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Convertisseur : YouTube MP3, Tiktok MP4 et plus encore! - noTube

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Enlever la voix sur un morceaux télécharger depuis YouTube, changer la tonalité

# data[].attributes.subject
Enlever la voix sur un morceaux télécharger depuis YouTube, changer la tonalité

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Supprimer et Retirer la Voix d’une Chanson

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Séparer la voix de la musique à partir d’une chanson grâce à de puissants algorithmes d’IA

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C'est quoi un métronome ?

Un métronome est un instrument qui donne un battement régulier permettant aux musiciens de garder le rythme. L'indication métronomique se mesure en BPM (battements par minute). La valeur de 60 BPM correspond à un battement par seconde, alors que celle de 120 BPM correspond à deux battements par seconde.

Le métronome vous aide à maintenir une certaine rigueur rythmique en jouant de votre instrument et surtout, en travaillant les passages difficiles. Vous pouvez également vous en servir en concert et lors d'une séance d'enregistrement : il vous permettra de garder la bonne vitesse tout au long de la performance.

Comment utiliser un métronome ?

Utilisez la balle glissante ou les touches directionnelles pointant vers la gauche et la droite pour choisir le tempo. Vous pouvez également appuyer sur le bouton " Battre la mesure " ou sur la touche " t " de votre clavier pour sélectionner le tempo désiré.

Vous pouvez choisir ci-dessous le nombre de battements par mesure. La musique est généralement à 4, 3 ou 2 battements par mesure, représentés dans la notation musicale par 4/4, 3/4, 2/4 et 2/2. Si vous ne connaissez pas le nombre de battements, on vous recommande de choisir le 1.

Le métronome vous aide à :

identifier le tempo figurant sur votre partition. Ajustez le métronome au tempo spécifié, établissez la vitesse et arrêtez le métronome avant de commencer à jouer.

apprendre à garder le rythme. Activez la fonction " Couper le son " et réglez le métronome de façon à jouer 3 mesures et couper le son d'1 mesure. Jouez un morceau que vous connaissez bien et gardez le métronome en mode silencieux. Augmentez progressivement la difficulté en l'ajustant à 1/1 (joué/son coupé), 2/2 et 4/4.

améliorer la technique. Commencez à jouer votre morceau à un tempo lent et, dès que vous arrivez à le jouer sans aucune faute, augmentez progressivement la vitesse.

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Métronome en ligne gratuit au battement audible et visuel. Battez la mesure ou choisissez le nombre de BPM. Excellent moyen pour travailler votre instrument.

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Piano virtuel – Jouer du piano en ligne | Musicca

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Jouez du piano en ligne gratuitement. Affichez les notes au clavier, jouez des mélodies et des accords, et enregistrez votre jeu directement dans le navigateur.

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Association Culturelle de Loisir Artistique Montélienne Amateur Aclama propose de l’Eveil musical pour les maternelles, un atelier musique et chant pour les enfants de primaires, un cours commun chant et scène pour ados, des cours de piano et de chant individuel et de la musicothérapie.

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Photos Gala 2025 prises par Josiane (merci à elle)

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Photos Gala 2025 prises par Josiane (merci à elle)

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Play music together live on the web with this simple tool for remote teaching and collaboration.

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L'atelier du jeune chanteur. Les Echauffements vocaux Vol 1, Vol 2 et Vol 3.

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L'atelier du jeune chanteur. Les Echauffements vocaux Vol 1, Vol 2 et Vol 3.

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La «paralysie musicale» toucherait les Français à 27 ans et 3 mois – La Musique avec Monsieur Vialatte

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À quel âge cesse-t-on de s’intéresser à de nouveaux artistes et d’autres genres musicaux?
Le service de streaming musical Deezer a interrogé un échantillon de 5.000 personnes en France, au Royaume-Uni, en Allemagne, aux États-Unis et au Brésil sur leurs habitudes d’écoute pour le découvrir.
Le résultat est attristant. Dans l’Hexagone, on semble être atteint par le syndrome de «paralysie musicale» à 27 ans et 3 mois, soit largement avant nos voisins d’outre-Rhin (31 ans) et d’outre-Manche (30 ans et 6 mois).

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Si bien des rêves de jeunesse se transforment ou disparaissent avec les années, la musique de notre adolescence, elle, perdure.
C'est ce que l'on peut tous constater intuitivement, et ce que confirme Seth Stephens-Davidowitz, du New York Times, dans une recherche effectuée à partir des statistiques fournies par la plateforme Spotify.

Le point de départ de son questionnement ?
Il cherchait à comprendre pourquoi il avait une fixation sur l'album "Born to run" de Bruce Springsteen, alors que son frère plus jeune détestait ce même opus du Boss.

Pour parvenir à ses fins, il a comparé les plus gros succès du Billboard (classement hebdomadaire des 100 chansons les plus populaires aux États-Unis) entre 1960 et 2000 en fonction de l'âge qu'ont leurs plus fervents auditeurs aujourd'hui, et l'âge qu'ils avaient lorsque ces chansons sont sorties.
Il les a ainsi rapproché des statistiques fournies par Spotify pour tenter d'en savoir plus, la plateforme fournissant des données sur les chansons les plus écoutées selon l'âge des abonnés.

