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Dossier artistique KAMUYOT Cie Grenade Josette Baïz ST

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Josette Baïz - Cie Grenade - Manège de Reims

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Sur des génériques de séries cultes ou des mélodies pop japonaises, la compagnie Grenade, dirigée par Josette Baïz, s’empare d’une pièce détonante d’Ohad Naharin, figure phare de la danse contemporaine. Un show festif, électrisé par la virtuosité et l’énergie communicative de ses treize interprètes.

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KAMUYOT :: Teaser  :: Compagnie Grenade - Josette Baïz

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Présentation du groupe Grenade sur le site de la Compagnie

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Présentation du groupe Grenade sur le site de la Compagnie

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Histoire

En 1989/90, le Ministère de la Culture propose à Josette Baïz une résidence d'un an dans les quartiers nord de Marseille à l'Ecole de la Bricarde. Elle y crée, avec l'aide du réalisateur Luc Riolon le film " Mansouria " qui regroupe une centaine d'enfants dans diverses disciplines telles que la danse, le chant, le théâtre... Josette y a découvert des enfants de toutes origines, entièrement investis dans ces projets de danse.

Une seconde résidence dans une école d'Aix-en-Provence s'effectue où un 2ème film " L a Caverne des Nats " est réalisé par Vincent Bidault : il rassemble une quarantaine d'enfants aixois et marseillais en étant plus axé sur la chorégraphie.

Le travail de Josette Baïz dans les quartiers d'Aix et de Marseille lors de ces deux années de résidence successives s'est concrétisé en 1992 par une expérience peu commune, la création d'un groupe de jeunes danseurs issus de ces quartiers : le Groupe Grenade.

Ainsi, au cours des 10 premières années, les jeunes du Groupe Grenade ont peu à peu mêlé leurs diverses provenances chorégraphiques pour inventer un langage unique et original. Dès le départ, le "métissage" a été la spécificité du Groupe, dérivant du contemporain au hip-hop en passant par de multiples danses ethniques.

Le succès des tournées a conforté Josette Baïz dans son envie de développer une technique de plus en plus pointue en élargissant la formation des danseurs à d'autres techniques et en incluant le classique. Ces jeunes danseurs ont été rapidement reconnus comme porteurs d'un style chorégraphique nouveau : le style Grenade, symbole d'énergie, de métissage et d'ouverture sur le monde.

Actuellement

Aujourd'hui, Le Groupe Grenade est composé d'une cinquantaine d'enfants et adolescents de 7 à 18 ans. Le travail du Groupe Grenade s'est alors ouvert vers d'autres horizons chorégraphiques en interprétant deux ballets de Jean-Claude Gallotta : " 3 Générations" en 2003 et " Ulysse " en 2007.

Ces mêmes adolescents se chargent de la transmission aux petits danseurs nouvellement arrivés.
A leur majorité Josette propose à certains danseurs alliant technique, qualité et engagement d'intégrer progressivement la Compagnie professionnelle. D'autres choisissent de parfaire leur formation au sein d'écoles de danse nationales (Conservatoire de Lyon, CNDC d'Angers, Epsedanse / Anne-Marie Porras...).

Cette expérience est unique en France, le GROUPE GRENADE est accueilli avec succès dans toute la France et à l'étranger et a aujourd'hui pour vocation de devenir un véritable Centre Chorégraphique pour la jeunesse.

: : La formation au sein du Groupe Grenade

1. Les danseurs du Groupe bénéficient d'une formation complète avec trois cours hebdomadaires alternés entre :
- DANSE CLASSIQUE avec Audrey Lievremont, professeure diplômée d'Etat formée à l'École-Atelier Rudra Béjart à Lausanne - Danseuse interprètes dans les cie M.Maurice Béjart, Ballet d'Europe, cie Introdans, Compagnie Norma et la cie (1) PROMPTU.
- DANSE CONTEMPORAINE avec les danseurs de la Compagnie Grenade diplômés d'état,
- DANSE HIP-HOP avec des intervenants qualifiés,

2. Un cours hebdomadaire de danse contemporaine avec Josette Baïz,

3. La confrontation régulière à d'autres techniques de danse par l'invitation de Professeurs et Chorégraphes,

4. Un accès aux cours ouverts de l'association (classique, contemporain),

Les enfants et adolescents danseurs du Groupe Grenade suivent une scolarité normale, sans horaires aménagés.
Ils créent et répètent leurs spectacles pendant leur temps de répétition : 3h le mercredi après-midi, 2h un soir de semaine ou le samedi après-midi. Ils créent en moyenne un spectacle tous les 2 ans en parallèle des tournées.

