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Artista: Vincent Van Gogh
Titulo: Noche Estrellada sobre el rio Rodano
Tecnica: Oleo sobre lienzo
Ubicacion:Museo de Orsay

La estrella representa esperanza, si uno ve el contraste que existe entre la obscuridad y la luz de las estrellas nos demuestra como a pesar de que existan momentos de obscuridad siempre habra luces que son las estrellas y estas simbolizan las esperanza.

Para Van Gogh representar el color era de gran importancia para Vincent; en cartas a su hermano, Theo, a menudo describe objetos en sus pinturas en términos de color Sus pinturas nocturnas, incluyendo Noche estrellada sobre el Ródano, enfatizan la importancia dada a los colores del cielo nocturno y el alumbrado artificial que era novedad en la época.

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Titulo: Rain, Steam, and Speed – The Great Western Railway.
Artista: J. M. W. Turner.
Fecha: 1844.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensión: 91 x 121.8 cm.
Ubicación: National Galley, Londres.

Turner fue un pintor de origen inglés, siendo uno de los mayores maestros paisajistas en acuarela, también tuvo cierto reconocimiento por su trabajo en óleo, pero sin duda su fortaleza era su técnica para dar iluminación a su arte, por ello fue conocido coloquialmente como el "pintor de la luz".  La visión de este artista es mostrar el poder de la naturaleza y como el ser humano no es gran cosa ante ella.

Otro gran acierto de Turner fue anteponerse al arte y ser un romántico con él, pues a consecuencia su técnica en cuanto iluminación vislumbro el impresionismo e influenció de gran manera al arte abstracto, pues como se podrán dar cuenta juega con la perspectiva por medio de simbolismos y alusiones de las formas de las cosas, dejando de la explicitad y adentrándose a su época por medio siglo.

Si bien la obra fue realizada por el artista con apuntes de lo natural y posteriormente lo llevo a cabo con una técnica particular que el usaba para obtener lumínicos cambiantes en la pintura que de igual manera generaba una textura distintiva del Turner, mientras que por otra parte usaba la psicología del color de forma esquemática dando el efecto de formas figurativas en el fondo, haciendo uso de conceptualización simbólica que lo caracterizaba. La composición de la pintura es abierta, esto lo logra por la proyección de las vías del tren y es interesante como te hace sentir que la lluvia está ahí sin sin tan grafica y obvia.

La paleta de color es terrosa, con algunos violetas y azules en el rio como el cielo, por otra parte tramite tener ritma por el efecto de movimiento donde parece que el tren avanza hacia nosotros. También haciendo presente el tema de la superioridad de la naturaleza ante la del ser humano, utiliza las niveles y la lluvia para ello reduciendo la percepción del humano.

Respecto a la pintura me queda claro que el agua tiene su lugar especial, donde claramente los simbolismo de la regeneración quedan muy concordantes con el concepto de una cuidad con acueducto a un progresista tren que esta saliendo de dicha ciudad a través de una niebla, pasando por lluvia para traspasar a un inicio de prosperidad de un futuro por el acomodo, aunado del posicionamiento de las vías y el mismo tren. Por otra parte estando en contexto de quien era el autor de este objeto de museo, es reflexionar su composición, pues aún con este avance de un tren tenga gran peso visual, la naturaleza es la protagonista un poco disfrazada de este cuadro, por todo el espacio que dedico Turner al cielo nebuloso.

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Título

Prometeo trayendo el fuego

Fecha

1636 - 1638

Técnica

Óleo

Soporte

Lienzo

Dimensión

Alto: 182 cm.;Ancho: 113 cm.

Serie

Torre de la Parada
En la historia de Prometeo el fuego es mucho más que la llamarada cálida y destructiva que hoy en día tratamos como algo garantizado.
El fuego representa la sustancia divina en el hombre, que lo diferencia del resto de los animales y lo acerca a los dioses. Este don otorgado por Prometeo a la humanidad tendrá, consecuencias positivas y negativas en nuestra historia.
El fuego -robado a los dioses-; elemento esencial no sólo en el sentido material, como punto de partida fundamental para avances en el desarrollo de la civilización, sino también en el orden espiritual, pues el fuego es el símbolo de la vida, de la energía, de la inteligencia que mueve a los humanos y a su vez de la fuerza destructiva de la naturaleza que en más de una ocasión se nos ha escapado de las manos.

