religiosos como profanos, que tienen extraordinaria importancia humana, y que llenaban el mundo del pensamiento de los artistas en ciertas épocas, con un claro simbolismo espiritual. Este arsenal de imágenes originales fue transformado y reformado en el más alto período de la cultura griega y el imperio romano, en que se mezclaron elementos orientales con las formas del arte clásico , y que después sirvieron para expresar diversos contenidos y funciones del arte cristiano; en la Edad Media y el Renacimiento apareció un nuevo repertorio de imágenes de este tipo, que se continuó hasta el S. XIX, cuando estos temas de ecuadre tradicionales se vieron invadidos de contenidos nuevos, profanos y hasta revolucionarios.

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Para los realistas, entonces, las experiencias y aspectos concretos de su época deben abordarse con una forma de representación fresca y apropiada y una actitud formal y seria si se quiere crear un arte de su época y para su época, lo que lleva a decir a Manet: "Llama la atención cómo los republicanos se convierten en reaccionarios cuando hablan de arte".

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Ernest Meissonier, La barricada, rue de la Mortellerie (1848)

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Ernest Meissonier, La barricada, rue de la Mortellerie (1848)

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En cambio Meissonier, de modo más directo y simple entrega un mensaje efectivo que representa sin eufemismos los sangrientos conflictos, resueltos a fuerza de violencia y muerte.

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Thomas Couture, Los romanos de la decadencia

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Thomas Couture, Los romanos de la decadencia

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En su obra de 1847, Couture intenta referirse al estado de la sociedad de su tiempo, pero la retórica historicista funciona como una pared que aleja la comprensión del mensaje.

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Tres vías de acceso a la contemporaneidad:

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Tres vías de acceso a la contemporaneidad:

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1. Expresión de los ideales, logros y aspiraciones de la época con los medios expresivos tradicionales (ya sea retórica simbólica o alegoría del arte).

2. Abordamiento objetivo de las experiencias, acontecimientos, costumbres y aspectos concretos característicos de la propia época.

3. Ponerse a la cabeza de la misma, liderando las avant-gardes de un modo más o menos hermético, como grupo de iniciados.

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El vagón de tercera clase, por H. Daumier (1862-1864)
Honoré Daumier declara que la contempompraneidad es la condición esencial del realismo del S. XIX: hay que ser de su tiempo, estar en contacto estrecho con los problemas y conflictos del momento, no perder de vista la cotidianeidad. Ser de la propia época no es solo un bien posible, sino una decidida ventaja; para los románticos esto implica un amplio espectro de factores muy disímiles: rebelión contra las reglas establecidas, alejamiento conciente de "lo correcto", retorno al habla común y el lenguaje ordinario, contacto directo con la naturaleza, insistencia en no repetir lo ya hecho, no aprobar lo que ya había conseguido aprobación. En suma, seguir siempre hacia adelante.

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El picnic - Auguste Barthélemy Glaize  (1850)

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El picnic - Auguste Barthélemy Glaize  (1850)

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En los años 50´ y 60´, el picnic fue un tema que proporcionaba un modo natural de combinar figuras del tiempo, naturaleza muerta y paisaje a la luz del aire libre; en una escena informal de amigos y familia en intimidad, comodidad y despreocupación.

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Influido por sus amigos y siguiendo las teorías de Theodore Rousseau, se instala en Barbizón, cerca de los bosques de Fontainbleau, observando la naturaleza y los personajes rurales, centro de sus composiciones. El Angelus (1857-1859) es una de sus más famosas obras, enigmática y llena de misterio.

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Precursor del impresionismo e integrante de la escuela de Barbizon, admirado por Monet y Cezanne, se instala en Barbizon en 1843, donde coloca su estudio en un bote y pinta desde el río Oise.

