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Nel Novecento Kandinskij, padre dell'astrattismo, ha svolto ricerche sulla forma e sul colore, e sui loro reciproci rapporti. L'artista trova in particolare nel cerchio, figura simbolica che allude al cosmo e al divino, maggiori possibilità di esprimere le sue emozioni interiori

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Molti artisti, nel corso dei secoli, hanno utilizzato schemi compositivi basati sulle forme geometriche elementari. Gli artisti rinascimentali ricorrevano a figure come il triangolo o il cerchio per ottenere risultati che rasentavano la perfezione formale. Uno di questi è Piero della Francesca.

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Da sempre i pittori hanno cercato di rendere l'effetto della luce, sperimentando differenti tecniche.La luce può assumere diversi significati: oltre a imitare l'effetto della luce naturale, essa può veicolare un valore simbolico, comunicare un concetto astratto o esprimere un'emozione.

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Una serie di capolavori della pittura visti attraverso l'impiego della luce da parte dei singoli artisti

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Il chiaroscuro secondo il regista Wim Wenders...

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Lo stato delle cose, 1982, Wim Wenders - il chiaroscuro

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Osservando un oggetto qualunque posto sotto una sorgente di luce, ci accorgiamo che alcune sue parti sono illuminate direttamente mentre altre rimangono in penombra. Nel linguaggio visivo, la definizione di luce ed ombra avviene mediante il chiaroscuro,  il contrasto, cioè,  tra zone chiare dominate dalla luce e zone scure dove si addensano le ombre. Il chiaroscuro è il principale espediente utilizzato dagli artisti per rendere la volumetria degli oggetti

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La luce riveste un ruolo di primo piano nel movimento impressionista, nel secondo Ottocento. Le principali novità tecniche introdotte dagli Impressionisti sono la scomposizione dei colori, che vengono usati puri, cioè non più mescolati in precedenza sulla tavolozza ma fissati direttamente sulla tela, e le ombre colorate, negazione del chiaroscuro di matrice accademica. Gli esempi di dipinti impressionisti che riflettono uno studio accurato sui riflessi di luce e sulle ombre colorate sono numerosi. Ne "LA GRENOUILLERE", Monet riesce a cogliere i riflessi della luce attraverso rapide pennellate stese orizzontalmente alternando zone di luce e zone d' ombra:le increspature delle onde, ad esempio sono caratterizzate dai toni scuri del nero e del marrone e accostate per contrasto ai riflessi bianchi e dorati dei raggi del sole.

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Nelle opere di Caravaggio, la luce è sempre drammaticamente contrastata. Assieme a Rembradt, Caravaggio è l'artista che ha fondato il proprio linguaggio figurativo sui forti contrasti fra zone di luce e zone di ombra. Nella famosa "VOCAZIONE DI SAN MATTEO",  egli utilizza il fascio di luce non solo per illuminare i corpi in un ambiente buio ma anche per significare la luce divina che illumina la coscienza del protagonista, Matteo. Nel cono d'ombra, Cristo lo indica con il gesto solenne di una mano illuminata, chiamandolo a diventare apostolo: dunque il messaggio corre su una linea di luce che non è soltanto luce fisica ma anche luce spirituale.

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Leonardo Da Vinci mostra  una grande sensibilità nella gestione della luce, che è sempre morbida e delicatamente sfumata. Nella celebre "DAMA CON L'ERMELLINO", la figura emerge letteralmente dal fondo scuro con piena volumetria: la luce svolge la funzione di rivelare il corpo, dandogli forma ed esaltandone la sensualità e la bellezza. Nel pelo dell'ermellino, inoltre, Leonardo intesse una trama sottilissima di passaggi luministici, con un risultato di impressionante verosimiglianza.

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La luce costituisce un elemento importante del linguaggio visivo: crea le ombre, definisce uno spazio, descrive i volumi e mette in risalto i colori. E soprattutto ha un enorme potenziale espressivo: ad esempio può comunicare sensazioni di inquietudine,  tranquillità o gioia.
L'effetto delle luci e delle ombre è reso con il chiaroscuro.

