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Tout Molière - Molière de A à Z - Comique

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La commedia dell'arte est un style de théâtre italien improvisé apparu au XVI e siècle.

Une comédie sans texte écrit

La commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire né au en Italie. La particularité de la commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit : toutes les pièces sont improvisées, un peu comme le jazz en musique. Il y a un canevas qui donne les grandes lignes de l'histoire sujet de la pièce. Ce canevas est accroché dans les coulisses du théâtre et les comédiens qui entrent et sortent sans cesse de la scène consultent régulièrement et rapidement ce canevas. À partir de là, ils improvisent les gestes et les dialogues. Pour s'aider, les comédiens connaissent un répertoire des répliques, des façons d'exprimer les sentiments. Les comédiens doivent réagir à ce que leur proposent leurs partenaires. Sur le même canevas il y a donc des différences d'une représentation à l'autre.

Les différents personnages

Il existe une série de personnages fixes et stéréotypés, très connus, comme Arlequin, Colombine, Pantalon, Polichinelle, Scaramouche les zanni (valets), le capitaine Matamore, le Docteur, etc. La plupart de ces personnages sont caractérisés par un costume et surtout un masque. Il est donc impossible à l'acteur qui porte le masque de se servir des expressions de son visage pour jouer : toutes les émotions doivent être mimées par le corps entier, ce qui fait que les acteurs bougent beaucoup et exagèrent leurs mouvements.

La commedia dell'arte est surtout célèbre pour ses personnages, dont certains ont d'ailleurs été repris par des auteurs plus récents, comme Molière.

Comme c'est un genre de théâtre populaire, la commedia dell'arte prend le parti des gens du peuple, principalement les valets et les domestiques, et se moque des bourgeois et des riches. Pour simplifier, il existe deux catégories de personnages : les valets, et leurs maîtres.

Pour en savoir plus, lire l'article : Arlequin.

Arlequin, le valet. Il est gourmand, paillard, un peu sot mais avec un bon fond, sans métier fixe. Il n'est pas le seul valet malin de la commedia dell'arte : chaque grande ville d'Italie possède son " Arlequin " local comme Trivelin ou Truffaldin. Arlequin est un personnage malin, joueur, un peu paresseux. Il porte un costume multicolore, généralement formé de losanges ou de triangles rouges, noirs, et parfois aussi bleus ou jaunes. Il vient de Bergame.

Brighella, l'autre valet, avec un masque de couleur olivâtre et un nez crochu. Son costume est blanc avec des bandes vertes. C'est un débrouillard qui aime se moquer des vieillards amoureux ou voler les avares. Lui aussi vient de Bergame. Il a des copies comme Scapino, ou Beltrame.

courtisaneColombine ou Zerbinette ou Fiorina. C'est la soubrette confidente de sa maîtresse mais elle peut être aussi une entremetteuse dans les affaires de cœur voire une . Elle est douée pour mener des intrigues amoureuses.

Polichinelle (Pulcinella) est originaire de Naples ; laid, il a un gros ventre et une bosse dans le dos. C'est un vieux garçon, grincheux, fainéant, rusé, gourmand, menteur et grossier. Il fait également partie du théâtre de marionnettes.

Pierrot (Pedrolino). Valet au costume blanc, il est jeune, beau garçon, et honnête. Il plait aux servantes dont il peut tomber amoureux. Lui aussi, poussé par Polichinelle ou Brighella ou une soubrette, joue de mauvais tours aux vieillards.

Les maîtres

Pantalone, avec la barbe en pointe, habillé en rouge et noir. Il porte un caleçon long rigidifié par des sous-pieds (l'ancêtre du pantalon). C'est un vieillard de comédie. C'est souvent un commerçant retraité, avare, trompé par sa femme et ses enfants. Mais il a des vues amoureuses sur les femmes jeunes. Il vient de Venise.

Le fraisedocteur porte un nez noir et autour du cou une aux allures molles. C'est un personnage qui étale sa " culture " mais qui en fait n'en a aucune de solide. Il peut exercer divers métiers comme médecin, juriste ou philosophe. Il vient de Bologne.

Bartolo et Gerontio sont aussi des vieillards de la commedia dell'arte.