Pablo Nava Freyre

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Artista: Vincent Van Gogh
Año: 1889
Técnica: Oleo sobre tela
Ubicación: MoMA

Esta obra es una de las obras mas famosas de Van Gogh en la que pinta una noche que puede observar el desde su ventana en el asilo de Saint-Rèmy-de-Provance donde paso sus últimos años de vida.

La interpretación de esta obra es algo que se ha discutido a lo largo de los años ya que Van Gogh no escribió mucho  acerca de esta. Sin embargo, en la obra podemos observar el dualismo en la obra que podemos observar en el símbolo del Ying-Yang donde el Ying representa la luz y los valles y el Yang representa la oscuridad y las montañas. Estos dos conceptos los podemos observar de muy clara manera en la obra. Van Gogh encuentra un contraste entre la oscuridad de la noche y la luz de la luna, las estrellas y el pueblo, y lo transmite en su obra.

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El Hombre en llamas - Clemente Orozco (1939)

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Mural de 11 metros de diámetro, pintado al interior de una cúpula en la capilla del Museo de Cabañas, Jalisco a 27 metros de altura utilizando la técnica de pintura al fresco. Esta obra representa el mito griego de Prometeo, el dios que robo el fuego del Olimpo para darlo a la humanidad, logrando así el desarrollo de la civilización, sin embargo, a su vez muestra la presencia de los 4 elementos de la naturaleza siendo, el hombre en llamas (fuego), el cabello de unos de los hombres moviéndose con el viento y el agua como un hombre que parece recostarse.

A pesar de este simbólico significado, se logra apreciar la representación del mundo en época prehispánica, sus rituales primitivos e inclusive sangrientos ante el sacrificio de otros humanos que conformaban dicha sociedad, personas que aparentemente vivían ante lineamientos poco flexibles, lejos de compasión. El hombre en llamas denota las una crítica social por parte del artista dirigida a las injusticias, el desorden, la corrupción y la traición de una sociedad contemporánea que sigue recayendo en la barbarie.

“El hombre en llamas” de José Clemente Orozco. (-). El Siglo. Consultado en Agosto 16, 2021, de: https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/804475.el-hombre-en-llamas-de-jose-clemente-orozco.html

Olinka, C. (2020). El significado de “El hombre en llamas”, de José Clemente Orozco. Ciudad Olinka. Consultado en Agosto 16, 2021, de: https://ciudadolinka.com/2020/11/23/el-significado-de-el-hombre-en-llamas-de-jose-clemente-orozco/

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Título: Untitled
Artista: Jean-Michel Basquiat
Ubicación: The Broad museum, Los Angeles, EE.UU.

Jean-Michel Basquiat nació en 1960, pintó esta obra en 1982. Sufrió mucho durante su vida y sus obras expresan e ilustran protestas, historias y parte de su personalidad.

Pintó esta obra en 1982, el crítico de arte Fulwood Lampkin menciona que "Cabezas como esta, fantasmagórica, casi una calavera, al parecer se basan en un incidente que tuvo Jean-Michel cuando era un niño (...). Las bonitas imágenes del libro, unidas a la imaginería vudú que había visto por casa (su padre era haitiano) dieron lugar a algunos cuadros de cabezas que se asemejan a calaveras en las que no queda claro la diferencia entre exterior e interior, entre lo vivo y lo muerto (...). Le añadimos además mucho colorido, y algún que otro signo caligráfico y ahí tenemos un arte totalmente nuevo inspirado en lo más primitivo y primigéneo, la anatomía humana y las religiones animistas tropicales".

Respecto a los ojos ilustrados en la obra, en el análisis que realiza la profesora de arte Roberta Villar, menciona que los ojos se muestran como "la ventana del alma" y que se puede apreciar a través de estos en la obra aquél dolor por el que el artista vive durante su vida.

Fuentes:
HA! (n.d.). Sin título - Jean-Michel Basquiat. [en línea] Disponible en: https://historia-arte.com/obras/sin-titulo-basquiat [accedido 16 Aug. 2021].