Qu'en a-t-il déduit ?
Son constat est le suivant : un homme découvre ses chansons préférées entre 13 et 16 ans, et les femmes les découvrent en moyenne entre 11 et 14 ans.
Il a également constaté que les influences de l'enfance étaient plus fortes chez les femmes que chez les hommes et que les années clés pour façonner ses goûts musicaux coïncidaient avec la fin de la puberté qui arrive plus tôt chez les filles.
Rien de surprenant puisque cette période correspond bien souvent chez un individu, quel que soit son sexe, à une recherche de soi-même et de son identité.
Et quel meilleur moyen pour se forger son caractère que la musique, tant celle-ci capture nos émotions ?

Seth Stephens-Davidowitz a choisi d'illustrer ses propos avec la chanson "Creep" de Radiohead.
En effet, selon ses dires, il s'agit de la 164e chanson la plus populaire chez les hommes de 38 ans, ceux qui avaient donc 14 ans en 1993 lorsque le morceau est sorti.
Prenons maintenant les auditeurs nés dix ans plus tôt ou dix ans plus tard : ce même titre n'est même pas présent dans leur top 300.

Une chose est sûre, c'est le plus souvent à l'adolescence que se forgent les goûts musicaux qui vont nous suivre pour longtemps. Pour le meilleur ou pour le pire.

Si vous avez quatorze ans, il y a donc fort à parier que votre musique du moment deviendra pour vous intemporelle.
Et demandez donc à vos parents ce qu'ils écoutaient à 13 ou 14 ans. Il ne leur reste plus qu'à faire un petit retour en arrière pour nous le confirmer.

Vous pouvez consulter l'article du New-York Times en anglais et avec les pyramides d'âge (vos professeurs d'anglais et d'Hist-Géo seront ravis...).

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Comment la musique des années collège nous suit toute notre vie

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Si bien des rêves de jeunesse se transforment ou disparaissent avec les années, la musique de notre adolescence, elle, perdure. C'est ce que l'on peut tous constater intuitivement, et ce que confirme Seth Stephens-Davidowitz, du New York Times, dans une recherche effectuée à partir des statistiques fournies par la plateforme Spotify.

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Les effets de la musique sur notre cerveau – La Musique avec Monsieur Vialatte

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Même si on l’écoute en toutes circonstances et de préférence pour se détendre, la musique est tout sauf une activité passive. Que ce soit pour accompagner vos exercices sportifs ou au bureau, écouteurs sur les oreilles, votre cerveau, au contact de la musique, fonctionne à 100% !
Avant même que la science ne commence à s’intéresser de près à l’effet de la musique sur le cerveau, les grands esprits avaient déjà esquissé le lien étroit entre les deux.
« La musique, c’est du bruit qui pense », formulait par exemple Victor Hugo, tandis qu’Emmanuel Kant estimait que « la musique est la langue des émotions ».
Pensée et langage : deux capacités propres au cerveau que les intellectuels attribuaient à la musique, lui conférant un pouvoir allant bien au-delà de la distraction.
Depuis les années 1950, nombreuses sont les études qui se sont attachées à cerner l’action de la musique sur le cerveau; le site version-karaoke.fr en recense quelques-unes.

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Que se passe-t-il dans le cerveau de Sting quand il écoute de la musique ? – La Musique avec Monsieur Vialatte

# data[].attributes.attachment_link.description
Des chercheurs ont étudié l’activité cérébrale du chanteur lorsqu’il se prêtait à divers exercices musicaux. Une expérience qui leur a permis de faire des découvertes surprenantes.

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Résoudre des énigmes afin d'accéder aux récompenses. Pour chaque énigme, il faut trouver le nom d'un instrument de musique.

Le principe

Trouver la réponse aux huit énigmes pour récupérer huit lettres.

Remettre les lettres dans le bon ordre pour trouver un mot.

Cliquer sur le trophée pour vérifier la réponse.

Profiter des récompenses.

Le fonctionnement

Ce défi se présente sous la forme d'un diaporama. On y accède grâce à une URL qui s'ouvre dans un navigateur.
Comment naviguer dans le défi ?
En cliquant sur les flèches à droite et à gauche de l'écran et/ou en cliquant sur les liens.
Comment trouver le nom des instruments ?
Chaque énigme comprend entre deux et quatre indices. Une fois le nom de l'instrument trouvé, il faut vérifier la réponse en l'écrivant dans le champ " Mot de passe " dans la diapositive suivante. Astuce : au bout de trois erreurs, un indice apparaît (point d'interrogation).
Comment débloquer les récompenses ?
Il faut résoudre les huit énigmes qui donnent accès à huit indices (des lettres). Il faut ensuite remettre les huit lettres obtenues dans l'ordre pour trouver un mot qui permettra d'accéder aux récompenses.

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Un défi sur les instruments de musique - Primàbord

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Résoudre des énigmes afin d'accéder aux récompenses. Pour chaque énigme, il faut trouver le nom d'un instrument de musique.

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Debussy
La Mer, De l'aube à midi sur la mer

Debussy a choisi de peindre la mer au fil de la journée. C'est le lever du jour. Sur un roulement de timbales, la harpe scande un rythme pulsé, comme le léger balancement des vagues, tandis que les cordes figurent le soleil qui chauffe doucement la mer en se levant.

Dans ce paysage se détache un personnage, le hautbois (avec la clarinette) qui cède la place à des trompettes lointaines (avec sourdines) comme des navires entrevus de loin.

Les instruments entrent un à un sur cette mer qui s'anime, et un léger crescendo fait entrer les violons. Le soleil s'est levé et la journée peut commencer !

