# data[].attributes.attachment_link.description
La découverte de Lascaux en 1940 a bouleversé la connaissance de l'art préhistorique et de nos origines. Œuvre monumentale, la grotte continue de nourrir l'imaginaire collectif et d'émouvoir les nouvelles générations du monde entier.

# data[].attributes.attachment_link.title
FUMDHAM - O maior parque de pinturas rupestres do mundo.

# data[].attributes.attachment_link.description
A Fundação Museu do Homem Americano - Fumdham foi criada para garantir a preservação do patrimônio cultural e natural do Parque Nacional Serra da Capivara. É uma entidade civil, sem fins lucrativos, declarada de interesse público pelo governo brasileiro, que realiza atividades científicas interdisciplinares, culturais e sociais.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Definição
Do francês rupestre, o termo designa gravação, traçado e pintura sobre suporte rochoso, qualquer que seja a técnica empregada. Considerada a expressão artística mais antiga da humanidade, a arte rupestre é realizada em cavernas, grutas ou ao ar livre. Estão excluídas as manifestações artísticas contemporâneas como o graffiti e a arte ambiental. Alguns especialistas criticam o uso do termo "arte" para fazer referência às inscrições sobre pedra que remontam, em geral, aos povos de épocas pré-históricas, na medida em que pinturas e gravuras descobertas pelas pesquisas arqueológicas nem sempre teriam, hoje, um sentido estético evidente. Apesar disso, convenciona-se chamar de "arte" essas expressões plásticas que fornecem acessos valiosos para o estudo de várias fases da história da humanidade. Outros estudiosos alertam para o equívoco de considerar a arte rupestre como restrita à pré-história. Se exemplos mais antigos remontam aos tempos glaciais, é possível localizá-la nas eras neolítica e paleolítica e até mesmo em épocas recentes, indicam eles. Na Califórnia e no sul da África, por exemplo, a arte rupestre continua a ser produzida no século XIX.

Pinturas e gravuras rupestres apresentam-se em diferentes épocas e lugares. A dispersão geográfica, aliada às dificuldades de conservação desses grafismos, é um dos problemas colocados em seu estudo. Avaliações numéricas aproximadas calculam de 350 mil a 400 mil sítios arqueológicos com arte rupestre em todo o mundo. A África é o continente mais expressivo, com algo em torno de 100 mil sítios, pertencentes a épocas mais recentes, como os localizados na região do Saara e na região sul (Tanzânia, Angola, Namíbia e Zimbábue). A Austrália é outro território rico em arte rupestre (região de Laura, Pilbara e terra de Arnhem - Parque Nacional de Kakadu). A Ásia, por sua vez, é o menos conhecido, fala-se em 10 mil sítios na China, além dos existentes na Ásia Central, Oriente Próximo e Índia. As Américas - do Canadá à Patagônia - apresentam diversos sítios arqueológicos importantes. No Brasil, os sítios de São Raimundo Nonato, no Piauí, são os mais antigos (ver Fundação Museu do Homem Americano - Fumdham). Os exemplares europeus são mais recentes - a localização de Altamira, na Espanha, data do século XIX - e sobre eles os pesquisadores se detêm por mais tempo. Isso faz com que se considerasse, durante algum tempo, ser a arte rupestre européia a mais antiga. A despeito dos de Chavet, na França (região de Ardèche) e de La Viña (Astúrias, Espanha), parecem se localizar na Austrália (Carpenter's Gap, Kimberley) os exemplos mais remotos de arte rupestre (entre 30 mil e 40 mil anos). De qualquer maneira, as controvérsias em torno da datação permanecem apesar dos novos métodos de aferição com radiocarbono.

Ainda que os estudos mencionem ser a arte rupestre mais freqüentemente realizada ao ar livre, a arte das cavernas do paleolítico europeu é a que conhece maior popularidade (como a gruta de Lascaux, na França). A escolha dos espaços - grutas, fissuras de rochas, proximidade de lagos e outros -, longe de casual, está repleta de sentidos. Há uma tendência a interpretar as pinturas realizadas com auxílio de tochas na escuridão das cavernas, por exemplo, como feitas por xamãs em estado de transe. Divergências à parte, o fato é que o meio natural e suas relações com o mundo sobrenatural são elementos fundamentais para a análise dessas manifestações gráficas, cercadas de significados rituais, religiosos e cerimoniais.

As técnicas empregadas constituem outro aspecto explorado pelas análises. A pintura parece ter sido a realização mais antiga, mesmo que as gravuras - quando a forma é obtida pela retirada de matéria ou por incisões - sejam mais numerosas (vale lembrar que as pinturas ao ar livre praticamente desapareceram). Os traços podem ser feitos com os dedos ou com a ajuda de utensílios; as cores, obtidas do carvão (preta), do óxido de ferro (vermelha e amarela) e, às vezes, com cera de abelha. Substâncias líquidas - água, clara de ovo, sangue etc. - são empregadas nas pinturas. Às diferentes técnicas e cores (muitas vezes superpostas) são atribuídos sentidos variados. No sul da Califórnia, por exemplo, o vermelho é considerado apropriado às cerimônias femininas.

Do ponto de vista do repertório, a arte rupestre compreende temas considerados universais. As linhas e os traços circulares, em geral gravados sobre a pedra, são fartamente utilizados: no Havaí estão associados à fertilidade, sendo considerados freqüentemente femininos; na Califórnia, apresentam-se ligados a formas de controle do tempo. Mãos e pés, juntos ou isolados, assim como pegadas de animais são outra recorrência. Alguns são vistos como ligados à mitologia, outros interpretados como "assinaturas". Sobre os signos abstratos - linhas, ziguezagues, grafismos e formas geométricas - recaem as maiores dúvidas interpretativas (afinal, de que falam eles?).

Formas humanas e animais, por sua vez, abundam na arte rupestre. Também se fazem presentes figuras fantásticas, objetos e cenas, domésticas ou de trabalho. A falta de registros sobre boa parte das sociedades que produziram arte rupestre, a ambigüidade dos símbolos e as dificuldades em separar o universo profano do religioso colocam problemas para os intérpretes que mesmo assim, arriscam classificações. Fala-se em arte que "afirma uma presença" (indicando uma forma de dizer "estive" ou "estivemos aqui") por meio da representação de mãos, pés e figuras; e em outra que tem o sentido de "testemunho", na medida em que representa visualmente narrativas, eventos, cenas e mitos. Certos grafismos parecem representar mais diretamente o xamanismo; outros indicam formas de intervenção no mundo. Do ponto de vista de seus realizadores, classifica-se a arte rupestre mundial como a dos povos "caçadores-coletores arcaicos" (as cenas são raras; os animais e signos, freqüentes); a dos "caçadores evoluídos" (cenas numerosas); a dos "criadores de rebanhos" (com animais domésticos e cenas da vida cotidiana) e das "sociedades complexas" (mais variadas, com representações mitológicas e signos de todos os tipos). Em termos de estilo, fala-se no levantino (entre 6.000 e 4.000 a.C.) - quando a figura humana ganha importância e sua representação vem acompanhada de grande movimento, em cenas de dança, luta e caça - e na arte esquemática (localizada no fim da Idade do Bronze, entre 4.000 e 1.000 a.C.), quando ocorre maior simplificação e esquematização do desenho. As representações figuradas - homens e animais - convivem aí com uma profusão de inscrições abstratas.

