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Amsterdam, Países Bajos

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The Rijksmuseum is the museum of the Netherlands. Its world-famous masterworks from the Dutch Golden Age include the Milkmaid by Vermeer and Rembrandt's Night Watch. The Rijksmuseum itself is also a masterpiece. The collection is presented in a stunning building with amazing interior design. In 80 galleries 8,000 objects tell the story of 800 years of Dutch art and history, from the Middle Ages to Mondrian. Every year, over 2.5 million visitors travel through the ages and experience a feeling of beauty and sense of time.

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Rijksmuseum, Amsterdam, Netherlands - Google Arts & Culture

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The Rijksmuseum is the museum of the Netherlands. Its world-famous masterworks from the Dutch Golden Age include the Milkmaid by Vermeer and Rembrandt's Ni...

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El cisne en peligro de extinción / Agosto 25, 2020

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El cisne en peligro de extinción / Agosto 25, 2020

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Jan Asselijn, The threatened swan, 1640, óleo sobre canvas, 1710mm x 1440mm, Rijks Museum, Amsterdam.

Esta pintura fue la primera compra en 1800 en la Galería Nacional de Arte.

Lo que más me llama la atención de esta obra es la fuerza que se le da a un animal que suele mostrarse delicado e inocente. Se ve que la intención del artista era de utilizar el plano bajo para dar la ilusión de que el animal es de gran tamaño. Por el color blanco, el cisne además gana protagonismo al estar muy iluminado comparado con el resto de la obra.
Según el concepto detrás de esta pintura, el cisne está defendiendo enérgicamente su nido contra un perro, dándonos a entender que en efecto este se mostraba en una posición de fuerza.

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Anónimo, Meleager and Atalanta, 1675, aceite sobre cobre, 28cm x 33cm, Rijks Museum, Amsterdam.

De esta pintura no se conoce el autor, sin embargo se sabe que posiblemente fue hecha en Holanda del Norte.

Esta obra se basa en la historia de la mitología griega, donde Meleagro, cazador e hijo del rey, logra matar al temible Jabalí con ayuda de la cazadora Atalanta.
Se puede ver como el artista utiliza la dirección de los gestos y posiciones de los personajes para digirir nuestra mirada a la cabeza del jabalí. Sin embargo, es curioso como a pesar de ser la cabeza un tema crucial en la pintura, este es de los objetos más oscuros en la obra, dándo así más énfasis a Atalanta y a los otros personajes por jerarquía de tonos y valor.

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Rembrandt, Self-portrait, 1628, óleo sobre panel, 22.6mm x 18.7mm, Rijks Museum, Amsterdam.

A primera vista, esta pintura me pareció peculiar puesto que le daba al mismo Rembrandt una especie de penumbra por el uso de las sombras en su rostro, pero lo que más llegó a captar mi atención fue el hecho de que esta obra fue hecha por el artista cuando este era más joven e inexperto. La sorpresa que me generó se dio a raiz de la dificultad que se da detrás de hacer tu propio retrato, agregándole además la capacidad de desviarnos por un momento, para luego hacernos ver que en realidad el hombre nos está mirando fijamente, escondido en la sombra de su cara.
También cabe recalcar el uso de pincel mojado para darle más textura al pelo del hombre, pues esto le da un ascpeto más realista.

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Museo Nacional Centro de arte Reina Sofia, Madrid.

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Museo Nacional Centro de arte Reina Sofia, Madrid.

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Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, recovering Pablo Picasso's Guernica as well as an outstanding representation of the international avant-gardes and neo-avant-gardes. In short, the founding of this museum means the recuperation of the experience of modernity previously missing from the Spanish context and the opportunity to try out new models of narration from a periphery that is neither lateral nor derivative, but is rather an entry way for new stories, historiographic models and artistic episodes that tip the balance of the orthodox canon of the main museums.

Therefore, the Museo Reina Sofía program is three-fold: on the one hand, rethinking the function of the museum today; on the other hand, analysing the mechanisms for mediation between the public and the institution; and finally, proposing new contexts and stories through the collection and exhibits that lead to a new notion of modernity.

The institution no longer considers its task to be simply the transmission of culture. Instead, it works with other agents and institutions, creating networks and alliances that strengthen the public sphere and position Museo Reina Sofía as a reference of prime importance in the geopolitical South. Similarly, the public is no longer conceived of as a homogenous and uniform multitude, but rather as a collective, multiple agent that questions, rejects and forms opinions, that builds, so to speak, its relationship with the Museum through the singularity of the artistic experience.

