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Neetwork - Escuela de Negocios Digitales

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También se debe al diseño gráfico.
Una composición en diseño es la disposición de los elementos sobre el plano, éstos, pueden ser de diferentes tipos (formas, líneas, puntos...) y deben estar sujetos a un carácter funcional a nivel visual.

La funcionalidad es un detalle que hemos venido trabajando en los últimos textos, en los que te he repetido que no existe diseño ni lindo, ni feo, ni atractivo... sino funcional.

Que corresponde a ciertos estándares y fundamentos que diseñadores y artistas ya han estudiado y expuesto a la luz pública de cómo funciona un buen diseño a nivel comunicativo.

Así que más allá de los conceptos que hemos trabajado antes, que son un poco más sencillos, acá quiero darte las nociones básicas de los principios de la composición visual.

Son principios estándar que bien pueden ser aplicados en las artes plásticas como en el campo visual o audiovisual.

De hecho, en el cine se mantienen las clásicas tomas que poseen dinamismo o crean tensión ante el espectador. Son los mismos principios, pero aplicados a un formato diferente de la bidimensionalidad

7 Principios de la composición visual

Existen otros principios de los que podemos conversar en varios posts informativos, hoy, de forma específica quiero hablarte de los más elementales de toda composición.

Cabe destacar que en ocasiones se puede jugar con dos o más principios en un solo plano, pero cuando estás en cero es recomendable que primero te empapes de cada uno de ellos para distinguirlos y luego practiques con recursos que tengas en casa que sean fáciles de emplear.

Por ejemplo, prueba con la cámara de tu teléfono celular de hacer fotografías con frutas, materiales escolares o elementos con formas orgánicas y no repetidas.

No es necesario que empieces a darte golpes con programas de edición si todavía estás en cero.

Para todo hay solución.

El dinamismo en el diseño tiene la misma connotación que la palabra que lo define, y describe al movimiento. No de un escenario, sino del elemento con el que se está creando la composición.

Existe la posibilidad de que tengas la concepción de la idea de que para que pueda existir movimiento en un plano bidimensional debe tener un formato como el GIF. Pero no necesariamente es así, acá se juega un poco con la percepción visual.

Esto, si lo trabajamos en el diseño.

Pero el dinamismo está presente de forma recurrente en películas de acción como Rápidos y Furiosos.

Este principio va de la mano con la armonía compositiva.

Cuando todos los elementos de una composición están en equilibrio ninguno es protagonista, todos son iguales a sus semejantes.

¿Alguna vez has pintado las paredes del salón de tu casa y te ha dado un fuerte dolor de cabeza al ver los bordes cercanos al techo disparejos?

Esa sensación se llama tensión visual, y en diseño se puede lograr cuando dos o más elementos de un plano están dispuestos de forma no convencional ante la percepción humana.

Para crear tensión, puedes colocar un punto en la esquina de un plano.

O puedes ver una forma con un sangrado hacia el margen del plano que tiene una silueta desproporcionada.

La tensión también puede crearse con el color al colocar un solo elemento que vaya en disonancia con los colores de los demás elementos.

Cabe destacar que el objetivo de este principio de la composición visual es llevar la mirada del espectador hacia un solo punto del plano.

Cuando en un plano existe un ritmo compositivo quiere decir que todos sus elementos se encuentran en una repetición continua para crear líneas de movimiento.

No es necesario que los elementos estén ordenados de forma simétrica en el espacio, sino más bien que se respete la repetición consecutiva.

Bien se puede tratar de elementos como el color, el punto, la línea o las formas, lo ideal es repetir al menos uno de estos elementos.
¿Cómo saber cuándo un ritmo es rápido o lento?
Cuando los elementos se repiten con una distancia muy cercana se crea la percepción de un ritmo rápido, en cambio, si los elementos están dispuestos con una separación considerable de distancia del otro, es un ritmo más bien lento.

Existe el ritmo por simetría que es la repetición de formas simétricas dentro de un espacio.

También existe el ritmo por alternabilidad en el que se utilizan elementos diferentes pero que respetan un orden de dirección dentro del plano.

Este recurso se emplea de forma frecuente dentro de la pintura, la fotografía y la ilustración.

Dentro del diseño se crea una sensación de movimiento cuando los elementos que hacen vida dentro de un plano están compuestos por líneas que asemejan esa sensación o por técnicas de difuminado al borde de las formas o bien puede ser por establecer una forma circular en la dirección en la que se disponen los elementos.

