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Sobre Rodin

Auguste Rodin (1840-1917) foi um influente escultor francês do século XIX.

Desafiou as convenções artísticas de sua época ao capturar emoções profundas nas suas obras, destacando-se pela expressão individual e detalhes anatómicos.

Sobre a obra

A "Porta do Inferno" é uma obra-prima escultural de Auguste Rodin, criada entre 1880 e 1917.

Inspirada na "Divina Comédia" de Dante (1321), a escultura retrata uma visão intensa do inferno, com figuras contorcidas e condenadas.

Contém cerca de 200 figuras diferentes.

Retirados da porta, em mármore, podemos destacar as imagens de Paolo e Francesca, O pensador e os três condenados.

Características técnicas:

Detalhes e Realismo: Rodin era conhecido pela sua habilidade excecional em esculpir detalhes realistas. Na "Porta do Inferno", cada figura, desde os condenados até as criaturas demoníacas, é ricamente detalhada, refletindo a técnica do artista.

Composição Dinâmica: A composição da obra é extremamente dinâmica, com figuras torcidas e contorcidas em várias posições. Isso cria uma sensação de movimento e energia, dando vida à representação do inferno.

Variedade de Texturas: Rodin demonstra sua versatilidade técnica ao incorporar uma variedade de texturas nas esculturas. Ele manipula a superfície para representar diferentes materiais, como pele, tecido e elementos infernais, contribuindo para a riqueza visual da peça.

Escala Monumental: A "Porta do Inferno" é monumental em escala, reforçando sua presença imponente. A escala gigantesca das figuras e da estrutura como um todo destaca a ambição artística de Rodin e proporciona uma experiência envolvente ao espetador.

Interconexão de Elementos: Uma característica única é a interconexão de várias figuras e temas ao longo da obra. Rodin habilmente conecta as diferentes partes da escultura, criando uma narrativa visual coesa que reflete a complexidade das histórias infernais de Dante.

Expressividade das Faces: As faces das figuras na "Porta do Inferno" são notavelmente expressivas. Rodin capta uma variedade de emoções, desde o sofrimento até ao desepero, através das expressões faciais, demonstrando sua habilidade em transmitir sentimentos através da escultura.

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18. set. 2023.- "O impressionismo: a captação de sensações óticas; O nascimento da «visão moderna»; Fatores de influência do impressionismo; Os pintores da visão moderna"

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18. set. 2023.- "O impressionismo: a captação de sensações óticas; O nascimento da «visão moderna»; Fatores de influência do impressionismo; Os pintores da visão moderna"

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Apontamentos;

-Realismo é posto de parte pois surge a fotografia

-O uso da fotografia influência o surgimento do impressionismo

Os pintores, agora já com acesso a tintas em tubo, saem dos ateliers e vão para a rua

-Esta nova geração de pintores, ao contrário dos realistas, não fazem esboços. Focam-se no estudo de fenómenos óticos (ou seja as cores não se sobreporem s tonalidades)

-É importante, também, que a impressão que fosse passada ao espectador fosse de captar o determinado momento de luz

-Esta arte, apesar de complexa, não era muito apreciada pela comunidade artística e eram rejeitados pelo grandes espaços artísticos, e portanto, criaram salões para que os impressionistas se reunissem, normalmente em cafés de Paris

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Impressão,  Nascer do Sol de Claude Monet

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Impressão,  Nascer do Sol de Claude Monet

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Criação e Importância

Pintada em 1872.

Uma das obras mais influentes do movimento impressionista.

Descrição da Pintura

Retrata o porto de Le Havre ao amanhecer.

Utiliza pinceladas soltas e cores vibrantes.

Captura um momento fugaz com um sol laranja brilhante no horizonte.

Formas dos veleiros e barcos a vapor são obscurecidas pela névoa.

Intenção do Artista

Título reflete a impressão pessoal de Monet da cena.

Enfatiza a natureza efêmera do momento e as sensações evocadas.

Estilo e Técnica

Pinceladas rápidas criam uma sensação de movimento e atmosfera.

Observador mistura visualmente as cores e formas.

Impacto Histórico

Causou alvoroço na primeira exibição em 1874.

Desafiou os padrões tradicionais da arte da época.

O termo "impressionismo" originou-se de um comentário sarcástico de um crítico sobre a pintura.

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25. set. 2023.- "A plástica impressionista; Auguste Rodin, um escultor impressionista; Resolução de questões do manual."

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25. set. 2023.- "A plástica impressionista; Auguste Rodin, um escultor impressionista; Resolução de questões do manual."

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Apontamentos:

A Plástica Impressionista

Estilo Visual Único:

Caracterizado por pinceladas soltas, cores vibrantes e uma abordagem menos precisa.

Ênfase na captura da atmosfera e da luz no momento, em vez de detalhes precisos.

Temas Comuns:

Cenas ao ar livre, paisagens, e a vida quotidiana.

Representação de efeitos atmosféricos e luz natural.

Impressionismo na Pintura:

Artistas notáveis incluem Monet, Renoir, Degas e Manet.

Busca por uma representação mais imediata e sensorial da realidade.

Auguste Rodin, um Escultor Impressionista:

Inovação na Escultura:

Rodin foi um escultor francês associado ao impressionismo em escultura.

Introduziu técnicas que romperam com as convenções tradicionais.

Movimento Realista e Emotivo:

Esculturas realistas, muitas vezes capturando emoções e movimentos humanos de forma intensa.