Les amoureux

Isabelle ou Rosalinde ou Béatrice. Elle est vêtue à la dernière mode. Ce n'est ni une jeune fille, ni une courtisane, ni une femme mariée. Elle peut être tendre, mais parfois aussi perfide. Ses amours successifs sont sincères au moment où elle les ressent.

Flavio ou Cynthio ou Léandre ou Lelio. C'est un personnage élégant, aux allures maniérées. Il est cultivé. Il peut paraître ridicule.

Les autres personnages

Il porte l'habit militaire espagnol.Matamore ou le Capitan. C'est un soldat fanfaron, mais peureux. Par son aspect physique et les attitudes qu'il se donne, il se croit irrésistible auprès des femmes ; mais elles se moquent de lui.

À l'origine, ce théâtre se jouait dans les rues. Les auteurs plus modernes, comme Carlo Goldoni, au , ont malgré eux mis fin à cette pratique, en écrivant des pièces jouées dans des théâtres.

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La commedia dell'arte est un style de théâtre italien improvisé apparu au XVI e siècle. La commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire né au en Italie. La particularité de la commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit : toutes les pièces sont improvisées, un peu comme le jazz en musique.

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Entretien avec Laurent Brethome et Jérémy Lopez - Les Fourberies de Scapin - Molière, - mise en scène Laurent Brethome, - theatre-contemporain.net

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@thnet entretien, laurent, brethome, jérémy, lopez, fourberies, scapin, molière, scène, theatre, contemporain, net, culture, théâtre, spectacle, planches, art, dramatique, comédie, tragédie, vaudeville, lieu, cadre, arène, boulevard, compagnie, auteur, éditeur, édition, actualité, date, représentation, pièce, oeuvre

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - Les Fourberies de Scapin mises en scène par Jean-Louis Benoît à la Comédie-Française - Ina.fr

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Interview de Jean-Louis Benoît qui explique avoir cherché à retrouver dans sa mise en scène l'esprit d'une pièce à tréteaux. Un extrait du spectacle, la scène où Scapin enferme Géronte dans un sac et le bat (acte III, scène 2), vient illustrer ce propos, puis Philippe Torreton insiste sur le caractère retors et solitaire de Scapin.

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Au théâtre, un metteur en scène ou une metteuse en scène, est l'organisateur et le responsable de la mise en scène d'une œuvre dramatique ou lyrique, c'est-à-dire de tous les éléments qui composent le spectacle : jeu des acteurs, rythmes, espaces, décors, lumières, etc. Au cinéma, les termes de réalisateur et de cinéaste sont plus souvent utilisés et insistent sur la qualité d' auteur du metteur en scène. À la télévision, " réalisateur " est plus usité.

Jusqu'au début du siècle, la mise en place d'une pièce de théâtre était la responsabilité de l' auteur ou des principaux comédiens. Au siècle est née l'idée de principes dramaturgiques novateurs, à appliquer concrètement sur scène : le metteur en scène prend ainsi une particulière importance, devenant le " maître du plateau " en se distinguant progressivement du régisseur.

En France, l'émergence du metteur en scène et de la mise en scène date du succès d' André Antoine et de son Théâtre-Libre en 1887. Cette émergence est due à plusieurs facteurs : l'avènement du mouvement naturaliste, la conscience des limites théâtrales de l'époque, la volonté de réalisme artistique.

Cette transformation est aussi provoquée par l'apport de l'auteur et metteur en scène russe Constantin Stanislavski, né en 1863, qui prône une nouvelle pratique du théâtre basée sur le travail corporel, le travail physique, le refus du jeu conventionnel et l'attention à la situation psychologique des personnages.

Antoine, pour sa part, veut pour ses acteurs un jeu qui s'éloigne des anciennes conventions dramatiques, et qui aille vers le naturel et le réalisme.