The building that houses Museo Reina Sofía is comprised of two parts: the museum's new wing, inaugurated in 2005 and built under the direction of the French architect Jean Nouvel, and the part that was originally built as the General Hospital, promoted by Philip II of Spain in the 16th century and later by Charles III of Spain. The original plans were drawn up by the engineer and architect Jose Agustín de Hermosilla in 1756 and continued by the Italian architect Francesco Sabatini during the second half of the 18th century. Today its appearance is far from the initial conception, due to the multiple modifications it has undergone despite the fact that it continued to be used as a hospital until 1968. It was then abandoned, leading to its deterioration during the subsequent years, until it was acquired by the Ministry of Education, in 1976, to be renovated and transformed into a cultural centre. In 1986, as a culmination of Spain's transition to democracy, the Reina Sofia Art Centre (Centro de Arte Reina Sofía) was created. Four years later it would become a National Museum (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), with the founding of the current museum.

The Museum's continual development in terms of its collections and activities led to the decision to study the possibility of increasing its floor area. The studies performed ended in 1999 and, following an international call for bids, the architect Jean Nouvel was chosen to direct the construction of the new building. His plans, in addition to meeting the needs expressed by the Museum, called for playing an active role in the neighbourhood, intervening and transforming the urban surroundings, while generating new services and a public square. The creation of the latter, made possible by the arrangement of new buildings and the southwest façade of the current Museum, gave a new space to the city.

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Museo Reina Sofia, Madrid, Spain - Google Arts & Culture

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Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, ...

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Pablo Picasso, Guarnición, 1937, óleo sobre lienzo, 349.3 cm x 776.6 cm, Museo Reina Sofia, Madrid.

Acorde con sus orígenes, esta pintura pasó por muchos lugares antes de llegar al Museo Reina Sofia, pues inicialmente fue creado por Picasso como encargo para la exposición internacional de París en 1937.

Lo interesante de esta pintura es el hecho de que haya sido pintada en menos de dos meses, pues fue producto de la repentina inspiración por parte de Picasso al darse el bombardeo de la cuidad vasca conocida como Gernika en medio de la guerra civil española. Por esta razón, se volvió un símbolo político que representa cualquier episodio de violencia o vulnerabilidad de la población civil.

Artísticamente hablando, esta obra desató varios debates sobre lo que transcribía su composición, pues había quienes creían que cada detalle en esta pintura aportaba a un simbolismo bélico.
El cuadro consta de una serie de figuras geométricas y orgánicas que responden a los movimientos o gestos abstractos que muestran los personajes ahí pintados. Se podría decir que este cuadro es asimétrico, pues a ambos lados se ve la constante lucha y sufrimiento de civiles. Sin embargo, se puede ver que a partir del centro se ve que la mayoría de los personajes en la obra miran hacia la izquierda, pero el uso de la luz apuntando a la derecha compensa este des-balance.

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Portaretrato de Josette Gris / Agosto 25, 2020

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Portaretrato de Josette Gris / Agosto 25, 2020

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Juan Gris, Portarretrato de Josette Gris, 1916, óleo sobre panel, 970 mm x 1405 mm, Museo de Reina Sofia, Madrid.

Este es un portarretrato que el artista Juan gris hizo de su esposa. La técnica usada en este cuadro es claramente cubismo.

La obra está compuesta por varias figuras más que nada geométricas que al sobreponerse gracias a la jerarquía de colores como el negro y blanco, forman una silueta femenina.
También se puede observar que gracias a la líneas y el águlo de estas en el cuadro, la imagen se ve ligeramente rotada hacia la izquierda, lo que inmediatamente lleva al ojo a esta dirección. Si bien trata de una pose muy cotidiana donde la mujer parece estar sentada elegantemente en un taburete, es difícil divisar la figura en un primer vistazo.

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Juan Gris, The Musician's Table, 1926, óleo sobre lienzo,  1000 mm x 810 mm, Museo de Reina Sofia, Madrid.

Esta pintura fue hecha a inicios de 1926, un año antes de la muerte del artista.

La obra logra establecer un diálogo entre sus dibujos y sus pinturas. Si bien se entiende que hay objetos encima de una mesa, la bidimensionalidad aún es perceptible, pues por la técnica y colores vibrantes se ven como objetos uno encima del otro.

Con respecto a los colores, es claro que la jerarquía se les da a los cálidos, pues hay una gran cantidad de rojo y amarillo. Por otro lado, se puede ver una composición de colores complementarios como el rojo y el verde, además de un gran uso del gris en parte del fondo y algunos objetos del frente.

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Este museo fue instalado en el centro de París para la exhibicion universal de 1900, en el área donde solía haber una antigua estación de ferrocarril. Esta estación fue sometida a varias modificaciones, pero al final por su aspecto tan estéticamente adecuado con respecto a edificios como el Louvre, terminó convirtiéndose en un museo.
De alguna forma, la misma arquitectura de este museo fue su primera obra de arte.