Existen hoy en día muchas técnicas para poder aplicar este principio de la composición visual a las artes finales de un diseñador.

Con la relación figura fondo se juega con la percepción visual del espectador.

Con la intención de que no se pueda percibir cuál es elemento principal de la composición.

Es una relación que debe funcionar, es decir, que aunque las formas estén dispuestas de forma independiente de la otra, no significa que no exista una relación entre ellas que las haga ser funcionales.

Por último pero no menos importante de esta lista de principios de la composición visual en el diseño gráfico, tenemos a la repetición.

Es el principio que se aplica para la creación de mandalas o patrones de telas o patrones que puedes bajar al ordenador y establecerlos como fondo de pantalla.

Con la repetición tomarás un solo elemento (módulos, formas, colores, tamaños, colores, texturas, direcciones...) y es el que harás que se repita de forma continua y equidistante.

Cuando de principios de la composición visual se trata tú eres el que tiene el control del mensaje que quieres transmitir.

En ocasiones, las imágenes pueden transmitir mucho más que las palabras si se hace una composición coherente con el mensaje y el objetivo.

Cuando un buen diseño logra su propósito y además logra transmitir una emoción a su receptor, se ha convertido en toda una obra de arte.

He aquí la diferencia entre un diseñador novato que no tiene esa percepción a la de un diseñador novato que tienes todas las de diseñar de forma efectiva basándose en los principios de la composición visual.

Aunque, todavía faltan recursos por explicarte en este apartado, ya tienes las alas suficientes para volar por cuenta propia.

Ahora cuéntame, ¿ya conocías alguno de estos principios de la composición visual en el diseño?

Eso me lo dices en comentarios.
Este texto ha sido escrito por @soyamandarebeca para Neetwork.

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7 principios de la composición visual en diseño gráfico

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La palabra composición no se debe solo al arte de la música ni la escritura creativa. También se debe al diseño gráfico. Una composición en diseño es la disposición de los elementos sobre el plano, éstos, pueden ser de diferentes tipos (formas, líneas, puntos...)

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Esta actividad me resulto desafiante, comprendí aspectos nuevos acerca de la ilustración en las que no estaba al tanto. Aprendí que aveces lo simple puede contarte mucho más.

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En mi opinión personal, este trabajo fue un completo desafío. Además, me resultó de suma ayuda la colaboración de la profesora a la hora de: agregar, sintetizar o realizar los planos ya sean blancos o negros. Si bien parece un trabajo sencillo y rápido, creo que no lo es, y para que pueda salir de una manera prolija y dedicada, debemos ir observando cada detalle y preguntándonos ¿lo considero necesario?¿o no?Concluyendo con el trabajo, creo que en estos casos, una síntesis puede contar más de nosotros que una imagen misma.

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Esta actividad me enseño que la prueba y error, es una parte muy crucial de todo trabajo. También aprendí y amplié mis habilidades en el sector de la ilustración, mirando varios tutoriales.

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Esta actividad me llevo mas tiempo del que esperaba, el detalle y la elección de la foto original fue muy importante para realizar correctamente el proyecto. Me ayudo a trabajar la paciencia (que claramente no tenia) ya que muchas veces quise tirar la computadora, con trabajo incluido, porque no me sentía conforme con los resultados logrados. Pero después de la crisis y retocar la imagen puedo decir que me siento a gusto con el resultado de este proyecto.

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En el transcurso de esta actividad pasé por muchos estados tanto como de frustración y de felicidad, pero me quedo con esta última ya que siento que pude lograr los objetivos de la consigna. Aprendí y amplié mi conocimiento con las herramientas de illustrator (pincel, pluma) y después de todo, me siento satisfecha con lo que pude lograr.

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Mi conclusión para esta actividad es que si bien al principio no fue fácil para mi, llegar a una síntesis completa, creo que a medida que lo iba corrigiendo puede darme de cuenta las lineas o puntos que sobraban y en cuales debía enforcarme mas. En definitiva creo que pude lograr lo que queria y me siento agusto con mi resultado final.

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Este trabajo me pareció un total desafío ya que representarnos a nosotros mismos en una imagen no es fácil como parece, los detalles son lo mas importante que tiene una síntesis y trabajarlos es muy complicado ya que no hay que agregar cosas que queden de mas o que a una simple vista molesten o no hagan falta. Me costo mucho lograr ver que cosas estaban de más, pero siento que logre llevar a cabo la consigna. También pude crear un conocimiento más amplio sobre herramientas y funciones de illustrator. ¡Me gustó mucho!