"O Pensador" e "O Beijo" são obras icónicas de Rodin.

Quebra de Convenções:

Abandonou a abordagem tradicional de esculpir figuras de forma idealizada.

Introduziu a ideia de deixar as marcas do processo visíveis na obra final.

Influência na Arte Moderna:

Rodin teve um impacto profundo na escultura moderna, influenciando artistas do século XX.

Expressão da Individualidade:

Enfatizou a singularidade e a individualidade das figuras humanas nas suas obras.

Tornou-se um precursor de movimentos artísticos mais experimentais e contemporâneos.

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Autoria de Vincent Van Gogh (1853-1890)

Pinta a séries de quadros de girassóis para decorar o seu quarto

Peça pós-impressionista (reage contra o impressionismo)

Características da pintura de Van Gogh

Usa óleo sobre tela

Pinceladas expressivas

Empastelamento de tinta

Escolhe tons que se realçam, vibrantes e que transmitem luminosidade (fundo verde-flores amarelas)

Sobre vida de Van Gogh

Van Gogh nunca pintava em alturas de crise, só pintava quando se encontrava bem ou feliz, ou seja as suas obras representavam isso mesmo, a sua vida e personalidade

O irmão era o seu maior apoiante e único amigo, que o impulsionava a publicar e a aceitar reconhecimento pelas suas obras

Van Gogh sofre de vários problemas tanto na sua integra como com o que o rodeia e acaba por se suicidar em 1890, ganhando o seu verdadeiro reconhecimento após a sua morte

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2. out. 2023.- "Correção das questões realizadas na aula anterior; Para além do impressionismo; Seurat e o neoimpressionismo; Pós-impressionismo e as saídas para a modernidade."

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2. out. 2023.- "Correção das questões realizadas na aula anterior; Para além do impressionismo; Seurat e o neoimpressionismo; Pós-impressionismo e as saídas para a modernidade."

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Apontamentos:

Neoimpressionismo e Georges Seurat

Características Gerais:

Movimento além do impressionismo que procurava formas mais sólidas e recortes nítidos.

Exploração de contrastes de luz e sombra, usando a cor de maneira mais rigorosa.

Pincelhada Pontilhista:

Seurat é um dos principais representantes do neoimpressionismo.

Introduziu a técnica do pontilhismo, utilizando pequenos pontos de várias cores para criar uma imagem.

Estudo Prévio e Ateliê:

Seurat realizava estudos prévios no seu ateliê, trabalhando de forma meticulosa.

Incorporou elementos matemáticos na sua abordagem, trabalhando com atenção à precisão na luz e cor.

Luz em Segundo Plano:

A luz torna-se um componente essencial, muitas vezes mais significativa do que os objetos representados.

Distanciamento da sujidade e suavização das transições entre as cores.

Divisionismo e Não Mistura da Cor:

Introdução do divisionismo, uma técnica onde as cores não são misturadas na paleta, mas sim percebidas pelo observador à medida que se misturam visualmente.

Ênfase na distinção e clareza das cores.

Impacto do Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo

Saídas para a Modernidade:

Neoimpressionismo e Pós-Impressionismo abriram caminho para o desenvolvimento de movimentos artísticos mais modernos.

Contribuíram para a rejeição das limitações do impressionismo e a busca por novas formas de expressão.

Figuras Imóveis e Cores Variadas:

Exploração de figuras imóveis com diversas cores, permitindo uma representação mais complexa e vibrante.

A paleta de cores torna-se mais expressiva e variada.

Rigor na Aplicação da Cor:

Uso mais rigoroso e preciso da cor, distanciando-se do toque mais livre do impressionismo.

Esta abordagem contribui para a evolução da linguagem visual na arte moderna.

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9. out. 2023.- "Conclusão da aula anterior; Van Gogh e o impressionismo; Cézanne e o cubismo; Gauguin e o simbolismo."

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9. out. 2023.- "Conclusão da aula anterior; Van Gogh e o impressionismo; Cézanne e o cubismo; Gauguin e o simbolismo."

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Apontamentos:

Van Gogh e o Impressionismo

Estilo Expressivo e Único:

Vincent van Gogh foi um artista pós-impressionista conhecido por seu estilo expressivo e único.

Uso Intenso de Cores e Texturas:

Van Gogh utilizava cores vibrantes e pinceladas expressivas, criando texturas únicas.

A sua paleta de cores intensas refletia uma interpretação emocional e subjetiva da realidade.

Enfase na Individualidade e Emoção:

Van Gogh não representava apenas o que via, mas também procurava expressar as suas emoções e perceções pessoais.

O seu trabalho reflete uma intensidade emocional, desviando-se do realismo rigoroso do impressionismo.

Influência nas Gerações Posteriores:

Embora não fosse um impressionista, a abordagem única de Van Gogh influenciou gerações posteriores de artistas e contribuiu para o desenvolvimento da arte moderna.

Cézanne e o Cubismo:

Pioneirismo na Transição para o Cubismo:

Paul Cézanne é frequentemente considerado uma ponte entre o impressionismo e o cubismo.

O seu trabalho influenciou significativamente os artistas cubistas, incluindo Picasso e Braque.

Desconstrução de Formas:

Cézanne "brincava" com a desconstrução das formas e geometrização, antecipando elementos fundamentais do cubismo.