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4.5.Il significato del colore nell'arte  3

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4.5.Il significato del colore nell'arte  3

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Nel Novecento, con i pittori espressionisti, il colore assume un valore emozionale, in grado di comunicare sensazioni all'osservatore. Ma già Van Gogh, alla fine dell'Ottocento, aveva usato colori saturi e contrastanti a fini espressivi. Nel celebre "CAFFE' DI NOTTE", egli abbina rosso e verde per esprimere, come scrive al fratello Theo, "le terribili passioni umane". Tutti i colori del dipinto - rosso sangue e arancio nella stanza, verde nel biliardo e giallo nelle lampade - sono accesi e discordanti e creano una sensazione di disagio, solitudine e alienazione.

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4.4. Il significato del colore nell'arte  2

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4.4. Il significato del colore nell'arte  2

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Il colore può essere utilizzato anche per aumentare il senso di equilibrio e di armonia in una composizione, oppure suggerire la volumetria e la profondità. Ad esempio nel Rinascimento, Piero della Francesca usa spesso il colore per creare una composizione armoniosa e simmetrica.Nella "MADONNA DEL PARTO",ad esempio, la disposizione equilibrata delle figure - la Vergine al centro e due angeli ai lati - è sottolineata dalla corrispondenza cromatica degli elementi e il gioco delle corrispondenze si incentra sulla coppia di complementari rosso e verde.

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4.3.Il significato del colore nell'arte  1

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4.3.Il significato del colore nell'arte  1

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Gli artisti di tutti i tempi hanno usato i colori, attribuendo ad essi significati e finalità diverse.Nel Medioevo, il colore riveste un significato simbolico, legato ad una finalità devozionale: nei capolavori dei maestri del Duecento e del Trecento, il colore oro viene utilizzato per simboleggiare il mondo ultraterreno, in particolare la luce divina, come nella celebre "ANNUNCIAZIONE" di Simone Martini.

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Agli inizi del Novecento, il pittore russo Vasilij Kandinskij sostiene che  proprio il colore è il mezzo che fa vibrare la segreta essenza della realtà nella nostra anima.
Ogni colore, a seconda delle sue caratteristiche, determina differenti reazioni psicologiche.

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4.1.I colori si suddividono in primari, secondari e terziari.

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4.1.I colori si suddividono in primari, secondari e terziari.

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I colori primari sono: rosso, giallo e blu. Da questi colori si possono ottenere tutti gli altri. Il pittore svizzero Itten, negli anni Venti, elaborò una teoria dei colori e li classificò attraverso un modello che è detto appunto cerchio cromatico di Itten. Ecco un brevissimo video sul cerchio di Itten

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Questo è il m io primo video! Brevemente spiego come dai colori primari si possono ottenere tutti gli altri colori

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3.2.Nel Novecento, le Avanguardie storiche ribaltano i tradizionali metodi di rappresentazione dello spazio, come la prospettiva. Il CUBISMO rappresenta non più ciò che vede ma ciò che conosce dell'oggetto , che sarà visto da più punti di vista per poter essere rappresentato nella sua totalità, anche nelle parti nascoste. E poichè ogni punto di vista è un momento successivo, viene introdotta la quarta dimensione, che corrisponde al tempo necessario affinchè la forma dell'oggetto si stabilizzi nella nostra coscienza. L'immagine raffigura uno dei paesaggi di Picasso: "Fabbrica a Horta de Hebro" (1909).

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La percezione della forma, della profondità, del chiaroscuro è strettamente legata alla percezione dei colori, che hanno il potere di emozionarci. Fra tutte le impressioni visive, il colore è quella che suscita in noi maggiori risposte affettive.
Ma cosa sono i colori? I colori sono i componenti della luce bianca: la luce bianca è senza colore ma li contiene tutti. Lo ha dimostrato Isaac Newton:osservando un raggio di sole che colpiva un prisma di cristallo, lo scienziato osservò che dalla parte opposta il raggio usciva trasformato in un ventaglio di colori, gli stessi dell'arcobaleno.

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3.4.La prospettiva è una delle tante modalità di rappresentazione  utilizzate dagli artisti.

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3.4.La prospettiva è una delle tante modalità di rappresentazione  utilizzate dagli artisti.

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Ci sono anche altri modi per suggerire la profondità dello spazio

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Cosa ci viene in mente parlando di spazio figurativo? Sicuramente penseremmo alla prospettiva lineare e alla tipica rappresentazione della profondità attraverso linee convergenti verso uno o più punti di fuga.

Eppure questo è solo uno dei tanti modi utilizzati nel corso della storia dell'arte per raffigurare lo spazio su una superficie bidimensionale come ho ampiamente raccontato in questo ipertesto.