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Este trabajo me pareció bastante entretenido de realizar aunque en el camino me encontré con muchas dificultades para hacerlo ya que nunca había realizado algo parecido y no sabía cómo hacerlo ni que herramientas usar. Pero a medida que lo fui haciendo fui probando cosas nuevas hasta que más o menos pude armarlo. Luego con las correcciones lo fui modificando y puedo decir que estoy conforme con como quedó el trabajo finalmente y que aprendí a usar muchas herramientas que antes desconocía.

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Este trabajo llevo tiempo y dedicación, y a pesar de que no fue fácil, disfrute mucho de su realización.
Me pareció muy interesante el hecho de poder comunicar un objeto de una manera simplificada, formado a partir de sombras. El mayor desafío fue utilizar la menor cantidad de lineas posibles. Personalmente, me siento a gusto con el resultado final.

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Este trabajo me pareció interesante, aunque si bien fue un poco complejo porque no tenía idea de como encarar la síntesis, una vez con la idea en mente me resultó bastante fácil y entretenido llevarla a cabo.

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En mi opinión, esta actividad me llevo mas tiempo del que pensaba que iba a llevarme y fue un desafío ya que nunca había hecho algo parecido. Reforcé mis conocimientos en herramientas de programas como Illustrator y Photoshop.
Después de varias correcciones puedo decir que estoy satisfecha con el trabajo que logré.

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En mi opinión esta actividad no supe como encararla entonces investigué y finalmente me sirvió para aprender a usar otras herramientas y efectos que no había utilizado.

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En un principio me pareció una actividad fácil, pero a medida que el trabajo avanzaba las dificultades iban aumentando. Acostumbrada a trabajar en equipo y con un acompañamiento personal sentía que no iba a llegar al resultado deseado por ambas, la profesora y yo. Aprendí que a veces los detalles o mi perfeccionismo no son necesarios para expresar lo que quiero , sino que con algo más sencillo y minimo puedo hasta impactar mucho más. Este trabajo fue y es un gran desafío del cual estoy muy contenta de haber intentado superar.

Me llevó a investigar y reconocer diferentes formas de lograr el resultado esperado como por ejemplo a través de tutoriales o diferentes páginas de diseño.

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Este trabajo significo un verdadero reto para mí debido a que no poseía ningún adobe disponible ya que computadora no tenía. Fui probando distintas cosas desde un filtro del celular hasta un editado más complejo. Pase de una foto a otra por la importancia de la luz, y la verdad no quede muy conforme con lo que hice pero sé que dada mi situación hice todo lo podía. Logré hacer algunas de las correcciones que me dieron pero así como las hice hay otras que no pude hacerlas directamente. Se me hizo difícil, pero lo que más valore del trabajo fue mi  habilidad para re-buscármela al no tener el material que yo creo que era esencial.

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MI CONCLUSIÓN:
Al principio cuando Constanza dio la
actividad me emociono mucho la idea que había que realizar, pero no pensé que iba a ser complicada en mi punto de vista, fue mi primera experiencia dibujándome en la computadora, nunca lo realize antes.
Las luces del pelo decidí quitarlas ya que era uno de los temas que más me costaba para que quede bien el trabajo y lo resolví usando los ejemplos que subió la profesora en padlet como el de Frida, Salvador Dali, John Lennon, donde no tienen brillo en el cabello.
En fin este trabajo estuvo bueno y he visto que mis compañeros lo han hecho muy bien...

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Esta propuesta significó un gran desafío para mi, ya que tengo un manejo bastante limitado de los programas de edición. Creí que no iba a poder lograr un buen resultado, pero con mucho esfuerzo, horas de trabajo y búsqueda incansable de diversas soluciones, al fin pude acercarme al objetivo de la actividad.
Aprendí que la autoexigencia en exceso nos juega en contra, nublando la esencia de estas actividades: aprender de los errores.

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Este trabajo significó un gran reto para mi ya que mi relación con el diseño es muy mala. La verdad que me costó bastante lograr la síntesis debido a que no estoy acostumbrada a trabajar sola, y sinceramente me cuesta usar los programas de diseño.
Sin embargo estuvo bueno contar con la ayuda de mis compañeros y amigos(aunque sea virtualmente) y de la profesora, quien nos recomendaba cosas por las reuniones.