" Quelques années après avoir créé la fonction artistique du metteur en scène au théâtre, en ouvrant le Théâtre Libre et en y signant ses premiers spectacles, Antoine définit en 1903 la mise en scène comme une " besogne ", qui se divise en deux parties : " l'une, toute matérielle, c'est-à-dire la constitution du décor servant de milieu à l'action, le dessin et le groupement des personnages ; l'autre, immatérielle, c'est-à-dire l'interprétation et le mouvement du dialogue ". Il attribue ainsi, et pour longtemps, à la mise en scène une dimension créatrice, qui vient doubler le champ de la technique et du savoir-faire dans lequel elle avait été jusqu'alors limitée. Désormais, la mise en scène couvre tous les domaines du théâtre, depuis le décor et les acteurs jusqu'à l'interprétation du texte. C'est l'ouverture de ce qu'on va appeler " l'ère du metteur en scène ", qui, à bien des égards, définit le siècle théâtral, en France comme en Europe. "

Au siècle, pour Charles Dullin, le metteur en scène est " celui qui, par son art personnel, apporte à l'œuvre écrite par le poète une vie scénique qui en fait ressortir les beautés sans jamais en trahir l'esprit ".

La première mention " officielle " du métier du metteur en scène en France apparaît dans le décret du promulgué par le Régime de Vichy, qui établit le Comité d'organisation des entreprises du spectacle.

Notes et références

1. Catherine Naugrette, " Devenir metteur en scène ", in Registres 6 : La Formation du metteur en scène, novembre 2001 [présentation en ligne]

2. Serge Added, " Gaston Baty ou les ambiguïtés d'un combat artistique sous l'occupation ", in Théâtre et spectacles hier et aujourd'hui : Époque moderne et contemporaine, Actes du congrès national des sociétés savantes (Avignon 1990), Paris, Comité des travaux historiques et scientifiques, 1991 , p. 398

Bibliographie

André Antoine, Jean Pierre Sarrazac, Philippe Marcerou, Antoine, l'invention de la mise en scène : anthologie des textes d'André Antoine, Actes sud, 1999

Articles connexes

Liens externes

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Au théâtre, un metteur en scène ou une metteuse en scène , est l'organisateur et le responsable de la mise en scène d'une œuvre dramatique ou lyrique, c'est-à-dire de tous les éléments qui composent le spectacle : jeu des acteurs, rythmes, espaces, décors, lumières, etc.

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Tout Molière - Molière de A à Z - Comique

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Au siècle, le terme " comique " ne désigne pas prioritairement une œuvre amusante mais une œuvre traitant de sujets médiocres, mettant en scène des personnages n'étant ni des dieux, ni des nobles, ni des personnages fantastiques mais appartenant à la bourgeoisie ou au peuple.

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Les 4 types de comique - Louis De Funès. Capsule-lettres (classe inversée)

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Commedia dell'arte - Atelier Eugenio de'Giorgi - francese

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Uploaded by Eugenio de'Giorgi on 2011-09-16.

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(italien commedia dell'arte, comédie de l'art)
commedia dell'arte
Genre théâtral né au xvi e s. mais ainsi nommé au xviii e s., reposant sur l'improvisation d'acteurs souvent masqués.

Ingéniosité, naïveté, ruses et travestissements sont les principaux ingrédients de la commedia dell'arte (" comédie de métier "), qui a remporté un vaste succès en Europe, du xvi e au xviii e s. Connue jusqu'au xviii e s. sous le nom de " comédie d'histrions ", " comédie improvisée " ou " comédie à l'impromptu ", cette forme théâtrale (→ théâtre) est née en Italie à l'initiative des hommes de théâtre qui cherchaient à se démarquer à la fois du théâtre littéraire et du dilettantisme des comédiens de l'époque de la Renaissance.

Les personnages de ce type de comédie seraient issus des atellanes, comédies latines du iii e s. avant J.-C., qui développaient de courtes fables improvisées à partir d'un schéma très simple. Polichinelle, le plus complexe d'entre eux, trouverait ses ancêtres en Maccus et en Buccus : alors que Maccus, surnommé " le Coq ", se faisait remarquer par ses grosses mâchoires, ses joues flasques et son habitude de pépier et de se déplacer comme un poussin, Buccus, ou " Bouche en tirelire ", se distinguait par une bouche énorme et un gros ventre. Le mime blanc (mimus albus), lui, avec son ample chemise blanche resserrée à la taille par une ceinture, serait à l'origine du personnage de Pedrolino, notre Pierrot.