Vediamoli in ordine più o meno cronologico, tenendo conto che si tratta di una suddivisione un po' forzata, in quanto spesso, nella stessa opera, sono presenti anche più indizi contemporaneamente.

1) RIBALTAMENTO: Una delle modalità più antiche per la rappresentazione dello spazio e degli oggetti su una superficie bidimensionale è quella del ribaltamento: le cose sono raffigurate contemporaneamente in pianta e di profilo attraverso il ribaltamento di un piano sull'altro. Questo sistema, utilizzato nell' arte egizia (come si nota nella famosa rappresentazione dello stagno), sarà ripreso dal Cubismo per mostrare la realtà nelle sue vere forme e non come appare attraverso la deformazione prospettica (ad esempio in Picasso, Grande natura morta, 1917).

3) ALTEZZA SUL PIANO: In generale, più un oggetto è situato verso la parte alta del nostro campo visivo e più viene percepito come distante. Anche questo sistema era usato nell'arte antica attraverso lo "scaglionamento verticale", cioè la distribuzione degli oggetti per fasce sovrapposte (ad esempio nel mosaico del porto a Sant'Apollinare Nuovo, Ravenna, VI sec.). Lo stesso sistema è visibile nell'opera di Paul Klee, Castello e Sole, 1928.

5) GRADIENTE DI TESSITURA: Ogni superficie ha una grana, una tessitura caratteristica il cui progressivo addensamento fa sembrare che la superficie si allontani dall'osservatore. Questo accade, ad esempio, con le onde del mare e con campi di fiori. Si tratta di un tipo di indizio poco frequente nella pittura antica. Si riscontra, invece, in quella contemporanea con notevole frequenza (sempre in Monet, I papaveri, 1873 o in Klimt, Campo di papaveri, 1907).

6) PROSPETTIVA ATMOSFERICA: Questo effetto, teorizzato da Leonardo da Vinci, prevede che, per via dell' addensarsi dell'atmosfera interposta, gli oggetti lontani diventino più sfumati, più chiari e dal colore grigio-azzurro conferendo grande profondità ai paesaggi (come si può osservare in Leonardo, particolare de La Vergine delle rocce, 1494). È un effetto ripreso da molta pittura paesaggista come quella romantica (ad esempio Friedrich, Le tre età dell'uomo, 1834).

7) OMBREGGIATURA: La distribuzione di luci e ombre sugli oggetti ( ombre proprie) ne favorisce la percezione del volume mentre la proiezione di ombre sull'area circostante ( ombre portate) suggerisce l' idea dello spazio. Oggetti più luminosi, inoltre, appaiono più vicini. Nell'arte medievale l'ombra portata è spesso innaturale, una specie di lingua scura che fuoriesce dai piedi (vedi mosaici del mausoleo di Galla Placidia). È solo con la pittura realista del Seicento che l'ombra proiettata sullo sfondo riesce a dare una vera idea di spazio (come in Caravaggio, Cena in Emmaus, 1602).

9) PROSPETTIVA LINEARE: È un sistema di rappresentazione nel quale gli oggetti vengono proiettati su un quadro da un punto posto a distanza finita (occhio dell'osservatore). Tutte le linee che si allontanano dal quadro convergono verso punti all'infinito posti sulla linea d'orizzonte. È il sistema più " scientifico" di rappresentare lo spazio e gli oggetti, in quanto permette di realizzare anche l' operazione inversa (cioé il disegno della pianta e della sezione dell'ambiente in scala) attraverso la cosiddetta restituzione prospettica. La prospettiva lineare (centrale o accidentale) è definita nel Rinascimento ad opera di artisti che l'hanno applicata in maniera esemplare nelle loro tele (come Paolo Uccello nel Miracolo dell'ostia profanata, 1469). Anche nella pittura del Novecento continua ad essere utilizzata sebbene l'effetto non sia più quello di uno spazio razionale e misurato quanto quello di un ambiente straniante e sospeso (ad esempio in De Chirico, particolare de Le muse inquietanti, 1917).

Un esercizio molto facile ma efficace per affrontare questo argomento può essere quello del riconoscimento degli indizi di profondità nelle opere d'arte di ogni epoca.

Volete provare? Ecco alcuni esempi su cui hanno lavorato i miei studenti.

