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@orixasadesivados

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Assistindo

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A post shared by André Dorigo (@andredorigo)

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ARTE CONTEMPORÂNEA - UMA HISTÓRIA CONCISA - Michael Archer

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ARTE CONTEMPORÂNEA - UMA HISTÓRIA CONCISA - Michael Archer

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O livro em PDF, completo.

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O Design como Storytelling - Elen Lupton (Livro em PDF Completo)

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O Design como Storytelling - Elen Lupton (Livro em PDF Completo)

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Livro indicado não somente para design, mas para todas as áreas afins: artes, negócios, comunicação, tecnologia, engenharia, cinema, e até para a vida.

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Documentário "Why Beauty Matters?" (Por que a beleza importa? - Legendado)

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Documentário "Why Beauty Matters?" (Por que a beleza importa? - Legendado)

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Documentário conduzido pelo filósofo britânico Sir Roger Scruton, como ensaio acerca do abandono da beleza nas artes e na vida contemporânea, é bem assim da imprescindibilidade de resgatá-la em sua essência.

*Legendas opcionais em língua portuguesa, sendo ativadas no canto inferior direito do vídeo (botão: CC (choose captions)

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Roger Scruton: “Why Beauty Matters?” (Por que a beleza importa? - Legendado)

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Documentary portraying the British philosopher's essay on the neglecting of beauty by contemporary arts and life, as well as the urge to restore it according to its essence.

Documentário conduzido pelo filósofo britânico Sir Roger Scruton, como ensaio acerca do abandono da beleza nas artes e na vida contemporâneas, e bem assim da imprescindibilidade de resgatá-la em sua essência.
 
*Legendas opcionais em língua portuguesa podem ser ativadas no canto inferior direito do vídeo (botão "Choose Captions").

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Trailer do documentário da vida e obra de Maria Martins.

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Trailer do documentário da vida e obra de Maria Martins.

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Trailer de documentário, passado na TV Senado, sobre vida e obra da artista plástica, Maria Martins. Nele fala sobre sua trajetória de vida e obras, além de seu romance secreto e proibido, com o artista plástico Marcel Duchamp.

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Maria, Não Esqueça que Eu Venho dos Trópicos -Trailer legendado

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Bem vindos! Começamos nosso mural com este breve vídeo sobre Arte Contemporânea. Opine, avalie, publique você também!

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Neste link do Instituto Ling, de Porto Alegre, há uma explanação objetiva sobre a Arte Contemporânea. Vale a pena explorar e conhecer!

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A ruptura feita pela arte moderna - abordada por nós em outro texto (disponível aqui) - abriu espaço para os artistas se libertarem dos suportes e dos temas tradicionais da arte. A Fonte, de Marcel Duchamp, e as Brillo Box, de Andy Warhol, mostraram que a arte podia ser e parecer com qualquer coisa. A pergunta "isso é arte?" caiu por terra e deu lugar ao questionamento: quando é arte?
CONTEXTO HISTÓRICO
Com o fim da Segunda Guerra Mundial (1939-1945), a hegemonia cultural e econômica passa a ser os Estados Unidos. O processo de globalização avança, assim como o desenvolvimento de novas mídias e tecnologias. A cultura de massa e a publicidade penetram o mundo da arte.

É neste contexto que surge um dos movimentos artísticos mais importantes na arte contemporânea - a arte conceitual - que declara:

"Toda a arte (depois de Duchamp) é conceitual (por natureza), porque a arte só existe conceitualmente."

(KOSUTH, 2006, p. 217)

Foto: Unsplash.

E o que isso significa? Que a partir de Duchamp, a ideia é primordial ao fazer artístico. O artista é quem pensa a obra de arte, não necessariamente aquele que a manufatura. (Para saber mais, veja a obra Uma e Três Cadeiras aqui.) A partir daqui, mais do que o objeto de arte em si, importa o processo do artista. A arte contemporânea abre espaço para uma diversidade de estilos, técnicas e perspectivas quase infinitas de como se faz arte. Surgem happenings, performances, instalações, videoarte, trabalhos de terra ( land art); os estilos se mesclam e se confundem; os suportes tradicionais - tela na pintura, mármore na escultura, por exemplo - dão lugar a outros materiais (spoiler: depois eles voltam!); enfim, a vida e a arte parecem se misturar tanto que é difícil distingui-las.

Para favorecer outra definição do que é a arte contemporânea, recorremos novamente à filósofa e crítica de arte Anne Cauquelin, que vai estabelecer uma diferença entre a era industrial (arte moderna) e sua mudança para a era tecnológica da informação e da comunicação (arte contemporânea). É interessante notar que essas fronteiras são borradas e é possível perceber características da arte moderna na arte que está sendo feita ainda hoje, mas também é notável as mudanças entre essas duas "eras", no campo cultural e artístico.

Por isso, nosso primeiro encontro do ano do Conversas sobre Arte falará de arte contemporânea. E embora tenhamos falado dela no nosso último encontro, em que focamos na arte neoconcreta e seus desdobramentos na arte brasileira contemporânea, desta vez a conversa partirá de um lugar mais abrangente, trazendo movimentos e obras de outros países.
PRINCIPAIS EXPOENTES
Escolhemos alguns artistas e obras fundamentais da Arte Contemporânea para que você fique com gostinho de quero mais! Para visualizar as obras, basta clicar nos nomes sublinhados.
POP ART
Richard Hamilton (1922-2011), O que exatamente torna os lares de hoje tão diferentes? Tão atraentes?, 1956

Peter Blake (1932), capa do álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, 1967

Andy Warhol (1928-1987), Marilyn Diptych, 1962, Tate Britain, Londres | Campbell Soup, 1962 | , 1964, National Gallery of Canada, Canadá

Roy Lichtenstein (1923-1997), Bons sonhos, bebê!, 1966, MoMa, Nova York

Rosalyn Drexler (1926), Marilyn perseguida pela morte, 1963, Whitney Museum of American Art, Nova York
MINIMALISMO
Donald Judd (1928-1994), Untitled, 1960 | Untitled, 1967 | Untitled, 1976-1977

Carmen Herrera (1915), Blue with Orange, 1984, Lisson Gallery, Londres
NOVO REALISMO
Arman (1928-2005), Lar Doce Lar, 1960, Centre Pompidou, Paris

Gérard Deschamps (1937), Filles-Lastex, 1961, acervo particular

Martial Raysse (1936), Etalage, hygiène de la vision nuit, 1960, acervo particular

Niki de Saint-Phalle (1930-2002), Shooting Painting American Embassy, 1961, MoMa, Nova York

Jean Tinguely (1925-1991), Méta-harmonie, 1978, Mumok, Viena

Jacques Villeglé (1926), Boulevard de la Gare, 1973

Yves Klein (1928-1962), Great blue cannibalism - Tribute to Tenesse Williams, 1962
CONCEITUALISMOS
Cildo Meireles (1948), Inserções em Circuitos Ideológicos: Projeto cédula, 1970-1976 e 2018 | Inserções em Circuitos Ideológicos: Projeto Coca-cola, 1970, Inhotim, Brumadinho | Tiradentes: Totem-monumento ao preso político, 1970 | , 1987-1989, Coleção do Artista | Missão/Missões (Como construir catedrais), 1987, Coleção do Artista

Julio Plaza (1937-2003),, 1972, MAC USP, São Paulo | In.for.ma.tion, 1972, MAC USP, São Paulo | Duchamp vs.Vasarely, 1974, MAC USP, São Paulo

Artur Barrio (1945), Trouxa de sangue, 1969, Galeria Luísa Strina | Situação T/T, 1, 1970, Coleção do Artista | Áreas sangrentas primeira parte e segunda parte, 1975, MAC USP, São Paulo
ARTE POVERA
Giovanni Anselmo (1934), Untitled (Sculpture That Eats), 1968, Georges Pompidou Center, Paris

Jannis Kounellis (1936-2017), Untitled, 1967 | Sem título (12 cavalos), 1969 | Untitled, 1971, Museu Colecção Berardo, Lisboa

Michelangelo Pistoletto (1933), Venus of Rags, 1967, Fondazione CRT, Torino | Division and Multiplication of the Mirror, 1978, Menil Collection, Houston.

Pino Pascali (1935-1968), Decapitazione della scultura, 1966, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma | Trap Sculpture, Tate Modern, Londres

Mario Merz (1925-2003), Triplo Igloo, 1984-2002, MAXXI National Museum of XXI Century Arts, Roma

Marisa Merz (1926-2019), , 1966, MoMa, Nova York
LAND ART
Robert Smithson (1938-1973), Spiral Jetty, 1970, Great Salt Lake, Utah, EUA | Partially Buried Woodshed, 1970, Kent State University, Ohio, EUA | Amarillo Ramp, 1973, Tecovas Lake, Texas, EUA

Ana Mendieta (1948-1985), Silueta Series (1974), Fondazione CRT, Torino | Untitled: Silueta Series, 1978, Guggenheim Museum, Nova York | Untitled: Silueta Series, 1978, Museum of Contemporary Art Chicago, Chicago

Nancy Holt (1938-2014), Sun Tunnels, 1973-76, Utah
PERFORMANCE E HAPPENINGS
O que diferencia o happening da performance é a imprescindível participação do público, já que a performance pode ou não ter esta participação. A performance também pode ser registrada e documentada através de vídeo ou foto, possibilitando que este registro seja exposto em museus e galerias (e até no YouTube!).

Flávio de Carvalho (1899-1973), ,1956

Yoko Ono (1933), , 1964, MoMa, Nova York

Martha Rosler (1943), Semiotics of the Kitchen, 1975

Renata Felinto (1978), White Face and Blonde Hair, 2012

Frente 3 de Fevereiro,
BODY ART
Joseph Beuys (1921-1986), Como explicar quadros a uma lebre morta, 1965 | Eu gosto da América e a América gosta de mim, 1974

Ana Mendieta (1948-1985), Tree of Life, (1976), Hayward Gallery, Londres
VIDEOARTE
Natália LL (1937), Consumer Art, 1972-1975 | Natalia Ist Sex, 1974, Centre of Contemporary Art Znaki Czasu, Torún

Vera Chaves Barcellos (1983), A definição da arte, 1996

Iole de Freitas (1945), Still de Exit/Light Work/Elements, 1972

Anna Bella Geiger (1933), Passagens 1, 1974
PARA ENTRAR NO CLIMA
Você sabia que o Instituto Ling coleciona apenas obras de arte contemporânea de artistas brasileiros? E que este acervo pode ser visitado? Mande um e-mail para institutoling@institutoling.org.br e agende sua visita!

Ficou com vontade de saber mais sobre Pop Art? A youtuber Vivi Villanova fez um vídeo curtinho falando sobre o movimento e suas principais características. Disponível aqui.

Você sabia que o maior museu a céu aberto do mundo fica no Brasil? Inhotim, localizado em Minas Gerais, é a sede de um dos acervos mais importantes de arte contemporânea e ganhou até série produzida pela Netflix! Disponível aqui.