: : Parcours du Groupe Grenade

Pièces chorégraphiques

2020 BAOBABS,Grand Théâtre de Provence - Aix-en-Provence 2019 YAS, C'est Sud 2019 - Aix-en-Provence

2018 D'EST EN OUEST, de Melbourne à Vancouver I Grand Théâtre de Provence - Aix-en-Provence
2016 ALICE, création, Le Merlan, scène nationale de Marseille
2015 GUESTS II, création, Festival de danse de Cannes
2014 GUESTS I, création, Grand Théâtre de Provence - Aix en Provence
2013 ROMEO ET JULIETTE, création, Festival International d'art lyrique d'Aix-en-Provence
2011 GRENADE, LES 20 ANS, création, Grand Théâtre de Provence - Aix en Provence
2009 OLIVER TWIST, création, Grand Théâtre de Provence - Aix en Provence
2007 LE SACRE, création, théâtre de Château Rouge - Annemasse
2007 ULYSSE, création - MC2 de Grenoble
2005 ON N'EST PLUS DES ANGES, création lors du festival de Danse à Aix
2005 BARBE BLEUE, création à l'Equinoxe de Châteauroux
2003 3 GÉNÉRATIONS, création Jean-Claude Gallotta, Festival d'Avignon
2002 ZOOM, création au Théâtre des Salins- Scène Nationale de Martigues
2001 LA VIE EN ROSE, création au Dôme - Théâtre d'Albertville
2000 TRAFICS, création au Théâtre du Merlan - Scène Nationale de Marseille
1999 TRAFICS, première partie, création au Festival de Marseille
1998 IMAGINE, création au Théâtre du Merlan - Scène Nationale de Marseille
1996 DALANG, création au Théâtre du Merlan - Scène Nationale de Marseille
1995 UN SOURIRE DANS LA LUNE création commune avec l'Opéra Junior de Montpellier (Festival International Montpellier Danse)
1994 GUELWESCH, création au Théâtre de Fontblanche - Vitrolles
1992 SECRET D'ÉMILE, création au Théâtre Toursky - Marseille

Créations partagées Groupe Grenade et...

1997 RENDEZ-VOUS création commune avec la Compagnie Käfig 1997 MIROIRS création commune Groupe Grenade, Compagnie la Place Blanche

Films chorégraphiques

1992 SECRETS d'ENFANTS, Bétacam SP, 26′, réalisation Vincent Bidault
1991 LA CAVERNE DES NATS, Bétacam SP, 38 minutes, réalisation Vincent Bidault
1990 MANSOURIA, Bétacam SP, 32 minutes, réalisation Luc RIOLON

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Présentation du Groupe Grenade :: Enfants et adolescents danseurs :: Josette Baiz

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En 1989/90, le Ministère de la Culture propose à Josette Baïz une résidence d'un an dans les quartiers nord de Marseille à l'Ecole de la Bricarde. Elle y crée, avec l'aide du réalisateur Luc Riolon le film " Mansouria " qui regroupe une centaine d'enfants dans diverses disciplines telles que la danse, le chant, le théâtre...

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Reportage sur le groupe Grenade "Grenade, fruit de la passion"

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Reportage sur le groupe Grenade "Grenade, fruit de la passion"

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Source : France3

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compagnie grenaqde france 3 - Bing video

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La Minute du spectateur (2021) : Josette Baïz

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.
Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.  …

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Emission du Grand Echiquier lors de la tournée de Kamuyot

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Emission du Grand Echiquier lors de la tournée de Kamuyot

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Compagnie Grenade :: Josette Baïz :: Emission Le Grand Echiquier  Oct 19

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La minute du spectateur : Chorégraphe Ohad Naharin

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La minute du spectateur : Chorégraphe Ohad Naharin

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La Minute du Spectateur

La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.

Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.
© Maison de la Danse de Lyon

Naharin, Ohad

Danseur prodige, aujourd'hui chorégraphe et directeur de la Batsheva Dance company, Ohad Naharin est un acteur essentiel de la danse en israël. Depuis 1980, et sa première chorégraphie " Haru No Umi ", Naharin s'est imposé comme l'un des auteurs majeurs d'une danse moderne. s'appuyant sur la technique infaillible des interprètes de la Batsheva, il développe un sens de la gestuelle à la puissance évocatrice et émotionnelle singulière. lorsque l'on demande à Ohad Naharin s'il existe un style Batsheva, ou mieux, un style naharin, il répond simplement : " le style, c'est un piège. Disons que l'on peut reconnaître notre pensée de la danse, notre philosophie. Avec également cette constance à apprendre, à changer. et donc à trouver de nouvelles réponses ". Artiste plus engagé qu'il n'y paraît, doté d'une forte culture musicale, Ohad Naharin voit son pays et ses contradictions comme une opportunité, pas une fatalité : " Je crois que notre environnement aide les gens à être créatif ". Mais il réfute cette idée d'une communauté de la création chorégraphique spécifiquement israélienne.