Ah, Debussy m'émerveille !

Moins

EXPRIMEZ VOS ÉMOTIONS

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La discothèque de Monsieur Onde | La Mer, De l'aube à midi sur la mer

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Debussy a choisi de peindre la mer au fil de la journée. C'est le lever du jour. Sur un roulement de timbales, la harpe scande un rythme pulsé, comme le léger balancement des vagues, tandis que les cordes figurent le soleil qui chauffe doucement la mer en se levant.

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Que la musique soit dans vos cordes ou pas, découvrez les instruments de l'orchestre symphonique grâce aux vidéos présentées par les musiciens de l'Orchestre de Paris. Testez vos connaissances avec le jeu interactif.

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 Amandine Perriot Cours de chant on Instagram: "Anatomie pour le chant, afin que l’on parle bien avec le même langage ! 

▶️ Pense à enregistrer pour plus tard si tu veux y revenir

Peut-être que tu n’as jamais vu comment c’était à l’intérieur :) On peut d’ailleurs sentir nous-mêmes quelques parties de ces zones en touchant avec nos mains. 

➡️ Nous avons deux cordes vocales (plis vocaux) 

La mise en vibration peut se faire grâce à l’action de plusieurs muscles et évidement en lien avec une quantité d’air minimum qu’on appelle seuil de pression phonatoire. 

On peut observer aussi à la fin de la vidéo l’exploration du « chuchotement profond » de @chant_voix_et_corps, et on comprend pourquoi elle travaille sur l’accolement des cordes vocales. 

On peut enfin voir la glotte (l’espace entre les cordes vocales) qui s’ouvre lors de l’inspiration. 

L’os hyoïde a un rôle très important dans le chant, on y reviendra dans une autre vidéo ! 

Je pense qu’on devrait tous et toutes en connaître un minimum sur le fonctionnement de la voix car cela peut faire gagner du temps dans la pratique de chanteur et chanteuse. 

⚠️ En tant que prof c’est LA BASE de connaître l’anatomie. 

Tu as des questions sur cette vidéo ? 

♥️ Si tu veux plus de contenus de ce type, fais le moi savoir ! 

Applications : Atlas, Sing Larynx
Je remercie @chant_voix_et_corps pour la découverte de ces superbes applications. 

#anatomie #voiceanatomy #techniquevocale #profdechant #sing #singing #larynx #cordesvocales #atlas #singlarynx #anatomy"

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54 likes, 4 comments - amandineperriotcoursdechant on February 24, 2024: "Anatomie pour le chant, afin que l’on parle bien avec le même langage ! 

▶️ Pense à enre..."

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Si ce bandeau n'est plus pertinent, retirez-le. Cliquez ici pour en savoir plus.

On désigne par formant l'un des maxima d'énergie du spectre sonore d'un son de parole. Ce terme est notamment employé dans le domaine de la linguistique, de la phonétique et de l' acoustique. Il y a plusieurs définitions du mot " formant " (résonances du conduit vocal, pôles, etc.).

Spectrogramme des voyelles [i, u, ɑ] en anglais américain, montrant les formants F1 et F2.

Spécificités physiques et mesure

Les formants peuvent être visualisés sur des spectres sonores. Ces spectres représentent la distribution en fréquences de l'énergie du signal de parole. La voix humaine émet généralement des fréquences comprises entre 80 et 4000 Hz. Sur ce spectre, les formant correspondent à des maximas, des pics d'intensités. Ils sont mesurés sur des intervalles de parole très court (de l'ordre de quelques dizaines de millisecondes) et sont variables au cours du temps. Ils dépendent du type son de parole, c'est-à-dire du phonème prononcé selon la manière particulière dont il a été prononcé et son contexte phonétique.

On numérote les formants en allant des basses fréquences vers les hautes fréquences. On les désigne par la notation physique (mesurée en hertz) en partant du premier formant dans les fréquences basses. La notation est réservée à la fréquence fondamentale, dont les variations au cours du temps constituent l' intonation de la parole.

Les deux premiers formants et ne sont pas des caractéristiques suffisantes pour la description précise des voyelles. Notamment lorsque la langue contraste, par exemple, entre voyelles antérieures étirées et arrondies (comme en français, par exemple). Par exemple, c'est le formant qui distingue essentiellement /i/ et /y/. peut être identique pour /i/ et /y/. Les voyelles qui ne sont pas des diphtongues sont des sons plus ou moins stationnaires de la parole. Chaque voyelle se caractérise ainsi par son timbre spécifique, déterminé en première approximation par et . Dans certaines langues, le ton est nécessaire, dans d'autres langues, la qualité de voix.

La phonétique a permis d'établir une corrélation entre les valeurs mesurées en hertz de et et le troisième formant et les articulations de l'appareil phonétique nécessaires à la réalisation des voyelles (lèvres comprises). Ainsi est corrélé avec l'aperture (ouverture de la bouche) et le avec la position antérieure (valeur élevée de ), postérieure (valeur basse de ) de la langue, mais aussi avec la configuration des lèvres. Le troisième formant est également une caractéristique intéressante, corrélée avec la configuration des lèvres pour les voyelles antérieures.