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte rupestre | Enciclopédia Itaú Cultural

# data[].attributes.attachment_link.description
Definição Do francês rupestre, o termo designa gravação, traçado e pintura sobre suporte rochoso, qualquer que seja a técnica empregada. Considerada a expressão artística mais antiga da humanidade, a arte rupestre é realizada em cavernas, grutas ou ao ar livre. Estão excluídas as manifestações artísticas contemporâneas como o graffiti e a arte ambiental.

# data[].attributes.attachment_link.description
Google Arts & Culture features content from over 2000 leading museums and archives who have partnered with the Google Cultural Institute to bring the world's treasures online.

# data[].attributes.headline
Curso de Harvard sobre Arqueologia Egípcia

# data[].attributes.subject
Curso de Harvard sobre Arqueologia Egípcia

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
What you'll learn

Who explored the Pyramids and how they documented their discoveries

The cultural and religious significance of the Giza Pyramids, tombs, and temples

The role of hieroglyphic inscriptions in the tombs at Giza

An appreciation for Egyptian art of the Old Kingdom, or Pyramid Age

How digital technologies allow us to visualize ancient monuments in new ways

What the future holds for our understanding and experience of Giza

Course description

Where is Giza? How were the Pyramids built? How did the cemeteries and hundreds of decorated tombs around them develop? What was Giza's contribution to this first great age of ancient Egyptian civilization, the Old Kingdom?

The Giza Plateau and its cemeteries - including the majestic Pyramids and the Great Sphinx - are stirring examples of ancient Egyptian architecture and culture. They provide windows into ancient Egyptian society, but also contain mysteries waiting to be solved. The Egyptian Pyramids at Giza provide an opportunity to explore the history of archaeology and to learn about some of the modern methods shaping the discipline today.

This introductory course will explore the art, archaeology, and history surrounding the Giza Pyramids. We will learn about Egyptian pharaohs and high officials of the Pyramid Age, follow in the footsteps of the great 20th-century expeditions, and discover how cutting-edge digital tools like 3D-modeling are reshaping the discipline of Egyptology.

Join us on this online journey to ancient Egypt's most famous archaeological site as we uncover the history and significance of Giza, and use new digital techniques to unravel the mysteries of its ancient tombs and temples.

# data[].attributes.attachment_link.title
Pyramids of Giza: Ancient Egyptian Art and Archaeology

# data[].attributes.attachment_link.description
Who explored the Pyramids and how they documented their discoveries The cultural and religious significance of the Giza Pyramids, tombs, and temples The role of hieroglyphic inscriptions in the tombs at Giza An appreciation for Egyptian art of the Old Kingdom, or Pyramid Age How digital technologies allow us to visualize ancient monuments in new ways What the future holds for our understanding and experience of Giza Where is Giza?

# data[].attributes.attachment_link.title
CCBB SP: Egito Antigo: do Cotidiano à Eternidade.

# data[].attributes.attachment_link.description
O Egito é um país de um contexto histórico milenar, onde cada monumento conta uma história. Pirâmides, Esfinge, Rio Nilo, Deserto e Dança do Ventre sempre es...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Collections

The National Archaeological Museum is the largest museum in Greece and one of the most important in the world. Originally destined to receive all the 19th century excavations, mainly from Attica and other parts of the country, it gradually took the form of a central National Archaeological Museum and was enriched with finds from all parts of the Greek world. His rich collections, enumerating more than 11,000 exhibits, offer the visitor a panorama of ancient Greek culture from the prehistory to the late antiquity.

The museum is housed in the imposing neoclassical building, built at the end of the 19th century in designs by L. Lange and eventually formed by Ernst Ziller. Its exhibition grounds, dozens of halls on each floor, cover an area of ​​8,000 m². and houses the five major permanent collections: The Collection of Prehistoric Antiquities, which includes works of the great civilizations that developed in the Aegean from the 6th millennium to 1050 BC. (Neolithic, Cycladic and Mycenaean) and finds from the prehistoric settlement of Thira. The Collection of Sculpture Works, presenting the evolution of ancient Greek sculpture from the 7th century. B.C. until the 5th c. AD, through unique works of art. The Vase and Miniature Collection, which includes representative works of ancient Greek ceramics from the 11th century. B.C. up to the Roman era, as well as the Stathatos Collection, a timeless collection of miniature artifacts. The Collection of Metalworking Works with many unique original works, statues, figurines and miniature crafts. Finally, the unique for Greece collection of Egyptian and Eastern Antiquities with works of art, dating from the pre-emptive period (5000 BC) to the times of the Roman conquest.

The Prehistoric Collection consists of unique works of art, representative of the major civilizations that flourished in the Aegean Sea from the 7th millennium to around 1050 BC. It includes works of the Neolithic period and the Bronze Age from mainland Greece, the Aegean islands and Troy. The most significant exhibits include the treasures of the royal tombs of Mycenae, the Linear B tablets, the enigmatic Cycladic marble figurines and the excellently preserved wall paintings of Thera that comprise large pictorial compositions.

The Sculpture Collection, with its rich and unique exhibits, presents the evolution of ancient Greek sculpture from 700 BC to the 5th century AD. The core of the Collection was formed in 1874 when sculptures from the temporary archaeological collections of Athens were gradually transferred to the Archaeological Museum that was under construction. The neoclassical building also housed most of the antiquities retrieved by accident. The gradual handing over of antiquities recovered during excavation or acquired by the Archaeological Society (1884-1893) and also the relocation to the Museum of the most significant sculptures of the provinces contributed decisively to the enrichment of the Collection which nowadays numbers approximately 16.000 sculptures . The works come from sanctuaries, necropolises and public buildings in Attica, Eastern Sterea Ellada, the Peloponnese and the Aegean islands. In addition, a significant number of sculptures come from Thessaly, Western Greece, Macedonia, Thrace and Cyprus.