Assista ao documentário Espaço Além: Marina Abramovic e o Brasil (2016), de Marco Del Fiol. O filme acompanha a jornada da artista em busca de autoconhecimento viajando por lugares místicos brasileiros e entrando em contato com diferentes comunidades. Disponível no Prime Video. Confira o trailer aqui.
REFERÊNCIAS
CAUQUELIN, Anne. Arte Contemporânea: uma introdução. Tradutora Rejane Janowitzer. São Paulo: Martins, 2005.

Aula sobre Vanguardas Históricas e Arte Contemporânea. Disponível aqui.

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Quando é arte? A arte contemporânea e suas diversas perspectivas | Explore | Instituto Ling

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A ruptura feita pela arte moderna - abordada por nós em outro texto (disponível aqui) - abriu espaço para os artistas se libertarem dos suportes e dos temas tradicionais da arte. A Fonte, de Marcel Duchamp, e as Brillo Box, de Andy Warhol, mostraram que a arte podia ser e parecer com qualquer coisa.

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Que tal conhecer mais sobre a Pop Art? Entre neste link, veja as obras e conheça as histórias

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International movement in painting, sculpture and printmaking. The term originated in the mid-1950s at the ICA, London, in the discussions held by the Independent Group concerning the artefacts of popular culture. This small group included the artists Richard Hamilton and Eduardo Paolozzi as well as architects and critics. Lawrence Alloway (1926-1990), the critic who first used the term in print in 1958, conceived of Pop art as the lower end of a popular-art to fine-art continuum, encompassing such forms as advertising, science-fiction illustration and automobile styling. Hamilton defined Pop in 1957 as: 'Popular (designed for a mass audience); Transient (short term solution); Expendable (easily forgotten); Low Cost; Mass Produced; Young (aimed at Youth); Witty; Sexy; Gimmicky; Glamorous; and Big Business'. Hamilton set out, in paintings such as $he (1958-61; London, Tate), to explore the hidden connotations of imagery taken directly from advertising and popular culture, making reference in the same work to pin-ups and domestic appliances as a means of commenting on the covert eroticism of much advertising presentation.

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International movement in painting, sculpture and printmaking. The term originated in the mid-1950s at the ICA, London, in the discussions held by the Independent Group concerning the artefacts of popular culture. This small group included the artists Richard Hamilton and Eduardo Paolozzi as well as architects and critics.

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Excelente texto de Katia Canton explorando uma visão do tema

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Excelente texto do poeta e ensaísta mexicano Octavio Paz acerca daquele que foi, provavelmente, o artista mais influente dso Séc. XX

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Assista ao vídeo sobre Marcel Duchamp!

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A curadora Júlia Rebouças apresenta o trabalho de Cildo Meireles

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Cildo Meireles cria arte a partir de milhares de moedas, ossos de boi e centenas de hóstias

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Bom dia! Sou Edson Polidoro, aluno EAD achei muito bom o conteúdo. Sou artista a muitos anos e estou com uma conta no YouTube, se estiver interesse acesse lá para conhecer um pouco do meu trabalho, nome do canal Mestre Edson, abraços , não mandei contribuições anteriormente,pq sou de Santa Luzia e a internet as vezes cai mas gosto muito da sua aula. Meu insta é @mestreedson.caricaturass

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Bom dia! Sou Edson Polidoro, aluno EAD achei muito bom o conteúdo. Sou artista a muitos anos e estou com uma conta no YouTube, se estiver interesse acesse lá para conhecer um pouco do meu trabalho, nome do canal Mestre Edson, abraços , não mandei contribuições anteriormente,pq sou de Santa Luzia e a internet as vezes cai mas gosto muito da sua aula. Meu insta é @mestreedson.caricaturass

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Nelson Leiner. Sem título (da série Assim lhe parece), 2003-2011

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Nelson Leiner. Sem título (da série Assim lhe parece), 2003-2011

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Sem título de série Assim é se lhe parece, 2003-2011

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Este é o primeiro e, talvez, o mais importante texto acerca do campo ampliado das linguagens da Arte, justamente porque inaugura esse conceito. Leia e aproveite!

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Conheça Nam June Paik

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Assista a Christo e Jeanne Claude comentando o trabalho "Reischtag embrulhado". Lembre-se de acionar a legenda automática!

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Christo and Jeanne-Claude Wrap Up the Reichstag | Lost Art

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Encontrei o documentário sobre Marina Abramovic, que mencionei em aula, no Youtube.

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Doc"| Espaço Além - Marina Abramovic e o Brasil (2016) Full HD

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Conheça mais sobre o trabalho da artista performática Orlan.

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Pode parecer absurdo para grande parte de vocês, meus queridos leitores, mas hoje falaremos de cirurgias plásticas como obras de arte.

Desde 1964, a artista francesa Orlan trabalha sobre o tema do status do corpo, sobretudo o corpo da mulher, na sociedade e as pressões exercidas sobre ele, sendo assim muito ligada ao movimento feminista - nessa época, artistas feministas usaram muito de performances para se fazer ouvir e se expressar. Segundo ela, nesse contexto, usar seu corpo torna-se um ato político.

Na década seguinte, nos anos 70, surgiu a arte corporal, na qual o artista usa seu corpo como matéria prima para a criação, por vezes chamada de body art, termo que pode causar grande confusão devido à também ser usado em relação à piercings e tatuagens, algo completamente diferente.

Entretanto, a artista usa o termo arte carnal para definir seu trabalho. Segundo ela:

"A Arte Carnal é um trabalho de autorretrato no sentido clássico, mas com meios tecnológicos que são aqueles de seu tempo. Ela [a arte carnal] oscila entre desfiguração e refiguração. Ela [a arte carnal] se inscreve na carne porque nossa época começa a dar a possibilidade. O corpo se torna um "ready-made modificado" porque ele não é mais esse ready-made ideal que é só assinar. A Arte Carnal não se interessa ao resultado plástico final, mas à operação-cirúrgica-performance e ao corpo modificado, tornado lugar de debate público."

Orlan usa então a tecnologia presente em seu tempo para esculpir seu corpo, importando-se não com o resultado final, mas com a reflexão decorrente de cada uma das performances. Aconteceram nove dessas performances enquanto a artista era operada, entre 1990 e 1993, cada uma delas sendo baseada em um texto filosófico, psicanalítico ou literário, em torno do qual girava o tema da performance-cirurgia, sendo a sala decorada de acordo pela artista, que também lia o máximo possível do texto durante o procedimento. Ou seja, ao menos em parte das cirurgias, as anestesias eram locais para que a artista pudesse dirigir a performance. Várias operações foram realizadas, por exemplo, operando o queixo para ficar parecido com a Vênus de Botticelli ou o nariz inspirado na Pysché de Gerard, questionando assim o olhar do artista homem - agente ativo - que pinta um corpo idealizado da mulher - passiva. Através dessas e outras obras, Orlan mostra que a idealização do corpo existe não somente na nossa época, mas em diversas sociedades e épocas. Na cirurgia em que próteses que são geralmente usadas para deixar as maças do rosto protuberantes foram implantadas na testa da artista, o intuito foi relativizar o conceito de beleza, ou seja, esta pode ter a aparência de algo que não seria reputado belo. É importante notar que as performances não tem nenhuma ligação com a dor física, algo que aparece como catarse no trabalho de alguns artistas performáticos.

Orlan, O rosto do século XXI, cirurgia plástica, 1990.

Sandro Botticelli, O nascimento de Vênus, tempera sobre tela, 172,5 x 278,5, 1483. Conservada na Galleria degli Uffizi, Florença, Itália.

Existem duas formas de apreciação desse tipo de obra, na qual a questão da temporalidade é importante: i n vivo, ao vivo, na qual o espectador está presente naquele momento - convenhamos que uma sala de cirurgia não poderia estar lotada de curiosos da arte - e in imago, em imagem, na qual a obra passa à posteridade através de textos, testemunhos, imagens fotográficas e de vídeo, resíduos e produtos diversos, por exemplo, nesse caso, desenhos feitos com sangue e relicários com pedaços de carne. A sala de cirurgia se torna, assim, o atelier da artista, que não procura um resultado estético, mas sim suscita a reflexão dos espectadores.

Bibliografia:

Denys RIOUT, Qu'est-ce que l'art moderne?, Paris, Gallimard, 2000.

Michael RUSH, New Media in Art, Londres, Thames & Hudson, 2005 p. 59-61.

Links:

Claire ANÉ, "Orlan, artiste: "Mon corps est devenu un lieu public de débat" (entrevista) in Le Monde. Consultado em 13/02/2018.
http://www.lemonde.fr/vous/article/2004/03/22/orlan-artiste-mon-corps-est-devenu-un-lieu-public-de-debat_357850_3238.html

Catherine BOUTHIER, "Prendre son propre corps comme support, le transformer, le travailler: Orlan invente "l'art charnel"" in Espace Pédagogique. Académie de Nantes. Consultado em 13/02/2018.
http://www.pedagogie.ac-nantes.fr/arts-plastiques-insitu/enseignement/notices/orlan-2-191291.kjsp?RH=PER

"Orlan" in Musée d'Art Contemporain de Lyon. Consultado em 13/02/2018.
http://www.mac-lyon.com/mac/sections/fr/collection/projet_scientif/dons/orlan

Fonte das imagens:
http://www.artwiki.fr/wakka.php?wiki=OrlaN pt.wikipedia.org/wiki/O_Nascimento_de_V%C3%AAnus#/media/File:Sandro_Botticelli_-_La_nascita_di_Venere_-_Google_Art_Project_-_edited.jpg http://www.le-blog-de-la-pintade.fr/2017/06/orlan-artiste-atypique-feministe.html http://www.tmvtours.fr/2014/05/22/chirurgie-esthetique-fabriquer-difference.html

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Ver todos os artigos de Aline Pascholati

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OBRA DE ARTE DA SEMANA: As cirurgias plásticas-performances de Orlan

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Pode parecer absurdo para grande parte de vocês, meus queridos leitores, mas hoje falaremos de cirurgias plásticas como obras de arte. Desde 1964, a artista francesa Orlan trabalha sobre o tema do status do corpo, sobretudo o corpo da mulher, na sociedade e as pressões exercidas sobre ele, sendo assim muito ligada ao movimento feminista...

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Eis o site oficial da francesa Orlan.

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ORLAN OFFICIAL WEBSITE / SITE OFFICIEL D'ORLAN

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Conheça mais sobre Yayoi Kusama.

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Yayoi Kusama – Obsessed with Polka Dots | Tate

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Conheça a "Environment art", ou "Arte Ambiental", ou "Land Art", por meio do trabalho de Robert Smithson.

Lembre-se de ativar a legenda automática e acionar a tradução da legenda para o português.

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SPIRAL JETTY BY Robert Smithson: GREAT ART EXPLAINED

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Um resumo rápido e interessante sobre Duchamp e o dadaísmo.

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Estou amando a matéria de Arte Contemporânea, Duchamp foi fenomenal.

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https://youtu.be/PVYfO3LvbLI

Esse vídeo do link faz um resumo do grupo Fluxus e achei interessante por também falar do artista brasileiro Paulo Bruscki que também participou do grupo Fluxus.

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A curadora Sabria Moura reflete acerca da Arte Contemporânea neste breve vídeo.