K. Stevens a donné une interprétation simple de la corrélation entre l'articulation de l'appareil phonatoire et les formants acoustiques, à partir d'un modèle simplifié à deux cavités acoustiques de l'appareil phonatoire, sans prendre en compte la configuration des lèvres. Dans ce modèle, et s'interprètent comme les fréquences de résonance de chaque cavité acoustique. Voir aussi G. Fant (dont les nomogrammes incluent la configuration des lèvres).

Fréquences des formants en prononciation française

Le tableau ci-dessous (cf [CHIR]) donne en prononciation française les fréquences moyennes en Hz des trois premiers formants des voyelles et des consonnes sonantes pour une voix d'homme. Pour une voix de femme, les fréquences sont sensiblement supérieures. Pour une voix d'enfant, encore plus. Attention : ces valeurs peuvent varier grandement en fonction de l'individu et au sein même du discours.

Triangle des voyelles avec les axes F1 et F2

Pour les deux premiers formants, si on reporte ces valeurs dans un graphique représentant et en abscisse et en ordonnée, on obtient le fameux triangle vocalique de la discipline phonétique comme dans la figure ci-dessous. Dans ce triangle, augmente avec l'ouverture des voyelles (de /i/ et /u/ vers /a/) et diminue avec leur profondeur (augmente donc de /u/ vers /i/). Pour une même profondeur, est plus élevé pour une voyelle non-arrondie (comme /i/) que pour une voyelle arrondie (comme /y/) de même antériorité.

Ces questions sont discutées par Gérard Genette dans Mimologiques (" mimophonies restreintes "), paru chez Seuil.

Notes et références

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On désigne par formant l'un des maxima d'énergie du spectre sonore d'un son de parole. Ce terme est notamment employé dans le domaine de la linguistique, de la phonétique et de l' acoustique. Il y a plusieurs définitions du mot " formant " (résonances du conduit vocal, pôles, etc.).

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En phonétique, on appelle voyelle un son du langage humain dont le mode de production est caractérisé par le libre passage de l'air dans les cavités situées au-dessus de la glotte, à savoir la cavité buccale et/ou les fosses nasales. Ces cavités servent de filtres dont la forme et la contribution relative à l'écoulement de l'air influent sur la qualité du son obtenu. La plupart des voyelles utilisées dans les langues sont , c'est-à-dire qu'elles sont prononcées avec une vibration des cordes vocales, le chuchotement utilise - par définition - des voyelles sourdes.

Les voyelles sont opposées aux consonnes, car ces dernières se caractérisent par une obstruction au passage de l'air. D'un point de vue perceptif, les voyelles se manifestent par des sons " clairs " tandis que les consonnes se caractérisent par des bruits tels qu'un chuintement, un sifflement, un roulement, un claquement, etc. Par ailleurs, la voyelle sert généralement de sommet à la syllabe tandis que les consonnes ne jouent généralement pas ce rôle. On notera cependant que certaines consonnes ne produisent pas de bruit caractéristiques d'une consonne et présentent une faible obstruction au passage de l'air : ce sont les spirantes centrales, appelées semi-voyelles (par exemple : [w] dans oui qui se rapproche de [y] dans hue). Certaines consonnes liquides telles que le [r] roulé ou le [l] peuvent servir de sommet d'une syllabe ; elles sont dites alors vocalisées.

L' alphabet français compte six voyelles graphiques, à savoir : A, E, I, O, U et Y. Le système vocalique du français standard compte seize voyelles phonétiques, ou vocoïdes, à savoir : a, ɑ, e, ɛ, i, o, ɔ, u, y, ə, œ, ø, ɑ̃, ɔ̃, ɛ̃, œ̃ ,.

Phonétique

En phonétique, les voyelles sont étudiées d'un point de vue articulatoire, acoustique et auditif.

Les voyelles peuvent être définies par la façon dont elles sont produites articulatoirement. La classification des voyelles des langues naturelles dans l' Alphabet Phonétique International s'appuie sur une description articulatoire.

Une voyelle est produite par l'action coordonnée des cordes vocales et de différents articulateurs qui se situent entre le larynx et les lèvres : la langue, le voile du palais, les dents, les lèvres.

Plis vocaux

Le son caractéristique des voyelles est généré par la vibration des plis vocaux (anciennement appelées "cordes vocales"). Pour vibrer, ceux-ci doivent être assez proches l'une de l'autre pour que la pression de l'air sous le larynx augmente. Les plis vocaux s'écartent l'une de l'autre sous l'effet de la pression subglottale, la partie inférieure de chaque pli entraînant la partie supérieure. Dans certaines conditions, l'oscillation des plis vocaux va se maintenir.

Trois types majeurs de phonation sont attestés dans la production des voyelles. Il s'agit de la voix modale (en anglais, modal voice), la voix craquée (en anglais, creaky voice) et la voix soufflée (en anglais, breathy voice). Le type de phonation est en grande partie déterminé par la proportion du cycle glottal pendant laquelle les plis vocaux sont ouverts. En voix modale, les plis vocaux sont ouverts pendant la moitié du cycle glottal et fermés pendant l'autre moitié. En voix craquée, les plis vocaux sont plus rapprochées et l'air se fraye plus difficilement un chemin. Il en résulte une phase de fermeture des plis vocaux plus longue, et une phase d'ouverture plus courte d'autant. En voix soufflée, les plis vocaux vibrent mais avec peu de contact, et par conséquent la glotte est ouverte pendant une portion relativement longue de chaque cycle glottal. Ces différents degrés d'ouverture se situent sur un continuum de types de phonation, qui va de la voix dévoisée (en anglais, voiceless), où l'ouverture est maximale, à la fermeture glottale (en anglais, glottal closure).