La fase successiva, per applicare il metodo del learning by doing, è quella di produrre scatti fotografici, fotomontaggi e disegni nei quali vengano utilizzati gli indizi in modo consapevole scegliendo quelli più adatti allo scopo. Un altro gruppo di studenti, ad esempio, ha realizzato delle fotografie nelle quali fosse prevalente la prospettiva lineare (i risultati sono quelli qui sotto).

Una volta acquisita dimistichezza con la rappresentazione della profondità, la lettura dello spazio figurativo sarà quasi un gioco!

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Nove modi per rappresentare lo spazio - Didatticarte

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Cosa ci viene in mente parlando di spazio figurativo? Sicuramente penseremmo alla prospettiva lineare e alla tipica rappresentazione della profondità attraverso linee convergenti verso uno o più punti di fuga. Eppure questo è solo uno dei tanti modi utilizzati nel corso della storia dell'arte per raffigurare lo spazio su una superficie bidimensionale come ho ampiamente raccontato in questo ipertesto .

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3.3.Ma che cos'è la prospettiva e come si costruisce?

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3.3.Ma che cos'è la prospettiva e come si costruisce?

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Ecco un breve videotutorial per disegnare un oggetto in prospettiva

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Lezione estratta dal Video Corso di Massimiliano Giara. www.massimilianogiarascultura3d.com

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3.1.Con il Rinascimento e la messa a punto di un metodo prospettico geometrico ad opera di Brunelleschi e Alberti, la profondità spaziale viene progettata matematicamente.
Nella "Città ideale", una delle immagini simbolo del Rinascimento italiano, vediamo una vasta piazza in prospettiva lineare

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E' il contesto entro il quale si svolge la nostra esperienza fisica.
Fin dall'antichità gli artisti hanno affrontato il problema della rappresentazione dello spazio su un supporto bidimensionale.
Il particolare di una pittura tombale egizia, che si trova al British Museum di Londra, raffigura una piscina:la fila di alberi  in alto ci sembra dipinta correttamente. Quelli in basso sono invece rappresentati secondo il principio dello “Scaglionamento”; siccome la piscina è dietro gli alberi, viene raffigurata più in alto. Gli alberi a sinistra invece, sono visti come una scatola che viene aperta e appoggiata su di un tavolo.

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2.3. Nell'affrontare il tema della forma, dobbiamo definire anche il rapporto fra questa e lo spazio che la circonda, o meglio lo sfondo su cui è posta

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2.3. Nell'affrontare il tema della forma, dobbiamo definire anche il rapporto fra questa e lo spazio che la circonda, o meglio lo sfondo su cui è posta

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Lo studio della percezione visiva ha beneficiato del contributo della Psicologia della Gestalt, un movimento psicologico formatosi nei primi anni del '900. Le ...

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La forma è la porzione di piano racchiusa da una linea, da una serie di punti o racchiusa da un colore. Le forme geometriche base sono il triangolo, il quadrato e il cerchio. Il quadrato è il simbolo terreno per eccellenza ed indica stabilità, il triangolo è legato ad un'idea di armonia e proporzione mentre il cerchio è la forma dell'infinito e dell'eternità.

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1.3.Nel primo Novecento, con la nascita delle Avanguardie, la linea assume un ruolo particolare e significativo.

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1.3.Nel primo Novecento, con la nascita delle Avanguardie, la linea assume un ruolo particolare e significativo.

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Nel dipinto "La gioia di vivere" (1906), Matisse raffigura dei nudi femminili in un paesaggio semplice e lineare. Grande protagonista del quadro, accanto al colore "Fauve" è proprio la linea sinuosa e decorativa. I corpi sono circoscritti da linee così morbide da risultare aperte, mentre i colori sono ipersaturi e contrastanti.

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1.2.Anche l'architettura può presentare un forte linearismo. 

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1.2.Anche l'architettura può presentare un forte linearismo. 

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Ad esempio le cattedrali gotiche presentano schemi lineari basati sull'incrocio dei costoloni a raggiera che seguono lo sviluppo delle volte a crociera. Un esempio è la CATTEDRALE DI WELLS  in Gran Bretagna.

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1.1.Molte opere d'arte rivelano la particolare sensibilità visiva dei loro autori per la linea. 

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1.1.Molte opere d'arte rivelano la particolare sensibilità visiva dei loro autori per la linea. 