Dans sa méthode d'enseignement dénommée Gaga, on retrouve un véritable langage du mouvement développé par Naharin lui-même depuis une décennie. " Une autre façon de préparer son corps, déclare Ohad Naharin, une boîte à outils pour les danseurs. " l'exploration des sensations au service du mouvement. encore et toujours cet appétit de danse qu'il se doit de transmettre. au-delà de ces enjeux pédagogiques, il y a une physicalité, un engagement en scène qui est propre à cette troupe. et que l'on retrouve dans les nombreux ballets (une vingtaine) de Naharin pour la Batsheva ou sa branche junior Batsheva ensemble.

Source : Programme de salle Maison de la Danse

En savoir plus : batsheva.co

Plasson, Fabien

Fabien Plasson est réalisateur, principalement dans le domaine du spectacle vivant (danse, musique, etc.).

C'est au cours de sa formation à l'École Nationale Supérieur des Beaux-Arts de Lyon qu'il intègre en 1995 que Fabien découvre l'art vidéo. Il se forme alors auprès de divers artistes vidéastes (Joël Bartoloméo, Pascal Nottoli, Eric Duyckaerts, etc).
Son approche s'inscrit d'abord dans une recherche plastique avec la création d'installations et d'objets filmiques.

En 2001, il rejoint l'équipe de la Maison de la Danse de Lyon et s'occupe durant 10 ans de la programmation du Vidéo-Bar Ginger&Fred. Il découvre alors l'univers chorégraphique et les enjeux de la vidéo pour la diffusion et la transmission de la danse aux côtés de Charles Picq alors vidéaste et directeur du service vidéo de la Maison de la Danse.

En parallèle, il continue son activité de création plastique, réalise des vidéos de concerts, de pièces de théâtre et crée également des décors vidéos pour le spectacle vivant.

Aujourd'hui, Fabien Plasson est réalisateur vidéo au Pôle Image de la Maison de la Danse de Lyon et pour Numeridanse.tv, vidéothèque internationale de danse en ligne.

Source : Maison de la Danse, Fabien Plasson

Batsheva Dance Company

Direction artistique: Ohad Naharin

Année de création: 1979

Fondée en 1964 à Tel-aviv, la Batsheva Dance company est dirigée depuis 1990 par Ohad Naharin. après avoir fait ses classes à new York auprès de Martha Graham, fondatrice de la Batsheva, il rejoint l'école de Maurice Béjart à Bruxelles durant un an. Il intègre ensuite l'ensemble israélien Bat-dor et commence ainsi à se produire à l'international. En 1980, il monte sa propre compagnie et fait ses débuts de chorégraphe. De formation musicale, passionné de mouvement, c'est à travers la technique " Gaga ", une écriture axée sur l'exploration des sensations et la disponibilité du corps, qu'il impose sa marque de fabrique et écrit les grandes heures de la Batsheva. Ohad naharin aura véritablement marqué l'histoire récente de la danse contemporaine. Ses pièces ont été présentées sur les plus grandes scènes du monde par le nederlands Dans Theater, le Ballet du Grand Théâtre de Genève, le Ballet de francfort ou l'Opéra de paris. La Batsheva est venue à Lyon dans le cadre de la Biennale de la Danse en 1998 avec " Anaphase ", à la Maison de la Danse en 2001 avec " Sabotage Baby " et aux Nuits de Fourvière en 2008 avec " Deca Dance ".

Source: Maison de la Danse - programme 2015

En savoir plus: batsheva.co.il/en/home

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La Minute du spectateur (2021) : Ohad Naharin

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre. Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.

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Josette Baïz, formée par Odile Duboc, enseigne la danse contemporaine depuis 1978 à Aix-en-Provence, où elle crée ses premières chorégraphies pour de jeunes danseurs issus de ses cours.

En 1982, alors danseuse chez Jean-Claude Gallotta, Josette Baïz remporte au 14ème Concours International de Chorégraphie de Bagnolet le 1er Prix, ainsi que ceux du Public et du Ministère de la Culture.
Elle fonde alors sa première compagnie : La Place Blanche, et a créé depuis lors, plus de 40 spectacles, aussi bien pour ses propres compagnies, que pour de nombreux ballets nationaux (Toulouse, Jeune Ballet de France du C.N.R de Lyon ...) ou internationaux (Boston, Ballet Royal de Phnom Penh, Allemagne, Vénézuela, Pays Bas...).

En 1989, le Ministère de la Culture lui propose une résidence d'une année dans une école des quartiers nord de Marseille. Cette rencontre avec ces jeunes d'origines et de cultures diverses l'amène à repenser le sens de son travail et à modifier radicalement sa démarche artistique.

La confrontation avec des propositions aussi diverses que le break dance, le smurf, le hip hop, la danse orientale, gitane, indienne ou africaine, l'ont obligée à revoir entièrement ses acquis corporels et mentaux.