HA! (n.d.). Jean-Michel Basquiat. [online] Disponible en: https://historia-arte.com/artistas/jean-michel-basquiat [accedido 16 Aug. 2021].

YouTube (n.d.). ¿POR QUÉ LA OBRA DE BASQUIAT ES TAN IMPORTANTE? | ANÁLISIS DE OBRA | HABLEMOSARTE. [online] Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=oi-1rHG5gAg [accedido 16 Aug. 2021].

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Artista: Joan Miró
Título: El arte de ser asombro

Artista español del siglo XX, sus obras son consideradas como el inicio del estilo surrealista en Europa.

Los signos más frecuentes en las obras de Miró: el ojo, la mujer, el vuelo del pájaro, las escaleras, las estrellas, etc. son representaciones de tótems que poseen una dimensión sagrada. Son símbolos de un término profundo.

En estas obras los ojos representan estrellas, las estrellas son un símbolo de luz, la luz solar se representa con la mirada y la actividad del artista, por lo que hace visible lo invisible.

Escogí a este artista por la repetición de los símbolos en sus obras, en mi opinión y haciendo referente a la lectura “ojos” en esta obra no solo representa la luz, sino también la omnipresencia, se puede distinguir el ojo izquierdo como pasivo y lunar, así como el derecho activo y solar. Ambos ojos representan protección ante la envidia.

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Artista: Yayoi Kusama
Título: Infinity Mirrors
Técnica: Instalación de luces y espejos.

Yayoi Kusama es una artista japonesa mundialmente reconocida por sus obras con patrones repetitivos de círculos y en este caso, de luces. "Infinity Mirrors" se ha expuesto en múltiples países para hacer un homenaje de retrospectiva del artista. A través de esta instalación, Kusama busca interpretar la infinidad de la materia y la grandeza del universo en comparación con el ser humano. La obra de arte te lleva en una experiencia única y dinámica a una ilusión del espacio.

En lo personal elegí esta obra ya que representa de una manera visual y presencial del símbolo de las estrellas. No encontré una relación directa con el significado de las estrellas de la lectura, si no que no habla de la grandeza del universo. Este símbolo representa misterio de lo desconocido y creo que esta obra representa exactamente eso.

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Artista: William Waterhouse
Titulo: Narciso y Eco

En este caso el espejo tiene una connotación negativa porque en esta escena el reflejo drena la vida de Narciso que ignora la realidad y se deja llevar por su propia imagen.

El espejo de agua se vuelve un medio para la vanidad y la sobrevivía de un hombre que renuncia a todo cuanto tiene, incluso su vida para perseguir su propio reflejo.

Aunque el espejo no deja de ser un instrumento de autoconocimiento, la introspección tiene límites porque aislarse en el propio ego y tornar la espalda a toda persona, no trae nada bueno.

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Artista: Rufino Tamayo
Título: Niños jugando con fuego (1947)
Galería: Museo Tamayo Arte
Técnica: Oleo sobre tela

Rufino del Carmen Arellanes Tamayo fue un pintor mexicano. Ha sido uno de los pintores mexicanos mas reconocidos a nivel mundial. Su técnica se basa en la representación de la armonía, perspectiva, color y textura (se arraiga de sus raíces y las manifiesta). Sus obras se encuentran distribuidas en las exposiciones mas importantes del planeta.
Sus obras cuentan con mensajes ocultos que se ven reflejados en el espacio y tiempo.

La obra de ¨Niños jugando con fuego¨ representa la divinidad y grandeza que este símbolo representa. En la lectura se crean diferentes ideas sobre el fuego las cuales pueden llegar a ser muy diferentes. El autor expone como se puede tomar a este elemento como destrucción y muerte pero al mismo tiempo demuestra la divinidad y el renacimiento de una nueva época.

La forma en que bailan los niños frente a fuego se podría analizar como un ritual hacia un poder superior, el cual se transforma y se mueve al igual que ellos como si estuviera vivo.

Este elemento se ha venerado por medio de ritos y ha dado paso a la creación de nuevas culturas y religiones alrededor del mundo. Al mismo tiempo que se ha encargado en destruirlas y se utilizado como medio de tortura.