# data[].attributes.attachment_link.title
Collections | National Archaeological Museum

# data[].attributes.attachment_link.description
The collections numbered more than 11,000 exhibits and offer the visitor a panorama of ancient Greek culture from the prehistory to the late antiquity.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Imagine como seria caminhar pelas ruas da Roma Antiga, com seus templos, monumentos, teatros e aquedutos, na confusão que era a capital do império há 1.702 anos. Um tour virtual em 3D, feito pela Universidade de Reading, na Grã-Bretanha, faz com que seja possível explorar a arquitetura e ruas de Roma por meio de imagens panorâmicas em 360° que trazem detalhes das construções da cidade.

A visita é a parte principal do curso online gratuito ' Roma: Um Tour Virtual da Cidade Antiga', que está com matrículas abertas. As imagens são o resultado de dez anos de pesquisas do historiador Matthew Nicholls, especialista em reconstrução em 3D de regiões da antiguidade. Nicholls será o responsável pelo curso, que terá início em 13 de março, com três horas de aula semanais e duração de cinco semanas.

Roma digital

O tour virtual é acompanhada de linhas do tempo, animações e reconstruções de ambientes em 360º. Ele ainda traça paralelos entre o modelo em 3D e filmagens contemporâneas da cidade, para situar os estudantes. Segundo Nicholls, a reconstrução virtual de sítios arqueológicos torna possível identificar como eram construções da época, bem como suas funções. Além disso, o curso propõe reflexões acerca da arquitetura funcional de Roma, que, de acordo com o historiador, tinha importantes funções políticas.

Para recriar a capital do império romano de 315 d.C. - ano em que foi inaugurado o Arco de Constantino, um dos marcos da cidade, e época em que o império havia cessado a perseguição aos cristãos - Nicholls utilizou um software básico de modelagem em 3D e, com a ajuda de alguns estudantes, alimentou-o com informações sobre as ruínas e monumentos atuais e antigos. Segundo Nicholls, as reconstruções estão sendo constantemente aprimorados.

Continua após a publicidade

A proposta do professor é que as pessoas possam visualizar Roma como uma cidade viva, com suas estruturas tão marcantes, como o Coliseu, reconstruídas e cercadas pela arquitetura da época. Para dar um efeito de real à animação, a maquete virtual é iluminada conforme a luz do dia.

Confira o vídeo de apresentação do curso (em inglês):
https://www.youtube.com/watch?v=TSZ5iDamExA
A Universidade de Reading também disponibilizou ao site de VEJA, a reconstrução, em maquetes tridimensionais de algumas das principais construções da Roma Antiga, confira:

Continua após a publicidade

Coliseu ( https://kubity.com/p/Jdhx2A)

Nessa reconstrução, é possível encontrar os postes de amarração e mastros de madeira, no topo da construção, que podem ter sustentado o toldo que cobria a arena. As hastes já se foram há muito tempo, mas seus suportes de pedra ainda podem ser encontrados no Coliseu. Navegando pela maquete, se observa as primeiras fileiras, destinadas aos nobres e sacerdotisas virgens em contraste aos assentos de madeira do topo, destinados, provavelmente, à escravos e mulheres. Também estão presentes as estátuas e inscrições que decoravam as arcas do estádio. A reconstrução dos escritos foi possível graças aos suportes com seu formato que ficaram vazios quando as letras de bronze foram arrancadas e derretidas na Idade Média.

Panteão ( https://kubity.com/p/d2IXyp)

O que mais impressiona nesse edifício, hoje utilizado como uma igreja católica, é o contraste entre seu exterior convencional para a arquitetura da época e seu fascinante interior, com teto abobadado. Na reconstrução, é possível observar a praça que teria existido a sua frente, e desaparecido ao longo do tempo.

Área residencial ( https://kubity.com/p/Sh6AyH)

Continua após a publicidade

A área altamente populosa sediava domicílios e prédios comerciais. O modelo é bem fiel, já que é baseado no Plano de Mármore, um enorme mapa romano esculpido entre os anos 203 e 211. Nele, é possível visualizar o contraste entre a simplicidade dos moradores e construções luxuosas promovidas pelo imperador Augusto e seu conselheiro Maecenas como uma piscina, considerada a primeira aquecida de Roma.

Aquedutos de Porta Maior ( https://kubity.com/p/wxTArJ)

Basílica Júlia ( https://kubity.com/p/SUCnDV)

Fóruns imperiais ( https://kubity.com/p/UP4wYH)

Templo Capitolino ( https://kubity.com/p/Vzpf4D)

Continua após a publicidade

Teatro de Marcelo ( https://kubity.com/p/OHyKKK)

Termas de Caracala ( https://kubity.com/p/3Z7mpf)

# data[].attributes.attachment_link.description
Imagine como seria caminhar pelas ruas da Roma Antiga, com seus templos, monumentos, teatros e aquedutos, na confusão que era a capital do império há 1.702 anos. Um tour virtual em 3D, feito pela Universidade de Reading, na Grã-Bretanha, faz com que seja possível explorar a arquitetura e ruas de Roma por meio de imagens panorâmicas em 360° que trazem detalhes das construções da cidade.

# data[].attributes.body
22/08/2020

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Publicada em

1. 1. ARTE PALEOCRISTÃ Professor: Sandro Bottene www.sandrobottene.com

2. 2. Também é conhecida por Arte Primitiva Cristã. O período marca a passagem da Idade Antiga para a Idade Média (476 a 1453) (século V-XV). O Cristianismo surgiu no reinado de Augusto (Império Romano) e seus seguidores foram perseguidos até o século IV d. C. Os Imperadores romanos sentiam-se ameaçados pela nova filosofia, criando uma forte oposição do Estado aos seguidores do Cristianismo.

3. 3. O povo encontrava conforto na Religião Cristã em meio ao caos e ao declínio do Império Romano. Assim, o início da Arte Cristã desenvolveu-se no interior de catacumbas (local onde os primeiros cristãos se reuniam secretamente). Catacumba de São Calixto. Roma, Itália.

4. 4. As catacumbas eram galerias subterrâneas em cujas paredes se faziam tumbas. Cemitério: para os cristãos era o lugar de espera para a ressurreição (por isso não cremavam os corpos). Necrópole: para os romanos era o local onde sepultavam os cadáveres ou realizavam os atos de cremação. Catacumba de São Calixto. Roma, Itália.

5. 5. Basílica de São Paulo Fora dos Muros. Roma, Itália. ABSIDE NAVECENTRAL NAVELATERAL NAVELATERAL Basílica é o nome dado às igrejas ou templos cristãos, que surgiram a partir de 313 com o Édipo de Milão (Constantino declarava neutro o Império Romano em relação ao credo religioso, concedendo liberdade de culto aos cristãos). ARCO TRIUNFAL arquitetura

6. 6. Catacumba de Commodilla. Roma, Itália.

7. 7. pintura A pintura nas catacumbas era realizada em afresco. Apresentavam decorações simples e toscas, não exaltando o belo, mas o poder da misericórdia de Deus (as formas sugerem, não agradam visualmente). Sidrac, Misac e Abdêgano atirados na fornalha por Nabucodonosor. Afresco, Catacumba de Priscila, Roma, Itália.