Os seus estudos de naturezas-mortas (ex. Taça de fruta) e montanhas Sainte-Victoire foram especialmente influentes.

Enfase na Estrutura e na Geometria:

Diferente dos artistas impressionistas, Cézanne concentrava-se na estrutura subjacente das formas, usando formas geométricas básicas.

A sua abordagem impactou a visão cubista de representação tridimensional.

Influência no Desenvolvimento do Cubismo:

Os princípios de Cézanne de simplificação e reorganização da forma tiveram um papel significativo no desenvolvimento do cubismo, que se tornou um dos movimentos artísticos mais importantes do século XX.

Gauguin e o Simbolismo:

Busca por Significados Simbólicos:

Paul Gauguin foi um representante-chave do simbolismo, movimento que buscava transmitir significados simbólicos e emocionais através da arte.

Fuga da Realidade Quotidiana:

Gauguin trabalhava por uma fuga da realidade quotidiana, inspirando-se em culturas exóticas e mitologia para criar obras simbólicas e imaginativas.

Cores Vibrantes e Narrativas:

Gauguin utilizava cores vibrantes e simbolismo para criar narrativas visuais que transcendiam a representação literal.

Muitas vezes, as suas pinturas eram carregadas de simbolismo místico e espiritual.

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16. out. 2023.- "Análise da obra «Doze girassóis numa jarra" de Van Gogh; A pintura e a escultura em Portugal na segunda metade do século XIX; A Europa ao redor de 1900: mundo novo, formas novas; A arquitetura do ferro."

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16. out. 2023.- "Análise da obra «Doze girassóis numa jarra" de Van Gogh; A pintura e a escultura em Portugal na segunda metade do século XIX; A Europa ao redor de 1900: mundo novo, formas novas; A arquitetura do ferro."

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Apontamentos:

A Pintura e a Escultura em Portugal na Segunda Metade do Século XIX:

Contexto Histórico e Social:

Portugal, na segunda metade do século XIX estava a transitar por mudanças significativas.

Influências Externas:

A pintura e escultura em Portugal foram influenciadas por movimentos artísticos europeus, como o romantismo e o realismo, refletindo-se em obras que abordavam temas históricos e sociais.

Artistas Notáveis:

José Malhoa foi um pintor importante dessa época, conhecido pelas suas obras realistas e naturalistas.

António Soares dos Reis e Teixeira Lopes foram destacados escultores, que contribuiram para a representação artística da sociedade portuguesa.

Exploração de Temas Nacionais:

Estes artistas procuravam explorar temas nacionais, retratando a identidade e a cultura portuguesas.

Renovação Artística:

Apesar de manter tradições, houve uma busca por uma renovação artística que refletisse as mudanças sociais e políticas a decorrer.

A Europa ao Redor de 1900: Mundo Novo, Formas Novas:

Cenário de Transformações:

No final do século XIX, a Europa estava em meio a mudanças profundas, desde avanços tecnológicos até movimentos culturais e sociais.

Arte e Cultura:

Nas artes, essa época testemunhou o surgimento de movimentos como o simbolismo, o impressionismo e o art nouveau, cada um trazendo novas abordagens estéticas.

Crescimento Industrial e Urbano:

O crescimento industrial e urbano impactou a vida quotidiana, refletindo-se na arte e arquitetura da época.

Novas Formas de Expressão:

A busca por formas de expressão mais subjetivas e experimentais caracterizou a produção artística desse período.

Artistas e Movimentos:

Artistas como Vincent Van Gogh exploravam novas formas de expressão.

A Arquitetura do Ferro:

Contexto Histórico e Tecnológico:

A arquitetura do ferro floresceu durante a Revolução Industrial, uma época de avanços tecnológicos e mudanças na produção de materiais.

Gustave Eiffel e a Torre Eiffel:

Gustave Eiffel foi uma figura proeminente na arquitetura do ferro, sendo responsável pela icónica Torre Eiffel em Paris, construída para a Exposição Universal de 1889.

Características Principais:

Utilização visível do ferro como componente estrutural.

Estilo arquitetónico moderno e ousado.

Impacto na Arquitetura:

A arquitetura do ferro teve um impacto significativo na arte, permitindo a criação de estruturas mais leves, eficientes e esteticamente distintas.

Pontos de Referência:

Além da Torre Eiffel, outras estruturas notáveis incluem a Estação de Saint Pancras em Londres e a Estufa do Palácio de Cristal no Porto. :)

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Em janeiro de 2023, em Erasmus, visitei o Museu do Prado em Madrid. Lá, vi as várias exposições disponíveis naquele momento, entre muitas obras, pude ver a famosa obra de Velázquez- "Las meninas".

Notei logo nas suas diversas características, (que já tinha dado na aula de HCA), e entre outras, posso destacar aquela que mais se salienta para mim: A reflexão Filipe IV e a sua esposa, que se encontram refletidos no espelho, por trás do pintor. Velázquez retrata os monarcas, que estão posicionados "além da moldura", aproximadamente no local onde se encontra o espetador. Este efeito envolve-nos na composição, juntando a realidade com a representação visual.

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30. out. 2023.- "Van Gogh e o pós-impressionismo; O naturalismo; Engenheiros vs Arquitetos; A arte nova."

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30. out. 2023.- "Van Gogh e o pós-impressionismo; O naturalismo; Engenheiros vs Arquitetos; A arte nova."