Un processus d'échanges s'est alors mis en place : Josette Baïz enseignait le contemporain, le classique et la composition dans des ateliers de recherches ; les jeunes danseurs lui apprenaient leur façon d'affirmer leurs origines et leurs sentiments.
Naturellement Josette Baïz crée en 1992 le Groupe Grenade qui rassemble alors plus de trente jeunes danseurs.
C'est en 1998 que Josette prend le parti de pérenniser le travail de métissage entrepris avec le Groupe Grenade, tout en restant dans une optique profondément contemporaine. Elle crée alors la Compagnie Grenade composé alors de cinq danseuses majeures issues du Groupe Grenade.

Aujourd'hui, Grenade est un ensemble chorégraphique composé d'une soixantaine de danseurs répartis entre le Groupe Grenade et la Compagnie Grenade. Le Groupe Grenade se compose d'une cinquantaine d'enfants et adolescents de 7 à 18 ans, la Compagnie Grenade quant à elle est composée d'une douzaine de professionnels adultes.

Presque tous ont suivi depuis leur plus jeune âge une formation basée sur la pluralité des disciplines chorégraphiques (contemporain, classique, Hip Hop, Jazz et danses ethniques) ainsi qu'un apprentissage très précoce de la représentation sur scène.
En effet, dès 7 ans ils parcourent déjà les scènes nationales et internationales avec des créations d'environ durée 1H. Ils abordent toutes ces tournées avec un sérieux et un engagement dignes d'une compagnie professionnelle.

Par ailleurs, tous suivent régulièrement des cours dispensés par des professeurs invités pour leur spécificité pédagogique.
Depuis quelques années, Grenade s'est également ouvert à d'autres formes de danse contemporaine ; les plus jeunes ont notamment dansé des pièces de Jérome Bel, Philippe Découflé, Jean-Claude Gallotta, Michel Kelemenis, Abou Lagraa, Jean-Christophe Maillot et Angelin Preljocaj. Les professionnels de la Compagnie Grenade ont, quant à eux, interprété dernièrement des pièces de Dominique Hervieu, Blanca LI, Germaine Acogny et Eun-Me Ahn.

Josette Baïz souhaite continuer à enrichir ce répertoire chorégraphique en collaborant artistiquement, toujours et encore, avec des chorégraphes français et étrangers ; en participant à des projets pluridisciplinaires nouveaux et originaux, développant ainsi la rencontre et l'échange.

: : En quelques dates

1976-80 : Formation avec Odile Duboc à Aix en Provence
1980-82 : Danseuse chez Jean-Claude Gallotta, Groupe Emile DUBOIS
1982 : 1er Prix de Chorégraphie de Bagnolet création de la Compagnie La Place Blanche
1992 : Création du Groupe GRENADE
1998 : Création de la Compagnie GRENADE

Depuis 1989, Josette Baïz est titulaire du Certificat d'Aptitude aux fonctions de Professeur de Danse Contemporaine.

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Présentation de Josette Baïz : Parcours, historique

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Josette Baïz, formée par Odile Duboc , enseigne la danse contemporaine depuis 1978 à Aix-en-Provence, où elle crée ses premières chorégraphies pour de jeunes danseurs issus de ses cours. En 1982, alors danseuse chez Jean-Claude Gallotta , Josette Baïz remporte au 14ème Concours International de Chorégraphie de Bagnolet le 1er Prix, ainsi que ceux du Public et du Ministère de la Culture.