8. 8. A pintura possuía função pedagógica (ensinar os analfabetos em que deveriam acreditar). Temas: narrativas bíblicas (ressurreição e salvação), cenas de Noé, o Bom Pastor, Nossa Senhora (figura da Madona com o menino Jesus). O Bom Pastor. Afresco. Catacumba de Priscila, Roma, Itália.

9. 9. Pães e peixes. Afresco. Catacumba de São Calixto, Roma, Itália. Cena da eucaristia. Afresco. Catacumba de Priscila, Roma, Itália. Outros Símbolos: o pão e o peixe (associados ao milagre da multiplicação). Outros motivos: flores, frutas e fauna (semelhante à técnica usada nas casas romanas).

10. 10. A Virgem com o filho. Afresco. Catacumba de Priscila, Roma, Itália. A imagem da pomba simboliza a paz, o espírito santo (com um galho na boca é o anunciador de um novo dia). O símbolo do peixe é substituído pela cruz (representando o autossacrifício de Cristo por amor à humanidade).

11. 11. O Bom Pastor. Museu do Vaticano, Itália. As esculturas encontram-se em grande parte esculpidas em sarcófagos sob forma de relevos narrativos (apropriação da tradição estética greco-romana). São poucos as esculturas encontradas soltas. escultura Sarcófago de Júlio Basso. Basílica de São Pedro, Vaticano, Itália.

12. 12. Monograma. Simbolismo cristão: discurso espiritual de forma cifrada (revela e oculta a presença do personagem sagrado). Medida para fugir do risco de perseguição. O "x" (ch) e o "p" (r) formam o monograma "xp", que é o som das primeiras letras da palavra grega "CHRistós". As duas letras gregas que aparecem ao lado, Alfa e ômega, representam "o primeiro e o último", título de Cristo mencionado no Livro do Apocalipse.

# data[].attributes.attachment_link.description
Publicada em 1. ARTE PALEOCRISTÃ Professor: Sandro Bottene www.sandrobottene.com 2. Também é conhecida por Arte Primitiva Cristã. O período marca a passagem da Idade Antiga para a Idade Média (476 a 1453) (século V-XV). O Cristianismo surgiu no reinado de Augusto (Império Romano) e seus seguidores foram perseguidos até o século IV d.

# data[].attributes.body
dia 22/08/2020

# data[].attributes.attachment_link.title
Arquitetura medieval - Gótico e Românico

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Torre de Babel (c. 1563), de Pieter Bruegel

O chamado Quattrocento (século XV) vê o Renascimento atingir sua era dourada. O Humanismo amadurece e se espalha pela Europa através de Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmo, Mirandola e Thomas More. Leonardo Bruni inaugura a historiografia moderna, a ciência e a filosofia progridem com Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa e Georg von Peuerbach. Ao mesmo tempo, um novo interesse pela história antiga levou humanistas como Niccolò de' Niccoli e Poggio Bracciolini a vasculharem as bibliotecas da Europa em busca de livros perdidos de autores como Platão, Cícero, Plínio, o Velho, e Vitrúvio.

A reconquista da Península Ibérica aos mouros também disponibilizou para os eruditos europeus um grande acervo de textos de Aristóteles, Euclides, Ptolomeu e Plotino, preservados em traduções árabes e desconhecidos na Europa, e de obras muçulmanas de Avicena, Geber e Averróis, contribuindo de modo marcante para um novo florescimento na filosofia, matemática, medicina e outras especialidades científicas. Para acrescentar, o aperfeiçoamento da imprensa por Johannes Gutenberg em meados do século facilitou e barateou a divulgação do conhecimento.

Um novo vigor nessa busca foi injetado após o fim do Império Bizantino e sua tomada pelos turcos, quando muitos intelectuais gregos, como Jorge de Trebizonda, Johannes Argyropoulos, Theodorus Gaza e Barlaam de Seminara, emigraram para a península Itálica e outras partes trazendo consigo e divulgando muitos textos clássicos e ensinando a ciência e língua gregas e a arte da exegese. Grande proporção do que hoje se conhece de literatura e legislação greco-romanas nos foi preservado por Bizâncio. Esse afluxo de novas informações e conhecimentos e o concomitante progresso em todas as áreas da sociedade levaram os intelectuais a perceberem que se achavam em meio a uma fase de renovação da cultura comparável às fases brilhantes das civilizações antigas, em oposição à Idade Média anterior, que passou a ser considerada uma era de obscuridade e ignorância.

A progressiva aristocratização dos principais burgueses dá à arte um caráter palaciano e profano, e esta é uma tendência geral, que nasce a partir de um período de grande prosperidade econômica de Florença que, apesar de ameaçada por Milão e Nápoles, reconquista sua primazia regional. A opulência da oligarquia, que adquire grande cultura e se entrega à "bela vida", gera na classe média uma resistência retrógrada que busca no [estilo gótico] idealista um ponto de apoio contra o que vê como indolência da classe dominante. Estas duas tendências opostas dão o tom para a primeira metade deste século, até que a pequena burguesia enfim abandona o idealismo antigo e passa a entrar na corrente geral racionalista. É o século de Lorenzo de' Medici, o grande mecenas, e o interesse pela arte se difunde para círculos cada vez maiores.

Sucintamente, a contribuição maior da pintura do Renascimento foi sua nova maneira de representar a natureza, através de domínio tal sobre a técnica pictórica e a perspectiva de ponto central, que foi capaz de criar uma eficiente ilusão de espaço tridimensional em uma superfície plana. Tal conquista significou um afastamento radical em relação ao sistema medieval de representação, com sua estaticidade, seu espaço sem profundidade e seu sistema de proporções simbólico - onde os personagens maiores tinham maior importância numa escala que ia do homem até Deus - estabelecendo um novo parâmetro cujo fundamento era matemático, no que se pode ver um reflexo da popularização dos princípios filosóficos do racionalismo, antropocentrismo e do humanismo. A linguagem visual formulada pelos pintores renascentistas foi tão bem sucedida que permanece válida até hoje.

O cânone greco-romano de proporções voltava a determinar a construção da figura humana; também voltava o cultivo do Belo tipicamente clássico. A pintura renascentista é em essência linear; o desenho era agora considerado o alicerce de todas as artes visuais e seu domínio, um pré-requisito para todo artista. Para tanto, foi de grande utilidade o estudo das esculturas e relevos da Antiguidade, que deram a base para o desenvolvimento de um grande repertório de temas e de gestos e posturas do corpo. Na construção da pintura, a linha convencionalmente constituía o elemento demonstrativo e lógico, e a cor indicava os estados afetivos ou qualidades específicas. Outro diferencial em relação à arte da Idade Média foi a introdução de maior dinamismo nas cenas e gestos, e a descoberta do sombreado, ou claro-escuro, como recurso plástico e mimético.