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PIXO. Documentário completo. Vale à pena assistir!

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Saída pela loja de presentes (EXIT THROUGH THE GIFT SHOP). Documentário completo sobre o grafiteiro Banksy, que, apesar de ter sua identidade desconhecida do público, ganhou renome internacional devido ao caráter de suas ações.

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Saída pela loja de presentes (Exit Through The Gift Shop) - Banksy - Legendado

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Conheça o trabalho de Gilbertto Prado no site do próprio artista

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Gilbertto Prado

realização: Rumos Arte e Tecnologia - Novas Mídias 1998-1999

modelagem 3D e VRML: Nelson Multari

web-design: Jader Rosa

versão 2014/2018

modelagem 3D: Jonathan Biz Medina

coordenação técnica: Marcos Cuzziol

Esse trabalho foi apresentado em diversas exposições como: AAA: Archiving as Art/ISEA- Centre Saint Charles, Univ. Paris 1, França (2000); Medi@terra 2000 - International Art and Technology Festival, Atenas, Grécia; Link_Age - Muestra internacional de arte participativo, Gijon, Espanha (2001); 9º Prix Möbius International des Multimédias (Prêmio Menção Especial) -Beijing, China (2001); XXV Bienal de São Paulo - Net Arte (2002); Sala de Arte Contemporáneo Luis Miró Quesada Garland, Lima, Peru (2002); ">=4D", Centro Cultural Banco do Brasil, Brasília (2004); Corpos Virtuais, Centro Cultural Telemar, Oi Futuro, Rio de Janeiro (2005); 15° Videobrasil, SESC Pompéia, São Paulo (2005); Memória do Futuro, Itaú Cultural, São Paulo (2007); Bienal Arte Nuevo InteractivA '09, Mérida, México (2009); Singularidades/ Anotações: Rumos Artes Visuais 1998-2013 , Itaú Cultural, (2014); Exposição FACTORS 2.0 - Festival de Arte - Ciência-Tecnologia, MASM - Museu de Arte de Santa Maria (2015); Bioma_digital: Espaço Lilo, São Paulo, (2015); Exposição Singularidades/ Anotações: Rumos Artes Visuais 1998-2013, Paço Imperial, Rio de Janeiro (2015); Cibergeografías, Centro Cultural de España (Mostra itinerante: Rosario y Córdoba (Argentina), Santiago de Chile, Montevideo, La Paz, El Salvador)- A mostra fez parte de la 9ª Bienal de Arte de La Paz, Bolivia (2016/2017); "Modos de ver o Brasil: Itaú Cultural 30 anos" na OCA - Parque Ibirapuera (2017); Paradox(o)s da arte contemporânea. Diálogos entre os acervos do MAC-USP e Paço das Artes. Museu de Arte Contemporâneo (2018). Circuito Alameda, Laboratorio Arte Alameda, Mexico, 5 de junho a 5 de agosto, 2018.
Desertesejo - Site do Projeto
DESERTESEJO

youtube: https://www.youtube.com/watch?v=nzPcC0WJFs8 (2014)

youtube: https://youtu.be/LPJEuBRZET8 (2000)

vimeo: https://vimeo.com/108073324 (2014)

viemo: https://vimeo.com/25873114(2000)

DEPOIMENTO EM VÍDEO - http://www2.eca.usp.br/cap/gilbertto/desertesejo/desertesejofinal.wmv ou
www2.eca.usp.br/cap/gilbertto/desertesejo/desertesejofinal.mov
Links

COSTA, Cristina. Questões de Arte, Editora Moderna, São Paulo, 2004.

DEMIAUX, Bernard. Art Digital, Paris, 2003. ( http://www.informationselfservice.com/demiaux/presentation_page.asp?id=3)

GABRIEL, Martha Carrer. "Telecommunication Art in Brazil" in MESH#19, Newcastle, Australia, 2006. http://www.experimenta.org/mesh/mesh19/index.html

NUNES, Fábio Oliveira. "Desertesejo: partilha e simulação", revista texto digital, UFSC, ano 5, n.2, 2009
https://periodicos.ufsc.br/index.php/textodigital/article/view/1807-9288.2009v5n2p112/13189
PRADO, Gilbertto. "Artistic Experiments on Telematic Nets : Recent Experiments in Multiuser Virtual Environments in Brazil", in OLATS/Observatoire Leonardo des Arts et des Techno-Sciences, atas on-line do Colóquio Artmedia VIII, Paris, 2003, http://www.olats.org/projetpart/artmedia/2002/t_gPrado.html
http://muse.jhu.edu/login?auth=0&type=summary&url=/journals/leonardo/v037/37.4prado.pdf
PRADO, Gilbertto. Algumas experiências de arte em rede: projetos wAwRwT, colunismo e desertesejo. In: Revista Porto Arte: Porto Alegre, v. 17, nº 28, maio/2010. Disponível em:
http://seer.ufrgs.br/PortoArte/search/authors/view?firstName=Gilbertto&middleName=&lastName=Prado&affiliation=&country=
DONATI, Luisa; PRADO, Gilbertto. "Artistic Environments of Telepresence on the World Wide Web", in Leonardo, Vol. 34, n. 5, pp. 437 - 442, MIT Press, USA, outubro de 2001.
https://poeticasdigitais.files.wordpress.com/2009/09/2001-artistic_environments_of_telepresence.pdf
PRADO, Gilbertto; LAURENTIZ, Sílvia. "Uma leitura poética de ambientes virtuais multiusuário" (em co-autoria com Silvia Laurentiz) in Ars, Revista do Departamento de Artes Plásticas, ECA/USP, ano 2, n°3, São Paulo, 2004, pp. 22- 35.
http://www.scielo.br/scielo.php?pid=S1678-53202004000300003&script=sci_arttext
PRADO, Gilbertto. "Redes e espaços artísticos de intervenção", in Arte em pesquisa: especificidades, (org. Maria Beatriz de Medeiros), Anpap - UnB, Brasília, 2004, Vol. 2, pp.258 - 263.
https://poeticasdigitais.files.wordpress.com/2009/09/2007-redes_e_espac3a7os_artisticos_de_intervencao.pdf
PRADO, Gilbertto. "Artistic Experiments on Telematic Nets : Recent Experiments in Multiuser Virtual Environments in Brazil", in OLATS/Observatoire Leonardo des Arts et des Techno-Sciences, atas on-line do Colóquio Artmedia VIII, Paris, 2003, http://www.olats.org/projetpart/artmedia/2002/t_gPrado.html

PRADO, Gilbertto. "Expériences artistiques dans les réseaux télématiques : Projets récentes d'environnements virtuels multi-utilisateurs au Brésil ", in OLATS/Observatoire Leonardo des Arts et des Techno-Sciences, atas on-line do Colóquio Artmedia VIII, Paris, 2003, http://www.olats.org/projetpart/artmedia/2002eng/te_gPrado.htm

PRADO, Gilbertto. Arte telemática: dos intercâmbios pontuais aos ambientes virtuais multiusuário, Itaú Cultural, São Paulo, 2003.
http://www2.eca.usp.br/cap/gilbertto/textos%20publica/2003-Arte_telematica_dos_intercambios_pontuais_aos.pdf
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http://muse.jhu.edu/login?auth=0&type=summary&url=/journals/leonardo/v037/37.4color_plates.pdf
Impressos

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MACHADO, Arlindo. O quarto iconoclasmo e outros ensaios Hereges, Editora Rios Ambiciosos, Rio de Janeiro, 2001.

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PRADO, Gilbertto; ASSIS, Jesus; RIBENBOIM, Ricardo. "Imateriais 99 e Desertesejo: dois experimentos brasileiros recentes em ambientes virtuais multiusuário" in Memória do Futuro: Dez anos de Arte e Tecnologia no Itaú Cultural.São Paulo: Instituto Itaú Cultural, com DVD, pp. 78 -89, 2008.

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PRADO, Gilbertto. "Desertesejo: um projeto artístico de ambiente virtual multiusuário na Web " in [Maior e igual a 4D] arte computacional no Brasil: reflexão e experimentação, (org. Maria Luiza Fragoso), Brasília, UnB, 2005, pp. 69-72.

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Gilbertto Prado realização: Rumos Arte e Tecnologia - Novas Mídias 1998-1999 modelagem 3D e VRML: Nelson Multari web-design: Jader Rosa versão 2014/2018 modelagem 3D: Jonathan Biz Medina coordenação técnica: Marcos Cuzziol Esse trabalho foi apresentado em diversas exposições como: AAA: Archiving as Art/ISEA- Centre Saint Charles, Univ.

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Compreenda melhor o trabalho Cloud Gate (Portão Nuvem), de Anish Kapoor

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Cloud Gate é uma escultura do artista Anish Kapoor, situada no centro da AT&T Plaza, no Millennium Park em Chicago, Illinois, Estados Unidos da América. A escultura e a AT&T Plaza localizam-se no topo do Park Grill, entre a Chase Promenade e a McCormick Tribune Plaza & Ice Rink. Erguida entre 2004 e 2006, a obra foi alcunhada de "The Bean" ( inglês para o feijão) devido à sua forma. Composta por 168 placas de aço inoxidável, o seu exterior completamente polido não tem uniões visíveis. Mede 10 por 20 por 13 metros e pesa 99.5 toneladas.

Inspirada pelo mercúrio em estado líquido, a superfície da escultura reflecte e distorce o panorama urbano da cidade. Os visitantes podem andar em seu redor e mesmo debaixo, já que o arco tem 3,7 m de altura. Na zona inferior está o " omphalos" ( grego para umbigo), uma câmara côncava que altera e multiplica reflexões. A escultura incorpora muitos dos temas artísticos de Kapoor, sendo popular entre os turistas pelas suas possibilidades fotográficas únicas.

Esta escultura foi seleccionada no final de uma competição de design. Após a escolha do trabalho de Kapoor, diversas preocupações tecnológicas quanto à construção e montagem do design foram levantadas, além de questões relativas à manutenção. Vários peritos foram consultados, alguns dos quais acreditaram que a execução do projecto não era possível. Eventualmente um método exequível foi encontrado, mas mesmo assim a construção da escultura atrasou-se. Foi revelada ainda incompleta durante a grande cerimónia de abertura do Millennium Park em 2004, antes de ser novamente ocultada até ao seu término. Formalmente desvendado a 15 de Maio de 2006 tem desde então ganho uma popularidade considerável, quer nacional quer internacionalmente.

Referências

Sharoff, Robert (2004). Better than Perfect: The Making of Chicago's Millennium Park. [S.l.]: Walsh Construction Company

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Cloud Gate - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Cloud Gate é uma escultura do artista Anish Kapoor, situada no centro da AT&T Plaza, no Millennium Park em Chicago, Illinois, Estados Unidos da América. A escultura e a AT&T Plaza localizam-se no topo do Park Grill, entre a Chase Promenade e a McCormick Tribune Plaza & Ice Rink.