Dans l' Alphabet Phonétique International, un "a" prononcé en voix modale est noté [ɑ], un "a" prononcé en voix soufflée [ɑ̤], un "a" prononcé en voix craquée [ɑ̰], un "a" dévoisé [ɑ̥].

Autres articulateurs

Le timbre des voyelles dépend : 1 o du nombre ; 2 o de la forme ; 3 o du volume des filtres traversés par l'air expiré.

1. Nombre des filtres.

Lorsqu'une partie de l'air passe par les fosses nasales, les voyelles sont dites nasales :

Lorsque les lèvres sont projetées vers l'avant, il se crée un espace entre celles-ci et les dents; cette cavité labiale constitue un troisième filtre qui modifie le son ; les voyelles produites ainsi sont dites arrondies :

2. Forme des filtres. Elle dépend essentiellement de la profondeur du point d'articulation.

Lorsque la partie avant de la langue se rapproche de l'avant du palais, les voyelles sont dites antérieures

Lorsque l'arrière de la langue se rapproche de l'arrière du palais, les voyelles sont dites postérieures

Lorsque la partie centrale de la langue se rapproche du palais, les voyelles sont dites centrales

allemand : e atone, par exemple dans Dürre ;

portugais : i atone, par exemple dans noite.

3. Volume des filtres. Il dépend essentiellement du degré d'ouverture de la bouche. On distingue généralement 4 degrés d'ouverture, bien qu'un continuum entre l'ouverture minimale et l'ouverture maximale soit attesté.

Le tableau à droite représente les voyelles les plus courantes (transcrites dans l' alphabet phonétique international) classées selon les trois caractéristiques susdites selon un schéma appelé triangle vocalique.

L'acoustique étudie les émissions vocales et pratique l' analyse spectrale des enregistrements, en utilisant, souvent un sonagraphe pour identifier les formants.

Les études psychoacoustiques ont abordé la question de l'identification des voyelles, tentant de cerner, avec des stimulus synthétiques, les relations entre la répartition des partiels et l'identification de la voyelle.

Phonologie

La phonologie différencie les sons dans la mesure où cette différence porte un sens dans la langue.

Certaines langues, comme le grec ancien, le japonais ou l' anglais distinguent les voyelles longues et brèves. Cette distinction influe sur la prosodie et le rythme en poésie.

Les voyelles portent l' accent tonique. En français, celui-ci est fixé sur la dernière voyelle sonore ; l'écriture des langues où il est irrégulier peut noter l'accent par un signe diacritique.

Certaines langues comme le cheyenne et le japonais emploient des voyelles sourdes, sans vibration des cordes vocales, comme dans le chuchotement.

Par nécessité, les tons d'une langue à tons portent sur des voyelles sonores.

Étymologie

Notes et références

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En phonétique, on appelle voyelle un son du langage humain dont le mode de production est caractérisé par le libre passage de l'air dans les cavités situées au-dessus de la glotte, à savoir la cavité buccale et/ou les fosses nasales.

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Avant de commencer, si vous le souhaitez, vous pouvez imprimer une fiche récapitulative qui peut être collée dans les cahiers des élèves.

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Un résumé d'étude très intéressant concernant l'utilisation de la paille

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Un résumé d'étude très intéressant concernant l'utilisation de la paille

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Affiliations

¹ Department of Speech and Language Therapy, Faculty of Health Sciences, Izmir Bakırçay University, Izmir, Turkey. Electronic address: kubra.tetik@bakircay.edu.tr.

² Department of Speech and Language Therapy, Faculty of Health Sciences, Izmir Bakırçay University, Izmir, Turkey.

Affiliations

¹ Department of Speech and Language Therapy, Faculty of Health Sciences, Izmir Bakırçay University, Izmir, Turkey. Electronic address: kubra.tetik@bakircay.edu.tr.

² Department of Speech and Language Therapy, Faculty of Health Sciences, Izmir Bakırçay University, Izmir, Turkey.

Abstract

Purpose: The ideal performance time of straw phonation exercise, one of the semi-occluded vocal tract exercise types, in which optimal effects are seen in healthy voices is still unknown. The aim of this study was to investigate the immediate effect of straw phonation exercise in healthy adults after 1, 3, 5, 7, and 10 minutes, considering: acoustic parameters, electroglottographic parameters, auditory-perceptual general voice quality, the participants' self-assessment regarding vocal effort, and laryngeal discomfort during exercise.

Methods: This study included 69 participants (35 women, 34 men) with a healthy voice. Participants performed the exercise with straw for a total of 10 minutes. The data were collected before (m0) and immediately after exercises at the first (m1), third (m3), fifth (m5), seventh (m7), and tenth (m10) minutes of performance using sustained emission of vowel /a/ and a sentence.

Results: There was an increase in the fundamental frequency at m7 and a decrease in the shimmer from m5 in men. The sound pressure level increased at m5 and m10 in women and from m1 in men. The Acoustic Voice Quality Index score decreased at m5 in men. The mean average closed quotient decreased at m10 in women. Auditory-perceptual general voice quality was optimal at m3 in women and at m5 in men, it deteriorated at m7 in women and at m10 in men. The vocal effort during the exercise increased at m7 in women and at m10 in men. The laryngeal discomfort during the exercise increased for both sexes at m10.