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Este trabajo me ayudó a aprender nuevas herramientas dentro de Illustrator y Photoshoop. También entendí que mediante los errores se puede aprender mucho, y esto permite que lleguemos a un mejor resultado. Además, pude comprender el valor que tienen las sombras en una imagen. Lo cual era algo a lo que nunca le había prestado atención hasta este momento.

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En mi opinión este trabajo me resultó más difícil de lo que pensaba,  pero investigando y con la ayuda de tutoriales pude hacerlo.
Las observaciones de la profesora sobre correcciones que debía realizar me fueron de gran ayuda.
Además pude aprender a utilizar herramientas que antes desconocía.

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Al llegar al final de esta actividad puedo decir que me resultó más difícil de lo que pensé, lleva mucho tiempo, dedicación y paciencia. Pero vale la pena al ver el resultado, te das cuenta la importancia de las luces y sombras, y aprendes a manejarlas. Hablando de las clases, estuvo bueno ir comentando los errores porque de esa manera uno lo plantea en su trabajo y se va guiando. Siendo sincera al principio de esta actividad, lo veía algo imposible que realizara una síntesis pero llegando al final puedo decir que estoy contenta con mi trabajo.

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En mi opinión la actividad estuvo interesante. La elección de la foto original para usar de base se me hizo entretenida. Inicialmente busqué fotos que ya tenía, pero luego pensé en hacer nuevas jugando con un foco de luz, así podía expresar mi personalidad y rasgos físicos con las sombras además de con la expresión. Después el trabajo en la computadora se me hizo un poco complicado al principio porque no suelo diseñar a personas con vectores. En líneas generales me gustó y a su vez me ayudó a que aprenda nuevas técnicas en Illustrator.

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Mí conclusión sobre está actividad fue que al principio me pareció fácil pero me di cuenta que no, use una foto que me gusta muchísimo y dónde se destacaban muchas cosas que me gustaban y que quería destacar en la síntesis, vi el progreso de mí trabajo y estoy feliz de como quedó, aprendí un nuevo estilo de diseño que me dieron muchas ganas de implementarlo para futuros dibujos. Disfruté mucho hacer el trabajo.

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GILARDONI MARTINA
El trabajo me pareció desafíante a la hora de corregir lo que de un principio se pensó que estaba bien, hay que verlo de distintos puntos de vista e intentarlo hasta llegar a lo concreto.

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El trabajo me resultó entretenido y pude aprovechar para encontrar nuevas técnicas y herramientas en Adobe Illustrator. Fue desafiante pero estoy satisfecho con el resultado final.

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En mi opinion el trabajo estuvo buenisimo aunque al principio me resulto bastante complejo pero con tutoriales pude aprender nuevas tecnicas que me ayudaron a llevar a cabo el trabajo de la sintesis a pesar de que haya sido desafiante

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En mi opinión el trabajo fue una gran experiencia.
Yo estaba acostumbrado a utilizar muchos colores en mis trabajos de diseño y que solamente se pueda utilizar los valores Blanco y Negro fue un gran desafío. Para ser la primera vez que realicé una síntesis de imagen estoy muy satisfecho con el resultado. Durante el desarrollo del trabajo pude mejorar mis habilidades utilizando las herramientas de Photoshop. Sin duda fue una experiencia interesante.

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Con esta actividad me di cuenta que tan única es nuestra cara que un pequeño detalle puede hacernos muy diferentes, y que los ojos son esenciales para distinguirnos. También me di cuenta que en las síntesis faciales la nariz aparece muy sutilmente, cuando en la realidad resalta mucho más. Además que el juego de luces y sombras es muy importante ya que no tenemos la cara plana.

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El trabajo me resultó entretenido, me gustó la forma de trabajo ya que, personalmente, estoy acostumbrada a trabajar de este modo: en forma de proceso, pudiendo ver lo que se avanza progresivamente, realizando de manera casi autómata un mejor resultado.

Resaltar lo más importante de uno mismo visualmente fue todo un reto y más aún por hacerlo sin utilizar herramientas monocromáticas, limitandonos a utilizar simplemente colores como el blanco y negro que nos dicen tan poco y, a la vez, mucho.

Me hubiese gustado trabajar este proyecto en alguno de los programas que usamos a través de estos años para poder descubrir nuevas formas de manejarlos, pero esta vez mis posibilidades fueron otras y de igual modo fue una nueva prueba personal para poder cumplir, utilizando mi mano como mouse sobre este nuevo lienzo que se me presento ante mí.