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Compreenda discussões em torno do debate da Arte Pública no site Fórum Permanente (a propósito, indico esse site para pesquisa atuais da arte. Ele nos fornece ótimas discussões)

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Simpósios e Seminários / Ciclo de Debates: Arte Pública

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Conheça o catálogo Arte BRA, produzido pelo crítico e curador Moacir dos Anjos. Para compreender um pouco mais da Arte Brasileira Contemporânea

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Breve, mas excelente reflexão de Carla Zaccagnini sobre Arte Pública

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Atividade da aula 4 de arte contemporânea, ilustração inspirado no álbum da cantora Day

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Atividade aula 4 de arte contemporânea, ilustração inspirado no álbum da cantora Day

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Como seria um álbum de disco criado por mim.

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Proposta da aula atividade 4, da disciplina de arte contemporânea.

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Capa de álbum inspirada no álbum "The Laws Of Scourge" da banda Sarcofago

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Breve, mas excelente reflexão de Carla Zaccagnini sobre Arte Pública

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Sou aluna EAD de Artes Visuais.

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Proposta da atividade1, da aula de arte contemporânea.

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Ola. Não entendi onde estão as respostas da aula "atividade aluno".

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Ola. Não entendi onde estão as respostas da aula "atividade aluno".

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Boa noite Professor, sua aula está muito interessante, falar de arte contemporânea é minha praia ,gosto muito ,espero que podemos debater sobre o mundo da arte em nosso favor . Gratidão! 

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Boa noite Professor, sua aula está muito interessante, falar de arte contemporânea é minha praia ,gosto muito ,espero que podemos debater sobre o mundo da arte em nosso favor . Gratidão! 

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Achei algumas notícias aprofundando sobre a arte de Orlan e algumas representantes femininas( porque a arte carece de divulgação feminina) do expressionismo abstrato. Espero que gostem!

http://obviousmag.org/graziele_lima/2017/cirurgias-plasticas-sem-objetivos-esteticos-conheca-a-arte-de-orlan.html
https://dasartes.com.br/colunas/noticias-da-franca/as-auto-hibridizacoes-do-orlan-trazem-a-mulher-sujeito-para-o-futuro/
https://arteref.com/movimentos/artistas-mulheres-do-expressionismo-abstrato/

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Orlan é uma artista completa: faz esculturas, fotografias e usa seu próprio corpo como base para cirurgias plásticas com objetivo artístico. Ela guarda todas as sobras de suas cirurgias. Isso mesmo, ela guarda as partes de seu corpo (pele, carne e até gordura) para si e mais tarde as inclui em suas exposições.

A artista performática Orlan

A maioria das performances artísticas são feitas para chocar o público, afinal, o papel da arte é causar alguma emoção em seu espectador. Entre pessoas que usam seu próprio corpo como uma tela em branco para criar arte, podemos citar Stelarc e o casal Lady Jaye Breyer e P-Orridge, sobre os quais já escrevi aqui na obvious. Hoje trago uma artista francesa, talvez já conhecida de vocês: Orlan. Seu corpo é instrumento para criar obras que unem técnicas científicas e médicas. A liberdade é um norteador de seu trabalho, permitindo que ela se oponha ao que é pré-determinado social e politicamente, se posicionando contra "todas as formas de dominação, supremacia masculina, religião, segregação cultural e racismo", como consta na biografia de seu site oficial.

Ela é uma artista completa, cria esculturas, faz fotografias, performances, vídeos, realidade aumentada. Como ela própria definiu em um manifesto de 1989, faz "arte carnal", muitas vezes com ajuda de cirurgias com objetivos performáticos, como aconteceu entre os anos de 1990 e 1995. Na época, ela passou por nove cirurgias plásticas que compuseram uma obra com o nome de "La Ré-Incarnation de Sainte Orlan" (A Reencarnação de Santa Orlan). Inspirada por ícones históricos como Diana, Vênus, Psique, Europa e Mona Lisa, Orlan começou uma sequencia de cirurgias que modificaram seu queixo (para ficar parecido com o da Vênus de Botticelli), testa (inspirada em Mona Lisa), boca (imitando a de Europa, de François Boucher) e outras partes do corpo. Nas operações, ela ficou consciente, ainda que anestesiada, e interpretou teatralmente, leu textos, desenhou com seu próprio sangue, acompanhada de cenários, música ambiente e de roupas feitas por estilistas como Paco Rabanne e Issey Miyake. Numa das cirurgias, ela vestiu-se da deusa-mãe da mitologia, conhecida como Madonna, carregando na mão direita uma cruz preta e na esquerda uma cruz branca. Médicos e enfermeiros também usaram fantasias, entrando não só com a medicina, mas também como personagens nessas histórias.

O envolvimento com cirurgias de Orlan começou bem antes de suas performances, mais especificamente em 1978, quando teve que fazer uma operação com caráter de urgência por questões de saúde. A artista se preparava para a apresentação de um seminário, quando passou mal e teve que ser internada às pressas em um hospital. Descobriu que tinha uma gravidez ectópica (quando o feto se desenvolve fora do útero) e precisou passar por uma operação para salvar a própria vida. Então, ela decidiu que filmaria tudo isso, enquanto se propôs a ficar sem o uso de anestesia, permanecendo consciente por todo o tempo. Mais tarde, ela descreveria esse momento:

"Daquela vez, foi uma urgência. Tratava-se de um corpo doente, um corpo que necessitava de tratamento. Os médicos tiveram quarenta minutos para agir antes que eu morresse. Eu tive uma gravidez extrauterina. Eu tinha me preparado demais para o festival; fazia questão de ver tudo o que os artistas que eu havia convidado fariam, e tudo ruiu em um piscar de olhos. Mas ainda assim, eu tive a presença de espírito de pedir que pusessem uma câmara no bloco operatório, e todas as vezes que um vídeo era gravado, ele era mostrado no festival como se fosse uma performance programada".

A própria artista defende que seu objetivo com as cirurgias que se submete, não é alcançar beleza e sim desafiar os padrões impostos. Passar pelos procedimentos de forma consciente também não é questão de masoquismo e sim por crença na ciência e na morfina - que possibilita que não se sinta dor (muito embora, em uma das cirurgias que envolvia a bochecha, a artista tenha escolhido não falar durante a operação, por ser uma parte delicada). Ela busca padrões não ocidentais de beleza e se inspira em mulheres de culturas como a africana.
As cirurgias
A cirurgiã Marjorie Cramer, com quem Orlan fez o maior número possível de cirurgias, era uma feminista. Isso acabou por libertar a própria artista de ter que passar apenas por cirurgiões do sexo masculino, dando a impressão de que precisava sempre passar pela autorização de um homem para realizar as cirurgias.
Omniprésence
Uma das cirurgias mais fundamentais para se alcançar a nova Santa Orlan, que estava para nascer, foi a do dia 21 de novembro 1993. Pela primeira vez, a intervenção não foi feita na França e sim em Nova Iorque. Foi transmitida ao vivo por satélite em Paris (centro G.Pompidou), Nova Iorque (Sandra Gering Gallery) no Multimedia Center Banff (Canadá) e centro de McLuhan em Toronto.

Orlan na 7ª cirurgia, chamada de "Omniprésence", feita em 21 de Novembro de 1993, em Nova Iorque
Sobre a Arte Carnal
Como a própria Orlan afirma, contrariando a "Arte do Corpo", sua "Arte Carnal" não tem na dor um meio de redenção. Esse tipo de arte busca a modificação corporal como meio de confrontar os debates públicos. "Meu trabalho não é uma posição contra a cirurgia estética, mas contra os padrões da beleza, contra os ditames de uma ideologia dominante que se imprime cada vez mais na carne feminina", define a artista. Apesar disso, a Arte Carnal não se opõe às cirurgias estéticas - mas questiona os motivos que nos levam a submeter nossos corpos à esse tipo de operação, como as pressões sociais pelas quais passamos. Orlan foi a primeira artista que usou a cirurgia plástica sem ter objetivos estéticos (embelezamento ou rejuvenescimento). Através da Arte Carnal, Orlan procura ligar o seu interior com o seu exterior. "Eu posso observar meu próprio corpo aberto, sem sofrer" foi dito por ela em seu "Manifesto da Arte Carnal" e levado como regra em suas cirurgias.

Em uma performance cirúrgica no ano de 1993

Conheça suas outras artes em: http://www.orlan.eu/

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cirurgias plásticas sem objetivos estéticos: conheça a arte de orlan

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Orlan é uma artista completa: faz esculturas, fotografias e usa seu próprio corpo como base para cirurgias plásticas com objetivo artístico. Ela guarda todas as sobras de suas cirurgias. Isso mesmo, ela guarda as partes de seu corpo (pele, carne e até gordura) para si e mais tarde as inclui em suas exposições.

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Releitura tátil da obra "Grevy's Zebra", de Andy Warhol

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Releitura tátil para o aprendizado inclusivo sobre Pop Arte.

Tamanho: 15cm X 15cm
Material: EVA

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Meu nome é Guilherme Júnior e amo a arte desde pequeno. Comecei a pintar aos onze anos, parei um tempo, porém, a arte nunca saiu da minha vida. Agora sou aluno no Ensino a Distância para aprender e aprimorar mais o pouco que sei. Aos interessados em ver meu trabalho poderão seguir o Instagram @estillo.atelie. Professor Wesley Stutz, é um prazer ser um de seus alunos.

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O mesmo modelo que Marty McFly usa pra filmar o Dr. Brown em "De Volta Para o Futuro"

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Primeira filmadora voltada ao consumidor (Japão)

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Primeira filmadora voltada ao consumidor (Japão)

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O título pioneiro é meio controverso, mas a JVC GR-C1 foi a primeira câmera filmadora "all-in-one" voltada ao consumidor. Desenvolvida do início dos anos 70 até os anos 80, foi de encontro com a padronização da gravação em VHS no Japão. Entre as 12 diretrizes do projeto, a empresa exigiu que o formato e a mídia gravados pudesse ser intercambiável entre câmeras e videocassetes. Quase que simultaneamente, a SONY lançou a Betacam, que perdeu espaço no mercado nas décadas seguintes jutamente por conta do formato não compatível com os videocassetes caseiros.

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https://www.google.com.br/amp/s/artrianon.com/2019/02/08/conheca-a-sinistra-arte-de-brian-coldrick/amp/

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Sabe aquele momento em que você está sozinha(o), mas sente que há alguém ou algo te observando de algum canto da casa, ou da rua, algo se esgueirando pelas sombras? Ou quando você ouve um barulho de repente e não sabe de onde veio o som? Então, é explorando esses peculiares medos repentinos que o artista dublinense Brian Coldrick cria obras compostas de um micro conto de terror como legenda de uma ilustração (muitas delas animadas) em que o sobrenatural é revelado através de tênues momentos que podem ser cotidianos para muitas pessoas, como estar sozinho no escritório, assistir a filmes sozinho tarde da noite ou simplesmente estar voltando para casa à noite. Enfim, esses são apenas alguns exemplos de situações cotidianos que, na obra de Coldrick, ganham um clima mais sombrio. Confira abaixo 13 obras do artista, seguidas de traduções dos micro contos que narram as ilustrações, e acesse o tumblr dele para conhecer mais de sua arte sinistra.

Ele adorava ter a casa toda só para ele.