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Apontamentos:

Naturalismo na Arte:

Representação do quotidiano e da realidade de forma objetiva.

Corrente de maior aceitação, fazendo a transição do romantismo para o modernismo.

Principais Artistas do Naturalismo:

Silva Porto, Marques Oliveira, Henrique Pousão (influências do impressionismo).

Columbano Bordalo Pinheiro, retratista da pequena burguesia lisboeta, utilizando as artes para se equiparar às elites.

José Malhoa, com influências impressionistas.

Escultores do Período:

Soares dos Reis e Teixeira Lopes se destacam como escultores.

Características do Naturalismo:

Chegou tardiamente, sendo um compromisso entre academismo e liberdade.

Temática expressiva com ênfase em emoções vazias e sofrimento.

Exemplo: "O Desterrado".

Engenheiros no Século XIX:

Surgimento de engenheiros no século 19, formados em escolas técnicas.

Trabalho com novos materiais e destaque na arquitetura do ferro.

Arquitetura do Ferro e Gustave Eiffel:

Arquitetura do ferro, com Gustave Eiffel sendo um dos grandes responsáveis.

Conflito entre engenheiros e arquitetos relacionados com suas formações.

Diferenças entre Engenheiros e Arquitetos:

Engenheiros apresentam soluções eficazes e resistentes.

Engenheiros são práticos, enquanto arquitetos são acadêmicos.

Características da Arquitetura do Ferro:

Uso estético do ferro, visível em edifícios como gares (estações).

Mais resistente e prático, permitindo construções em altura e vãos altos em aquedutos.

Arte Nova (Art Nouveau):

Desenvolve-se no século 19 e continua até o século 20 (Belle Époque - início da 1ª Guerra Mundial).

Movimento Arts and Crafts influencia o desenvolvimento da Arte Nova.

Estética da Arte Nova:

Ideia de obra de arte total, adaptável a qualquer contexto.

Elementos da natureza, o que está ao nosso redor, estética feminina como características marcantes

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06.-20. nov. 2023.- "A euforia das invenções; Da exposição dos Fauves à viragem dos anos 60: da Europa para a América; Dos conflitos à escala mundial à intensificação do diálogo entre a Europa e EUA; Os loucos anos 20. "

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06.-20. nov. 2023.- "A euforia das invenções; Da exposição dos Fauves à viragem dos anos 60: da Europa para a América; Dos conflitos à escala mundial à intensificação do diálogo entre a Europa e EUA; Os loucos anos 20. "

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Apontamentos:

Período de Guerras Internas (Antes da 1ª Guerra Mundial):

Ocorrência de conflitos internos em diversas regiões.

Fase de Paz Armada (30 anos antes da 1ª Guerra Mundial):

Precedida por um período de tensão e competição militar entre as potências europeias.

Antecipação da 1ª Guerra Mundial:

Cerca de 30 anos antes do início, já havia indícios e presságios do conflito iminente.

Assassinato do Arquiduque Francisco Fernando (1914):

O assassinato do herdeiro do trono austro-húngaro, Arquiduque Francisco Fernando, desencadeou o início da 1ª Guerra Mundial em 1914.

Blocos de Alianças:

Tríplice Aliança: Alemanha, Áustria-Hungria, Itália.

Entente: França, Rússia, Reino Unido.

Corrida ao Armamento e Política de Alianças:

Intensa competição militar entre as nações europeias.

Formação de alianças estratégicas como resposta à crescente rivalidade.

Fases da 1ª Guerra Mundial:

1. Guerra do Movimento:

Início marcado por movimentações táticas e estratégicas.

2. Guerra de Trincheiras:

Evolução para uma guerra estática, caracterizada pela presença de trincheiras e combates de desgaste.

3. Mundialização do Conflito e Vitória dos Aliados:

Expansão do conflito para além da Europa.

Os Aliados emergem vitoriosos ao final da guerra.

Primeiras Guerras Cobertas Jornalisticamente:

A 1ª Guerra Mundial foi um dos primeiros conflitos a receber cobertura significativa da imprensa.

Os meios de comunicação relataram eventos e condições na fronte de combate, alterando a perceção pública do conflito

Com a recuperação económica a dar-se e a reconstrução das cidades em caminhos, os EUA acentuaram o seu crescimento e reforçaram a sua influência política. Os efeitos desse progresso sentiram-se, maioritariamente nas classes médias. De repente, um clima de bem-estar e um aumento do consumo estendeu-se a todo o mundo ocidental. Os "loucos anos 20" celebravam esse renascimento da vida (em maioria social) após o caos que advinha da guerra.

Invenções, velocidade e as comunicações marcavam a "vida moderna". As mulheres conquistam um estatuto independente, a moda serve como uma afirmação social e a mítica industria cinematográfica começa a criar sonhos...

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11. dez. 2023.- "O cinema- o triunfo do sonho e do mito."

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11. dez. 2023.- "O cinema- o triunfo do sonho e do mito."

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Apontamentos:

Desencadeamento da 2ª Guerra Mundial:

Alemanha quebra o pacto de não agressão com a Polônia, resultando no início da 2ª Guerra Mundial.

Década de 1930 marcada pela expansão de regimes autoritários na Ásia, África e Europa.

Alianças Autoritárias:

Formação da aliança Eixo Roma-Berlim-Tóquio.

Pacto Germano-Soviético estabelecido entre Alemanha e União Soviética.