Conclusions: The straw phonation exercise in healthy individuals promoted optimal effects on voice quality after 5 and 7 minutes for men and 3 and 5 minutes for women. Prolongation of the exercise time causes negative effects on voice quality and an increase in vocal effort and laryngeal discomfort presented by the participants.

Keywords: Healthy voice; Immediate effect; Straw phonation exercise; Voice assessment; Voice training.

Conflict of interest statement

Declaration of Competing Interest The authors declared that there is no conflict of interest.

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national center for biotechnology information

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Evaluation of Immediate Effects of Straw Phonation Exercise and Determination of the Ideal Performance Time in Healthy Adults - PubMed

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The straw phonation exercise in healthy individuals promoted optimal effects on voice quality after 5 and 7 minutes for men and 3 and 5 minutes for women. Prolongation of the exercise time causes negative effects on voice quality and an increase in vocal effort and laryngeal discomfort presented by ...

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Virtual Piano - Online Piano Keyboard | OnlinePianist

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Use a computer keyboard, mouse or touch screen to play a virtual piano keyboard. Our virtual piano simulates a real piano keyboard experience.

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Classes en surnombre, problèmes de discipline, stress et fatigue habituelle, sans oublier la pandémie de Covid, et de longues périodes d'enseignement dispensé avec le masque, les spécialistes soulignent la multiplication des facteurs qui peuvent sérieusement abîmer la voix, principal outil des enseignants. Alors, comment faire ? Voici quelques astuces simples prodigués par Dominique Moaty, professeure de chant à la Maîtrise de Radio France.

1. Bien connaître sa voix

Pour mieux l'appréhender, il faut d'abord bien connaître son instrument, et notamment sa souplesse et ses nombreux registres. Pour cela, prévoyez des temps d'entraînement en dehors de la salle de classe. C'est une bonne préparation pour réduire la fatigue, explique la professeure : " On peut s'y entraîner en lisant à voix haute, en récitant une poésie ou même sa liste de courses en ayant une voix la plus résonnante possible. N'utiliser qu'un seul mécanisme vocal peut être fatigant, il faut éviter d'avoir une voix monocorde. Mieux vaut alterner la voix de tête et la voix de poitrine, s'amuser à jouer avec les aigus. "

2. Réaccorder sa respiration

Juste avant le cours, il serait utile de consacrer quelques minutes à sa respiration, pour l'accorder et la mettre au service d'une prise de parole. " Les anciens maîtres disaient qu'il fallait respirer comme si on respirait le parfum d'une rose. On ne sent presque pas qu'on respire. " Pour se remettre dans une respiration plus profonde, Dominique Moaty conseille de souffler avec une paille pendant quelques minutes sur la paume de sa main avant le cours. Et de maintenir ensuite tout au long du cours la respiration abdominale : " On pense souvent que la respiration abdominale, c'est d'avoir le ventre qui devient gros comme un ballon. Ce n'est pas bon. Pour que le diaphragme puisse faire son travail, il faut que le ventre à l'inspiration soit tout mou, ni gonflé, ni serré. Du coup on respire très bien et la cage thoracique va se remplir. "

3. Se mettre soi-même en vibration

Pour ne pas être obligé de forcer sur la voix, il faut prendre conscience que notre corps et notre tête agissent comme une boîte de résonance naturelle, et il faut préparer cette mise en résonance : " Ce qui est important, c'est l'intention d'agir avec sa voix. On garde la gorge, la langue, la mâchoire bien détendues. Ce n'est pas la peine de pousser de l'air hors de soi en serrant les muscles, il faut plutôt ressentir une expansion intérieure. Et ne pas trop crier. Et si l'on crie, il faut surtout garder sa cage thoracique ouverte, à l'image de Tarzan ou King Kong, plutôt que d'avoir l'impression de se vider de sa substance. "

4. Contrôler sa posture, sa verticalité

Si la voix est notre instrument, le corps doit la soutenir. Il faut rester vigilant que la posture corporelle soit tonique, mais sans tensions ou crispations. " Il faut bien vérifier qu'on ne se penche pas en avant pendant qu'on parle, ce qu'on a tendance à faire surtout lorsque l'on est fatigué. On reste dans son axe, on reste grand, et on surveille l'orientation du regard. On ne baisse pas la tête pour regarder ses notes. Et pendant qu'on parle, on vérifie la posture et la respiration en posant sa main sur le bas de sa cage thoracique au niveau de l'estomac. "

5. Ne pas hésiter à se faire accompagner

Et si l'on commence à sentir une perte d'efficacité, ne pas hésiter à consulter : " On peut se faire prescrire un bilan orthophonique par son médecin traitant et prendre le temps de sérieusement faire une rééducation dès le début d'un problème avant d'attendre que ce soit vraiment très fatiguant."

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Enseignants : cinq conseils d'une professeure de chant pour une meilleure hygiène vocale

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C'est la rentrée ! La voix, instrument principal des enseignants, sera de nouveau mise à la rude épreuve. Comment l'utiliser et la préserver au mieux en classe ? Cinq conseils par Dominique Moaty, professeure de chant à la Maîtrise de Radio France.