Não era bem um atalho, ela só preferia vir por esse caminho, particularmente no momento em que o dia vira noite.

Era um dia para passar dentro de casa.

Será que algum dia ele se acostumaria com o lugar, chamaria-o de lar? Inúmeros outros assim o fizeram por muitos anos.

Decidi ficar acordado a noite toda. Evitaria aqueles sonhos completamente.

Ela acreditava que, se acesa no bater da meia-noite, a lanterna iluminaria todos aqueles cujos corpos que foram enterrados no velho cemitério.

Crescer parecia uma ideia terrível. Se ele mudasse por completo, será que alguém teria certeza de que ele ainda era ele mesmo?

O estacionamento estava cheio e vazio. Ao abrir seu carro, ele pensou ouvir um grito.

Era sua parte favorita: esvaziá-las.

Todos dias ido para casa, mas ainda havia mais trabalho a ser feito. Se mais alguém levasse o trabalho a sério, ele não estaria sozinho.

Uma porta em sua mente se abriu e sua alma vagou para fora, explorando novos caminhos, deixando a casca vazia atrás de si.

Com fome, muita fome. Morrendo de fome. Acordara no meio da noite para encontrar algo para comer.

O vento gritava. Aquela noite a casa vazia se encheria de som, se esforçando para manter a tempestade do lado de fora.

Ela notou que os postes da rua estouravam um por um, conforme ela passava por eles, como se estivessem esperando por ela.

Ela morava na cobertura. Ela nunca dizia ou fazia nada, mas ainda assim ele odiava dividir o elevador com ela.

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Conheça a sinistra arte de Brian Coldrick

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Sabe aquele momento em que você está sozinha(o), mas sente que há alguém ou algo te observando de algum canto da casa, ou da rua, algo se esgueirando pelas sombras? Ou quando você ouve um barulho de repente e não sabe de onde veio o som?

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Sempre fui músico e fiz a capa do meu álbum hj .o que vcs acham??

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Olá a todos que estão cursando Arte conteporanea,  vai estrear documentário sobre Warhol na Netflix, acredito que vai ser interessante e quem quiser entender melhor sobre o artista e movimento em que estava envolvido não se esqueça de assistir. O que mais me chamou atenção foi a releitura de uma obra dele que fizeram na capa do documentário que em vez da atriz americana com o rosto repetido, fizeram com o rosto do próprio artista.

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Um vídeo sobre arte contemporânea.

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Blz essa é minha Abaporu versão Britto, faz anos que tenho guardado, quase acabei botando no lixo mas valeu apena guardar assim tenho algumas coisas pra compartilhar aqui, fiz na aula na época do ensino médio, a pintura poderia ter ficado um pouco melhor mas sabe como é né …. colégio agente fazia muita coisa forçado

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Vídeo sobre a série “Bichos” de Lygia Clark 

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Vídeo sobre a série “Bichos” de Lygia Clark 

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Olá gente ! pesquisando sobre artistas brasileiras que foram destaque na arte contemporânea achei essa artista incrível : Lygia Clark . Pesquisando mais além encontrei esse vídeo explicativo sobre uma de suas obras mais conhecidas . É muito interessante e achei legal compartilhar aqui 🙆🏽‍♀️ Me digam o que acharam depois 👀

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para esta aula atividade escolhi algo mais singelo para retratar justamente pelo grau de dificuldade, a cor aqui não é para ser vista , mas sim sentida , por isso escolhi giz pastel para dar a textura aveludada como as asas de uma borboleta 🦋

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Na situação problema 2, na aula "Do moderno ao contemporâneo", quando foi mencionado o Marcel Duchamp eu me lembrei de um outro artista também dadaísta, Man Ray, e sua obra "o presente"

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https://youtu.be/60gxb4ISiLo

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ESSA É UMA DAS OBRAS DE ARTE MAIS TRISTES #shorts #arte #jucassini

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Atividade da aula 1 de arte contemporânea 

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Atividade da aula 1 de arte contemporânea 

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inspirado nas câmeras fotográficas dos anos 80

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Olá professor!

Aqui está o quadro com acessibilidade para deficientes visuais. Acredito que seja uma experiência conjunta com os que portam a deficiência visual e os que podem visualizar, pois ambos podem tocas e sentir, interpretar, imaginar. Amo o fato da arte não ter limitações com seus espectadores.

Tentei apresentar a textura do pelo do gato representado pelo tecido, a perspectiva com pedaços de papelão, para dar sensação de profundidade e volume.

Obrigada pela oportunidade de realizar essa tarefa maravilhosa. ❤️

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Eu estou assistindo a teleaula 1 de Arte Contemporânea no curso de Artes Visuais Licenciatura - 4o semestre. O Prof falou nessa teleaula sobre Pollock. Tem um filme muito bom que conta sua história. Como é de 2000, não sei se está em algum streaming, mas fica a dica. Assisti na época e facilitou muito entender a arte contemporânea. Agora, com mais conhecimento, quero rever.

POLLOCK
2000
Filme Drama
2 indicações ao Oscar

https://images.app.goo.gl/9JjPgmH7AUfuRTB59

Prof, aproveitar para elogiar suas aulas. É a segunda matéria que faço com você (já fechei arte brasileira) e estou adorando!

Só não tem no meu AVA nenhuma Aula Atividade nas suas matérias…

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Exposição em 1951, Nova York. Fonte Internet. 

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Marcel Duchamp – Em 1913, o artista francês Marcel Duchamp  fez a Roda de Bicicleta. Quatro anos mais tarde, em 1917, Duchamp enviou seu ready-made mais conhecido, A Fonte, um urinol enviado à exposição Salão dos Independentes, em Nova Iorque. A obra foi recusada pelo comitê de seleção.Há cerca de 100 anos, a iconoclastia de Duchamp dava um verdadeiro troco na arte e descontruía o gosto médio, combatendo a sacralização da arte. Não adianta buscar solução psicológica, religiosa ou que o valha para explicar o urinol ou uma roda da bicicleta em uma exposição artística, Duchamp busca o estranhamento, o incômodo, função primordial da arte.

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Marcel Duchamp – Em 1913, o artista francês Marcel Duchamp  fez a Roda de Bicicleta. Quatro anos mais tarde, em 1917, Duchamp enviou seu ready-made mais conhecido, A Fonte, um urinol enviado à exposição Salão dos Independentes, em Nova Iorque. A obra foi recusada pelo comitê de seleção.Há cerca de 100 anos, a iconoclastia de Duchamp dava um verdadeiro troco na arte e descontruía o gosto médio, combatendo a sacralização da arte. Não adianta buscar solução psicológica, religiosa ou que o valha para explicar o urinol ou uma roda da bicicleta em uma exposição artística, Duchamp busca o estranhamento, o incômodo, função primordial da arte.

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Estou colocando a obra de Marcel Duchamp em a Roda da bicicleta. Mesmo gostado de outros trabalhos de outros artistas. Vejo como uma sensibilidade de uma obra contemporânea e impactante.
Aluna, Audrey RA3411546801.

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Um dos meus trabalhos de pintura em parede. Aproveito a parede para fotográfias 

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aqui a parede inteira. Parede de um sótão 

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Meu mural com alguns quadros que remetem a POP ARTE. 

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Meu mural com alguns quadros que remetem a POP ARTE. 

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Sou aluno EAD 100% meu nome é Élcio estou atualmente fazendo faculdade de artes visuais licenciatura e pintei esse quadro para expressar o sentimento de fúria
O nome da obra é : a fúria

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Ola pessoal, sou aluna ead de artes visuais, durante toda minha trajetória como pessoa busquei "o técnico", o realismo e o belo em meus trabalhos, esta disciplina esta sendo uma excelente oportunidade para dar novos rumos aos meus conhecimentos... Entrei para ser uma professora que ensina técnica e com certeza sairei com outra visão de arte e ensino dela, estou amando!

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Olá a todos. Me chamo Brenda e, estou cursando artes visuais. Depois de um longo período analisando minha vida, percebi que a arte sempre esteve comigo. Sou pintora de telas e, tatuadora. O curso está me mostrando que realmente, é aqui que eu me encaixo. Pretendo adquirir mais conhecimentos e, ter uma visão de ensino melhor para a arte terapia 👩🏼‍🎨🎨

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Olá a todos. Me chamo Brenda e, estou cursando artes visuais. Depois de um longo período analisando minha vida, percebi que a arte sempre esteve comigo. Sou pintora de telas e, tatuadora. O curso está me mostrando que realmente, é aqui que eu me encaixo. Pretendo adquirir mais conhecimentos e, ter uma visão de ensino melhor para a arte terapia 👩🏼‍🎨🎨

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A arte contemporânea é uma manifestação artística que se caracteriza pela liberdade de expressão e pela quebra de padrões estéticos. Nesse cenário, artistas de diferentes partes do mundo têm criado obras que surpreendem e instigam o público a refletir sobre temas diversos. Mas o que faz da arte contemporânea tão fascinante? Como os artistas têm se reinventado para produzir obras cada vez mais impactantes? Este artigo irá explorar essas questões e apresentar algumas das obras mais surpreendentes da arte contemporânea. Venha conosco nessa jornada pelo universo da arte moderna e descubra o poder da criatividade sem limites.

Importante saber:

A arte contemporânea é caracterizada por sua liberdade criativa e pela quebra de padrões estabelecidos.

Os artistas contemporâneos buscam explorar novas formas de expressão, utilizando diferentes materiais e técnicas.

A arte contemporânea pode ser chocante e provocativa, desafiando as convenções sociais e culturais.

Os temas abordados na arte contemporânea são diversos e refletem as questões e preocupações da sociedade atual.

A arte contemporânea é uma forma de reflexão e crítica social, além de ser uma fonte de inspiração e beleza para muitos.

O que é arte contemporânea e por que ela é tão importante?

A arte contemporânea é uma expressão artística que surgiu no final do século XX e se estende até os dias atuais. Ela se caracteriza pela liberdade de expressão, pela experimentação e pela quebra de padrões tradicionais da arte. A arte contemporânea é importante porque permite aos artistas explorar novos caminhos na criação de obras, incentivando a inovação e o pensamento crítico.

A influência da arte contemporânea na sociedade atual

A arte contemporânea tem uma grande influência na sociedade atual, pois ela aborda temas relevantes e atuais, como questões políticas, sociais e ambientais. Além disso, a arte contemporânea desafia as normas estabelecidas e questiona o status quo, estimulando o debate e a reflexão sobre temas importantes.

Como a arte contemporânea ultrapassa os limites tradicionais da arte

A arte contemporânea ultrapassa os limites tradicionais da arte ao utilizar novas técnicas, materiais e suportes na criação de obras. Ela também desafia as convenções estéticas e conceituais da arte, explorando novas formas de expressão e de comunicação com o público.

Os artistas que estão revolucionando a cena da arte contemporânea mundial

Existem muitos artistas que estão revolucionando a cena da arte contemporânea mundial, como Ai Weiwei, Banksy, Yayoi Kusama, entre outros. Esses artistas se destacam por suas obras inovadoras, que abordam temas relevantes e desafiam as normas estabelecidas da arte.