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The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum was installed in the former Orsay railway station, built for the Universal Exhibition of 1900. So the building itself could be seen as the first "work of art" in the Musee d'Orsay, which displays collections of art from the period 1848 to 1914.

Open from 9.30am to 6pm daily, except Mondays
Late night on Thursdays until 9.45pm
Last tickets sold at 5pm (9pm Thursdays), museum cleared at 5.30pm (9.15pm Thursdays)
Closed on Mondays, on 1 January, 1 May and 25 December

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Musée d'Orsay, Paris, Paris, France - Google Arts & Culture

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The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum w...

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Vincent Van Gogh, Self-Protrait, 1889, óleo sobre lienzo, 540mm x 650 mm, Musée d'Orsay, Paris.

Vincent Van Gogh se sometió a innumerables portaretratos hechos por si mismo, buscando lo que se entendía como ¨su propia esencia, más allá de lo que puede expresar una fotografía". Este tipo de trabajos suele llevar consigo una crisis de identidad, por lo cual me sorprende mucho el hecho de que este hombre hubiera llegado a tal resultado tras 43 intentos pasados.

Es interesante como el resultado final es el de una pintura donde casi parece que Van Gogh se fusiona con el fondo, siendo su vestimenta de un color muy similar, mientras el color naranja de su barba y pelo logra resaltar como un complementario del turquesa que se da alrededor de su persona. Nuestro foco principal es claramente su rostro, palido y contrastante con su ya mencionada barba.

Por otro lado, es claro que al ver el fondo de la imagen se da una especie de movimiento halucinatorio que curiosamente contrasta con el aspecto inmobil del artista, terminando con una inmutable mirada que nos devuelve con los ojos.

El cuadro consta más que nada de líneas orgánicas, pues se ve la intención de volumen con curvas variadas en el abrigo y el rostro del hombre.

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Recámara de Van Gogh en Arles / Agosto 28, 2020

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Recámara de Van Gogh en Arles / Agosto 28, 2020

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Vincent Van Gogh, Van Gogh's Bedroom in Arles, 1889, óleo sobre lienzo, 740mm x 570mm, Musée d'Orsay, Paris.

Un factor peculiar de esta obra fue el hecho de que Van Gogh realizara 3 casi idénticas obras como esta. La primera versión fue destruida por una inundación en el Museo de Van Gogh en Amsterdam. Mas tarde hizo otras dos copias, una de las cuales vino parar al museo d'Orsay, creada en un tamaño más pequeño como regalo para su familia en Holanda.

En la obra se puede ver un aire de tranquilidad y simplicidad a pesar de haber colores tan contrastantes. La mezcla de colores fríos y cálidos permite un ambiente de reposo y planicidad, pues si bien se entiende que se trata de un espacio tridimensional, a primera vista puede confundirse con una bidimensionalidad repentina.

Cabe recalcar que la pintura es hecha en gran medida con linas inorgánicas, pues la geometría se muestra en varias partes de la imagem a pesar de la ocasional curva para ciertos objetos.

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El salón de baile en Arles / Agosto 28, 2020 

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El salón de baile en Arles / Agosto 28, 2020 

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Vincent Van Gogh, The Dance Hall in Arles, 1888, óleo sobre lienzo, 810mm x 650mm, Musée d'Orsay, Paris.

Lo que captó mi atención de esta obra fue la manera como inconscientemente las personas pintadas en ella no parecen persona a primera vista. Apenas la observé sentí una noción de multitud, pero no había logrado visualizarla hasta encontrar los rostros de algunos.

Es evidente que la mezcla de figuras hechas con líneas orgánicas reinan en esta obra para mostrar un sitio atestado y apretado de gente. La mayor parte de este cuadro se compone de colores cálidos como el amarillo y el rojo, sin embargo Van Gogh hace uso del azul para contrastar a ciertas siluestas al fondo y a la vez dejar en segundo plano gorros al frente que deberían verse a primera vista, pero que a causa de otros colores tan iluminados pierden protagonismo.

Asimismo, es posible ver que a causa de la diferencia en tamaños es posible ver cierta perspectiva en la obra, dándo a ver que el sitio se llena hasta el fondo y hasta dando una cierta sensación de encierro entre toda esa gente.

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Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, Nueva York.

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Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, Nueva York.

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El museo Guggenheim, fundado en 1937, fue edificado para promover el entendimiento y la apreciación del arte contemporáneo y moderno de estos tiempos a través de exhibiciones, programas educacionales, iniciativas de investigación y publicaciones.