1. L'art de l'improvisation

Les gestes et le jeu corporel, qui priment sur le texte et le décor, s'accompagnent de dialogues pour une large part improvisés sur un canevas. En fait, il semble que les comédiens aient appris par cœur des pans entiers des scénarios issus de nouvelles, de comédies antiques et d'œuvres littéraires relatant des faits historiques. Certains de ces textes furent publiés pour la première fois en 1611, c'est-à-dire un siècle après l'émergence du genre : ils s'articulent autour de situations conventionnelles, qui aboutissent immanquablement à un dénouement heureux. Les mariages contrariés, mais inévitables, et l'éternel conflit des générations, qui en constituent les thèmes principaux, servent de prétextes à des échanges vifs, à des propos souvent obscènes et à des scènes de bastonnade.

Pour raviver l'attention du public, le spectacle était ponctué de lazzi, intermèdes comiques sans rapport avec l'intrigue (par exemple, un comédien faisait semblant d'attraper des puces et de les manger). Des numéros de danse et d'acrobatie ainsi que des morceaux de musique vocale et instrumentale étaient appelés également à placer la pièce, généralement précédée d'un prologue et coupée d'entractes, dans un climat d'allégresse et de gaieté.

2. Les personnages

Jeunes amants, valets malicieux, étudiants candides, marchands cupides, soudards, vieillards libidineux et avares, les personnages truculents qui peuplent la commedia dell'arte sont souvent issus du théâtre du Moyen Âge.

2.1. Arlequin

Il appartient, comme Scapin et Polichinelle, à la famille des Zanni, c'est-à-dire des valets, les plus populaires des personnages comiques de la commedia dell'arte. De tempérament dynamique, Arlequin est un meneur de l'intrigue, rusé, spirituel et railleur, qui ne cesse de brouiller les cartes. Son costume - initialement la tenue de travail des paysans méditerranéens en cotte de toile grossière - est le symbole de la pauvreté. Mais il se couvre progressivement de pièces colorées. On prêtait à cet habit bariolé le pouvoir magique de faire éclore les fleurs et de mûrir les fruits : Arlequin hérite ainsi des pouvoirs de Dionysos, dont le nom est associé aux débuts du théâtre antique.

Mais, avec son masque noir, aux traits grossiers - qui à l'origine était hérissé de poils et orné d'une protubérance rouge au front -, avec sa voix de fausset, ses pétarades émises parfois à l'aide d'une poire spéciale, avec son pas trépidant dérivé de la danse macabre, Arlequin n'est pas seulement un personnage primaire et obscène, c'est un être diabolique qui a rapport avec l'outre-tombe.

Pour en savoir plus, voir l'article Arlequin.

2.2. Polichinelle

Proche d'Arlequin par ses origines démoniaques signifiées par sa difformité physique (un nez rouge, crochu, et deux bosses), Pulcinella (probablement de pulcino, " poussin " en italien) parle d'une voix nasillarde, obtenue par un petit objet en os ou en métal placé dans la bouche. Comme Arlequin, Polichinelle se déguise, se masque, mime son maître et le caricature en s'inspirant des animaux de basse-cour. De Naples à Londres, en passant par Paris, son costume a connu de nombreuses variantes.

À Naples, Pulcinella est un portefaix d'origine paysanne, un coureur de filles. À Paris, Polichinelle est perruqué, poudré, jaboté, vêtu de rouge et d'or comme un aristocrate ; il est fripon, voleur, spéculateur, noceur. Bossuet - l'illustre théologien et évêque de Meaux - le proscrit l'année de la révocation de l'édit de Nantes (1685) : il écrit au procureur du roi pour le prévenir que Polichinelle le gêne dans son action en faveur des valeurs catholiques. À Londres, Punch - apparu à Covent Garden au milieu du xvii e s. - s'engouffre dans la tradition des moralités jouées dans les églises. Il représente alors la méchanceté gratuite, tuant sans raison son enfant, sa femme, Judy, le gendarme, le bourreau, le diable, et même la Mort.

2.3. Scapin

C'est aussi un valet, originaire de Bergame, comme son compagnon Arlequin. Son masque fruste, son gros nez, ses lèvres épaisses, ses yeux qui louchent lui donnent un air inquiétant.

2.4. Pantalon

Marchand avisé, il est cependant mêlé à de médiocres intrigues amoureuses. Avec son ample manteau et ses pantoufles noires, ses chausses et son chapeau rouges, c'est un personnage qui fait rire par sa balourdise. Dans la dynamique simpliste des scénarios de la commedia dell'arte, où il parle le dialecte vénitien, il ménage un suspense qui fait rire. Avare, soupçonneux, prudent, parfois naïvement confiant, grondeur, mais aussi bonhomme, il porte un masque à long nez, à moustaches et à barbiche.