Giotto, atuando entre os séculos XIII e XIV, foi o maior pintor da primeira Renascença italiana e o pioneiro dos naturalistas em pintura. Sua obra revolucionária, em contraste com a produção de mestres do gótico tardio como Cimabue e Duccio, causou forte impressão em seus contemporâneos e dominaria toda a pintura italiana do Trecento, por sua lógica, simplicidade, precisão e fidelidade à natureza. Ambrogio Lorenzetti e Taddeo Gaddi continuaram a linha de Giotto sem inovar, embora em outros características progressistas se mesclassem com elementos do gótico ainda forte, como se vê na obra de Simone Martini e Orcagna. O estilo naturalista e expressivo de Giotto, contudo, representava a vanguarda na visualidade desta fase, e se difundiu para Siena, que por um tempo passou à frente de Florença nos avanços artísticos. Dali se estendeu para o norte da Itália.

No Quattrocento as representações da figura humana adquiriram solidez, majestade e poder, refletindo o sentimento de autoconfiança de uma sociedade que se tornava muito rica e complexa, com vários níveis sociais, de variada educação e referenciais, que dela participavam ativamente, formando um painel multifacetado de tendências e influências. Mas ao longo de quase todo o século a arte revelaria o embate entre os derradeiros ecos do gótico espiritual e abstrato, exemplificado por Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli e Lorenzo Monaco, e as novas forças organizadoras, naturalistas e racionais do classicismo, representadas por Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca e Ghirlandaio. Nesse sentido, depois de Giotto o próximo marco evolutivo foi Masaccio, em cujas obras o homem tem um aspecto nitidamente enobrecido e cuja presença visual é decididamente concreta, com eficiente uso dos efeitos de volume e espaço tridimensional. Dele se disse que foi "o primeiro que soube pintar homens que realmente tocavam seus pés na terra".

Junto com Florença, Veneza representa a vanguarda artística européia no Quattrocento, dispondo de um grupo de artistas ilustres, como Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi e Antonello da Messina. Siena, que já fizera parte da vanguarda em anos anteriores, agora hesitava entre o apelo espiritual do gótico e o fascínio profano do classicismo, e perdia ímpeto. Enquanto isso também outras regiões do norte da Itália começavam a conhecer o classicismo, através de Perugino em Perugia; Francesco Laurana em Urbino; Pinturicchio, Masaccio, Melozzo da Forli, e Giuliano da Sangallo em Roma, e Mantegna em Pádua e Mântua. Também deve-se lembrar a influência renovadora sobre os pintores italianos da técnica da pintura a óleo, que no Quattrocento estava sendo desenvolvida nos Países Baixos e atingira elevado nível de refinamento, possibilitando a criação de imagens muito mais precisas e nítidas e com um sombreado muito mais sutil do que o que era conseguido com o afresco, a encáustica e a têmpera. As telas flamengas eram muitissimo apreciadas na Itália exatamente por essas qualidades, e uma grande quantidade delas foi importada, copiada ou emulada pelos italianos.

Mais adiante, na Alta Renascença, com Leonardo da Vinci, a técnica do óleo se refinou e penetrou no terreno do sugestivo, ao mesmo tempo em que aliava fortemente arte e ciência. Com Rafael o sistema classicista de representação visual chegou a um apogeu, e se revelou a doçura, a grandeza solene e a perfeita harmonia. Mas essa fase, de grande equilíbrio formal, não durou muito, logo seria transformada profundamente, dando lugar ao Maneirismo. Aqui Michelangelo, coroando o processo de exaltação do homem, levou-o a uma nova dimensão, a do sobre-humano, abrindo-lhe também as portas do trágico e do patético. Com os maneiristas toda a noção de espaço foi então alterada, a perspectiva se fragmentou em múltiplos pontos de vista, e as proporções da figura humana foram distorcias com finalidades expressivas ou meramente estéticas, formulando-se uma linguagem visual mais dinâmica, vibrátil, subjetiva, dramática e sofisticada. Pontormo, Veronese, Romano, Tintoretto, Bronzino, e Michelangelo em sua fase madura foram exemplos típicos do Maneirismo plenamente manifesto. Giorgio Vasari, um pintor e arquiteto maneirista de mérito secundário, também deve ser lembrado por sua importância como biógrafo e historiador da arte, um dos primeiros a reconhecer todo o ciclo renascentista como uma fase de renovação cultural e o primeiro a usar o termo "Renascimento" na bibliografia, em sua enciclopédica Le Vite de' più Eccellenti Pittori, Scultori e Architettori, uma das fontes primárias para o estudo da vida e obra de muitos artistas do período.

Veja também

Paulo Varella

Estudou cinema na NFTS (UK), administração na FGV e química na USP. Trabalhou com fotografia, cinema autoral e publicitário em Londres nos anos 90 e no Brasil nos anos seguintes. Sua formação lhe conferiu entre muitas qualidades, uma expertise em estética da imagem, habilidade na administração de conteúdo, pessoas e conhecimento profundo sobre materiais. Por muito tempo Paulo participou do cenário da produção artística em Londres, Paris e Hamburgo de onde veio a inspiração para iniciar o Arteref no Brasil. Paulo dirigiu 3 galerias de arte e hoje se dedica a ajudar artistas, galeristas e colecionadores a melhorarem o acesso no mercado internacional.

# data[].attributes.attachment_link.title
Quattrocento (1400 - 1600) - Renascimento - arteref

# data[].attributes.attachment_link.description
O chamado Quattrocento (século XV) vê o Renascimento atingir sua era dourada. O Humanismo amadurece e se espalha pela Europa através de Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmo, Mirandola e Thomas More. Leonardo Bruni inaugura a historiografia moderna, a ciência e a filosofia progridem com Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa e Georg von Peuerbach.

# data[].attributes.body
19/12/2020

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
O Impressionismo se iniciou na França, em Paris, na segunda metade do século XIX, com um grupo de artistas que explorou uma nova forma de pintar: do lado de fora do ateliê, sem formas definidas, com pinceladas rápidas e representando a presença da luz solar nos objetos e na natureza. Este movimento rompeu com as tradições acadêmicas impostas até então.

O que é o Impressionismo?

O Impressionismo foi um movimento que registrava a observação da luz solar e demonstrava constantes variações de cores na natureza e nos objetos. Teve grandes influências dos movimentos Neoclássico e Romântico que, no contexto da Revolução Francesa, já buscavam um rompimento das tradições acadêmicas na pintura. Ousou fugir do ambiente artificial do ateliê do artista, pintando no ambiente externo.