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El Cazador Furtivo, primera ópera romántica alemana (1821)

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El Cazador Furtivo, primera ópera romántica alemana (1821)

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Carl Maria von Weber compone su obra maestra, en la que se incluyen los motivos típicos del arte romántico: evocaciones míticas, leyendas, bosques, personajes mágicos, atmósferas tenebrosas, crepusculares y neblinosas. En el siguiente link se puede escuchar su obertura: https://www.youtube.com/watch?v=s_o-hIEia5I

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Ayudan a estructurar el campo por ausencia o presencia, son lugares de consagración, búsqueda de beneficios y legitimidad donde escritores y artistas pueden juntarse por afinidad y codearse con los poderosos. Autenticas articulaciones entre los campos: los que ostentan el poder político tratan de imponer su visión a los artistas apropiándose de su éxito.

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Working during the height of the Enlightenment, the so-called "Age of Reason," the Swiss-English painter Henry Fuseli (born Johann Heinrich Füssli) instead chose to depict darker, irrational forces in his famous painting The Nightmare. In Fuseli's startling composition, a woman bathed in white light stretches across a bed, her arms, neck, and head hanging off the end of the mattress. An apelike figure crouches on her chest while a horse with glowing eyes and flared nostrils emerges from the shadowy background.

The painting was first displayed at the annual Royal Academy exhibition in London in 1782, where it shocked, titillated, and frightened exhibition visitors and critics. Unlike many of the paintings that were then popular and successful at the Royal Academy exhibitions, Fuseli's The Nightmare has no moralizing subject. The scene is an invented one, a product of Fuseli's imagination. It certainly has a literary character and the various figures demonstrate Fuseli's broad knowledge of art history, but The Nightmare's subject is not drawn from history, the Bible, or literature. The painting has yielded many interpretations and is seen as prefiguring late nineteenth-century psychoanalytic theories regarding dreams and the unconscious (Sigmund Freud allegedly kept a reproduction of the painting on the wall of his apartment in Vienna).

Incubus or mara

The figure that sits upon the woman's chest is often described as an imp, or an incubus, a type of spirit said to lie atop people in their sleep or even to have sexual intercourse with sleeping women. Fuseli's painting is suggestive but not explicit, leaving open the possibility that the woman is simply dreaming. Yet, her dream appears to take frightening, physical form in the shapes of the incubus and the horse. According to Fuseli's friend and biographer John Knowles, who saw the first drawing Fuseli made for the composition in 1781, the horse was not present in the drawing but added to the painting later.

Although it is tempting to understand the painting's title as a punning reference to the horse, the word "nightmare" does not refer to horses. Rather, in the now obsolete definition of the term, a mare is an evil spirit that tortures humans while they sleep. As Samuel Johnson's A Dictionary of the English Language (1755) defined it, a mare or "mara, [is] a spirit that, in heathen mythology, was related to torment or to suffocate sleepers. A morbid oppression in the night resembling the pressure of weight upon the breast." Thus, Fuseli's painting may in fact be understood as embodying the physical experience of chest pressure felt during a dream-state.

Dark themes

Through his use of composition and chiaroscuro, Fuseli heightened the drama and uncertainty of his scene. However, unlike the slightly earlier painting by Joseph Wright of Derby, A Philosopher Lecturing on the Orrery, which utilized chiaroscuro to symbolize the enlightening power of rational observation, Fuseli's The Nightmare instead shows the futility of light to penetrate or explain the darker realms of the unconscious.

In The Nightmare, the single light source coming in from the right, the curtains and tassels in the background, and the shortened, stage-like foreground also add to the work's theatricality. The red drapery falling off the edge of the bed even suggests a river of blood as it might be symbolically enacted on stage in a play or an opera, adding morbid undertones to the painting's already dark themes. Throughout his career, Fuseli painted and illustrated scenes from Shakespeare and Milton, and his art has a consistent sense of literary, at times even erudite drama that reveals his classical education (after completing his studies, Fuseli had been ordained as a pastor in the Swiss Evangelical Reformed Church before his political activities in Zürich effectively forced him into exile in 1761).