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Founded in 1937, the Solomon R. Guggenheim Foundation is dedicated to promoting the understanding and appreciation of art, primarily of the modern and contemporary periods, through exhibitions, education programs, research initiatives, and publications. The Guggenheim network that began in the 1970s when the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, was joined by the Peggy Guggenheim Collection, Venice, has since expanded to include the Guggenheim Museum Bilbao (opened 1997), and the Guggenheim Abu Dhabi (currently in development). Looking to the future, the Guggenheim Foundation continues to forge international collaborations that take contemporary art, architecture, and design beyond the walls of the museum. The Foundation is also committed to fostering research, exhibitions, and collections in the field of global art through such programs as the Asian Art Initiative (founded in 2006), the Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative (founded in 2013), and The Robert H. N. Ho Family Foundation Chinese Art Initiative (founded in 2013). More information about the Foundation can be found at guggenheim.org.

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Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, New York, United States - Google Arts & Culture

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Founded in 1937, the Solomon R. Guggenheim Foundation is dedicated to promoting the understanding and appreciation of art, primarily of the modern and cont...

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Truong Tan, What do we want, 1993, oleo sobre lienzo, 94.6 x 200 x 25.4 cm, Guggenheim Museum, Nueva York.

Lo que me llamó la atención de este cuadro fue el hecho de que en primer lugar, mostrara lo que parece una escena bíblica (la crucifixión de Jesús), con un azul tan fuerte y un estilo simple pero moderno. Su cuerpo parece casi estar flotando en el fondo azul, y por lo que muestra, está amarrado por una cuerda desde los bordes del cuadro.

En una época donde el arte aún se veía limitado a la hora de transmitir mensajes, este artista se arriesga con una obra muy particular no solo en composición, sino también en el diálogo que promueve. "Qué queremos?" es una pregunta dirigida a la sociedad vietnamita, insinuando el cómo quieren que esta progrese.

Visualmente hablando, se ve una superposición por parte del hombre al frente, pues al estar en un fondo azul y siendo este de color blanco, genera una especie de profundidad mínima. Sin embargo, el cuadro se muestra plano y con líneas mas que nada orgánicas.

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Paisaje con pirámides / Septiembre 6, 2020

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Paisaje con pirámides / Septiembre 6, 2020

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Federico Herrero, Paisaje con pirámides, 2014, oleo sobre lienzo, 165 x 150 cm, Guggenheim Museum, Nueva York.

A primera vista este cuadro demuestra un ambiente puramente plano, lleno de formas geométricas que dan la sensación de formar alguna edificación. La jerarquía de colores muestra que predominan los fríos, dejando a los cálidos mas que nada en segundo plano como pequeñas porciones de lo que es la composición.

La pintura al ser titulada "paisaje con pirámides", nos da una idea de que las figuras desiguales al fondo son estas obras arquitectónicas, sin embargo, la visualización inicial no da tal percepción. Por otro lado, es claro ver como se muestra un poco de perspectiva implícita al tener objetos que al fondo parecen ser cubiertos por otros.

Es curioso ver que si bien la pintura muestra las supuestas pirámides, estas no se ven mas que nada por el exceso de pasteles y de color verde, pues estos dan la impresión de mostrar un ambiente menos cálido.

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Estatua de la Libertad recubierta de hamburguesas / Septiembre 6, 2020

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Estatua de la Libertad recubierta de hamburguesas / Septiembre 6, 2020

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Marta Minujin, Statue of Liberty Covered in Hamburgers, 1979, tinta en vitela de papel, 80 x 110.5 cm, Guggenheim Museum, Nueva York.

Al ver el título de este dibujo me causó mucha gracia la idea que mostraba inicialmente. Esta obra nació de una idea por parte de Marta Minujin, quien en 1979 le escribió a la corporación de McDonald's alegando tener una idea de promoción, donde se instalaría una réplica de la estatua de la libertad recostada de lado en Battery Park. Tiempo más tarde, la idea fue evolucionando hasta convertirse en un almuerzo gratis para quienes lo quisieran, donde los espectadores podrían ver como los empleados de McDonalds pegan hamburguesas a la edificación.

Lo más sorprendente de esta obra es que inicialmente muestra una imagen que uno imaginaría en historias de ficción y no en la vida real, cuando la veracidad detrás era que este era un boceto de una idea que se quería hacer cierta.

Con respecto a la composición, el dibujo claramente busca mostrar la perspectiva al diferenciar el tamaño de las personas con respecto a las enormes dimensiones de la estatua de la libertad, dando una buena idea de proporción de objetos y personas. Por otro lado, se puede ver que la imagen se apoya en líneas inorgánicas para poder darle una especie de textura tanto a la gran estatua como a las vestimentas del público que la observa. Asimismo, esta textura se da con rayas finas y poco fuertes, con el objetivo de permitir cierta translucidez que muestre a los trabajados dentro de ella. Finalmente, se puede ver que las hamburguesas se muestran de color blanco, haciendo un contraste con el gris de la estatua para así hacer ver una especie de pasta que va cubriendo la superficie.