2.5. Le Docteur

Proche de Pantalon, il est aussi père de famille et témoigne des mêmes défauts, mais son rôle est plus statique. Son costume est la caricature des vêtements que portaient les docteurs bolognais : tout de noir vêtu à l'exception d'un col blanc, il est coiffé d'un chapeau de feutre, noir lui aussi, à bord immense.

2.6. Matamore

Il veut être pris pour ce qu'il n'est pas : un brave. Ce qui le caractérise, c'est l'emphase. Son costume est une caricature des vêtements militaires.

2.7. Pierrot

L'amoureux au visage blanc porte la plupart du temps un demi-masque de cuir (fabriqué à Venise), qui permet au comédien une diction plus naturelle.

3. L'influence de la commedia dell'arte sur le théâtre français

Depuis le xiii e s., qui a vu la réhabilitation des mimes et des jongleurs, le terrain était prêt, en France, pour accueillir les influences italiennes dans le cadre du théâtre de la Foire, qui se tint, jusqu'à la Révolution, sur les foires Saint-Germain et Saint-Laurent.

3.1. Les personnages adaptés : de Turlupin à Tabarin

Les personnages caractéristiques de la commedia dell'arte donnèrent naissance en France à quelques variantes d'emblée fort appréciées par le public.

C'est Henri Le Grand, mort en 1637, qui créa le rôle de Turlupin, personnage qui exaltait l'outrance au détriment du naturel. Préférant l'usage de la farine à celui du masque, Robert Guérin inventa Gros-Guillaume, personnage que les estampes montrent planté au milieu de la scène, inerte, les mains derrière le dos soulignant l'irrésistible rondeur de sa bedaine.

Hugues Guéru est le père de Gaultier-Garguille, qui s'est rendu célèbre par sa souplesse et par ses chansons. Quant à Bertrand Hardouin de Saint-Jacques, il est le créateur de Guillot-Gorju, au début du xvii e s. : cet ancien médecin, vêtu des plus extravagantes défroques, fondait son personnage sur les effets comiques du vocabulaire médical de son temps.

Tabarin, reconnaissable à son invraisemblable chapeau mou et à l'ingéniosité bouffonne de ses questions " tabarinesques ", est l'un des plus célèbres personnages français issus de la commedia dell'arte, tout comme Dame Cigogne, Bruscambille et Jean Farine. Identifiés avec leurs interprètes et non avec leurs masques, ils n'ont pas survécu aux acteurs qui les avaient incarnés.

3.2. Les succès en France

Les Comédiens-Italiens, venus avec Catherine de Médicis, triomphaient dans leurs improvisations à l' Hôtel de Bourgogne, mais ils en furent chassés en 1697, pour avoir égratigné dans une pièce Mme de Maintenon. Revenus en 1716, sous la Régence, ils s'adaptèrent alors à un répertoire nouveau, moins fondé sur la repartie et le comique de geste.

Cependant, outre des auteurs italiens comme Goldoni , Regnard, Molière et Marivaux subirent eux aussi l'influence de la commedia dell'arte et de la technique de jeu élaborée des Comédiens-Italiens.

Molière

Au début de sa carrière d'auteur dramatique, Molière avait esquissé une typologie qui s'apparentait étrangement à celle de la commedia dell'arte. Même s'il abandonna ce projet au profit d'une élaboration psychologique plus poussée, il ne négligea pas l'apport de la commedia dell'arte, en particulier dans les Fourberies de Scapin (1671), une farce au rythme débridé.

Marivaux

Bon nombre de pièces de Marivaux ont été écrites pour les Comédiens-Italiens. Leur jeu, fondé sur une excellente formation d'acteurs, ne pouvait manquer de séduire un auteur qui apportait la poésie, l'originalité, la subtilité des caractères à des postures convenues. La commedia dell'arte se transforma alors : elle passa du masque au visage, et de la farce à la vraisemblance psychologique. Arlequin poli par l'amour (1720) est la pièce qui se réfère le plus directement à la commedia dell'arte, dans la mesure où elle propose des divertissements, des airs à danser, des chansons et toute une série de mimiques expressives, qui devaient d'ailleurs faire oublier que les Comédiens-Italiens possédaient parfois mal le français. De plus, chez Marivaux les masques ne sont plus " en dur ", en cuir, manipulables et séparés de l'acteur : ils sont constitutifs du texte sous forme de conventions, de faux-semblants sociaux. En fait, Marivaux s'emploie à percer à jour les mensonges - les masques - et à isoler des moments de vérité, qui dénoncent, à leur tour, la comédie humaine.