The Nightmare's stark mixture of horror, sexuality, and morbidity has insured its enduring notoriety. In January 1783, The Nightmare was engraved by Thomas Burke and distributed by the publisher John Raphael Smith. The relatively low price of this reproduction, following on the heels of the attention the work received at the Royal Academy, helped to distribute the image to a wider audience. Fuseli later painted at least three more variations with the same title and subject.

The Nightmare became an icon of Romanticism and a defining image of Gothic horror, inspiring the poet Erasmus Darwin (Charles Darwin's grandfather) and the writers Mary Shelley and Edgar Allan Poe among many others. From the start, caricaturists also adopted Fuseli's composition, and political figures from Napoleon Bonaparte to President George W. Bush and German Chancellor Angela Merkel have all been lampooned in satirical versions of Fuseli's painting.
Additional resources
Learn more about artists on the heals of the Enlightenment in " Empires and their endings in the late 18th and 19th centuries," in Reframing Art History.

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Fuseli explores the drama of the unconscious in this work, whose morbid eroticism endeared it to Edgar Allan Poe.

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El último viaje del Temerario, por Joseph William Mallord Turner (1839) https://www.youtube.com/watch?v=8O-fnEl a8HrWw 

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El último viaje del Temerario, por Joseph William Mallord Turner (1839) https://www.youtube.com/watch?v=8O-fnEl a8HrWw 

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J.M.W. Turner: Painting The Fighting Temeraire | National Gallery

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La carreta de heno, por John Constable (1821) https://www.youtube.com/watch?v=PVmczLwlU00

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La carreta de heno, por John Constable (1821) https://www.youtube.com/watch?v=PVmczLwlU00

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The Hay Wain, Constable and the English countryside

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Sus características las fija Burke:

Resulta visionario, angustioso.

Colores oscuros o exangües.

Trazo muy marcado del dibujo, con gestos exagerados, bocas que chillan, ojos muy abiertos.

Figuras enmarcadas en esquemas geométricos que la aprisionan y aniquilan su esfuerzo.

Exaltación del genio, con Miguel Angel como referente.

Sus máximos representantes son Füssli y Blake.
Kant distingue dos posiciones del hombre en cuanto a la realidad: lo bello pintoresco y lo bello sublime. Lo pintoresco es una cualidad que se releja en la naturaleza del gusto de los pintores. Los dos pilares de la poética de lo sublime fueron Füssli, cuya idea de lo sublime se completa con la exaltación del genio, que es una experiencia vívida y a veces dramática; y Blake, que anuncia que cuando se supera el umbral de lo sublime las sensaciones entran en contacto con las fuerzas sobrenaturales y divinas de la creación.

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Se manifiesta en tonalidades cálidas y luminosas, toques de vivacidad, irregularidad de las cosas: árboles, troncos caídos, manchas de hierba, charcos de agua, nubes en movimiento, cabañas, pequeñas figuras, trazados rápidos.
Son sus exponentes Cosens (padre e hijo), Constable y Turner.
Lo pintoresco ve al hombre integrado en su ambiente natural. La poética de lo pintoresco facilita el paso de la sensación al sentimiento, de lo físico a lo moral.
La poética de lo sublime resulta en lo visionario, angustioso, el equilibrio perfecto entre humano y naturaleza se pierde y solo puede ser re evocado, es la concepción de la historia como revival.

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Es una cualidad que se refleja en la naturaleza del gusto de los pintores especialmente barrocos. Cozens, interesado en aplicarlo al paisajismo, enumera sus puntos básicos:

La naturaleza es una fuente de estímulos que produce sensaciones en el artista, quien las aclara y comunica.

Las sensaciones visuales se transforman en manchas de color de diferente intensidad que no se corresponden con los esquemas de la perspectiva clásica.

El dato sensorial es común a todos, pero cada artista lo interpreta de manera individual.

La enseñanza consiste en aclarar el valor y significado de la sensación.

Los artistas buscan la variedad.

Ya no se busca lo universal de lo bello sino el detalle de lo característico.