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Ohad Naharin est le chorégraphe résident de la Batsheva Dance Company et le créateur du langage corporel Gaga. Né en 1952 à Mirza en Israël d'une mère chorégraphe, professeur de danse et spécialiste de la méthode Feldenkrais et d'un père acteur et psychologue, Ohad Naharin intègre la Batsheva Dance Company en 1974 sans véritable formation initiale. Au cours de sa première année, Martha Graham, alors chorégraphe en résidence au sein de Batsheva, l'invite à rejoindre sa propre compagnie à New-York. Peu après, il parfait sa formation en 1975 et 1976 à la School of American Ballet et à la Julliard School. Il étudie également auprès de Maggie Black et David Howard avant de rejoindre, pour une saison, le Ballet du XX e siècle de Maurice Béjart à Bruxelles. En 1979, Ohad Naharin retourne à New-York où il fait ses débuts de chorégraphe au sein du studio Kazuko Hirabayshi. Entre 1980 et 1990, il présente ses œuvres à New-York et dans le monde entier, créant plusieurs d'entre elles pour la Batsheva Dance Company et pour le Nederlands Dans Theater. Il travaille à cette époque avec sa première épouse, la danseuse Mari Kajiwara, ainsi qu'avec un groupe de danseurs installé à New-York. Leur collaboration artistique se prolonge jusqu'en 2001, année où décède Mari Kajiwara des suites d'un cancer. En 1990, Ohad Naharin est nommé directeur artistique de la Batsheva Dance Company. La même année, il fonde le Batsheva - The Young Ensemble, ballet junior de la compagnie. Depuis, il a créé plus de trente œuvres pour les deux compagnies. Parallèlement à son travail scénique, il est à l'origine du langage Gaga. Fruit de ses recherches sur l'exploration du mouvement, ce langage novateur permet de développer les sensations et l'imaginaire du corps, de prendre conscience des formes du mouvement, d'inventer de nouvelles gestuelles et de dépasser les limites du monde connu. Le Gaga constitue aujourd'hui l'entraînement quotidien des danseurs de la Batsheva. Il est également enseigné dans le monde entier aussi bien auprès des danseurs professionnels que des danseurs amateurs. Au cours son enfance, Ohad Naharin a reçu une formation musicale qui influence encore aujourd'hui son travail. Ses œuvres sont imprégnées d'une musicalité unique et témoignent de collaborations intenses avec le monde musical, tels le groupe de rock israélien The Tractor's Revenge ( Kyr, 1990), les chanteurs Avi Balleli et Dan Makov ( Anaphase, 1993), Ivri Lider ( Z/na, 1995) ou Grischa Lichtenberger ( Last Work, 2015). Sous le pseudonyme de Maxim Waratt, Ohad Naharin compose également des musiques, notamment pour MAX (2007), ou reprend et mixe des bandes son, comme pour Mamootot (2003), Hora (2009), Sadeh21 (2011), The Hole (2013), Last Work (2015) et Venezuela (2017). L'œuvre d'Ohad Naharin a fait l'objet de plusieurs films, dont le documentaire Out of focus, sorti en 2007, dans lequel le réalisateur Tomer Heymann capte le travail du chorégraphe lors de la transmission de Decadance auprès des artistes du Cedar Lake Contemporary Ballet. En 2015, le documentaire des frères Heymann, Mr. Gaga, qui retrace l'histoire d'Ohad Naharin, est acclamé par le public et la critique. En 2018, Decadance entre, dans une nouvelle version, au répertoire du ballet de l'Opéra national de Paris. Naharin, qui possède la double nationalité israélienne et américaine, vit aujourd'hui en Israël avec sa femme Eri Nakamura, danseuse et costumière, et leur fille Noga.

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Ohad Naharin est le chorégraphe résident de la Batsheva Dance Company et le créateur du langage corporel Gaga. Né en 1952 à Mirza en Israël d'une mère chorégraphe, professeur de danse et spécialiste de la méthode Feldenkrais et d'un père acteur et psychologue, Ohad Naharin intègre la Batsheva Dance Company en 1974 sans véritable formation initiale.

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Article de presse - Danses avec la plume

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Article de presse - Danses avec la plume

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Danses avec la plume - L'actualité de la danse

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Kamuyot d’Ohad Naharin – Compagnie Grenade

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Connue pour ses interprétations d’œuvres de chorégraphes au style très différent, la compagnie Grenade dirigée par Josette Baïz, s’attaque à Kamuyot, pièce de Ohad Naharin créée pour la Batsheva - The Young Ensemble en 2003. Les 13 jeunes interprètes se […]

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Dossier thématique pour une approche de la création contemporaine

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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Introduction

La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

Plus de cinq cents compagnies de danse sont actuellement répertoriées en France. Dix-neuf centres chorégraphiques nationaux sont dirigés par des artistes et participent à l'effervescence d'une scène parmi les plus pointues du spectacle vivant. Le Centre national de la danse, à Pantin, est devenu un haut lieu de soutien et de promotion de la danse sous toutes ses formes.

Le boum des années 80

On date la naissance de la danse contemporaine française du début des années 80. On lui fait brandir l'étendard d'un geste neuf et original qui fait table rase du passé et de la danse classique. On lui accorde une liberté ravageuse et une invention en rapport. On lui donne une couleur politique avec l'avènement de François Mitterrand et la nomination de Jack Lang au poste de Ministre de la Culture qui va soutenir et solidifier ce mouvement artistique en ouvrant les centres chorégraphiques nationaux et en subventionnant les chorégraphes.

Exception française, la danse contemporaine surgit en même temps que des artistes comme Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, Régine Chopinot, Daniel Larrieu, Angelin Preljocaj...Explosion de mouvements, de sensations, de désirs, de couleurs, de musiques... Ces auteurs chorégraphiques imposent sur le plateau des univers, des obsessions, des thèmes et une écriture singulière qui les distingue. Si la plupart d'entre eux a peu ou prou suivi des cours de danse classique ou moderne, certains viennent aussi des arts plastiques comme Gallotta, ou de l'architecture comme François Verret. A 16 ans, Daniel Larrieu préparait un BEP jardins et espaces verts. Le point commun de ces personnalités atypiques : inventer une gestuelle qui ne doit rien qu'à eux et la formidable énergie des années 80.