4. Déclin et renaissance de la commedia dell'arte

4.1. Un retour en grâce au xx e siècle

Quand la commedia dell'arte passe du " type " au personnage, du schématisme originel à l'approche psychologique et du jeu stylisé au texte élaboré, elle se dilue dans le théâtre d'auteur, qui emprunte son ton ludique pour traiter des sujets d'une extrême gravité.

Toutefois, dans la seconde moitié du xx e s., un certain nombre d'artistes, tels Jacques Copeau, Léon Chancerel, Jacques Lecoq (1921-1999), Ferrucio Soleri ou Dario Fo (prix Nobel de littérature, 1997), redécouvrirent la commedia dell'arte, la vertu de l'improvisation, le pouvoir du geste : cette forme de théâtre continue ainsi à vivre, d'une part, à travers la pièce de Goldoni Arlequin, serviteur de deux maîtres - représentée régulièrement sur toutes les scènes d'Europe - et, d'autre part, à travers des types qui resurgissent dans le théâtre contemporain.

4.2. La survie des personnages

Les " types " populaires de la commedia dell'arte se fixent - et en meurent - dans des poupées destinées aux enfants. Polichinelle et Arlequin deviennent ainsi des figures de bois et de chiffon, ou encore des pantins, jouets inoffensifs, imitant la prodigieuse souplesse des comédiens qui les avaient incarnés au théâtre. Quant à Pierrot, il connut un ultime sursaut de vie grâce aux pantomimes de Deburau au théâtre des Funambules, à Paris, au milieu du xix e s.

Dans les défilés de carnaval resurgissent également certains personnages de la commedia dell'arte, qui y retrouvent non seulement leurs costumes, mais aussi leurs masques. Alors qu'au carnaval de Schwyz, en Suisse, Arlequin figure parmi les danseurs, ailleurs il est généralement chargé d'ouvrir les festivités et de frayer un passage au milieu de la foule des spectateurs. Il partage cette fonction avec Polichinelle, étrange figure androgyne qui porte sur la partie inférieure du corps un mannequin de tissu qui a l'apparence d'une vieille femme.

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commedia dell'arte italien commedia dell'arte comédie de l'art - LAROUSSE

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Genre théâtral né au XVIe s mais ainsi nommé au XVIIIe s reposant sur l'improvisation d'acteurs souvent masqués Ingéniosité naïveté ruses et travestissements sont les principaux ingrédients de la commedia dell'arte comédie de métier qui a remporté un vaste succès en Europe du XVIe au XVIIIe s Connue jusqu'au XVIIIe s sous le nom de comédie d'histrions comédie improvisée...

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La commedia dell'arte est un style de théâtre italien improvisé apparu au XVI e siècle.

Une comédie sans texte écrit

La commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire né au en Italie. La particularité de la commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit : toutes les pièces sont improvisées, un peu comme le jazz en musique. Il y a un canevas qui donne les grandes lignes de l'histoire sujet de la pièce. Ce canevas est accroché dans les coulisses du théâtre et les comédiens qui entrent et sortent sans cesse de la scène consultent régulièrement et rapidement ce canevas. À partir de là, ils improvisent les gestes et les dialogues. Pour s'aider, les comédiens connaissent un répertoire des répliques, des façons d'exprimer les sentiments. Les comédiens doivent réagir à ce que leur proposent leurs partenaires. Sur le même canevas il y a donc des différences d'une représentation à l'autre.

Les différents personnages

Il existe une série de personnages fixes et stéréotypés, très connus, comme Arlequin, Colombine, Pantalon, Polichinelle, Scaramouche les zanni (valets), le capitaine Matamore, le Docteur, etc. La plupart de ces personnages sont caractérisés par un costume et surtout un masque. Il est donc impossible à l'acteur qui porte le masque de se servir des expressions de son visage pour jouer : toutes les émotions doivent être mimées par le corps entier, ce qui fait que les acteurs bougent beaucoup et exagèrent leurs mouvements.