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Artista: Joli Huertas
Título: Yang-Ying
Ubicación: España

Representa el símbolo de la distribución dualista de las fuerzas, compuesto del principio activo o masculino y del pasivo o femenino. Aparece en forma de círculo dividido por una línea sigmoide. Los dos campos resultantes se ven así dotados de un sentido dinámico del cual carecerían si la división se hiciese mediante un diámetro. La mitad clara representa la fuerza Yang y la oscura la Yin, pero cada una de ellas tiene un circuito en medio del tono contrario, para simbolizar que toda modalidad contiene siempre un germen de la antagónica.
De acuerdo con la lectura , la fusión del ying y el yang genera cambio , movimiento , evolución e involución.

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Artista: Joan Miró
Título: Xifrats i constellacions, en l'amor amb una dona
Museo: Art Institute of Chicago, Chicago (EE.UU.)

Esta es una de las 23 pinturas que componen la serie "Constelaciones" de Miró. Dicha obra fue edificada entre 1939 y 1941, por lo que, según expertos, el artista muestra de qué manera la pintura puede servir como un refugio. La Segunda Guerra Mundial fue un caos a nivel global, generó miedo, desesperación e incertidumbre. Sin embargo, el artista encontró en el cielo un motivo de esperanza que ilustra en sus pinturas. El cielo estrellado fue para él un elemento de evasión y huida, pero también un espacio para imaginar. En dicha obra retrata constelaciones que dejan ver distintos simbolos como: un laberinto, pájaros y a una mujer (ente creador y protector, según el artista).

En un mismo sentido, con base en la información de las lecturas, podemos inferir que las estrellas son un símbolo de la verdad, del espíritu, de la seguridad y de la esperanza. En este sentido la estrella es sinónimo de guía, protección, lucha, vigilancia y aspiración. Representa la chispa divina dentro de cada ser humano que lucha en contra de la adversidad e implica el orden y el destino. De igual manera, la estrella simboliza el feliz retorno al hogar y la estabilidad. Las estrellas al ser también símbolo de fertilidad y sexualidad responden a la intención representativa que tiene el artista en colocar a una mujer en sus obras.

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Artista: J.M.W. Turner
Título: Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste.
Ubicación: National Galley, Londres.

Turner fue un pintor inglés que se especializaba en la representación de paisajes tanto en óleo como en acuarela. Es considerado "el pintor de la luz" debido a que su estilo se acercó al impresionismo e incluso al arte abstracto, pero medio siglo antes de que este estilo surgiera.

La obra representa el movimiento del ferrocarril más moderno de la época, rodeado por una atmósfera creada por la lluvia que contribuye a volver poco visibles los otros elementos de la obra como el puente, la barca sobre el rió e incluso el mismo ferrocarril.

El significado de la obra se basa en representar la grandeza de la naturaleza, que se manifiesta a través de la lluvia, empequeñeciendo al hombre y sus inventos modernos. Esto porque Turner siempre estuvo en contra de la revolución industrial.

En mi opinión y con base en la lectura, podemos inferir que la lluvia en esta obra adquiere un significado relacionado al poder divino que se le atribuía en la sociedades agrícolas primitivas, debido a que todo el objetivo de la obra es demostrar la poca o ninguna importancia del hombre y sus creaciones, en contraposición con la grandeza y poder de los elementos naturales.

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Artista: Ai Wei Wei
Título: Descending Light

Ai Weiwei interviene en el orden cultural establecido y las tradiciones a través de operaciones de deconstrucción y construcción de objetos, alterados en su significado para dotarlos de estratos de nuevos sentidos. Una inmensa araña, formada por siete círculos concéntricos dorados de los que cuelgan 60.000 cristales rojos, descansa retorcida en el suelo, como si hubiese caído del techo, irradiando aún una débil luz.
La gran lámpara es un metáfora de China, un gigante en plena transformación económica que hipoteca su pasado y sucumbe ante el peso del éxito material en una impar carrera por ser un país industrializado. Una gloriosa y, a pesar de todo, bella estructura roja que se derrumba y continua iluminando tenuemente su propio vacío interior.