Lo característico no se capta a través de la contemplación sino de la agudeza mental del artista.

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Problemática de lo pintoresco y lo sublime:

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Problemática de lo pintoresco y lo sublime:

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Entiende Argan que decir que algo es bello es un juicio subjetivo: lo "bello romántico" es precisamente lo bello subjetivo, característico, mutable; se contrapone a lo "bello clásico", que es objetivo, universal e inmutable. Kant distingue entre "lo bello pintoresco" y lo "bello sublime", apuntando en realidad a dos razones que dependen de dos distintas actitudes del hombre con respecto a la realidad.
La poética de lo pintoresco facilita el paso de la sensación al sentimiento.

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Sinfonía Fantástica, Héctor Berlioz, 1830.

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Sinfonía Fantástica, Héctor Berlioz, 1830.

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Esta innovadora pieza ha sido descrita por Leonard Bernstein como la primera expedición musical a la psicodelia debido a su naturaleza alucinatoria y soñadora, y porque la historia sugiere que Berlioz compuso al menos una parte de ella bajo la influencia del opio. En el siguiente link puede escuchársela: https://www.youtube.com/watch?v=rQXtC6B3CKQ&t=4s

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Berlioz: Symphonie Fantastique, Leonard Bernstein, Orchestre National de France

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Otón III, Libro de Oraciones de Otón III, 997-1000

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Otón III, Libro de Oraciones de Otón III, 997-1000

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OTTO III Gospel Book of Otto III, 997-1000

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J.A.D. Ingres, Retrato de Napoleón I Emperador (1806)

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J.A.D. Ingres, Retrato de Napoleón I Emperador (1806)

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Retratos de Ingres: maestro indiscutido del retrato, sus obras en este campo reciben influencias del Renacimiento a través de Rafael, sin dejar de participar de su contemporaneidad ni al mismo tiempo usar modelos que pasan por la antigüedad clásica o las representaciones imperiales medievales, en un constante juego de tradiciones e innovaciones.

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J. A. D. Ingres, La Apoteosis de Homero (1827)

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J. A. D. Ingres, La Apoteosis de Homero (1827)

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En el siguiente link se puede escuchar una conferencia dictada en el Museo del Prado, en la que se analiza pormenorizadamente esta complejísima obra, apoteosis también de las capacidades plásticas del autor: https://www.youtube.com/watch?v=9Ra4itmBffg

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Discípulo de David, continúa la gran tradición neoclásica y la lleva a su apogeo, convirtiéndose en la figura central del Adademicismo. Sus composiciones exhiben una perfección técnica insuperable (con la que tuvieron que medirse todos los artistas posteriores) aunque sus obras nunca dejaron de ser sustanciales ni incurrieron en el artificio sin sentido.

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Eugène Delacroix, La muerte de Sardanápalo (1827)

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Eugène Delacroix, La muerte de Sardanápalo (1827)

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https://mywowo.net/es/francia/paris/museo-del-louvre/delacroix-ala-denon-sala-77

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Idioma: español

Ahora estarás admirando el cuadro La muerte de Sardanápalo de Eugène Delacroix, el exponente más representativo y exuberante del arte romántico francés. Por su afortunada carrera, su carácter expansivo, su larga vida, su forma de pintar rica, a veces incluso exagerada, la monumentalidad de sus pinturas y la variedad de sus temas, Delacroix es el protagonista indiscutible de la vida cultural de la primera mitad del s.XIX.

A continuación, te resumo brevemente su historia: nacido en 1798 en el seno de una familia burguesa acomodada, entró en el mundo de la pintura con veintiún años, cuando conoció a Géricault. De inmediato mostró una clara predilección por los personajes y los temas heroicos, interpretados con luces y colores violentos, un patrón artístico y existencial al que Delacroix dedicó la mayor parte de su vida.