Identité

Parmi les pièces-phares apparues au début des années 80, il faut citer celles de Dominique Bagouet (1951-1992), dont l'écriture insolite et subtile, mixant les pas classiques à ceux de danses populaires, est un régal de fantaisie fine. Dès 1976, avec Chansons de nuit (1976), interprétée par Bagouet lui-même, accompagnée à l'accordéon par Eliane Lencot, il remporte le Concours de Bagnolet. C'est en 1981 que Régine Chopinot, qui a fondé sa compagnie en 1978, décroche le prix de Bagnolet avec Halley's Comet, bombe d'énergie. Jean-Claude Gallotta lance sa compagnie, le Groupe Emile Dubois, en 1979 avec des amis de tous bords dont la danseuse Mathilde Altaraz. Il impose son talent en 1981 avec Ulysse, " ballet blanc " croisant et décroisant les fils d'élans juvéniles...

Tous jettent sur scène des volées de danseurs urgents, débordants d'électricité et d'appétit... tous différents. Les interprètes contemporains se distinguent des classiques, profilés et impeccables. Il y a des grands, des gros, de petits, des moyens... Certains ne possèdent aucune technique, ni savoir-faire. Aucune importance. Seuls comptent le désir, la sincérité d'un geste, porté par chacun tel qu'en lui-même. C'est la vie qui mène le jeu et la danse.

Les chorégraphes laissent de côté le livret du ballet pour oser d'autres histoires plus explosées, abstraites parfois, quotidiennes aussi, toujours sculptées à même le corps en mouvement. Ils cherchent à dire quelque chose d'inconnu et en trouvent les moyens dans le secret de leur studio de travail.

Le mouvement revendiqué surgit du plus profond des corps et du psychisme des artistes. La danse contemporaine est un art de l'inconscient qui dialogue avec l'inconscient des spectateurs. Conflictuelle, toujours ouverte aux évènements du monde, elle s'en fait le réceptacle et en relance les enjeux sur le plateau.

Le concours de Bagnolet

En 1968, le danseur Jaque Chaurand lance le Concours de Bagnolet. Il veut soutenir les chorégraphes dans un contexte peu propice à la création et à la diffusion. Il donne rendez-vous dans un gymnase à toutes les compagnies qui ont envie de montrer leur travail. Peu à peu, l'affaire prend et s'envole au milieu des années 70. Dès 1976, Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, puis Maguy Marin, sont sur les rangs et décrochent des prix. De plus en plus suivi, dans une ambiance haute en couleurs, le Concours de Bagnolet va devenir la plaque-tournante de la jeune création chorégraphique et le tremplin de ce que l'on appellera la danse contemporaine française.

Tous y défileront, de François Verret à Régine Chopinot, de Joëlle Bouvier et Régis Obadia à Claude Brumachon... En 2009, grâce à l'initiative et la passion du danseur et chorégraphe Emilio Calcagno, et l'accord de Jaque Chaurand, une soirée de pièces intitulée " Nouvelle Vague-Génération Bagnolet " voit le jour. Avec l'accord des artistes, quatre pièces courtes emblématiques signées Bagouet, Gallotta, Larrieu et Preljocaj, sont remontées et transmises à de jeunes danseurs.

Les pionniers des années 70

La danse contemporaine, qui prétendait faire table rase du passé, a évidemment profité du travail et du succès de nombre d'artistes. Les filiations sont nombreuses qui permettent de fixer une photo de famille riche et complexe.

Béjart et Cunningham

Deux figure paternelles ont marqué les danseurs. Côté européen, Maurice Béjart, personnalité contestée parfois par les jeunes contemporains mais imparable, est de plus en plus reconnue. Celui qui a fait de la danse un art populaire a mis en scène des pièces inoubliables comme Symphonie pour un homme seul (1955), Le Sacre du printemps (1959) ou encore Boléro ( 1961). Il a osé le métissage des cultures et des musiques, les hommes en jeans, le théâtre total, l'érotisme et la philosophie... Il a ouvert en 1970 une école Mudra, à Bruxelles, qui accueillera jusqu'en 1987 quelques-uns des chorégraphes les plus en vue comme Anne Teresa de Keersmaeker, Catherine Diverrès, Bernardo Montet, Hervé Robbe, Michèle Noiret et bien d'autres. Avec lui entrent en scène la narration, le théâtre, le spectaculaire, le mélange des genres...

De l'autre côté de l'Atlantique, Merce Cunningham (1909-2009 ), dans le studio duquel nombre de danseurs et chorégraphes viendront chercher des outils de travail au début des années 80, attire pour sa modernité, son talent pour l'abstraction, sa revendication du mouvement pour le mouvement...

L'école américaine

Les artistes français filent aussi faire leurs apprentissages et se doter d'outils de travail auprès d'Alwin Nikolais (1910-1993), qui sera directeur du Centre national de danse contemporaine d'Angers de 1978 à 1981. Parmi ses élèves, Philippe Decouflé, Dominique Boivin, Marcia Barcellos, Maria Donata d'Urso et bien d'autres, aujourd'hui chorégraphes reconnus.

L'influence américaine sur la danse contemporaine est très forte.