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Ad esempio Botticelli, alla fine del Quattrocento, realizza molti dipinti basati sui percorsi e sui movimenti ondeggianti della linea. Nella "NASCITA DI VENERE", ogni elemento figurativo, dai capelli della dea, al manto, al profilo della costa, sono resi con un segno lineare nitido ed incisivo.

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La linea ci restituisce la forma degli oggetti, ma è anche dotata di un valore espressivo.
La linea è una traccia prodotta da un punto in movimento. Nella realtà non esiste: è un segno che uno strumento (come una matita, una penna o un pennello) lascia su una superficie  È un importante elemento espressivo: ad esempio la linea orizzontale esprime quiete, quella verticale elevazione, la linea obliqua suggerisce instabilità e quella ondulata ha un forte effetto di movimento.

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Ho già spiegato ampiamente l'importanza didattica del disegno, il suo profondo legame con la storia dell'arte e la sua utilità nell'apprendimento.

Oggi voglio perciò approfondire l'argomento esplorando tutte le potenzialità espressive della linea, il segno più semplice, più elementare che l'arte conosca.

La linea è innanzitutto contorno delle cose, margine tra ciò che è e ciò che non è. Dunque tracciare una linea significa rappresentare visivamente un ragionamento astratto, filosofico. Nulla possiede una linea di contorno e definirne una diventa un atto altamente creativo.

Non potendo disegnare efficacemente le parti sporgenti del corpo (come il naso o i piedi) utilizzando un'unica spessa linea, risolsero la questione rappresentando queste parti di profilo ma lasciando le spalle in vista frontale (altrimenti la spalla di profilo sarebbe diventata una nuova sporgenza). Il risultato? Figure umane completamente piatte.

Praticamente è la stessa linea di contorno che con Osvaldo Cavandoli si anima e diventa personaggio! 😉

Ma torniamo al passato... con i Greci la linea, da semplice contorno delle figure (che restano fondamentalmente bidimensionali), inizia progressivamente a diventare volume, modellato.

E la cosa è ancora più evidente nel passaggio intorno al 530 a.C. dalla ceramica a figure nere, nella quale i dettagli vengono ottenuti graffiando con una punta metallica la vernice scura e producendo solo linee di uguale spessore ed un effetto molto "grafico" e bidimensionale, alla ceramica a figure rosse che richiede, invece, l' uso del pennello dando la possibilità di variare lo spessore e la densità del tratto, conferendo con ciò alle figure un maggiore realismo e una notevole tridimensionalità .

La linea greca, dunque, si fa volume nel momento in cui abbandona il profilo esterno delle figure per penetrare al loro interno, interrompendo il percorso della linea vicina. In tal modo si crea un "davanti" e un "dietro", termini che denotano distanze, dunque spazio e volume.

Non troppo diversa dalla linea greca è quella, recente, di Alexander Calder e dei suoi lavori in fil di ferro. Anche se sviluppati nello spazio si tratta sempre di disegni nei quali la linea suggerisce alcune parti della figura lasciando alla nostra percezione il compito di completarne la forma.

A questi esperimenti sono ispirate tante altre esperienze simili: volumi creati col filo metallico che descrive nello spazio un disegno tridimensionale.

Ma torniamo al passato: anche quando l'arte acquisì l'uso del chiaroscuro pittorico, alcuni artisti continueranno a circondare le loro figure con una evidente linea di contorno proprio allo scopo di renderne la leggerezza, suggerendone quasi la bidimensionalità (come fa Botticelli) o, al contrario, ottenendo un vigoroso stacco dallo sfondo che enfatizza la plasticità dei corpi (come fa Michelangelo).

Mentre nella tradizione fiorentina, e soprattutto per Leon Battista Alberti, la linea di contorno era "circumscriptione", ossia un segno che individua l'oggetto, lo definisce e lo razionalizza, per Leonardo, da fine osservatore del mondo reale e dei suoi fenomeni, la linea è strumento di progetto, metodo di rilievo dell'esistente ma mai margine e delimitazione delle figure dipinte!

La Gioconda, anzi, sembra essere un tutt'uno con il paesaggio che la circonda avvolgendola. Ed anche nei disegni la linea di Leonardo non è mai netta e continua ma tende a suggerire, a far vibrare, a dare un' immagine pulsante delle forme naturali che vediamo intorno a noi.

Sulla stessa lunghezza d'onda saranno gli Impressionisti che sull'abolizione della linea di contorno hanno costruito un nuovo linguaggio fatto di forme indistinte eppure vitali e verosimili.