Início da 2ª Guerra Mundial (1939):

Alemanha invade a Polônia, desencadeando o conflito.

Europa cai sob o domínio nazista.

Impacto da Guerra na Europa:

Onda de destruição nazista durante a 2ª Guerra Mundial.

Milhões de vítimas, caracterizando um dos maiores genocídios da História.

Movimentos de resistência surgem em oposição às forças nazistas.

Desenvolvimento da Guerra (1941):

Alemanha invade a União Soviética, enfrentando duas frentes de batalha.

União Soviética entra na 2ª Guerra Mundial.

Japão ataca Pearl Harbor, levando os Estados Unidos a entrar na guerra e mundializando o conflito.

Invenção do Cinema pelos Irmãos Lumière:

Em 1894/95, os irmãos Lumière inventam o cinematógrafo.

O cinema é caracterizado pela captação e projeção de imagens em movimento.

Ao produzir pequenos filmes de cenas cotidianas, fundaram o cinema

Cinematógrafo e Fotogramas:

Cinematógrafo é o primeiro aparelho de filmagem e projeção de fotogramas.

Fotograma é cada imagem em uma fita cinematográfica; são necessários 24 fotogramas por segundo para criar a ilusão de movimento real.

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"A CHEGADA DE UM TREM NA ESTAÇÃO", IRMÃOS LUMIÉRE, 1895, O PRIMEIRO FILME DA HUMANIDADE

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22. jan. 2024.- "Alexander Fleming e a descoberta da penincilina. As grandes ruturas. “Criar é provocar”. O tempo das vanguardas."

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22. jan. 2024.- "Alexander Fleming e a descoberta da penincilina. As grandes ruturas. “Criar é provocar”. O tempo das vanguardas."

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Apontamentos:

Descoberta do Primeiro Antibiótico (1928):

Descoberta acidental em 1928 durante experimentos com cultura de bactérias em laboratório.

Um fungo, manipulando as bactérias, resultou na eliminação de estafilococos e outras bactérias mortais.

Inicialmente difícil de cultivar em laboratório, mas a ciência permitiu a síntese e produção em larga escala.

Utilizado na Segunda Guerra Mundial, impactando significativamente a qualidade de vida e a taxa de sobrevivência.

Uso Inadequado de Antibióticos:

O uso inadequado levou ao desenvolvimento de bactérias multirresistentes.

Marcante marco na evolução da ciência e medicina.

Rupturas nas Artes:

Surgimento de movimentos de curta duração.

Originalidade, rutura, experimentalismo e provocação nas artes.

Avant-garde e Fauvismo:

Avant-garde posiciona-se à frente de seu tempo.

Fauvismo, marcado pelo experimentalismo, ocorreu na Exposição do Salão de Outono de 1905.

Características do Fauvismo:

Henri Matisse liderou o movimento.

Libertação da cor de suas referências diretas.

Cores usadas para transmitir sensações, não necessariamente representar a realidade.

Pinceladas diretas, emotivas e com relevo.

Tema é um meio para transmitir sensações.

Exemplo: "A Dança" de Matisse.

Outros artistas fauvistas incluem André Derain e Albert Marquet, este último associado ao pontilhismo.

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26. jan. 2024- "O expressionismo e a capacidade expressiva das formas: os grupos Die Bricke e Der Blaue Reiter."

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26. jan. 2024- "O expressionismo e a capacidade expressiva das formas: os grupos Die Bricke e Der Blaue Reiter."

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Apontamentos:

Expressionismo:

Originado na Alemanha, difundindo-se nos países do norte da Europa.

Surgiu no início do século XX (por volta de 1905) e prosperou até a Primeira Guerra Mundial.

Características do Expressionismo:

Descreve o interior, explorando a força expressiva da cor.

Foco na tradução dos estados da alma.

"A ponte que leva do visível para o invisível" - Die Brücke.

Exploração da Expressividade:

Intensa exploração da força expressiva da cor.

Busca retratar estados emocionais e psicológicos.

Rejeição do Impressionismo e Academismo:

Rejeição das normas e regras do impressionismo e academismo.

Busca por uma liberdade artística que essas correntes não permitiam.

Temáticas e Abordagens:

Exploração da sexualidade e erotismo, notável em artistas como Ernst Kirchner.

Uso de violência cromática para expressar emoções intensas.

Abstracionismo:

Subjetivo e dependente da interpretação do observador.

Arte livre sem pertencer a um grupo específico.

Natureza Espiritual e Influências:

Tendência mais espiritual do que as formas artísticas anteriores.

Preferência por temáticas naturalistas, com simplificação das formas e geometrização.

Influências de músicos, como Cézanne e Matisse.

Impacto na Arte:

Contribui para a rutura com convenções artísticas tradicionais.

Enfatiza a liberdade, expressividade emocional e a busca por novas formas de representação artística.

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29. jan. 2024.- "Os caminhos da abstração formal; O cubismo e a revolução da forma e do espaço; Pablo Picasso."

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29. jan. 2024.- "Os caminhos da abstração formal; O cubismo e a revolução da forma e do espaço; Pablo Picasso."

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Apontamentos:

Cubismo:

Maneira de representar a realidade de forma abstrata.

Representação variável conforme a perspectiva individual, escolhendo desconstruir e ver cada elemento de forma independente.

Introdução da quarta dimensão: o tempo, reconhecendo que não se pode ver tudo simultaneamente.