Com a segunda Revolução Industrial e o surgimento da fotografia, os artistas que concorriam com a pintura de retratos realistas tiveram de se reinventar propondo uma nova estética de pintura. Dessa forma, ganharam espaço para realizar novas experimentações em suas obras. O movimento criticava as normas estabelecidas pela academia quanto à rigidez na produção e à forma artificial de pintura.

Características

As características do movimento expressam uma pintura rápida, efêmera, produzida em tempo real, devido ao movimento da luz do sol sobre as cenas que eram pintadas.

Obras geralmente eram pintadas ao ar livre;

Percepção de diferentes tonalidades de cor, devido a presença e movimento da luz do sol;

Não apresenta contornos nítidos;

As obras eram pintadas com pinceladas rápidas;

Luzes e sombras são representadas com cor, principalmente com o uso das cores complementares;

É o observador que deve formar a imagem a partir daquilo que vê no quadro;

As cores se misturavam sobre a tela.

A ausência de traços definidos, o uso de muitas tonalidades e a técnica de traçado rápido influenciaram diversos outros artistas e movimentos modernos no início do século XX.

Impressionismo X Expressionismo

O Impressionismo pintava a vida parisiense burguesa, representava figuras nobres e status social, além de paisagens e encontros sociais. Já o Expressionismo desenvolvido no século XX foi uma reação ao Impressionismo. O movimento manteve as sensações de cor e luz. Entretanto, a temática retratada era voltada às emoções humanas e formação psicológica dos sujeitos no início do século.

O pós-impressionismo

O pós-impressionismo ocorreu no fim do século XIX, com artistas que mantiveram a essência impressionista quanto ao uso das cores puras nas telas, as áreas de cor bem definidas e as pinceladas rápidas. Entretanto, faziam uso de formas e contornos mais definidos, não se preocupavam com a representação do movimento da luz natural e a simplificação das formas e sombras. Destacam-se Van Gogh, Gauguin, Cézanne e Toulouse-Lautrec.

Impressionismo no Brasil

O movimento no Brasil se deu por meio do turismo que visava paisagens irregulares, a pintura rápida e com a disponibilidade de diferentes tonalidades de tinta devido a revolução industrial. Um professor da Academia de Belas Artes no Rio Janeiro, Grimm, ensinou as bases da pintura para seus alunos e em Niterói, seus alunos observam as paisagens cariocas e passam a retratá-las de forma pitorescas. O Impressionistas brasileiros eram Visconti, Arthur e João Timóteo da Costa, Georgina e Lucílio de Albuquerque, Antônio Garcia Bento, Mário Navarro da Costa e Henrique Cavalleiro.

Impressionismo na literatura

Na literatura, o movimento impressionista se aproxima do Realismo e Naturalismo de modo que a objetividade, verossimilhança, descritivismo, razão, observação e o universalismo são complementados com reflexos subjetivos, aspectos da memória, vingança, sátira, humor e assuntos como a homossexualidade. O principal autor brasileiro foi Raul Pompeia, com a obra O Ateneu.

Principais artistas e obras

O Impressionismo se desenvolveu na Europa com a parceria de alguns artistas em Paris que organizaram algumas exposições juntos. Dentre eles, destacam-se alguns nomes. Também houveram importantes nomes do movimento do Brasil, acompanhe a seguir:

Édouard Manet

Manet (1832-1883) foi considerado um precursor do movimento, já que suas obras já apresentavam uma ruptura com o academicismo, um controle da luminosidade e contraste das cores, observe:

Claude Monet

Monet (1840-1926) se destacou pela maestria em registrar a variação de cores da natureza devido à luz natural. Pintava em ambientes abertos com uso de traços indefinidos.

Pierre August Renoir

Renoir (1841-1919) retratava em suas obras encontros sociais, representando a sensação de alegria e otimismo. Com o uso das cores, conseguia demonstrar a variação da incidência da luz sob diversas superfícies.

Edgar Degas

Degas (1834-1917) se destaca por manter uma posição pessoal diferente dos outros artistas. Pintava em ambientes fechados, reconhecia a importância das cores como forma de valorizar os desenhos. Suas obras apresentam delicadeza e leveza e a composição entre figuras apresenta a sensação de mobilidade e movimento da imagem. Chama atenção pela sua escolha de angulação e enquadramento das cenas que pintava.

Georgina Albuquerque

Georgina Albuquerque (1885-1962) foi uma pintora brasileira que apresentou em suas obras as características impressionistas. Estudou fora do país e na Academia de Belas Artes do Rio de Janeiro. Observe as variações de forma causadas pela deformação da luz :

Eliseu Visconti

Visconti (1866-1944) foi um dos principais representantes do impressionismo no Brasil. Fez parte do grupo de artistas que se propunham a pintar ao ar livre. Veja suas obras:

O modelo impressionista teve adesão de outros artistas de outros países da Europa, assim como outros no Brasil. Elecamos aqueles cujos nomes foram de grande relevância e destaque servindo de referência para a história da arte.

Vídeos sobre o movimento das impressões

O movimento surgiu num complexo contexto de transformação da sociedade e abriu caminho para os artistas modernos. Acompanhe nesse vídeos mais informações para te ajudar a compreender melhor o que significou esse movimento para a história da arte.

Entre o contexto e a crítica

Com a queda de regime e avanços tecnológicos, novos caminhos para a arte surgem rompendo com a tradição. No vídeo, temos uma imersão no contexto da época que gestou este movimento recheado de detalhes que fazem toda a diferença para compreendê-lo. Por exemplo, na época, a pintura disputava espaço com a fotografia. Como diz Vivi, sairemos "impressionados com os impressionismo"!

Pintoras Impressionistas

Relação entre arte e vida, um olhar inteiramente particular e delicado que só uma mulher pode ter. Ainda no canal "vivieuvi", nossa especialista elenca uma série de nomes femininos poucos conhecidos, mas com excelência na técnica impressionista que dá gosto de ver. Conheça as pintoras e faça suas obras serem conhecidas!

Impressionismo no Brasil

Paisagens e cores únicas que só o Brasil sob uma ótica particular. Temos aqui um percurso histórico que favoreceu a chegada e desenvolvimento desta técnica.

O rompimento com as regras da academia e as pintura com olhar vivo sobre o mundo foram um caminho de entrada para as novas experimentações no mundo da arte, como o expressionismo, tendo como expoentes Van Gogh, Munch, entre outros.

Referências

PROENÇA, Graça. História da Arte . 17ª ed. São Paulo: Editora ABDR, 2012.

# data[].attributes.attachment_link.title
Impressionismo: profusão de cores e a presença da luz natural

# data[].attributes.attachment_link.description
O Impressionismo se iniciou na França, em Paris, na segunda metade do século XIX, com um grupo de artistas que explorou uma nova forma de pintar: do lado de fora do ateliê, sem formas definidas, com pinceladas rápidas e representando a presença da luz solar nos objetos e na natureza.