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El trabajo me pareció muy interesante, en este se ve la importancia tanto de las sombras y luces como de la prueba y error a la hora de trabajar, las correcciones de la profesora fueron de gran utilidad y gracias a esta actividad aprendo a utilizar nuevas herramientas de trabajo

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Este trabajo me resultó entretenido e interesante. Fue un desafío dado a que nunca había realizado una síntesis gráfica. Resolver la síntesis en un principio fue difícil pero gracias a la visualización de tutoriales por Youtube lo hizo llevadero. Pude aprender más sobre los programas de diseño, también aprendí que hay que tener mucha paciencia para que todo salga bien y que de todos los errores se aprende.

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El trabajo me presento algunas dificultades. Me di cuenta que cada rasgo de nuestra cara por mas pequeño que sea, es lo que nos hace diferentes a cada uno.
Fue un desafio pero me gusto hacerlo.

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Este trabajo me pareció muy divertido de realizar además de útil. Aprendí a utilizar herramientas de Photoshop que no conocía y a utilizar la pluma de illustrator de una manera mas detallista. Todo esto gracias a que el trabajo dependía mucho de los detalles, donde una simple línea podía cambiar más de lo pensado. A pesar de esto, me quedo contento con el resultado final que tuve.

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El trabajo representó un gran cambio a lo que suelo hacer. Cuando se trata de realizar un dibujo realista en digital, utilizo una paleta de colores muy variada. Es por eso que al presentarnos este trabajo, siendo lo más sincera posible, entré en crisis. Durante todo el proceso tuve el siguiente pensamiento: "¿Cómo hago para resaltar tal rasgo usando nada más blanco y negro? Ni siquiera puedo usar escala de grises.Si hago tal cosa, va a quedar mal y no se va a poder destacar lo que quiero. Si hubiese pedido la ilustración a color hubiese sido más fácil". Sin embargo, comprendí que ese no era el punto del trabajo. De hecho, me tuvieron que explicar sobre anatomía para comprender dónde colocar correctamente las sombras.
Sin duda alguna, terminé el trabajo no solamente obteniendo el resultado que ven abajo, sino pude enriquecerme en programas de edición como en la investigación sobre lo que nos define.

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Este trabajo me ayudo a mejorar las habilidades en los programas de edicion. Fue un trabajo de prueba y error pero fue muy interesante de hacer.

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Este trabajo me pareció muy interesante y desafiante a la vez porque se trataba de hacer una síntesis de nuestro rostro, algo que tenemos desde el día que nacemos y con el cual convivimos día a día. Y a pesar de eso me siguió resultando difícil el poder sintetizarlo, poner las sombras en el lugar correcto, poder lograr que se entienda y destaque lo que quiero expresar. Fue divertido y frustrante, pero sentí que avance mucho en el correr de los días.

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El trabajo me pareció interesante y entretenido. Personalmente no tuve muchas dificultades al realizarlo aunque si dudé sobre que herramientas utilizar, tuve que probar con distintas hasta que encontré las indicadas en photoshop. Fue interesante experimentar como pocas líneas y sombras pueden formar un rostro si se utilizan correctamente.

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Personalmente me gustó este trabajo. Me resultó interesante trabajar las luces y las sombras en forma de "dibujo". Fue un desafío ya que nunca intenté nada parecido en términos de edición. Igualmente no me fue fácil, creó que el pelo es algo en lo que tengo que mejorar.  Aprendí como usar la pluma en diferentes programas de edición y también, como combinar distintas herramientas de estos programas.

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Mi conclusión de esta actividad es que al comienzo yo creía que no me iba a demorar tanto poder lograr una síntesis, ya que como se mostraba en los ejemplos se resume lo más importante de las facciones de la cara en este caso. Luego con las correcciones de parte de la profesora, pude darme cuenta de mis errores y encontrar una solución o técnica para poder darle una mejor finalidad al trabajo. No fue una actividad fácil, le dedique mucho tiempo a cada detalle ya que soy demasiado perfeccionista y cada vez que arreglaba algo quizás no me convencía o lo volvía a hacer. Lo que más me costó fue el pelo y el darle el brillo al mismo, ya que al principio lo había realizado con más detalle y luego, logré que con todas esas líneas se formase el brillo en su totalidad sin tantas líneas finas. Me resultó difícil también el poder decidir que resaltar y que no, pero con ayuda de la edición de la fotografía pude resolver eso, aunque me haya tomado mucho tiempo (y muchas ediciones). Con la síntesis que logré finalmente, pude darme cuenta todo el proceso y trabajo que hay detrás, y que estaba muy equivocada al pensar que iba a ser un trabajo fácil o rápido de hacer. Fue una muy buena experiencia, me gustó mucho el trabajo y el resultado que logré, pude aprender mucho y creo personalmente que en el proceso de cada corrección logre mejorar un poco más.