Ex-interprètes de Nikolais, Susan Buirge et Carolyn Carlson s'installent à Paris au milieu des années 70 et rassemblent autour d'elles nombre de jeunes artistes en rupture de ban. Invitée par le directeur de l'Opéra de Paris Rolf Lieberman, Carlson ouvre le Groupe de recherches théâtrales de l'Opéra de Paris ( GRTOP) en 1975 et donne des ateliers pendant cinq ans dans la Rotonde des abonnés.

Côté allemand

Du côté allemand, l'influence est moindre, même si l'impact de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009), directrice du Tanztheater Wuppertal depuis le milieu des années 70, se fait sentir sur le milieu de la danse et du théâtre. Des personnalités comme Françoise et Dominique Dupuy, collaborateur du chorégraphe allemand Jean Weidt dans les années 40, ont créé leur compagnie en 1955 et perpétuent un geste chorégraphique enraciné dans l'urgence intérieure. En 1969, ils ont ouvert les Rencontres Internationales de Danse Contemporaine, au sein desquelles un institut de formation partagé avec Jacqueline Robinson formera nombre de jeunes artistes. La danseuse Karin Waehner (1926-1999), complice de Mary Wigman ( 1886-1973) dans les années 40 à Leipzig, enseigne à la Schola Cantorum à Paris et transmet une pensée de la danse ancrée dans l'expression de la personnalité de chacun. Elle y aura comme élève Angelin Preljocaj qui ira aussi à New-York travailler chez Cunningham.

Le clash des années 90

Au milieu des années 90, d'anciens interprètes de Régine Chopinot, Philippe Decouflé, Jean-Claude Gallotta... se rebellent contre la belle danse des années 80, celle qui abat du mouvement au kilomètre pour le seul plaisir d'additionner des gestes les uns aux autres. Ils se dressent aussi contre le spectaculaire, la virtuosité, le luxe de certaines productions...Ce qu'on va appeler " la non-danse ", la " danse conceptuelle " ou " plasticienne " apparaît et brise les codes en vigueur. Les noms de Jérome Bel, Boris Charmatz, Emmanuelle Huynh, Alain Buffard, Christian Rizzo... grimpent en haut de l'affiche. Ils disent " non " !

" Non " à la gratuité du geste, aux décors, aux costumes, aux effets de lumière, à la musique... Le spectacle Jérôme Bel en 1995, sur le plateau du Théâtre de la Bastille, à Paris, se lit comme un manifeste. Deux danseurs nus, une chanteuse dans le même appareil qui ose un Sacre du Printemps a capella, une petite ampoule pour tout éclairage. Ils épellent leurs codes vitaux (nom, prénom, mensurations, compte bancaire, montant d'argent à disposition...) tout en triturant leur corps. Avec Jérôme Bel, Jérôme Bel affirme haut et fort son impossibilité de lever la jambe, d'enfiler des mouvements comme des perles... Il pose aussi sur le plateau l'un de ses thèmes de prédilection, celui de l'identité.

Cette remise en question de tous les paramètres du spectacle de danse, comme il faut s'y attendre, va opérer un bouleversement sur les plateaux. L'obscurité envahit la scène - Emmanuelle Huynh crée Mua (1994), un solo plongé dans le noir - ; le mouvement se fige. Les spectacles chorégraphiques se rapprochent d'installations plastiques ou de performances.

Boris Charmatz, nommé directeur du Centre chorégraphique national de Rennes en 2008, a choisi de le rebaptiser Musée de la danse. Au carrefour de la danse, de l'écriture, des arts plastiques, de la pédagogie, il revendique ce lieu comme " une idée nomade, qui peut se déplacer, abriter du temps, du vide, des discours, des nus, du politique, des discussions, des œuvres et des fantasmes... ".

Le grand mix des années 2000

La non-danse a considérablement changé la donne chorégraphique et permis à des formes inédites de voir le jour. Elle a aussi parfois figé l'invention du mouvement au risque de le paralyser. Parallèlement, les spectacles chorégraphiques sont devenus les plaques-tournantes de multiples pratiques, accueillant le texte, les arts plastiques, la vidéo, le cirque, les marionnettes... Au risque parfois de devenir un fourre-tout et de ne plus ressembler du tout à ce qu'on peut appeler une pièce de danse. Des expressions sont apparues comme, par exemple, " la danse dansée " ou " une proposition dansée dansée "* ! Symptômes presque comiques d'une situation artistique telle que le seul mot " danse " ne signifie pas tout à fait ce que l'on croit.

La danse devient un laboratoire très excitant qui ose tout jusqu'à faire disparaître les danseurs dans l'obscurité ou les remplacer par des robots. Le " grand mix " est devenu monnaie courante sur scène. Les spectacles multimédia, pluridisciplinaire, hybrides, transdisciplinaires... fleurissent. En 2009, l'Association régionale pour la création artistique et la diffusion en Ile-de-France (Arcadi) a fait disparaître son département " danse " : il est désormais englobé dans un pôle " arts de la scène ". Il n'empêche que de nouveaux noms, tous passionnants, tous différents, surgissent encore et toujours, affirmant la puissance de la danse comme Olivier Dubois, Alban Richard, David Wampach... L'éclectisme du paysage chorégraphique s'affirme avec vigueur.