Características Gerais do Cubismo:

Desconstrução e representação fragmentada da realidade.

Influência das máscaras africanas.

Enfoque em múltiplas perspectivas e geometrização das formas.

Três Fases do Cubismo:

1. Fase Primitiva:

Inicia com "Les Demoiselles d'Avignon".

Representação de figuras femininas de perspectivas diversas, não realistas.

Influência das máscaras africanas na representação das formas.

2. Fase Analítica ou Hermética:

Fragmentação e representação em partes.

Naturezas-mortas, como "Jarra com Flor" e "Mesa com Comida".

Múltiplas representações do mesmo objeto ("multi de mot").

A pintura não necessariamente precisa ter significado.

3. Fase Sintética:

Retorno à representação mais reconhecível.

Uso de colagens.

Aproximação da cultura e escultura.

Juan Gris funda essa fase, que é mais intelectual e segue regras com rigor.

Desconstrução mais pensada e matemática, racionalizando o objeto.

Contribuições Específicas na Fase Sintética:

Introdução de colagens.

Retorno à representação mais próxima da realidade.

Juan Gris acrescenta uma abordagem mais intelectual e rigorosa, racionalizando objetos.

Impacto Geral do Cubismo:

Rutura com convenções artísticas tradicionais.

Enfase na desconstrução, fragmentação e abstração na representação visual.

Contribuição significativa para o desenvolvimento da arte moderna.

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Enquanto pesquisava mais a fundo sobre a criação do cinema no Youtube, encontrei esta pérola.

"Viagem à Lua" é um filme revolucionário do cinasta francês Georges Méliès, lançado em 1902, que marcou o início da era do cinema e da fição científica. Este filme curto, com cerca de 14 minutos, é considerado um dos primeiros exemplos de efeitos especiais no cinema. A história acompanha um grupo de aventureiros que viaja até à lua numa cápsula lançada por um enorme canhão. A abordagem imaginativa de Méliès cativou o público da época, oferecendo uma experiência cinematográfica única. Com cenários criativos, truques de edição e uma narrativa fantástica, "Viagem à Lua" continua a ser uma obra-prima do cinema mudo. Méliès, um mestre dos efeitos visuais e bem à frente do seu tempo, deixou uma herança duradoura com este filme que influenciou gerações posteriores de cinastas e é reconhecido como um marco na história do cinema.

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19. fev. 2024.- Caso prático: Guernica de Pablo Picasso- análise.

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19. fev. 2024.- Caso prático: Guernica de Pablo Picasso- análise.

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26. fev. 2024.- Futurismo, exaltação da máquina e a "prática" da velocidade; O Dadaísmo- provocação, nonsense ou "antiarte".

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26. fev. 2024.- Futurismo, exaltação da máquina e a "prática" da velocidade; O Dadaísmo- provocação, nonsense ou "antiarte".

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O futurismo foi um movimento de vanguarda que desafiou os valores académicos, o tradicionalismo cultural e a persistência do "passado histórico" na arte moderna.

O posicionamento ideológico, político e cultural do futurismo era complexo e multifacetado:

Apologia da máquina e glorificação do seu impacto na vida moderna: Os futuristas celebravam a tecnologia e a industrialização, vendo nelas símbolos do progresso humano. Eles admiravam a velocidade e a eficiência das máquinas, destacando seu papel na transformação da sociedade.

Elogio da guerra como consequência do progresso da humanidade: Alguns futuristas viam a guerra como uma expressão da energia vital e do dinamismo da vida moderna. Eles acreditavam que a guerra impulsionava o progresso e a evolução da humanidade.

Exacerbamento das posições nacionalistas: Muitos futuristas adotavam uma postura nacionalista, exaltando as tradições e valores de suas nações. Eles enfatizavam a importância da identidade nacional e defendiam o orgulho patriótico.

Oposição à emancipação social e cultural da mulher: Alguns futuristas mantinham visões conservadoras em relação ao papel da mulher na sociedade, opondo-se ao movimento de emancipação feminina e defendendo uma visão tradicional dos papéis de gênero.

Afirmação violenta do vanguardismo cultural e artístico: Os futuristas acreditavam na necessidade de romper com as tradições artísticas do passado e buscar novas formas de expressão. Eles defendiam uma abordagem radical e provocativa na arte, buscando chocar e desafiar o público com suas obras.

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4. mar. 2024.- O Dadaísmo- continuação; As vanguardas russas.

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4. mar. 2024.- O Dadaísmo- continuação; As vanguardas russas.

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Movimento Dadaísta:

Surgimento na Suíça devido à neutralidade durante as guerras mundiais

Artistas se isolam na Suíça

Crítica dos caminhos tradicionais da arte

Tentativa de anular o conceito de arte

Uso de objetos do cotidiano como obras de arte

Críticas ao capitalismo e à guerra

Base teórica na filosofia negativa de Schopenhauer

Início em Zurique em 1915-1916 no Cabaret Voltaire

Expansão para Nova Iorque com Marcel Duchamp, Man Ray, Francis Picabia, Marius de Zayas, Arensberg

Revista "291" como importante veículo de divulgação

Artistas retornam a seus países de origem após a guerra, criando novos núcleos em diversos lugares

Características do Dadaísmo: temas provocativos, técnicas variadas, uso de objetos banais

Influência sobre outros movimentos artísticos

Vanguardas Russas:

Surgimento da arte abstrata

Kadinsky como precursor em 1910

Anulação do tema e objeto em busca da expressão pura da arte

Libertação da representação explícita e mimética

Influências do impressionismo, expressionismo, folclore russo e modernismo da Bauhaus

Malevitch e o abstracionismo suprematista

Ênfase na noção pura de espaço

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11. mar. 2024.- O neoplasticismo- a obra de arte puramente plástica; A arte entre as guerras mundiais; O surrealismo: o regresso do mundo visível.