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Roció Fernández

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Matiz, luminosidad, saturación.

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Te explicamos qué es la Teoría del color, ejemplos históricos y las propiedades del color. Además, los modelos de color RGB y CMYK.

¿Qué es la Teoría del color?

Se conoce como Teoría del color a un conjunto de reglas básicas que rigen la mezcla de colores para conseguir efectos deseados, mediante la combinación de colores o pigmentos. Es un principio de gran importancia en el diseño gráfico, la pintura, la fotografía, la imprenta y la televisión, entre otras áreas visuales.

No existe una única Teoría del color, sin embargo, sino un conjunto de aproximaciones al color y a sus dinámicas. Muchas de ellas forman parte de la historia del arte o de la física (óptica), y poseen diferentes autores.

Por ejemplo, el poeta y científico alemán prerromántico Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) en su libro Teoría de los colores de 1810 proponía ya un círculo de color, basándose en los estudios de la materia del propio Isaac Newton. Otro caso conocido es el de Wilhelm Ostwald (1853-1932), químico y filósofo alemán.

Uno de los principales insumos de toda Teoría del color es el círculo cromático. Se trata de una representación circular de todos los colores del espectro visual, organizados de manera tal que los colores contrarios se enfrenten y los colores complementarios estén próximos el uno al otro.

El círculo cromático permite identificar los colores primarios o puros, y aquellos que se consideran derivados, o sea, fruto de la mezcla de colores.

De acuerdo a este tipo de estudios del color, a cada uno se le pueden atribuir distintas propiedades, como son:

Matiz. También llamado "croma", alude al color en sí mismo, lo que nos permite distinguir un color de otro diferente.

Luminosidad. También llamada "valor", se refiere a la cantidad de luz presente en el color, o sea, si es más claro o más oscuro, lo que equivale a decir si está más cerca del negro o del blanco.

Saturación. Básicamente se refiere a la pureza del color, o sea, la concentración de gris presente en un color en un momento determinado. Mientras más gris posea, menos puro será y menor será su saturación, viéndose como si estuviera sucio, opaco.

Ver además: Arcoíris

El modelo de color RGB

El modelo de color RGB se llama así debido a sus colores primarios: rojo, verde y azul ( Red, Green, Blue, en inglés), a partir de los cuales se compone el resto. Es un sistema de color aditivo, en el que los colores deben sumarse para producir uno nuevo.

Las excepciones son el negro, que se produce en ausencia de luz (y por ende, de color) y el blanco que se produce en presencia de todos los colores, recomponiendo el espectro. Este sistema es el empleado en la mayoría de los televisores, monitores de computador, proyectores de video, etc.

El modelo de color CMYK

El modelo CMYK es distinto al anterior, pero su nombre también es la unión de las iniciales de los colores que toma como referencia: cyan, magenta, amarillo (en inglés: yellow), con el añadido del negro (llamado Key en inglés para evitar la confusión con la B del blue del RGB).

Este modelo comprende el color a partir de la absorción de la luz, de modo que a diferencia del RGB, es de tipo sustractivo, de resta de luz: la mezcla de todos los colores puros (azul, rojo, amarillo) da negro, la ausencia total de luz.

Aparte, los diversos colores secundarios pueden formarse de esta matriz, variando las combinaciones posibles de los tres: cian y magenta construye púrpura, cian y amarillo construye el verde, amarillo y magenta construye el rojo.

Este modelo del color es empleado en las diversas técnicas de impresión en tinta, ya que el papel carece de las propiedades lumínicas de los monitores o proyectores. Por esta razón, cuando se trabaja en un programa digital de diseño, se debe convertir el RGB a CMYK a la hora de preparar el diseño para impresión.

Referencias

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Teoría del Color - Concepto, propiedades del color, RGB y CMYK

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Teoría del Color ✓ Te explicamos qué es la Teoría del color, ejemplos históricos y las propiedades del color. Además, los modelos de color RGB y CMYK.

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¿Que es el color?