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Séance de musicothérapie individuelle sur RDV uniquement

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Séance de musicothérapie individuelle sur RDV uniquement

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Attention/Écoute

Expression (vocale, instrumentale, gestuelle)

Imagination

Mémorisation

Mise en mouvement / Occupation de l'espace

Faire des choix

(Agir plutôt que faire)

Conscience de soi

Aller vers la détente

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Lire le script

Le timbre est l'une des caractéristiques principales d'un son et c'est peut-être celle qui lui donne le plus son identité. Une flûte ne sonne pas comme un sifflet. Et même une note peut avoir deux timbres extrêmement différents selon l'instrument qui la produit. Si on a un la joué par un hautbois, ce n'est pas du tout comme un la joué par une clarinette. Et même entre deux pianos : quelle différence entre un Yamaha de 2012 et un Pleyel des années trente ! C'est que leur timbre n'est pas le même. Alors de quoi parle-t-on quand on parle de timbre ? Techniquement, c'est l'ensemble, c'est le mélange de toutes les fréquences qu'on entend lorsqu'on entend un son. On a une fréquence de base fondamentale et toutes les harmoniques qui l'entourent. Seulement tout ça, c'est bien théorique. L'expérience est plus parlante, et on sait très bien que l'oreille reconnait un timbre d'un autre, un peu comme l'œil qui va distinguer deux couleurs différentes. Les exemples qu'on vient d'évoquer étaient liés à des instruments de musique : en effet on parle plus volontiers de timbre à propos d'un son qu'on produit délibérément. Le mot est assez musical ; il y a en tout cas une volonté de construire un son, de le forger, d'en faire un objet sonore reconnaissable. Si une assiette se brise, on ne parlera pas de timbre. Quand une voiture démarre, on ne parlera pas de timbre parce que, à ce moment-là, trop de sons divers viennent se mêler, et c'est extrêmement complexe à analyser. Alors timbre est un mot qui nous vient du grec. Il dérive de tympanon, qui a désigné un instrument qui résonnait. Au départ c'était un tambourin, et puis ça a été une cloche. Et encore aujourd'hui, d'un point de vue très technique, on parle de timbre à propos d'un instrument du percussionniste. Il s'agit d'une série de cordelettes métalliques qu'on peut appliquer sur l'une des peaux d'un tambour. En général, c'est la caisse claire. Et quand on met le timbre, on obtient un effet assez différent : le son frissonne, et on a comme une sorte de froufrou qui va le prolonger. Et puis ce mot de timbre a eu un destin exceptionnel et des sens très différents, très nombreux. Par exemple, au XVIIIe et au XIXe siècle, un timbre, c'est simplement un air que tout le monde connaît et que l'on colporte avec des paroles chaque fois différentes.

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Lire le script Le timbre est l'une des caractéristiques principales d'un son et c'est peut-être celle qui lui donne le plus son identité. Une flûte ne sonne pas comme un sifflet. Et même une note peut avoir deux timbres extrêmement différents selon l'instrument qui la produit.

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Imaginez la situation suivante :

vous vivez à une époque où la musique n'existe pas encore ;

vos seuls outils sont un monocorde et la connaissance des intervalles fondamentaux ;

vous devez choisir une sélection de fréquences pour en faire des notes.

Comment feriez-vous ?
Qu'est-ce qu'une gamme ?

Nous n'avons pas encore défini ce qu'est une gamme.
Une gamme, finalement, c'est simplement une sélection de fréquences auxquelles on a donné des noms. C'est à l'école Pythagoricienne que nous devons la première gamme de l'Histoire.
La gamme Pythagoricienne est restée utilisée de l'antiquité jusqu'au moyen-âge.
C'est grâce (ou à cause ?) de cette gamme que :

nous divisons l'octave en douze ;

nous utilisons sept notes et cinq altérations ;

C'est pourquoi nous allons étudier sa construction en détail.
Pour être honnête, ce n'est probablement pas Pythagore en personne qui a réalisé ces travaux.

Toutefois, dans un souci de vulgarisation, nous glisserons ce fait sous le tapis.

La construction de la gamme Pythagoricienne
Sélectionnons une fréquence de manière tout à fait arbitraire.
Afin de nous faciliter les calculs à venir, nous allons utiliser un nombre rond : 200 Hz.

Nous avons notre première note. On la dispose sur un cercle qui représente l'octave.
Une gamme à une note n'est pas très utile, n'est-ce pas ?Nous allons sélectionner une nouvelle note en montant d'un intervalle consonant.
Évidemment, l'unisson et l'octave ne permettent pas d'obtenir une note différente, nous nous rabattrons sur l'intervalle suivant : la quinte.

Cette nouvelle note a une fréquence de 200 × (3/2) = 300 Hz.

Ne nous arrêtons pas en si bon chemin, montons à nouveau d'une quinte. Nous obtenons une nouvelle note d'une fréquence de 300 × (3/2) = 450 Hz.

Ramener les notes dans l'octave

Il y a un petit problème : cette nouvelle note est " sortie " de l'octave de départ.
En effet, nous ne voulons que des notes dont les fréquences sont comprises entre 200 et 400 Hz. Qu'à cela ne tienne, il nous suffit de diviser la fréquence de la note par deux afin qu'elle " retombe " dans l'octave.
450 ÷ 2 = 225 Hz

On a donc le calcul suivant :
200 × (3/2) × (3/2) ÷ 2 = 200 × (9/8) = 225
(Pas d'inquiétudes, si vous avez compris le principe, vous n'avez pas nécessairement besoin de refaire le calcul.)