As características únicas da arte contemporânea e como elas se manifestam nas obras

As características únicas da arte contemporânea incluem a liberdade de expressão, a experimentação, a quebra de padrões tradicionais da arte e a abordagem de temas relevantes e atuais. Essas características se manifestam nas obras por meio do uso de novas técnicas, materiais e suportes, bem como pela exploração de novas formas de expressão e comunicação com o público.

Os desafios enfrentados pelos artistas contemporâneos e como eles os superam na criação de novas obras

Os artistas contemporâneos enfrentam diversos desafios na criação de novas obras, como a pressão do mercado da arte, a falta de apoio institucional e a crítica negativa. No entanto, eles superam esses desafios por meio da perseverança, da criatividade e da inovação, buscando sempre novas formas de expressão e comunicação com o público.

Por que a arte contemporânea é fundamental para o desenvolvimento cultural e intelectual das pessoas?

A arte contemporânea é fundamental para o desenvolvimento cultural e intelectual das pessoas porque ela estimula o pensamento crítico, a reflexão sobre temas importantes e o debate sobre questões relevantes da sociedade atual. Além disso, ela permite aos indivíduos explorar novas formas de expressão e comunicação com o mundo ao seu redor, incentivando a criatividade e a inovação.

A arte contemporânea não tem valor artístico

A arte contemporânea é uma forma de expressão artística que rompe padrões tradicionais e busca novas formas de representação, muitas vezes com grande valor estético e conceitual.

A arte contemporânea é incompreensível

A arte contemporânea pode apresentar novas formas de expressão que podem ser desafiadoras para o público, mas isso não significa que seja incompreensível. A interpretação da arte é subjetiva e cada pessoa pode ter uma compreensão diferente da obra.

A arte contemporânea é apenas para elites intelectuais

A arte contemporânea é um meio de expressão acessível a todos, não apenas a elites intelectuais. Existem diversas exposições, museus e galerias que apresentam obras contemporâneas e promovem a democratização do acesso à arte.

A arte contemporânea não tem técnica ou habilidade

A arte contemporânea pode apresentar novas formas de técnica e habilidade, muitas vezes utilizando tecnologias e materiais inovadores. Além disso, a técnica e habilidade não são os únicos critérios para avaliar uma obra de arte contemporânea, já que a originalidade e a mensagem da obra também são importantes.

Curiosidades:

A arte contemporânea é caracterizada pela liberdade criativa e pela quebra de padrões estéticos tradicionais.

Os artistas contemporâneos utilizam uma grande variedade de técnicas e materiais, desde pintura e escultura até instalações, performances e arte digital.

Muitas obras de arte contemporânea são provocativas e desafiadoras, abordando temas polêmicos como política, sexualidade e identidade.

A arte contemporânea é frequentemente exposta em galerias de arte, museus e bienais de arte ao redor do mundo.

Alguns dos artistas contemporâneos mais famosos incluem Jeff Koons, Damien Hirst, Banksy e Yayoi Kusama.

A arte contemporânea tem sido criticada por alguns por ser excessivamente conceitual e elitista, mas também é admirada por muitos por sua originalidade e capacidade de inspirar reflexão e debate.

Algumas das obras de arte contemporânea mais caras já vendidas incluem "Rabbit" de Jeff Koons, vendida por US$91 milhões em 2019, e "Interchange" de Willem de Kooning, vendida por US$300 milhões em 2015.

Palavras importantes:

- Arte contemporânea: é a produção artística atual, que se desenvolve a partir da década de 1960 até os dias atuais.
- Rompimento de padrões: é uma característica da arte contemporânea que busca questionar e subverter as convenções estabelecidas.
- Surpresa: a arte contemporânea muitas vezes busca provocar reações inesperadas no público, seja através de técnicas inovadoras, materiais pouco usuais ou temas controversos.
- Bullet points: são marcadores utilizados em listas para destacar informações importantes e facilitar a leitura.
- Vanguarda: movimentos artísticos que buscam estar à frente do seu tempo e romper com os padrões tradicionais.
- Instalação: obra de arte que ocupa um espaço tridimensional, podendo ser composta por diversos elementos e materiais.
- Performance: apresentação ao vivo em que o artista utiliza seu corpo como meio de expressão, muitas vezes envolvendo elementos teatrais e música.
- Obra conceitual: arte que se baseia mais na ideia ou conceito do que na forma visual, podendo ser representada através de diferentes mídias.
- Ready-made: objeto encontrado pelo artista que é elevado à categoria de obra de arte através da intervenção do artista.
- Colagem: técnica em que diferentes materiais e imagens são combinados para criar uma nova composição visual.

1. O que é arte contemporânea?

A arte contemporânea é um movimento artístico que surgiu no final do século XX e se estende até os dias atuais. Ela se caracteriza por ser uma arte que rompe com os padrões tradicionais e busca novas formas de expressão.

2. Quais são as principais características da arte contemporânea?

Entre as principais características da arte contemporânea estão a experimentação, a liberdade criativa, a diversidade de técnicas e materiais utilizados, a interação com o público e a crítica social.

3. Como a arte contemporânea rompe com os padrões tradicionais?

A arte contemporânea rompe com os padrões tradicionais ao utilizar novas técnicas e materiais, explorar novos temas e abordagens, questionar as convenções estéticas e sociais e desafiar as expectativas do público.

4. Quais são os artistas mais representativos da arte contemporânea?

Alguns dos artistas mais representativos da arte contemporânea são Jeff Koons, Damien Hirst, Ai Weiwei, Cindy Sherman, Marina Abramovic, entre outros.

5. Como a arte contemporânea se relaciona com a tecnologia?

A arte contemporânea se relaciona com a tecnologia ao utilizar novas mídias e recursos digitais para criar obras interativas e imersivas, explorar novas formas de expressão e ampliar o alcance das obras.

6. Qual é o papel do público na arte contemporânea?

O público tem um papel fundamental na arte contemporânea, pois as obras muitas vezes são criadas para interagir com o espectador e estimular a reflexão crítica sobre questões sociais, políticas e culturais.

7. Como a arte contemporânea pode ser usada como instrumento de crítica social?

A arte contemporânea pode ser usada como instrumento de crítica social ao abordar temas polêmicos e controversos, questionar as normas estabelecidas e estimular o debate público sobre questões relevantes.

8. Quais são as principais tendências da arte contemporânea?

Entre as principais tendências da arte contemporânea estão a arte conceitual, a arte digital, a performance, a instalação, a arte urbana e a land art.

9. Como a arte contemporânea se relaciona com a cultura popular?

A arte contemporânea se relaciona com a cultura popular ao incorporar elementos da cultura de massa, como ícones da música, do cinema e da televisão, em suas obras.

10. Qual é o papel das galerias de arte na divulgação da arte contemporânea?

As galerias de arte têm um papel importante na divulgação da arte contemporânea ao promover exposições e eventos que permitem ao público conhecer as obras e interagir com os artistas.

11. Como a arte contemporânea se relaciona com a história da arte?

A arte contemporânea se relaciona com a história da arte ao dialogar com os movimentos artísticos anteriores, reinterpretar obras clássicas e criar novas narrativas visuais.

12. Quais são os desafios da arte contemporânea?

Entre os principais desafios da arte contemporânea estão a crítica conservadora, a falta de financiamento e apoio institucional, a dificuldade de acesso ao mercado de arte e a necessidade de inovação constante.

13. Como a arte contemporânea pode contribuir para a formação cultural das pessoas?

A arte contemporânea pode contribuir para a formação cultural das pessoas ao estimular a reflexão crítica sobre questões sociais, políticas e culturais, ampliar o repertório estético e promover o diálogo intercultural.

14. Qual é o impacto da arte contemporânea na sociedade?

O impacto da arte contemporânea na sociedade é variado, mas pode ser positivo ao estimular a reflexão crítica sobre questões relevantes, promover a diversidade cultural e ampliar o acesso à cultura.

15. Como a arte contemporânea pode inspirar novos artistas?

A arte contemporânea pode inspirar novos artistas ao mostrar novas possibilidades de expressão, estimular a experimentação criativa e oferecer referências estéticas e conceituais.

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A arte contemporânea que rompe padrões e surpreende.

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A arte contemporânea é uma manifestação artística que se caracteriza pela liberdade de expressão e pela quebra de padrões estéticos. Nesse cenário, artistas de diferentes partes do mundo têm criado obras que surpreendem e instigam o público a refletir sobre temas diversos. Mas o que faz da arte contemporânea tão fascinante?

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Muito bom essa imagem ! Bem pensante

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Olá, muito bom, não havia conseguido entrar. Agora comsegui😊

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Olá, muito bom, não havia conseguido entrar. Agora comsegui😊

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Meu nome é Natalia estudando de design de interiores.
Tenho uma marcenaria e como muitos clientes me pedem conselho de decoração decide aumentar meus conhecimentos.
Estou encantada com as obras do artista Giusepe Penone, me identifiquei.

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A face do estranhamento - Os caminhos da Arte Contemporânea

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A face do estranhamento - Os caminhos da Arte Contemporânea

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A face do estranhamento - Os caminhos da arte contemporânea_Ingrid Franco

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Olá, professor! Espero que a atividade esteja dentro do proposto! Se precisar, por favor delete-a, desde já agradeço, Eunice - Estudante de Design de Interiores - 1o semestre/23.

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Meu nome é Giovana, e sou estudante do curso de Arquitetura e Urbanismo. Além disso, iniciei recentemente o curso de Design de Interiores para aprimorar ainda mais meu conhecimento na área. Desde o momento em que entrei para o meu primeiro curso, fiquei absolutamente encantada com as matérias de história da arte e arquitetura. Essa paixão pela história tem me inspirado e motivado a explorar a evolução das formas e estilos arquitetônicos ao longo dos séculos.

Além disso, devo mencionar que estou adorando especialmente a matéria de arte contemporânea. A possibilidade de entender e apreciar as expressões artísticas modernas e as tendências inovadoras no mundo da arte têm sido uma experiência incrivelmente enriquecedora. A arte contemporânea desafia meu olhar e minha percepção, estimulando minha criatividade e influenciando positivamente minha visão como futura arquiteta e designer de interiores.

Estou animada com as possibilidades que a combinação desses dois cursos oferece para meu futuro profissional, pois acredito que compreender a história é fundamental para a criação de projetos inovadores e significativos no campo da arquitetura e do design de interiores. Estou ansiosa para aprender cada vez mais e contribuir de maneira positiva para o mundo da arquitetura e do design, inspirada também pela arte contemporânea que amplia meu horizonte criativo.

Sobre a Aula 1 Os trabalhos de Giuseppe Penone em sua interpretação da natureza são simplesmente magníficas e profundamente inspiradoras, suas esculturas são verdadeiramente impressionantes.