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Te explicamos qué es el color y las distintas propiedades que posee. Además, cómo se forman los colores primarios y secundarios.

El color es una impresión producida en nuestros ojos.

¿Qué es el color?

Cuando hablamos de color, nos referimos a una impresión producida en nuestros órganos visuales (ojos), e interpretada por nuestros centros nerviosos (cerebro), por un tono de luz específico del espectro cromático.

Todos los colores están contenidos en el espectro de la luz visible, pero en distintas longitudes de onda que nuestra percepción puede captar por separado, e identificar como colores específicos.

Las cosas del universo son impactadas por la radiación electromagnética de la luz, absorbiendo así parte de las ondas lumínicas y reflejando algunas otras. Estas últimas son percibidas por el ojo humano e identificadas como el color de las cosas.

Se sabe que el ojo humano puede captar un número finito de colores (con muchísimos matices) cuando se encuentra en un contexto de mucha iluminación. Cuando la luz escasea, en cambio, percibimos el mundo en blanco y negro: la superposición de todos los colores (para reconstituir la luz blanca) o la ausencia total de luz, respectivamente.

La luz blanca puede descomponerse en todos los colores perceptibles mediante un prisma, tal y como ocurre naturalmente con las gotas de lluvia en suspensión atmosférica, dando origen así a los arcoíris.

Dentro de la luz visible por el ojo humano, la luz presenta diversos niveles de energía: desde 380 hasta 780 nanómetros. De modo que cada color presenta un nivel específico de longitud de onda:

Violeta (380-427 nm)

Azul (427-476 nm)

Cian (476-497 nm)

Verde (497-570 nm)

Amarillo (570-581 nm)

Naranja (581-618 nm)

Rojo (618-780 nm)

Por debajo del violeta está la luz ultravioleta y por encima del rojo está el infrarrojo. Ninguno de los dos puede ser percibido por nuestros ojos, aunque sí por los de ciertos animales, y también pueden ser detectados por aparatos científicos especializados en la luz. Esto es de vital importancia para la astrofísica y también para la Teoría del color, conocimiento clave para el arte de la pintura.

Ver además: Método inductivo

Los colores se distinguen entre sí por su longitud de onda.

Los colores se distinguen entre sí por su longitud de onda, como hemos dicho. Y dependiendo de su pureza, puede hablarse de colores primarios, secundarios o terciarios. Todos, no obstante, presentan las siguientes tres propiedades:

Matiz. Conocido como tono o tonalidad, depende de las longitudes de onda del color para ubicarlo dentro del círculo cromático. Esto es lo que aproxima dos colores próximos en sus longitudes de onda, pudiendo convertir uno en el otro.

Saturación. Conocido también como pureza o colorido, tiene que ver con la cantidad del color presente en un mismo momento, es decir, con lo vivo o intenso que sea, a medida que más se aleje de la escala de grises.

Brillo. Depende de la cantidad de luz presente en el color, en una escala que va desde el negro (sin luz) hasta el blanco (demasiada luz). Un color más brillante presentará una mayor cantidad de blanco que uno opaco, más cercano al negro.

Colores primarios

Los colores primarios de la síntesis tradicional son amarillo, rojo y azul.

Se conoce como colores primarios o primitivos a los que sirven para obtener todo el conjunto de los demás colores, esto es, los colores “puros” que no pueden obtenerse combinando los demás. A dicho procedimiento de mezcla de colores para obtener otros nuevos, se lo conoce como síntesis y puede darse de tres modos diferentes:

Síntesis aditiva. Los colores se superponen, sumando luz, y generando así tonos cada vez más claros. Tiene lugar en monitores de computador, pantallas de TV o proyectores de cine. Sus colores primarios son rojo, verde y azul.

Síntesis sustractiva. Los colores se superponen, restando luz, y generando así tonos cada vez más oscuros. Tiene lugar en impresiones y fotografías. Sus colores primarios son cian, magenta y amarillo.

Síntesis tradicional. Es la empleada por la pintura y las artes tradicionales, y aunque es también de tipo sustractiva, se la considera empírica, pues proviene de la experiencia histórica con la pintura y la mezcla de los óleos. Sus colores primarios son amarillo, azul y rojo.

Colores secundarios

Los colores secundarios de la síntesis tradicional son verde, púrpura y naranja.

Los colores secundarios, lógicamente, son aquellos obtenidos mediante la síntesis de los primarios, es decir, mediante su mezcla. Como ya hemos explicado, esto dependerá del tipo de síntesis que tenga lugar, por lo que los colores secundarios pueden variar.