Aunque el director de la Academia de París le sugirió que moderara la violencia de sus representaciones y la intensidad de su pincelada, basta con contemplar sus obras para entender que un carácter tan marcado y un temperamento tan inflexible no iban a resultar fáciles de domar: así queda patente en esta obra maestra del año 1827.

En ella puede verse representada la impresionante masacre ordenada por el rey de oriente Sardanápalo quien, según la leyenda, cuando sintió cerca su muerte ordenó acabar con la vida de todo aquello que poseía: sus caballos, sus perros, e incluso sus escuderos y las mujeres de su harén. El tirano, en el fondo del cuadro, observa la escena tumbado en la cama, con gélida indiferencia.

Como si se tratara de una parodia exótica y suntuosa de la Balsa de la Medusa, Delacroix muestra una maraña de cuerpos y de expresiones entre los que se entremezclan la muerte, la desesperación y la oración.

Pasamos a continuación a otra obra maestra de Delacroix llamada: La libertad guiando al pueblo.

Fue pintada en 1830 y es la representante "oficial", reconocida y apreciada de manera unánime, de la Revolución. La heroína que parece con un pecho desnudo, con la gorra y la bandera es Marianne, el símbolo de Francia. Si te fijas en su cabeza podrás observar como tiene alrededor un halo de luz clara y brillante, como si se tratase de una aureola.

CURIOSIDAD: Durante los movimientos liberales de 1830, Delacroix se alistó en la Guardia Nacional, pero nunca llegó a participar en enfrentamientos armados. Sin embargo, esto no le impedirá, al pintar la Libertad, que se pusiera en la piel de esos héroes desconocidos, en la primera línea de las barricadas, con el sombrero de copa y el fusil en las manos.

Termina aquí nuestra visita al Museo del Louvre. MyWoWo te da las gracias y ¡te cita en otra maravilla del mundo!

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Audioguía MUSEO DEL LOUVRE - Delacroix Ala Denon Sala 77 - Guía Turística | MyWoWo

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¡Descarga MyWoWo! La aplicación de viajes que te proporciona información sobre las maravillas del mundo. Ahora estarás admirando el cuadro La muerte de Sardanápalo de Eugène Delacroix, el exponente más representativo y exuberante del arte romántico francés.

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Ludvig van Beethoven (1750-1827), arquetipo del artista romántico, compone la Sinfonía Nro. 3, Heroica (1804) en honor a Napoleón Bonaparte 

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Ludvig van Beethoven (1750-1827), arquetipo del artista romántico, compone la Sinfonía Nro. 3, Heroica (1804) en honor a Napoleón Bonaparte 

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Beethoven compone la sinfonía dedicándosela a Napoleón como liberador de Europa, pero cuando se autoproclama Emperador, indignado y en un ataque de furia, tacha la dedicatoria en el manuscrito y la cambia a "escrita sobre Napoleón", haciendo un agujero en el papel. En el siguiente link se puede escuchar la obra, dirigida por Alondra de la Parra: https://www.youtube.com/watch?v=rl5ALR5QESY

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Grupo de pintores críticos del ambiente artístico parisino, libres de esquemas preconcebidos, abandono de todo formalismo y academicismo.
Se inspiran en escenarios naturales, contra la artificialidad de la vida urbana burguesa.
Fuga hacia la naturaleza.

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La naturaleza para Corot no es objeto, si no motivo y estímulo. Lo que importa no es la naturaleza, sino el sentimiento de ella y ese sentimiento es el fundamento de la moral.
Sentimiento y experiencia de vida, es una forma de conocer y percibir al mundo.

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Transmite una experiencia mística con la naturaleza, recorre el sentido de trascendencia.
El arte es la mediación entre el hombre y la naturaleza.
El hombre se angustía y se asombra ante la inmensidad de la naturaleza.
Religioso de la vida.

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Cambio en la visión y en la recepción creará el paisaje romántico naturalista.
La naturaleza como el entorno de la existencia humana, individual y social
Observación directa, interpretación exótica, natural.
Quiebre en el pensamiento, configuración de un espacio subjetivo que se expresa en los estados de ánimo.