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11. mar. 2024.- O neoplasticismo- a obra de arte puramente plástica; A arte entre as guerras mundiais; O surrealismo: o regresso do mundo visível.

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Mondrian- pintor neerlandês modernista, elaborou uma teoria que se intitula de "neoplasticismo" que pretendia simplificar a arte à plástica pura, removendo os valores tradicionais

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27. nov. 2024./ 04. dez. 2024.- "A revolução das comunicações e a "expressão da vida moderna"; A economia dos anos 20."

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27. nov. 2024./ 04. dez. 2024.- "A revolução das comunicações e a "expressão da vida moderna"; A economia dos anos 20."

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08. abr. 2024.- Neorrealismo do muralismo mexicano ao propagandismo soviético; Expressionismo abstrato e informalismo; O modernismo na arquitetura e no design.

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08. abr. 2024.- Neorrealismo do muralismo mexicano ao propagandismo soviético; Expressionismo abstrato e informalismo; O modernismo na arquitetura e no design.

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Expressionismo Abstrato:

Tornar a arte acessível a todos leva ao abstracionismo

Manifestação variada, com ênfase na intenção do artista e técnicas

Anulação do lado racional em prol de uma expressão mais instantânea

Pollock e a técnica de dripping (gotejamento) e action painting (pintura em movimento)

Surge nos EUA no segundo pós-guerra, impulsionado pelo contexto da guerra e pela busca por uma arte mais expressiva e emocional

Valorização do processo criativo e da obra acabada

Arquitetura:

Arte Nova: inspirada na natureza, linhas curvas

Arte Funcional: união entre arte e função, linhas retas e formas geométricas, uso de materiais modernos

Arquitetura Orgânica: ligação com a natureza, uso de materiais tradicionais, incorporação da natureza

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15. abr. 2024.- Pós-modernismo: criar é agir; A arte enquanto processo.

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15. abr. 2024.- Pós-modernismo: criar é agir; A arte enquanto processo.

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Pop Art:

Expressão da urbanidade, sociedade de consumo e cultura de massas

Uso de meios da publicidade, estética semelhante aos anúncios da época

Influenciada pelo dadaísmo

Hiper-realismo:

Contra o abstracionismo, valoriza a técnica e a capacidade técnica do artista

Obsessão em tornar as pinturas o mais realistas possível

Arte Cinética e Op Art:

Ligadas à ideia de movimento, criação de ilusões óticas

Happening:

Arte performativa, interação com o público, ato criativo espontâneo

Performance:

Baseada nas técnicas das artes performativas, interligação de várias artes, pode repetir-se

Body Art:

Ações curtas, corpo como protagonista

Instalação:

Espaço preparado com um objetivo específico

Minimalismo:

Uso repetitivo de um elemento ao longo de um espaço ou tempo

Arte Conceitual:

Valorização da ideia por trás da obra

Land Art:

Intervenções efêmeras na paisagem, marca da presença humana na natureza.

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29. abr. 2024.- Atualização do portfólio.

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29. abr. 2024.- Atualização do portfólio.

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O Realismo é uma corrente artística antiacadémica, focada na realidade social e no mundo contemporâneo, que se expressa através da pintura da realidade visível, do quotidiano e do contacto direto com a Natureza.

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Refletindo um mundo em constante transformação e com a vida moderna emergente em Paris no século XIX como pano de fundo, os pintores impressionistas focaram-se no momento passageiro, na captura do instante, na sugestão visual imediata e na agitação da vida quotidiana. Rejeitados pelos salões oficiais da academia, eles organizaram suas próprias exposições entre 1874 e 1882, onde apresentaram uma renovação completa da pintura, propondo uma nova maneira de conceber as imagens como resultado dos efeitos óticos da luz e da cor.

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O Neoimpressionismo baseou-se na técnica do pontilhismo, desenvolvida por Seurat, e consistiu na aplicação do método da «divisão da cor», fundamentado em estudos científicos sobre a relação entre a cor e a luz. Utilizando a «Lei do contraste simultâneo» estabelecida por Chevreul, Seurat definiu uma «pintura ótica».

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Representado por artistas como Van Gogh, Gauguin e Cézanne, o Pós-Impressionismo abriu caminho para a modernidade e para a arte do século XX. Afastando-se do Impressionismo, estes artistas estabeleceram as bases para vanguardas como o Expressionismo, o Simbolismo (e o Fauvismo) e o Cubismo. Privilegia a expressão e os sentimentos no ato de pintar, renegando o pensamento impressionista e voltando ao pintor primitivo.

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Surgindo na Alemanha no início do século XX, o Expressionismo foi um movimento de vanguarda que se estendeu por diversas áreas artísticas. Embora tenha começado na pintura o Expressionismo não se limitou a um estilo com características comuns. Este movimento amplo e heterogéneo representou uma nova forma de entender a arte, agregando artistas de diversas tendências, formações e níveis intelectuais, caracterizando-se mais como uma atitude do que apenas um estilo.