Síntesis aditiva. Los colores secundarios son cian, magenta y amarillo.

Síntesis sustractiva. Los colores secundarios son rojo, verde y azul.

Síntesis tradicional. Los colores secundarios son verde, naranja y púrpura.

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Color - Concepto, propiedades y colores primarios

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Color ✓ Te explicamos qué es el color y las distintas propiedades que posee. Además, cómo se forman los colores primarios y secundarios...

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Modelos aditivos del color-Modelos sustractivos del color

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Te explicamos qué es el círculo cromático y cómo se representan sus colores. Además, el circulo cromático natural y sus modelos.

¿Qué es el círculo cromático?

Se conoce como círculo cromático o rueda de colores a la representación gráfica, ordenada y circular, de los colores visibles por el ojo humano conforme a su matiz o tono, distinguiendo a menudo entre lo colores primarios y sus derivados. Se emplea tanto en las representaciones sustractivas del color (artísticas o pictóricas), como en las aditivas (lumínicas).

Comúnmente, los círculos cromáticos se representan en un degradé de colores que permiten visibilizar el tránsito de una a otra tonalidad. Otras formas incluyen el modelo escalonado, que incluye 6, 12, 24, 48 o más colores diferentes, y el hexagrama, en forma de estrella, cuyos picos representen a cada color, lo que permite visualizar fácilmente opuestos y complementarios.

Estas herramientas cromáticas son de larga data en la historia humana. Ya en 1436 el artista y pensador renacentista Leonardo Battista Alberti, en su tratado De pictura, creaba diversas representaciones geométricas para la gama de los colores, incluyendo el círculo, el rectángulo y el triángulo, a partir de los cuatro colores primarios considerados en la época: amarillo, verde, azul y rojo.

En cambio, el modelo que inspira al actual, compuesto por los tres colores primarios (amarillo, azul y rojo) y sus respectivas derivaciones, se inventó en el siglo XVII y es conocido como RYB (por las siglas en inglés de sus colores primarios: Red, Yellow, Blue). Se popularizó en un libro del poeta alemán Goethe llamado Teoría de los colores (1810), en el que alcanzaba los seis colores en total y que aún es enseñado en las academias de pintura.

Este modelo tradicional de círculo cromático plantea que:

Los colores cálidos del espectro se ubican a la derecha del círculo, y los fríos, por ende, a la izquierda.

Los colores tienen un opuesto en la rueda: el azul se opone al naranja, el rojo al verde, el amarillo al violeta, y así sucesivamente.

Ver también: Artes plásticas

El círculo cromático natural

Cuando se distribuye en un círculo cromático todos los colores del espectro visible de la luz, tenemos un círculo cromático natural. Éste surge a raíz de los estudios de Newton de la naturaleza de la luz y del posterior surgimiento de la fotografía a colores, siendo así una herramienta fundamental en la industria de los colores.

De este modo surgieron nuevos modelos de organización del color, como son el RGB ( red, green, blue; en español: rojo, verde, azul), que opera en base a la intensidad de estos tres colores primarios de la luz; o el CMYK ( c yan, m agenta, y ellow, black; en español: cian, magenta, amarillo y negro), versión moderna del propuesto por Goethe y ampliamente empleado en la edición y la impresión industrial.

Estos modelos contemporáneos pueden clasificarse en dos:

Modelos aditivos del color. Proponen la composición de un color a partir de la incorporación de luz, es decir, de la suma de colores, avanzando hacia el blanco. Según este modelo, los colores opuestos son: amarillo - azul, magenta - verde, cian - rojo.

Modelos sustractivos del color. Proponen la composición del color a partir de la sustracción de luz, es decir, de avanzar hacia el negro en la superposición de colores. Según este modelo, los colores opuestos son: rojo - cian, verde - magenta, azul - amarillo.

El blanco y el negro son colores opuestos, aunque no son realmente colores sino tonos, al igual que el gris: no presentan colorido. El blanco se considera la reunión de todos los colores del espectro (con una gran dosis de luz y energía) mientras que el negro en cambio se considera la ausencia de todos los colores (y por lo tanto con poquísima luz y energía).

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Círculo cromático - Concepto, colores y modelos

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Círculo Cromático ✓ Te explicamos qué es el círculo cromático y cómo se representan sus colores. Además, el circulo cromático natural y sus modelos...