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Consolidación del proyecto de modernidad.

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Consolidación del proyecto de modernidad.

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Desarrollo de la cultura urbana
Invención de una imágen identitaria común acorde a los procesos de consolidación de los Estados-Nación
Proceso de secularización del arte  y  autonomía del sistema del arte.
Nuevos géneros pictóricos, para un nuevo público burgués.

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Consolidación en el siglo XIX del paisaje como género puro y autónomo, junto  a la transformación de la naturaleza.
Construcción de un discurso subjetivo del hombre con su entorno.
Un nuevo modo de ver.

El paisaje abandona progresivamente el rígido y ordenado sistema de representación por perspectiva geométrica dominante desde el Renacimiento y se estructura a través de planos de color y luz de fuerte contenido sentimental.

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El compromiso del artista con la verdad es un imperativo moral y estético.
El artista debe asumir un compromiso ético con los valores de verdad, la honestidad y la sinceridad, en su entrega a la descripción y el análisis objetivo e imparcial.

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Nueva exigencia de democracia en el arte que dió paso a todo un nuevo espacio temático (los pobres, los más humildes y lo común de los sectores socialmente desposeídos o marginales).
La dimensión social adquiere importancia.

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Acusan a los realistas de producir obras carentes de continuidad y coherencia emocional y moral, de falta de sentimiento, de incapacidad de captar o crear un equivalente pictórico de resonancia moral y psicológica de un tema brutal, como en el  "Fusilamiento de Maximiliano" de Manet que es un acontecimiento histórico, concreto y documentado".

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Los artistas del movimiento realista, entre ellos Edgar Degas (1834-1917), abandonan las formas, motivos y esquemas de diseño o dibujo preconcebidos usados anteriormente, los  que en realidad formaban la manera de mirar. Al dejarlos de lado y comenzar a observar la realidad desde distintos encuadres se la percibía y representaba sin los prejuicios formales que dictaban los schematta.
El paso del tiempo deja de estar condensado y estabilizado por medio de un compendio cinético expresivo formal invariable.
Aparecen encuadres poco convencionales y novedosos, movimientos captados con rapidez, poses casuales, aumenta la importancia del bosquejo como obra independiente.

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En palabras de Baudelaire "la modernidad es lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente"

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En palabras de Baudelaire "la modernidad es lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente"

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Representación de las cosas reales y existentes.

Aparecen personajes corrientes (comerciantes, trabajadores y campesinos) desempeñando labores de la vida cotidiana.

Representación de la experiencia del momento presente, constituye el tema más apropiado.

Representación de objetos visibles y tangibles para el artista.

Afirma la absoluta independencia del mundo del arte respecto al mundo de la realidad y cuestiona la existencia absoluta de una realidad única e inequívoca.

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La actitud realista significó una alteración del sentido de la naturaleza del  tiempo.
El movimiento realista es siempre el movimiento capturado tal como "es ahora", como se percibe en un vistazo instantáneo.
Vincula a la historia y el hecho experimentado, liberados de cualquier valoración moral o metáfisica convencional.

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En tanto movimiento histórico en las artes figurativas y la lieratura alcanzó su formulación y solidez en Francia.
Se constituyó como movimiento dominante aproximadamente entre 1840 a 1878/80.
"Su propósito consistió en brindar una representación verídica,objetiva e imparcial del mundo" (Notchlin p. 11).

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No es sólo  un estilo, sino una poética, impone cierta actitud moral ante el arte. Los artístas poseen cierta libertad de interpretación y caracteización.

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Impregnados de melancolía del exilio, se vive idealmente en otro tiempo, siempre con la forma de pensar del presente se busca refugio en el pasado.

El conocimiento de la realidad cuya medida es la imaginación y su manifestación el arte.

La imaginación es la forma del pensamiento que lleva a la salvación.