La commedia dell'arte est surtout célèbre pour ses personnages, dont certains ont d'ailleurs été repris par des auteurs plus récents, comme Molière.

Comme c'est un genre de théâtre populaire, la commedia dell'arte prend le parti des gens du peuple, principalement les valets et les domestiques, et se moque des bourgeois et des riches. Pour simplifier, il existe deux catégories de personnages : les valets, et leurs maîtres.

Pour en savoir plus, lire l'article : Arlequin.

Arlequin, le valet. Il est gourmand, paillard, un peu sot mais avec un bon fond, sans métier fixe. Il n'est pas le seul valet malin de la commedia dell'arte : chaque grande ville d'Italie possède son " Arlequin " local comme Trivelin ou Truffaldin. Arlequin est un personnage malin, joueur, un peu paresseux. Il porte un costume multicolore, généralement formé de losanges ou de triangles rouges, noirs, et parfois aussi bleus ou jaunes. Il vient de Bergame.

Brighella, l'autre valet, avec un masque de couleur olivâtre et un nez crochu. Son costume est blanc avec des bandes vertes. C'est un débrouillard qui aime se moquer des vieillards amoureux ou voler les avares. Lui aussi vient de Bergame. Il a des copies comme Scapino, ou Beltrame.

courtisaneColombine ou Zerbinette ou Fiorina. C'est la soubrette confidente de sa maîtresse mais elle peut être aussi une entremetteuse dans les affaires de cœur voire une . Elle est douée pour mener des intrigues amoureuses.

Polichinelle (Pulcinella) est originaire de Naples ; laid, il a un gros ventre et une bosse dans le dos. C'est un vieux garçon, grincheux, fainéant, rusé, gourmand, menteur et grossier. Il fait également partie du théâtre de marionnettes.

Pierrot (Pedrolino). Valet au costume blanc, il est jeune, beau garçon, et honnête. Il plait aux servantes dont il peut tomber amoureux. Lui aussi, poussé par Polichinelle ou Brighella ou une soubrette, joue de mauvais tours aux vieillards.

Les maîtres

Pantalone, avec la barbe en pointe, habillé en rouge et noir. Il porte un caleçon long rigidifié par des sous-pieds (l'ancêtre du pantalon). C'est un vieillard de comédie. C'est souvent un commerçant retraité, avare, trompé par sa femme et ses enfants. Mais il a des vues amoureuses sur les femmes jeunes. Il vient de Venise.

Le fraisedocteur porte un nez noir et autour du cou une aux allures molles. C'est un personnage qui étale sa " culture " mais qui en fait n'en a aucune de solide. Il peut exercer divers métiers comme médecin, juriste ou philosophe. Il vient de Bologne.

Bartolo et Gerontio sont aussi des vieillards de la commedia dell'arte.

Les amoureux

Isabelle ou Rosalinde ou Béatrice. Elle est vêtue à la dernière mode. Ce n'est ni une jeune fille, ni une courtisane, ni une femme mariée. Elle peut être tendre, mais parfois aussi perfide. Ses amours successifs sont sincères au moment où elle les ressent.

Flavio ou Cynthio ou Léandre ou Lelio. C'est un personnage élégant, aux allures maniérées. Il est cultivé. Il peut paraître ridicule.

Les autres personnages

Il porte l'habit militaire espagnol.Matamore ou le Capitan. C'est un soldat fanfaron, mais peureux. Par son aspect physique et les attitudes qu'il se donne, il se croit irrésistible auprès des femmes ; mais elles se moquent de lui.

À l'origine, ce théâtre se jouait dans les rues. Les auteurs plus modernes, comme Carlo Goldoni, au , ont malgré eux mis fin à cette pratique, en écrivant des pièces jouées dans des théâtres.

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La commedia dell'arte est un style de théâtre italien improvisé apparu au XVI e siècle. La commedia dell'arte est un genre de théâtre comique populaire né au en Italie. La particularité de la commedia dell'arte tient à ce qu'il n'y a pas de texte écrit : toutes les pièces sont improvisées, un peu comme le jazz en musique.