De este modo, en la lectura se hacía latente el fuego como un símbolo de la luz como destructor de todo para crear un nuevo orden. Justamente es lo que Ai Wei Wei intenta proyectar, una metáfora de la destrucción del orden creado de China para proyectar una realidad, por ejemplo, la obra es de color rojo como símbolo de la sangre derramada por la República que tiñe la bandera, en contraste con el tono amarillo-dorado del cobre, que crean una atmósfera cromática típicamente china. Pero al final, lo importante es la luz, como el fuego.

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Artista: Emilio Villalba
Título: Hold My Hand
Galería: Modern Eden Gallery (San Francisco, CA)

Emilio Villalba es un artista contemporáneo así que no existe mucha información sobre él en línea, pero la manera en la que expresa sus opiniones sobre nuestra sociedad moderna en sus pinturas, pintando ojos, me pareció importante e interesante.

El artista californiano Emilio Villalba crea retratos en pintura al óleo que exploran la condición humana a través de la abstracción gestual. Asegura crear representaciones contemporáneas inspiradas en las obras maestras del pasado.

Sus pinturas son de tonalidades frías, los retratos quieren personificar “la presión omnipresente en la que creo que todos vivimos”. El entorno que nos encasilla y altera nuestro ser. Choque entre persona y sociedad. Un enfrentamiento con los demás y sí mismo.

"Quería explorar una especie de presión omnipresente, creo que todos vivimos bajo; Uno que surge del choque entre la humanidad: nuestro lío único de emociones, obsesiones e impulsos, y la receta de la sociedad para el éxito."

En mi opinión, su obra es un contraste interesante, pero complementario, del texto visto "ojos". Por ejemplo, el extracto habla de los ojos, o ojo, como representación de la omnipresencia divina. En el caso de Villablba, hace referencia a la omnipresencia de la sociedad, y esa presión social que sentimos debido a la mirada de los demás. Podría ser una prueba de cómo los significados permanecen iguales, pero nuestra manera de interpretarlos y sentirlos cambia con la sociedad: el ojo divino y omnipresente en los tiempos antiguos y ahora el ojo omnipresente de la sociedad moderna(como la expresión de Big Brother is Watching You)

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Titulo: La Venus de Rokeby

Artista: Diego Velázquez

Ubicación: National Gallery, Londres.

La Venus de Rokeby también se le conoce como “El baño de Venus”, “Venus en el espejo”, “Venus y su cupido”. Esta obra de arte representa a Venus la diosa del amor recostada en una pose sensual sobre una cama, mirando en un espejo sostenido por su hijo cupido.

Críticos del arte consideran que esta obra de arte muestra a Venus reflexionado sobre su belleza, que se refleja en el espejo. Este acto es el simple hecho de mirar y ser visto. Esta obra de arte fue altamente criticada por el hecho de ser un desnudo, es muy probable que esta obra haya sido pintada en Roma una ciudad mucho mas liberal de lo que era Madrid.

A raíz de las lecturas se puede inferir que el espejo es un símbolo que representa el conocimiento de si mismo, sinceridad, pureza, e iluminación. El espejo es una herramienta de auto examinación para el ser humano ya que el espejo nunca nos miente. Venus en esta obra con el simple hecho de mirarse al espejo esta auto examinándose, se esta contemplando y esta haciendo frente a sus debilidades para que así sea reflejada su conciencia en estado puro.

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Artista: Ghislaine
Técnica: acuarela
Título: Ying Yang Life Tree

Ghislaine, nació en Bélgica en 1957 - empezó a pintar en acrílico en Bélgica en 1985 y luego al óleo. Es autodidacta. En 1988 dejó Bélgica para irse a vivir en Colombia. Desde 1990 esta pintando más que todo al óleo pero también acrílico, acuarela, pasteles.
De acuerdo con la lectura podemos decir que se relaciona de tal manera que se representa explícitamente el yin que es asociado con entidades femeninas y el Yang que se relaciona con entidades más fuertes e inflexibles pero que finalmente se mantienen conectados por un "lazo" en el centro que significa que siempre se van a encontrar conectados.
Respecto a la obra, se puede identificar que se encuentran en una fusión, generando evolución y conectividad con la tierra.