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"El artísta se situará en el espacio que media entre lo contingente y lo universal, entre el presente y la profundidad sin fondo del tiempo y del espacio, y hablará de los intereses esenciales del mundo aún cuando éste no le escucha y persiga, como siempre ha hecho con los profetas" (Argan,1976, p. 10)

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En los siguientes links se puede acceder a dos videos: Museo Del Louvre – David El Juramento De Los Horacios Ala Denon Sala 75 – Paris – Audioguía – MyWoWo 

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https://www.youtube.com/watch?v=qfAga9DAuU4

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Museo Del Louvre – David El Juramento De Los Horacios Ala Denon Sala 75 – Paris – Audioguía – MyWoWo

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Interes artístico no en la acción del hombre sino en los fenómenos de la naturaleza, expresados con una nueva mirada.
Busca captar de manera directa la impresión que produce la realidad.

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Eugène Delacroix, La libertad guiando al pueblo (1831) 

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Eugène Delacroix, La libertad guiando al pueblo (1831) 

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En el siguiente link se puede ver un estudio de la obra: https://www.youtube.com/watch?v=6skizQlC-uU

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Pincelada despejada y expresiva en la que aparece la dimensión crítica.

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En los siguientes links se puede acceder a un estudio y video detallado de este cuadro https://conocedeculturas.com/c-pinturas/la-balsa-de-la-medusa/
https://www.youtube.com/watch?v=jlVBaqyGKMs

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Lo grotesco, lo satirico, lo fantástico y lo inquietante, el horror ante la guerra, lo carnavalesco, la exaltación de la lucha por la Patria marcan sus composiciones .

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Jacques-Louis David (1748-1825), artista comprometido con la Revolución 

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Jacques-Louis David (1748-1825), artista comprometido con la Revolución 

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Responsable de la construcción de una nueva iconografía.

Antepone los valores públicos y la defensa de la Patria a los intereses privados.

Responsable de educar y formar artístas para hacer trascender la etapa didácica y política de la pintura.

Exalta los ideales revolucionarios.

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Jacques Louis David. Obras HD /#documental español, biografia.

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La dialéctica se expresa en el Neoclasicismo

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La dialéctica se expresa en el Neoclasicismo

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Aparece una reacción ante el Barroco y al mismo tiempo es una bandera política para los representantes de la ilustración y luego para los revolucionarios, en oposición al Rococó propio de la nobleza aristócratica.

El carácter dialéctico se expresa en pares dialógicos que manifiestan distintas relaciones con el pasado y el presente, con el lugar que dan a la historia y con la propia época, a lo que también responde a los recursos plásticos utilizados.
Este proceso dialéctico se expresa en el neoclásico como reacción ante el Barroco y al mismo tiempo como una bandera política de los revolucionarios que la exhiben en oposición al rococó propio de la nobleza aristocrática.

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La cultura artística moderna dialéctica del S. XIX 

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La cultura artística moderna dialéctica del S. XIX 

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Nace de la cultura artística del iluminismo, basada en:

El rechazo de la retórica figurativa barroca y de su función tradicional.

El arte moderno busca entre el individuo y la colectividad una solución que no anule a ese individuo en su libertad.

El Arte se expresa en términos dialécticos.

Aparece una crítica a los tratados y la perspectiva del Renacimiento y del Barroco, que son sustituidos por una filosofía del arte (estética) de mayor nivel teórico.

Simultaneidad dinámica de diversos estílos y expresiones que responden a diferentes miradas.

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Se basa en el revival de un estilo del pasado.

Multiplicidad de las lineas de temporalidad, sentidos, tiempos, incluído el mismo tiempo.

En tanto actitud hacia el pasado, el tema es el mismo desde un proceso diferente.

Rehuye todo juicio, niega la separación histórica entre el pasado, presente y futuro.

Se concibe la vida en una sucesión contínua inacabada.

El pasado se actúa, se revive, el pensamiento resulta inseparable del acto.

Se evidencia la tensión entre verdad y realidad imposible de conciliar.

No responde a principios de autoridad como absoluto e inmutable.