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https://revistacult.uol.com.br/home/arte-contemporanea-sobre-nossa-dificuldade-de-pensar-e-fazer/

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O seguinte texto foi publicado no número 7 da Revista As Partes do Ateliê Livre da Prefeitura de Porto Alegre a propósito de meu minicurso no Festival de Artes deste ano. O link para acessar a revista toda que tem belos textos é http://lproweb.procempa.com.br/pmpa/prefpoa/smc/usu_doc/as_partes_7_dez_2012.pdf

(As imagens são de meus artistas favoritos)
Arte Contemporânea: sobre nossa dificuldade de pensar e fazer
Nossa experiência com a arte, seja como artistas ou como seus apreciadores depende de nossa compreensão da arte. A compreensão que é um campo amplo e aberto depende, por sua vez, de algo bem mais estreito: um conceito. O conceito é o eixo em torno do qual se situa nossa compreensão. É com conceitos que nos entendemos, que elaboramos nossa visão de mundo, das coisas, de nós mesmos. A compreensão da arte acontece, por exemplo, quando vemos um quadro, uma peça de teatro e, desde a delimitação do objeto que já temos previamente estabelecida em nosso contexto cultural, pensamos "isso é arte". Aí podemos gostar dela ou não. O gosto não nasce sozinho, sem um conceito prévio que nos indica que podemos compreender, e que logo podemos aceitar o que vemos, ouvimos ou sentimos. Por outro lado, chamamos de arte contemporânea aquilo que vemos e que, todavia, não conseguimos delimitar muito bem. Se não a entendemos é que não temos um conceito preciso do que ela seja. Ela escapa aos nossos conceitos prévios e, por isso, nos perturba.

Daí que diante de uma obra contemporânea em vez de afirmar "isso é arte", cabe muito mais perguntar "isso é arte?" A obra contemporânea quebra com nossa ideia habitual de arte e é por isso que tantos se sentem incomodados ou, pelo menos, desacomodados, diante de suas obras. A desacomodação é o que de melhor uma obra pode nos dar. Mas vejamos como isso tudo é questão de conceito.

Os conceitos de arte, como quaisquer conceitos, se dão no tempo. São formulados na história em função de muitos aspectos, tais como poderes econômicos, teorias de filósofos e críticos e, é claro, os trabalhos dos artistas. Mudam os tempos, mudam as perspectivas teóricas e práticas, mudam os pensamentos e as sensibilidades. Por isso, o que se entendia por arte há séculos é diferente do que se entende por arte hoje em dia.

As obras de arte em quaisquer tempos dependem sempre das teorias que são agregados de conceitos. Por isso, costumamos perguntar "o que é arte?" ou perguntar "isso é arte?", porque não experimentamos a arte sem a teoria que a acompanha. Arte é, portanto, também uma questão de teoria, ou seja, do que pensamos dela.

Nosso entendimento atual das artes deriva de uma compreensão da arte como objeto histórico. Mas este é apenas um lado da questão. Já sabemos a esta altura da vida que tudo muda, que tudo é histórico. O que não sabemos é que nosso conceito de arte deriva da delimitação da obra definida pela história da arte. Pode ser que não saibamos também que aquilo que chamamos de "história da arte" implica uma teoria sobre a arte que classifica objetos, obras, artistas, rituais ou performances segundo critérios teóricos. Pode parecer óbvio, mas é preciso dizer que não percebemos que estamos pensando a partir de ideias prontas quando não estamos pensando por conta própria. Há conceitos prévios que vem do mundo, dos outros, e não de nós e que, no entanto, nos orientam a ter opiniões e ações sobre arte.

Acreditamos ao perguntar "isso é arte?" que esta pergunta é totalmente nossa, que ela define uma dúvida legítima e natural, inevitável e sincera. Porém, mesmo esta pergunta já faz parte de uma teoria, aquela que vem administrar o lugar da arte, reconduzindo toda a expressão e as perspectivas soltas e espontâneas a uma ideia fixa de arte que, a sua maneira, faz o sistema das artes como um sistema de poder, continuar funcionando. O problema do sistema é que ele exclui da diferença enquanto sustenta a identidade como um princípio devorador do pensamento. E, neste caso, também da expressividade artística que resulta de uma reflexão, de uma compreensão de mundo...

Assim como há quem diga que filosofia é "história da filosofia", que história é "teoria da história", há quem pense que arte é algo que diz respeito a, ou tem a ver com, "história da arte". Daí que muitos vejam a arte como um selo de distinção dado pela "história", pelos historiadores que confundem facilmente com críticos. Como se o que possa ser arte dependesse de ter estado na história passada, ou de sua chance de "entrar" na história futura. Daí a importância dos artistas iludidos de aparecerem em cadernos de jornal, livros e textos de teóricos em geral. Há certo desespero nisso, como se a história salvasse da morte da arte, dando consistência ao que facilmente se perderia no fluxo do efêmero a que corresponde a vida. Esta teoria da arte separa expressões criativas, as invenções que compõem as obras, em coisas que podem ser arte e outras que podem não ser arte segundo critérios sempre relativos a um tempo, a necessidades e interesses de grupos e instituições. A própria arte deixa de ser experiência das pessoas e se torna, nestes casos, mera instituição que administra a sensibilidade estética das massas - assemelhando-se em seus procedimentos com a publicidade - ou dos pequenos grupos de especialistas - ficando restrita a problema de galeristas, críticos, curadores, enfim, o sistema em que a obra surge como fator de poder e distinção.
"Arte contemporânea?"
A confusão de muitos em relação à arte contemporânea deriva do hábito de pensar a partir da ideia de arte definida segundo a história da arte. Ora, a arte contemporânea não está na história, porque ela está acontecendo hoje, no tempo vivido e não no tempo que podemos experimentar como histórico. Somos extemporâneos do tempo histórico enquanto vivemos no "hoje em dia" construindo, paradoxalmente, o tempo histórico do qual somos estranhamente separados. Verdade é que muito do que chamamos de arte contemporânea esteja já "consagrada" pela teoria e, assim, pelo sistema. Mas a consagração não é a verdade da arte. Ela é pouco para definir a arte, pois que, neste ponto, faz votlar à ideia de arte como um objeto simplesmente "distinto" no sentido de ser um objeto não diferente (como são quaisquer uns em relação a quaisquer outros), mas melhor do que os outros. Em outras palavras, com este tipo de ideia a arte fica reduzida àquilo que as pessoas tem falado em um sentido vulgar como o "diferenciado", referindo-se ao "melhor".

Arte, por sorte, sabem outros, não é selo de distinção, é experiência pessoal e coletiva capaz de criticar e debochar da "distinção" a que tantos reduzem a arte. Por isso é que não importa selar a arte contemporânea com o selo de arte, mas antes experimentá-la em sua estranheza como objeto que não se deixa definir. Quem sabe ela nos mostre algo que ainda não sabemos enquanto acreditamos que a arte cabe em nossas pequenas cabecinhas muitas vezes ocas de tantas ideias alheias. Arte é também libertar-se do pensamento pronto e ousar pensar, e fazê-lo de um jeito diferente. A verdade da obra está nesse lugar onde ela jamais está pronta. Nós, podemos ser artistas quando não estamos mais preocupados com nossos processos do que com definições e classificações.

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Arte Contemporânea: sobre nossa dificuldade de pensar e fazer

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O seguinte texto foi publicado no número 7 da Revista As Partes do Ateliê Livre da Prefeitura de Porto Alegre a propósito de meu minicurso no Festival de Artes deste ano. O link para acessar a revista toda que tem belos textos é http://lproweb.procempa.com.br/pmpa/prefpoa/smc/usu_doc/as_partes_7_dez_2012.pdf (As imagens são de meus artistas favoritos) Arte Contemporânea: sobre nossa [...]

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Foto minha de 2021 na Pinacoteca Luz SP. Obra de Tunga sem título, originalmente exposta no Instituto Nhotim.

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Olá, me chamo Tom Silva, sou aluno de artes visuais no polo Muriaé… Essa é minha contribuição, espero que gostem 😊

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Olá, me chamo Tom Silva, sou aluno de artes visuais no polo Muriaé… Essa é minha contribuição, espero que gostem 😊

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Estou adorando o conteúdo,  e isso foi uma ótima proposta! Parabéns!
Sou artista e tenho uma página de mandalas no Instagram
De uma olhada no meu trabalho
@andreabuenoart
Espero vocês por lá!

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Um pouco do meu trabalho!
@andreabuenoart

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Arte do coletivo
Aulas maravilhosas estou gostando muito podemos ver e ter imaginação em várias obras e como é importante saber como surgiu cada arte veio em minha mente como seria muito legal imaginação que vem 😅😅😅uma obra de Helio Oiticica grande em um parque diferenciado as crianças indo no balanço escorregador e aprender brincando apreciando a arte como por exemplo passando como um labirinto com cores que ele coloca amarelo laranja rosa como na maquete .....🥰

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Boa tarde!!!

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Foi com a frase "Luz também é matéria" que fiz a escolha desta foto para refletirmos sobre a arte contemporânea. O uso da luz para fazer sombras em locais como parede é hoje muito usado em grandes projetos, principalmente os residências. Está imagem representa o meu trabalho hoje em uma loja de iluminação, está foto é de um espaço real de uma cliente onde a proposta era evidenciar o pergolado com enfoque no efeito de luz da parede.

Marciele Bispo de Carvalho

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Boa noite ! Estou no primeiro semestre de designer de interiores. Aprendendo muito com os conteúdos .

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Boa noite ! Estou no primeiro semestre de designer de interiores. Aprendendo muito com os conteúdos .

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Olá, meu nome é Marta e eu tentei fazer a atividade prática focando no consumo, motivando a repensar as obras e fazer delas uma ponte para a realidade de cada um.

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Olá, meu nome é Marta e eu tentei fazer a atividade prática focando no consumo, motivando a repensar as obras e fazer delas uma ponte para a realidade de cada um.

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Início da vida: 1960-1977 Editar

Basquiat nasceu em 22 de dezembro de 1960, em Park Slope, Brooklyn, Nova York, filho de Matilde Basquiat e Gérard Basquiat. Seu pai nasceu em Port-au-Prince, Haiti e sua mãe nasceu no Brooklyn para pais de ascendência porto-riquenha. Desde cedo mostrou uma aptidão incomum para a arte e foi influenciado pela mãe, Matilde, a desenhar, pintar e a participar de atividades relacionadas ao mundo artístico. Depois que seus pais se separaram, Basquiat e suas duas irmãs mais novas foram criadas pelo pai. Sua mãe foi internada em um hospital psiquiátrico quando ele tinha dez anos e depois passou a vida dentro e fora de instituições. Aos onze anos, Basquiat era fluente em francês, espanhol e inglês, e um ávido leitor das três línguas.

Arte de rua e Gray: 1978-1980 Editar

Em 1978, aos 17 anos, Basquiat e um amigo, Al Diaz, começaram a escrever grafites em prédios em Manhattan. Eles usaram o pseudônimo SAMO, que significa "mesma velha merda". Isso gerou curiosidade nas pessoas, principalmente pelo conteúdo das mensagens grafitadas. Em dezembro de 1978, o veículo Village Voice publicou um artigo sobre as escrituras.