Le revival des années 80

Le chambardement de la danse conceptuelle a cependant entraîné une désertion d'une partie du public. Asséner un art déceptif, pourquoi pas, mais le retour de bâton s'appelle parfois pour certains spectateurs " déception, frustration et arnaque ". Cela explique-t-il le retour depuis la fin des années 2000 de pièces des années 80 ? Sans doute. Pudique acide/Extasis (1984), remontés en 2011 par Mathilde Monnier et Jean-François Duroure, Daphnis et Chloé, remis en selle par Jean-Claude Gallotta, connaissent un succès sans précédent depuis 2011. Le plaisir et la liberté de danser, l'invention chorégraphique, la nécessité profonde de chaque mouvement, a suscité une adhésion franche du public. L'optimisme aussi, la foi dans l'avenir et l'amour de l'autre qui irriguent les spectacles des années 80 ont aussi touché les spectateurs dans un contexte de crise et d'individualisme. Jaque Chaurand, le fondateur du Concours de Bagnolet, explique ce succès en ces termes : " Y en a marre de la tristesse et des prises de tête philosophiques dans la danse. Alors que dans les années 80, les chorégraphes critiquaient la danse classique pour son élitisme, ils créent aujourd'hui des pièces réservées à une autre élite. Ce retour aux années 80 signale selon moi un désir profond de retrouver la simplicité, la spontanéité de cette époque. Pour quelles raisons la danse contemporaine a-t-elle eu autant de succès ? Parce qu'elle était proche du public, de la vie de tous les jours et des problèmes de tout un chacun... " Ces pièces sont devenues, selon l'expression de Jean Ripahette, directeur de projets au Centre chorégraphique national de Grenoble dirigé par Jean-Claude Gallotta, des " produits d'appel ", renouant avec ce que certains considèrent comme l'âge d'or de la danse contemporaine française.

Pour aller plus loin

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - La danse contemporaine française - Ina.fr

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La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

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Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres

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Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres

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Mallette pédagogique par le réseau CDC

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Pour créer un "journal du spectateur" avec des élèves après la venue au spectacle

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La posture est la position du corps dans l'espace. Pour sentir comment ton corps se tient, il faut que tu lui portes une certaine attention. Par exemple, si tu te mets debout, tu peux sentir comment tes pieds sont positionnés, quelles sont les parties de ton corps qui sont relâchées (ou pas), où se situe ta tête par rapport à ta cage thoracique... Tu peux aussi t'apercevoir qu'en fonction de ton état (fatigue, joie, tristesse, etc.), tu ne te tiens pas toujours debout de la même manière. La posture n'est donc pas le fait d'être debout immobile. Elle est la relation de ton corps à l'espace, au sol, à son poids, à ses émotions et son histoire. On ne se tient pas tous debout de la même manière. On marche tous d'un pas différent. Si tu regardes les photos qui suivent, tu peux voir que les postures reflètent des états de corps différents, mais sont aussi caractéristiques de certains styles de danse.

Buster Keaton dans Bad Luck

Israel Galvan dans La Edad de Oro

Rudolf Noureev*, danseur étoile,
puis directeur de l'Opéra de Paris

Un homme se tient debout
sur la place Taksim d'Istanbul

Elles peuvent aussi exprimer des attitudes très précises, comme ce jeune garçon qui a tenté de se tenir debout immobile plus de 24h sur cette place d'Istambul en Turquie en signe de résistance contre le gouvernement.

Eduard Manet,
étude parisienne d'Ellen Andrée, 1874

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La posture est la position du corps dans l'espace. Pour sentir comment ton corps se tient, il faut que tu lui portes une certaine attention. Par exemple, si tu te mets debout, tu peux sentir comment tes pieds sont positionnés, quelles sont les parties de ton corps qui sont relâchées (ou pas), où se situe ta tête par rapport à ta cage thoracique...

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Extraits de l'ouvrage On danse ?, Nathalie Collantes et Julie Salgues, Ed Autrement junior série Arts, Scérén, 2002

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Extraits de l'ouvrage La danse racontée aux enfants, Christine Beigel, Ed de la Martinière Jeunesse, 2012

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présentée par le Manège

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Pouvoir parler de la danse avec le vocabulaire dédié

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Jeu immersif en ligne dans lequel le joueur crée sa compagnie de danse

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Quelques conseils pour mieux apprécier la sortie au spectacle. A lire en classe avant la venue de la classe au Manège

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Rencontre avec le Manège, scène nationale de Reims

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Rencontre avec le Manège, scène nationale de Reims

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Rencontre avec le Manège, scène nationale de Reims