No busca la transformación del sistema.

El retorno al pasado significa evasión y no recuperación de valores, se caracteriza por su indecisión y ambigüedad.

No se trata ahora de conservar el pasado, sino de reactivarlo, es un proceso de reconstrucción de la obra de arte.

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Fin del ciclo clásico e inicio del ciclo romántico o moderno

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Fin del ciclo clásico e inicio del ciclo romántico o moderno

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Motivos:

Transformación de las tecnología industrial.

Transformación de las estructuras y de los objetivos del arte.

Transformación del medio ambiente.

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La intencionalidad poética ocupa el lugar de la clásica estructura de la teoria y práctica, en referencia a la crítica al arte clásico, a su modelo en cuanto mimesis en el hacer artístico, cuyo fin es su propio hacer. La actividad artística pasa a ser una experiencia sensorial que tiene del mundo. El artista elabora con su propia técnica mental y manual.

Opone el sentimiento a la razón, con una gama de intensidades que van de la sensibilidad a la pasión.

La felicidad creativa perdida puede ser evocada, emulada o revivida.

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Deja de ser el orden revelado de la creación para converirse en el ambiente de la existencia humana.

Es  el objeto de la búsqueda cognitiva.

Es fuente del sentimiento que induce a pensar en la pequeñez del ser humano.

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Pertenece a su tiempo y aborda temáticas y problemáticas actuales.

Adopta una actitud racional o pasional frente a la historia y a la realidad natural.

Elabora los datos sensoriales.

Ya no se busca lo universal de lo bello, sino la agudeza para combinar ideas e imágenes.

Es un burgués que se rebela contra los intereses prácticos y utilitarios de la burgursia industrial, a pesar de ser un burgues.

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Independencia de los EE.UU (1776).

Revolución Francesa (1789).

Independencia de las colonias españolas en América.

Revoluciones de 1848 en lento proceso que culmina en la unificación de Italia y Alemania (1865 y 1871).

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1780-1870 época de las revoluciones burguesas en gran parte de Europa y de América.

Fin de la monarquía absolutista

Organización de los Estados Nacionales

Toma del poder político por parte de la burguesía capitalista.

Sistemas constitucionales liberales con soberanía nacional.

La libertad individual, religiosa, de pensamiento, de prensa, de comercio, etc

Separación de poderes.

Elecciones parlamentaria.

Era de la Revolución y del Capital, al decir de Hobsbawm.

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El pensamiento clásico del arte (que implicaba los dos planos del modelo y de la imitación) entra en crisis, ante la idea del arte como dualismo de teoría y práctica, intelectualismo y tecnicismo.
A la estructura binaria de la mimesis, le sucede la estructura monista de la poiesis, el hacer artístico.

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El mundo nórdico donde la naturaleza es una fuerza misteriosa frecuentemente hostil. Son partidarios del renacimiento del Gótico, y representados por los pensadores y literatos alemanes: los Schlegel, Wackenroder, Tieck. El arte es revelación de lo sagrado y tienen base religiosa.

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Arte del mundo antiguo grecorromano y su posterior "renacimiento" en la cultura humanística del S XV y XVI.
El mundo mediterráneo donde hombre y naturaleza tienen una relación clara y positiva. Lo representan Winckelmann y Mengs.

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Para Argan la cultura artística moderna (de Europa y Norteamérica entre los S. XIX y XX) parece estar basada en la relación dialéctica entre los conceptos de "clásico" y "romántico", en permanente tensión. Son dos concepciones distintas del mundo y de la vida, con dos metodologías diferentes, pero que tienden sin embargo, a ir integrándose a medida que se va perfilando en las conciencias una idea de la unidad europea, cultural y política.
La diferencia consiste en el tipo de actitud (predominantemente racional o predominantemente pasional) que asuma el artista frente a la historia y a la realidad natural y social.
Esto se expresa en pares dialógicos que manifiestan distintas relaciones con el pasado y el presente.