Em 1978, Basquiat abandonou a escola e saiu de casa, apenas um ano antes de se formar. Mudou-se para a cidade e foi morar com amigos, sobrevivendo vendendo camisetas e cartões postais na rua. Um ano depois, em 1979, no entanto, Basquiat ganhou status de celebridade na cena artística do East Village de Manhattan por suas aparições regulares no programa de televisão de Glenn O'brien, TV Party. Em 1979, Basquiat formou uma banda chamada Gray. Um dos membros da banda era o então desconhecido músico e ator Vincent Gallo. Com o conjunto, tocaram em clubes como Max's Kansas City, CBGB, Hurrahs e o Mudd Club.

Ascensão à fama e sucesso: 1980-1986 Editar

O projeto "SAMO" terminou com o epitáfio "SAMO IS DEAD" escrito nas paredes dos prédios do SoHo em Nova York no início de 1980. Em junho de 1980, Basquiat participou do The Times Square Show, uma exposição multiartista patrocinada pela Collaborative Projects Incorporated (Colab) e Fashion Moda. Ele foi notado por vários críticos e curadores, incluindo Jeffrey Deitch, que o mencionou em um artigo na edição de setembro de 1980 da Art in America. Mais tarde naquele ano, Basquiat filmou um filme chamado Downtown 81 (também conhecido como New York Beat). Basquiat vendeu sua primeira pintura, Cadillac Moon (1981), para Debbie Harry por US$ 200 depois de terem filmado o filme. Ele também apareceu como disc jockey no videoclipe de Blondie de 1981 "Rapture", um papel originalmente destinado a Grandmaster Flash.

Em fevereiro de 1981, Basquiat participou da exposição New York/New Wave no P.S.1 de Nova York. O artista italiano Sandro Chia recomendou o trabalho de Basquiat ao negociante italiano Emilio Mazzoli, que imediatamente comprou 10 pinturas para Basquiat fazer uma exposição individual em sua galeria em Modena, Itália, em maio de 1981. Em dezembro de 1981, o crítico de arte Rene Ricard publicou "The Radiant Child" na revista Artforum, o primeiro artigo extenso sobre Basquiat. Nesse período, Basquiat pintou muitas peças em objetos que encontrou nas ruas, como portas descartadas. Na época, Basquiat morava com sua namorada, Suzanne Mallouk, que o sustentava financeiramente como garçonete.

Em setembro de 1981, a marchand Annina Nosei convidou Basquiat para se juntar à sua galeria. Logo depois, ele participou de seu show coletivo Public Address. Nosei forneceu a ele materiais e um espaço para trabalhar no porão de sua galeria. Em 1982, Nosei conseguiu que ele se mudasse para um loft que também servia como estúdio no bairro do SoHo, em Nova York. Basquiat teve sua primeira exposição individual americana na Galeria Annina Nosei em março de 1982. Ele também pintou em Modena para sua segunda exposição italiana em março de 1982. Sentindo-se explorado, a exposição foi cancelada porque ele deveria fazer oito pinturas em uma semana.

No verão de 1982, Basquiat deixou a Galeria Annina Nosei e o galerista Bruno Bischofberger tornou-se seu negociante de arte mundial. Em junho de 1982, aos 21 anos, Basquiat se tornou o artista mais jovem a participar da documenta em Kassel, na Alemanha. Seus trabalhos foram exibidos ao lado de Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Gerhard Richter, Cy Twombly e Andy Warhol. Bischofberger deu a Basquiat uma exposição individual em sua galeria de Zurique em setembro de 1982 e arranjou para ele encontrar Warhol para almoçar em 4 de outubro de 1982. No entanto, eles se conheceram alguns anos antes em um restaurante no SoHo, quando Basquiat vendeu a Warhol um cartão postal que ele havia feito com a artista Jennifer Stein. Imediatamente após o encontro em 1982, Basquiat foi para casa e pintou Dos Cabezas (1982), que acendeu uma amizade entre eles. Warhol lembrou: "Eu tirei uma Polaroid e ele foi para casa e dentro de duas horas uma pintura estava de volta, ainda molhada, dele e eu juntos". Em novembro de 1982, a exposição individual de Basquiat abriu na Fun Gallery no East Village. Em dezembro de 1982, Basquiat começou a trabalhar no estúdio que o negociante de arte Larry Gagosian construiu abaixo de sua casa em Venice, Califórnia. Lá ele criou uma série de pinturas para sua segunda exposição na Galeria Gagosian em West Hollywood em março de 1983. Basquiat estava acompanhado de sua namorada, a então desconhecida cantora Madonna. Ele disse a Gagosian que "ela será a maior estrela pop do mundo".

Em março de 1983, aos 22 anos, Basquiat se tornou o artista mais jovem a participar da exposição Whitney Biennial de arte contemporânea. Em agosto de 1983, Basquiat mudou-se para um loft de propriedade de Warhol em 57 Great Jones Street em NoHo, que também servia como estúdio. Basquiat foi profundamente afetado pela morte de Michael Stewart, um aspirante a artista negro na cena do clube do centro da cidade que foi morto pela polícia de trânsito em setembro de 1983. Basquiat pintou Defacement (The Death of Michael Stewart) (1983) em resposta ao incidente. Tendo se juntado à galeria SoHo de Mary Boone em 1983, Basquiat teve uma exposição lá em maio de 1984. Entre 1984 e 1985, ele trabalhou em estreita colaboração com Warhol na Factory. Sua exposição conjunta na Galeria Tony Shafrazi causou uma ruptura em sua amizade depois que foi criticada pelos críticos e Basquiat foi chamado de mascote de Warhol.

Basquiat costumava pintar em ternos Armani caros e aparecia em público com as mesmas roupas respingadas de tinta. Ele adorava sair na boate Area em Nova York e às vezes tocava discos como disc jockey. Ele também pintou murais para a boate Palladium em Nova York. A rápida ascensão de Basquiat à fama foi coberta pela mídia. Ele apareceu na capa da edição de 10 de fevereiro de 1985 da The New York Times Magazine em um recurso intitulado "New Art, New Money: The Marketing of an American Artist". Seu trabalho apareceu na GQ e Esquire, e ele foi entrevistado para o segmento "Art Break" da MTV.

Em meados dos anos 1989, Basquiat faturava U$1.4 milhão por ano e recebia quantias de U$40,000 de negociantes de arte. Apesar do sucesso, sua instabilidade emocional ainda o assombrava. "Quanto mais dinheiro Basquiat fazia, mais paranoico e envolvido com drogas ele ficava," escreveu o jornalista Michael Shnayerson. Muitos de seus colegas especularam que seu uso de drogas era um meio de lidar com as demandas de sua fama recém-descoberta, a natureza exploradora da indústria da arte e as pressões de ser um homem negro no mundo da arte dominado por brancos.

Sepultura no Green-Wood Cemetery

Basquiat continuou a ter exposições individuais internacionalmente em 1986. Em outubro de 1986, Basquiat voou para a Costa do Marfim com sua namorada Jennifer Goode para uma exposição de seu trabalho no Instituto Cultural Francês em Abidjan. Em novembro de 1986, aos 25 anos, Basquiat se tornou o artista mais jovem a receber uma exposição individual na Kestner-Gesellschaft em Hannover. Ele desfilou para Rei Kawakubo no show Comme des Garçons Homme Plus em Paris.

Últimos anos e morte: 1986-1988 Editar

Durante o relacionamento, Goode começou a cheirar heroína com Basquiat, pois as drogas estavam à sua disposição. "Ele não me empurrou, mas ele estava lá e eu era tão ingênua", disse ela. No final de 1986, ela os matriculou em um programa de metadona em Manhattan, mas Basquiat desistiu depois de três semanas. De acordo com Goode, Basquiat não começou a injetar heroína até depois que ela terminou o relacionamento. Nos últimos 18 meses de sua vida, Basquiat se tornou um recluso. Acredita-se que seu uso continuado de drogas tenha sido uma maneira de lidar com a morte de seu amigo Andy Warhol em fevereiro de 1987.

Em 1987, Basquiat expôs na Galerie Daniel Templon em Paris, na Galeria Akira Ikeda em Tóquio e na Galeria Tony Shafrazi em Nova York. Ele projetou uma roda gigante para o Luna Luna de André Heller, um parque de diversões temporário em Hamburgo de junho a agosto de 1987 com brinquedos projetados por renomados artistas contemporâneos. Em janeiro de 1988, Basquiat viajou para Paris para sua exposição na Galerie Yvon Lambert e para Düsseldorf para uma exposição na Galerie Hans Mayer. Enquanto em Paris, ele fez amizade com o artista marfinense Ouattara Watts. Eles fizeram planos para o verão para viajar juntos para o local de nascimento de Watts, Korhogo. Após sua exposição na Galeria Vrej Baghoomian em Nova York em abril de 1988, Basquiat viajou para Maui em junho de 1988. Quando voltou, seu amigo Keith Haring relatou ter se encontrado com Basquiat, que ficou feliz em lhe dizer que não era mais viciado em drogas. Apesar das tentativas de sobriedade, Basquiat morreu aos 27 anos de overdose de heroína em sua casa na Great Jones Street, em Manhattan, em 12 de agosto de 1988. Ele foi encontrado inconsciente em seu quarto por sua namorada Kelle Inman. Ele foi levado para o Centro Médico Cabrini, onde foi declarado morto na chegada.

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Jean-Michel Basquiat - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Basquiat nasceu em 22 de dezembro de 1960, em Park Slope, Brooklyn, Nova York, filho de Matilde Basquiat e Gérard Basquiat. Seu pai nasceu em Port-au-Prince, Haiti e sua mãe nasceu no Brooklyn para pais de ascendência porto-riquenha.

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Olá, Sou Tom Silva, artes visuais- Licenciatura, polo Muriaé… Essa obra (aranha) é feita com um único fio de alumínio reaproveitado de rede elétrica… Espero que gostem 😊  

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Olá, Sou Tom Silva, artes visuais- Licenciatura, polo Muriaé… Essa obra (aranha) é feita com um único fio de alumínio reaproveitado de rede elétrica… Espero que gostem 😊  

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Boa noite! Me chamo Claudia, entrei no curso para ocupar tempo ocioso e agregar qualidade em minha vida. Mas confesso q estou bem perdida, mas acredito q logo consigo entrar nos trilhos.

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Gravura utilizando técnica de emenda  de cor.

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Gravura utilizando técnica de emenda  de cor.

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Desenho foi feito para participar de um edital de mostra de arte da prefeitura em parceria com o museu histórico aqui da minha cidade onde eu moro.

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O livro é ao mesmo tempo uma história das teorias do cinema e uma introdução à obra dos mais importantes e influentes autores que se dedicaram a este assunto: Munsterberg, Arnheim, Eisenstein, Balázs, Kracauer, Bazin, Mitry e Metz. O autor compara a tradição formativa com a do realismo, para ilustrar o desenvolvimento de ambas as teorias, além de analisar a teoria cinematográfica francesa contemporânea.

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Essa tela é uma releitura que fiz de um dos lindos trabalhos de Luiz Roio

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Essa tela é uma releitura que fiz de um dos lindos trabalhos de Luiz Roio

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Sempre gostei de arte… Mas alguns movimentos artísticos não me agradam… Entendo que a arte pode ser expressada de várias maneiras… nesse semestre estou aprendendo muito com o professor Wesley 🙏🏻