Torniamo, adesso, agli artisti che prediligono la linea. Come dicevo all'inizio è difficile rendere la tridimensionalità di una figura solo attraverso l'uso di linee.

Eppure si può creare il volume e il chiaroscuro anche utilizzando solo linee e tratteggi incrociati, metodo utilizzato da tutte quelle tecniche come l' inchiostro o l' incisione nelle quali non sono realizzabili forme di velature o di sfumato.

Ecco come prendono volume un paio di brocche in un'incisione di Morandi del 1959.

Avvicinare ed allontanare linee curve produce, in effetti, delle sensazioni molto plastiche come si può osservare nelle immagini qui sotto.

Osservate quella di destra: è un pavimento perfettamente piano ma la forza percettiva delle linee deformate è tale da dare la netta impressione che la superficie sia tutta ondulata!

Questi effetti sono stati portati all'esasperazione in tanti esempi di op-art nei quali l'effetto dinamico è tale da produrre vibrazioni quasi fastidiose!

Questi fenomeni di interferenza possono essere creati anche attraverso il cosiddetto effetto Moiré. Due retini rigati sovrapposti generano, muovendosi l'uno sull'altro, delle vibrazioni dinamiche davvero particolari. Guardate in cosa consiste.

Questo accadeva in genere con i graffiti rupestri nei quali, per la semplificazione delle figure, bastava un singolo tratto a delineare il corpo e gli arti di un uomo. Non mancano, naturalmente, anche esempi molto recenti nei quali la linea-oggetto è stata utilizzata con la stessa identica finalità!

Fin qui abbiamo visto linee funzionali al disegno di figure umane, oggetti o altro. Insomma, la linea come strumento figurativo.

E che strumento!

Guardate come gioca con le linee Picasso passando da un disegno all'altro...

Ecco come Kandinsky descrive la linea che vedete qui sotto a sinistra (e che poi diventa la base di numerose opere grafiche, come quella a destra): " Linea curva, liberamente ondulata. Dopo una prima ascesa in direzione di sinistra, tensione risoluta, immediata e grandiosa verso l'alto e la destra. Rilassamento circolare verso sinistra. Quattro onde sono subordinate energicamente a una direzione da sinistra in basso a destra in alto".

Dunque la linea può comunicare sensazioni e movimento: la linea verticale può esprimere elevazione, tensione spirituale; quella orizzontale è la quiete; quella obliqua può indicare ascesa e caduta, tensione e dinamismo.

Le linee ondulate esprimono armonia, fluidità mentre le spezzate asprezza ed energia. Ecco come le utilizza l'artista in un eccezionale video che lo vede all'opera.

Anche per Paul Klee la linea contiene una grande potenza espressiva.

Il consiglio che dava ai suoi studenti della Bauhaus era "prendete una linea e portatela a fare una passeggiata". E, in effetti, le sue opere partono sempre da una linea o una figura geometrica, ne rivelano il potenziale evocativo e poi proseguono in direzioni totalmente imprevedibili.

Nello stesso ambito concettuale si muove anche l'italiano Piero Manzoni (quello della merda d'artista, per intenderci).

Eppure anche negli achrome le pieghe del tessuto generano linee. Sono alternanza di luci ed ombre ma sempre linee...

Come sono linee quelle che crea Lucio Fontana quanto taglia le sue tele. Sono assenze di materia, spazi vuoti tra un lembo ed un altro, ma, anche in questo caso, sempre linee.

Dopo tanta astrazione vi rivelo un segreto: io amo di più la linea che disegna, quella che, ridotta al minimo assoluto, senza ombre, senza volumi, riesce comunque a raccontare un mondo.

Se devo pensare ad una linea che ha vita propria, penso a Saul Steinberg, uno dei più grandi disegnatori del Novecento, colui che disse: "Il disegno, come esperienza e occupazione letteraria, mi libera dal bisogno di parlare e di scrivere".

E per me il senso della linea è proprio questo: un linguaggio alternativo capace di arrivare all'essenza delle cose.

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Ho già spiegato ampiamente l'importanza didattica del disegno , il suo profondo legame con la storia dell'arte e la sua utilità nell'apprendimento . Oggi voglio perciò approfondire l'argomento esplorando tutte le potenzialità espressive della linea, il segno più semplice, più elementare che l'arte conosca.