# data[].attributes.attachment_link.title
Van Gogh: biografia, obras e curiosidades

# data[].attributes.attachment_link.description
Van Gogh (1853-1890) foi um pintor holandês do final do século XIX e um dos maiores expoentes do pós-impressionismo. Seus trabalhos foram valorizados depois de sua morte e tiveram grande influência na arte do século seguinte, sobretudo na vertente expressionista. Foi um homem intenso, que usava…

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Professora licenciada em Letras

Paul Cézanne foi um pintor francês do movimento pós-impressionista.

Dono de um espírito inovador, mente brilhante e um temperamento difícil, ele destacou-se na pintura e ainda, influenciou grandes artistas como Matisse e Pablo Picasso.

Biografia

Paul Cézanne nasceu em 19 de janeiro de 1839 na cidade francesa de Aix-en-Provence. Já com dez anos começou a fazer aulas de desenho. No entanto, por insistência de seu pai, entrou para a faculdade de Direito.

Em 1861 mudou-se para Paris com o intuito de estudar na escola de Belas Artes. Contudo, não foi aceito no Instituto e por isso, retornou à sua cidade natal. Ali permaneceu somente um ano, pois decidiu voltar à Paris.

Já na capital, Cézanne se candidatou para a Académie Suisse onde conheceu diversos artistas do movimento impressionista: Renoir, Manet e Pisarro.

Participou de algumas exposições com os impressionistas, embora tenha lutado muito tempo para ser aceito no Salão de Paris.

Isso porque a crítica e as obras de grandes pintores eram expostas ali. Com constante rejeição e hostilizado pelo público pariense, Cézanne resolve voltar a Aix-en-Provence.

O artista nunca se casou e após a morte de seus pais passou a viver isolado. Durante esse período continuou trabalhando e produzindo diversas obras.

Cézanne faleceu em sua cidade natal dia 22 de outubro de 1906. Após sua morte, seu trabalho começou a ser reconhecido e hoje em dia ele é considerado um dos maiores pintores modernos do mundo.

Principais Obras e Características

As obras de Cézanne transitam entre o impressionismo e o cubismo. Assim, podemos encontrar elementos bem próximos das duas vertentes como a busca pela luz e cores característica típica dos impressionistas, que pintavam suas obras ao ar livre. E, ainda, o uso de formar geométricas, característica mais marcante do movimento cubista.

Cezánne produziu paisagens, retratos e natureza morta. Suas obras destacam-se, pois, o pintor foi inovador nas técnicas desde a mudança da perspectiva, ressaltando a forma, o volume e o peso dos objetos.

A Orgia (1864)

O Negro Cipião (1867)

Natureza morta e um relógio preto (1871)

A Tentação de Santo Antônio (1873)

A Casa do Enforcado (1873)

Três Banhistas (1874)

Vasos, cestas e frutas (1888)

Mulher com Cafeteira (1890)

O Camponês (1891)

Os Jogadores de Cartas (1892)

Vida ainda com gesso cupido (1895)

O Monte Saint-Victoire (1904)

Leia também:

# data[].attributes.attachment_link.description
Paul Cézanne foi um pintor francês do movimento pós-impressionista. Dono de um espírito inovador, mente brilhante e um temperamento difícil, ele destacou-se na pintura e ainda, influenciou grandes artistas como Matisse e Pablo Picasso. Biografia Paul Cézanne nasceu em 19 de janeiro de 1839 na...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Mestre em Estudos Literários, Culturais e Interartes

Paul Gauguin (1848 - 1903) foi um artista francês que se dedicou sobretudo à pintura, embora também tenha trabalhado com outros meios como a escultura e a cerâmica.

Integrando o período pós-impressionista, o pintor trouxe um ponto de vista singular ao mundo da arte, tendo sido uma grande influência para as gerações seguintes.

1. Mulheres do Taiti

O quadro de 1891, que se encontra exposto no Museu de Orsay, em Paris, retrata duas mulheres sentadas na areia. A obra foi pintada no período em que o artista passou no Taiti, tendo se inspirado profundamente no país e na sua cultura.

Com cores fortes e vivas, a tela retrata as jovens olhando para o "nada", como se estivessem perdidas nos próprios pensamentos. Uma delas segura as fibras que irá usar para tecer cestos, algo que fazia parte das tradições do povo.

A obra parece contar um pouco da história do Taiti que havia sido colonizado. Enquanto uma das adolescentes usa um traje local, o vestido da outra denota a influência dos costumes ocidentais. No mesmo período, o artista pintou uma obra muito semelhante, intitulada de Parau api .

2. A Visão depois do Sermão

A obra também conhecida como Jacó e o Anjo foi produzida no ano de 1888 e, atualmente, está exposta na Galeria Nacional da Escócia. Aqui, Gauguin se inspirou num episódio bíblico: depois de ter estado muito tempo exilado da família, por causa da sua disputa com o irmão, Jacó decide voltar para casa.

No caminho, ele se cruza com um anjo contra o qual precisa lutar durante uma noite. A batalha é representada no fundo da tela; já em primeiro plano, podemos encontrar várias mulheres que assistem e rezam. Motivadas pela fé, e graças à sua imaginação, elas fantasiam juntas com a história que havia sido narrada no sermão.

3. O Cristo Amarelo

Também baseada nos textos bíblicos, a obra de 1889 recria um dos momentos mais marcantes: a crucificação de Jesus Cristo. Gauguin criou a pintura no período em que vivia em Pont-Aven, no noroeste da França.

Na tela, que se tornou uma obra fundamental para o universo da pintura simbolista, o artista recria o episódio no contexto contemporâneo, como se estivesse acontecendo naquela região e durante o século XIX. Isso se torna evidente devido às figuras femininas que aparecem rezando por ele.

A obra está exposta na Albright-Knox Art Gallery, nos Estados Unidos da América, e se destacou pelo uso inovador e inusitado das cores.

4. De onde viemos? O que somos? Para onde vamos?

Uma das pinturas mais imponentes de Paul Gauguin, trata-se de um friso de grandes dimensões, com 4 metros de largura. A obra foi criada entre os anos de 1897 e 1898, já na fase final da sua produção, e atualmente se encontra no Museu de Belas Artes de Boston.

Passada no Taiti, o seu cenário favorito, De onde viemos? O que somos? Para onde vamos? retrata as várias fases da vida humana. Podemos perceber esse ciclo, representado da direita para a esquerda, desde a primeira infância até à velhice.

Em segundo plano está uma figura mitológica azul que representa a existência de outro mundo. A obra denota uma composição original e um forte contraste entre os tons escuros e as cores intensas.