À ce stade, notre gamme ressemble maintenant à ceci :

Vous avez compris le principe : chaque nouvelle note est obtenue en montant d'une quinte par rapport à la précédente.

(En redescendant d'une octave chaque fois qu'on sort de l'octave de départ.)
Le fait de procéder ainsi par mouvements d'intervalles consonants nous permet de nous assurer que toutes nos notes présenteront une certaine consonance entre elles.
Quand a-t-on assez de notes ?

Bien, mais en procédant ainsi, nous pouvons obtenir une infinité de notes. Quand nous arrêter ?

Pour répondre à cette question, voici un tableau récapitulant les quinze premières notes dans l'ordre où elles sont générées.

On remarque une chose intéressante : au bout de sept quintes, on tombe sur 213,57 Hz, une valeur relativement proche de la note de départ (200 Hz).

Or, pour les pythagoriciens, le nombre sept était sacré ! Il correspondait au nombre de corps célestes connus (Soleil, Lune, Mercure, Vénus, Mars, Jupiter, Saturne).

Les Pythagoriciens étaient persuadés qu'il existait une relation entre les intervalles musicaux et les distances entre les astres.

On peut imaginer qu'ils ont été passablement excités en découvrant que sept quintes permettaient de revenir au point de départ.
Sept ? Douze ? Des nombres qui devraient vous paraître familiers ; serions nous sur une piste ?
On observe un phénomène similaire au bout de la douzième quinte qui nous donne un résultat encore plus proche : 202,73 Hz.

L'apparition de la gamme heptatonique (à sept notes)

Puisqu'on retombe presque sur la valeur de départ à la septième quinte, on peut essayer de s'arrêter juste avant et ne garder que les sept premières notes (la note de départ et les six quintes successives).

Voici ces sept notes, ordonnées par fréquences.

Et voici la gamme correspondante :

Si on calcule les écarts de hauteur entre deux notes successives, on constate qu'il n'y en a que deux :
Cette gamme peut nous sembler familière, mais elle présente une certaine divergence avec notre gamme actuelle.

un " grand ", qui correspond au ton ;

et un " petit ", qui équivaut au demi-ton.

En effet, les tons et demi-tons ne sont pas répartis de la même manière.
Cette gamme correspond à ce qu'on appellerait aujourd'hui le mode Lydien. Mais nous anticipons sur une leçon qui ne viendra que bien plus tard.
La gamme pythagoricienne n'est pas la gamme actuelle

Cette gamme présente plusieurs problèmes, mais un surtout génait les pythagoriciens.
Il manque à cette gamme l'intervalle de quarte !
Les pythagoriciens aimaient les ratios simples, et il est probable que le ratio de cette sixième quinte (729/512) devait les embêter un peu.
Une solution simple s'offre à nous : laisser de côté cette sixième quinte et compléter la gamme avec une quinte descendante à la place.
(Rappelons en effet que descendre d'une quinte et remonter d'une octave équivaut à monter d'une quarte.)

Cette nouvelle note s'obtient ainsi :
200 × (2/3) × 2 = 200 × (4/3) = 266,67
La gamme devient alors :

Il faut bien l'avouer, cette gamme ressemble furieusement à notre gamme actuelle !
On serait presque tenté de donner des noms aux notes !
(En réalité, les noms do, ré, mi ... ne viendront que plus tard dans l'Histoire, mais c'est pour la beauté de la démonstration.)

On peut aussi s'amuser à calculer la distance entre chaque paire de notes successives, et constater qu'il n'y en a toujours que deux.

BOUM !

Pourquoi y a-t-il sept notes dans la gamme ?

Si vous avez compris ce qui précède, vous aurez obtenu des réponses aux questions suivantes :

Pourquoi y a-t-il sept notes ? À cause d'une bête double-coïncidence : enchaîner sept quintes est à peu près équivalent à enchaîner quatre octaves et le nombre sept présentait un intérêt particulier pour les esprits superstitieux de l'époque.

Pourquoi y a-t-il un grand intervalle entre do et ré et un petit intervalle entre mi et fa ? Cela découle naturellement de la méthode de construction de la gamme pythagoricienne.

Pourquoi les intervalles sont-ils nommés ainsi ? Parce que l'intervalle de quarte équivaut à l'écart entre quatre notes (do, ré, mi, fa), la quinte équivaut à cinq notes (do ~ sol), l'octave à huit notes, etc.

La gamme diatonique est incomplète

Cette gamme est appelée la gamme diatonique.
diatonique signifie Mais aussi utile soit-elle, cette gamme est incomplète !dans le ton, ou à travers le ton. La gamme diatonique est donc la gamme qui contient les notes naturellement présentes dans les harmoniques de la note de départ.
Nous allons voir pourquoi dès la leçon suivante.

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Pourquoi y a-t-il 7 notes ? Pythagore et la gamme diatonique

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Imaginez la situation suivante : vous vivez à une époque où la musique n'existe pas encore ; vos seuls outils sont un monocorde et la connaissance des intervalles fondamentaux ; vous devez choisir une sélection de fréquences pour en faire des notes. Comment feriez-vous ? Nous n'avons pas encore défini ce qu'est une gamme.

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IRM Fonctionnelle

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Singing in the MRI with Tyley Ross - Making the Voice Visible

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Voici un super site de formation musicale pour bosser le rythme et les intervalles

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Une mine d'or de tuto pour apprendre a construire un accord, les gammes, l'histoire de la musique...