5. O Pintor de Girassóis

A obra criada em 1888 é um retrato do pintor holandês Vincent van Gogh (1853 - 1890), com quem Gauguin chegou a travar amizade. Na tela, o pós-impressionista é representado trabalhando, concentrado no seu ofício. Do lado estão os icônicos girassóis que marcam presença em vários quadros seus, como Doze Girassóis numa Jarra.

Os dois conviveram no sul da França e chegaram a morar na mesma casa, tendo ponderado a criação de uma colônia artística. Os dois debatiam muito sobre pintura e tinham várias discussões, o que gerou um desentendimento e a separação. O quadro está exposto no Museu Van Gogh, em Amsterdã.

6. Espírito dos Mortos Assistindo

Pintada em 1892, a tela retrata uma garota do Taíti que parece ser bastante jovem, nua e deitada na cama. Trata-se de Teha'amana, a companheira de Gauguin que era adolescente. Do seu lado está uma figura fantasmagórica que a observa.

A relação entre o pintor e a menina foi altamente controversa pela idade dela e pelo comportamento violento dele, contado em inúmeros relatos. A tela sugere a submissão dela e uma expressão que denunciava angústia, assim como o medo que ela sentia de espíritos e várias figuras do oculto.

O título original Manao Tupapau, o quadro está exposto na Albright-Knox Art Gallery, nos Estados Unidos da América.

7. Quando Você Casa?

Com o título original Nafea Faa Ipoipo, a obra também teve como inspiração o período em que o artista viveu no Taiti e foi produzida em 1892. Na tela, podemos ve rduas jovens nativas com vestes que misturam trajes tradicionais com roupas de denotam a influência europeia, tema que se repete na pintura de Gauguin.

Pelo título e a flor no cabelo, percebemos que uma dela está procurando marido. Uma das críticas que o artista tem recebido é exatamente o modo como representava as mulheres daquela cultura, sempre com foco na busca de um casamento ou nas relações íntimas.

O quadro pertencia a um colecionador suíço e, em 2015, foi leiloado pela sua família. O seu novo dono é um xeique do Qatar que pagou quase 300 milhões de dólares pela obra.

8. La Orana Maria

Datada de 1891, a obra também conhecida como Ave Maria foi pintada no período inicial da passagem de Paul Gauguin pelo Taiti.

Aqui podemos ver o choque entre os dois universos, misturando o imaginário da religião católica com uma imagem exótica e idealizada do país. Maria e Jesus são representados como dois locais: ele está sem roupa e ela com vestes tradicionais.

As cores escuras do solo e da paisagem ao fundo contrastam com os tons vivos da vegetação rica e as roupas usadas pelas mulheres.

9. Arearea

A obra pintada em 1892, que se encontra no Museu de Orsay, é bastante representativa do Taiti fantasiado por Paul Gauguin.

Criado depois da sua primeira visita, o quadro ilustra as imagens mentais do artista, misturando o que viu no país com aquilo que imaginava sobre o local. Essa dimensão onírica se torna evidente, por exemplo pelo modo como as cores são utilizadas.

Quando o quadro foi exposto, os artistas contemporâneos teceram críticas ao cachorro vermelho que surge em primeiro plano e ele acabou virando piada entre os pintores daquele tempo.

10. O Dia do Deus

Com o título original Mahana no atua, a obra de 1894 foi pintada na França, no regresso de uma das viagens. Mais uma vez, estamos perante as fantasias de Gauguin acerca do Taiti,

Nas margens de um rio colorido estão representadas três mulheres despidas que parecem simbolizar o eterno ciclo de nascimento, vida e morte.

O artista se inspira nas tradições do local: ao fundo, do lado esquerdo, temos várias pessoas cultuando uma divindade. À direita surge a upaupa, uma dança que era mal vista pelos colonizadores.

Quem foi Paul Gauguin? Biografia resumida

Eugène-Henri-Paul Gauguin nasceu em Paris, no dia 7 de junho de 1848, filho de Clovis Gauguin e Aline Chazal. A mãe era peruana e, durante o regime de Napoleão, eles se mudaram para a cidade de Lima, no Peru.

O pai ficou doente e veio a falecer ainda durante a viagem, mas a família permaneceu por 6 anos no país, período que concerne a infância de Gauguin. Mais tarde, ele voltou para a França e ingressou na Marinha, o que fomentou as suas primeiras viagens.

No regresso, casou com Mette Sophie Gad, uma mulher dinamarquesa, e a união gerou 5 filhos. Durante muito tempo, o francês trabalhou numa agência de cambio e a pintura surgiu na sua vida como uma paixão para ocupar os tempos livres.

No entanto, quando o mercado financeiro francês sofreu uma queda, Paul Gauguin, que tinha 35 anos, decidiu se dedicar inteiramente à vida artística.

Quadro Auto-Retrato, Os Miseráveis (1888).

A mudança trouxe diferenças drásticas no seu estilo de vida, que começou a ser cada vez mais dedicado à boemia. Além de vários problemas conjugais, o artista também enfrentou dificuldades financeiras e problemas de saúde.

Com uma vida cheia de controvérsias, Gauguin abandonou a família e se apaixonou pelo Taiti depois de visitar o país pela primeira vez, em busca de inspirações para a arte primitivista que pretendia criar.

Embora tenha vivido em várias regiões da França, em 1891 o artista decidiu leiloar as suas obras e reunir dinheiro para regressar ao país. Durante algum tempo, ele viveu entre o e Taiti e a França, tendo depois se fixando na ilha de Dominica.

O destino final de Paul Gauguin foram as Ilhas Marquesas, onde veio a falecer de sífilis, no dia 8 de maio de 1903. A biografia do artista inspirou o filme Gauguin - Viagem ao Taiti, dirigido por Edouard Deluc, em 2017.

Características da pintura de Paul Gauguin

As obras de Gauguin não seguiram os preceitos da escola impressionista que vigoravam, optando por trilhar os seus próprios caminhos, em termos de métodos e estilo.

Os seus quadros se destacaram pelo uso original das cores vivas, principalmente o vermelho, o verde e o amarelo, tons que se repetem na maioria das suas telas.

As linhas firmes, com contornos escuros, as formas simplificadas e os grandes blocos de cor são alguns dos aspectos fundamentais da pintura do artista que criou novas técnicas como o cloisonnisme e o sintetismo.

Conheça também

# data[].attributes.attachment_link.title
Paul Gauguin: 10 obras fundamentais e biografia do artista

# data[].attributes.attachment_link.description
Mestre em Estudos Literários, Culturais e Interartes Paul Gauguin (1848 - 1903) foi um artista francês que se dedicou sobretudo à pintura, embora também tenha trabalhado com outros meios como a escultura e a cerâmica. Integrando o período pós-impressionista, o pintor trouxe um ponto de vista singular ao mundo da arte, tendo sido uma grande influência para as gerações seguintes.