Com uma visão trágica da condição humana, influenciada pelo contexto histórico da Primeira Guerra Mundial, o Expressionismo, como o próprio nome indica, procura expressar sentimentos e emoções intensas. Nesse sentido, os artistas exageram e distorcem os temas, revelando principalmente o lado pessimista da vida.

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O Naturalismo é um movimento artístico e literário que radicaliza o realismo, focando-se na observação precisa da realidade e na experiência, demonstrando que o indivíduo é influenciado pelo ambiente e pela hereditariedade. O naturalismo filosófico, como forma de entender o universo, é um dos alicerces da ciência moderna e também é sujeito a reflexões filosóficas. Este inclui desenhos, esculturas e pinturas que tenham uma representação objetiva da realidade, ou seja, uma forma de reproduzir a realidade tal como ela é.

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O Cubismo é um movimento artístico que surgiu no século XX, inicialmente nas artes plásticas, e foi fundado principalmente por Pablo Picasso e Georges Braque. Este caracteriza-se pela utilização de formas geométricas para retratar a natureza e a sobreposição de perspetivas.

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O Simbolismo é um movimento literário surgido na França no final do século XIX caracterizado por Gauguin, que abrange a poesia e outras artes. Em oposição ao realismo, naturalismo e positivismo da época, este movimento foi impulsionado pelos ideais românticos. O objetivo final das diversas modalidades artísticas é a expressão da vida interior, da “alma das coisas”, que a linguagem poética – mais do que qualquer outra forma – permite alcançar além das aparências.

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No final do século XIX, os artistas começaram a pintar no estilo do Cloisonismo, uma abordagem da pintura pós-impressionista caracterizada por cores lisas delineadas por contornos escuros. O termo foi introduzido pelo crítico Édouard Dujardin durante o Salão dos Independentes em Março de 1888. A origem do nome está relacionada com a técnica do cloisonné, na qual arames (chamados "cloisons" ou "compartimentos") são soldados ao corpo da peça, preenchidos com pó de vidro e, posteriormente, submetidos a altas temperaturas, numa técnica semelhante à utilizada no vitral.

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A transição do século XIX para o XX, conhecida como belle époque, testemunhou a ascensão da burguesia e das cidades como centros de modernidade na Europa. Nesse contexto, por volta de 1890, surgiu a Arte Nova, um movimento artístico internacional que desafiou convenções e experimentou novas técnicas. Liderado por figuras como Henry van de Velde e Victor Horta, a Arte Nova incorporou influências da natureza, do simbolismo e da arte japonesa, exercendo um grande impacto no design, na arquitetura e nas artes decorativas com suas formas orgânicas e composições expressivas.

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Um armistício é um acordo temporário entre países adversários em conflito armado, que suspende as hostilidades por um período determinado, geralmente com o objetivo de permitir negociações de paz ou reorganização das forças envolvidas.

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No início do século XX, surgiu o Fauvismo, um movimento artístico que teve seu desenvolvimento principal entre 1905 e a segunda metade de 1907. O Fauvismo visava criar uma expressão artística caracterizada pela instabilidade, pela força e pelo sentimento, frequentemente tratando de temas inquietantes ou melancólicos.

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O futurismo foi uma das vertentes das vanguardas artísticas do século XX. Os artistas futuristas viam o futuro representado na velocidade do automóvel, nos avanços industriais, na eletricidade, nas grandes metrópoles, nas engrenagens dos maquinários, ou seja, na nova configuração social do início do século, que para eles representava um novo mundo e um novo homem.

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O Dadaísmo foi uma das correntes vanguardistas do início do século XX. Surgiu em 1916, durante a Primeira Guerra Mundial, como um movimento de contestação aos valores culturais. Opondo-se à racionalidade e à arte académica, privilegiou o nonsense (ausência de significado) e defendeu a arte espontânea.

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O Neorealismo foi um movimento artístico que surgiu na Europa, principalmente em Portugal e na Itália, no intervalo entre as duas grandes guerras mundiais como uma reação às destruidoras consequências do conflito e refletiu um interesse em questões sociais, econômicas e políticas.

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O modernismo foi um conjunto de correntes culturais e escolas artísticas que surgiram na primeira metade do século XX. Caracterizado pela busca da novidade visava reexaminar todos os aspetos da vida, substituindo o antigo pelo novo para alcançar o progresso. Em essência, defendia que as realidades do século XX eram permanentes e que a adaptação a essas novas visões era essencial para reconhecer a beleza e a bondade do novo.

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O pós-modernismo é um movimento artístico que surgiu na segunda metade do século XX, caracterizado pela oposição aos ideais do modernismo, este valoriza a diversidade, a fragmentação, a ironia e a prioritização da inteligência e a cultura, questionando verdades absolutas e promovendo uma visão mais pluralista e descentralizada da cultura e da sociedade.

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«Saturno devorando o seu filho» de Francisco Goya

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«Saturno devorando o seu filho» de Francisco Goya

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Quando me encontrava em Erasmus tive a oportunidade de me cruzar com este quadro que até agora ainda me provoca o mesmo choque da primeira vez. “Saturno devorando o seu filho” é uma obra de Francisco de Goya, datada de 1820 e localizada na Sala 067 do Museu do Prado. Esta pintura faz parte da coleção de 14 obras conhecidas como pinturas negras, nomeadas assim devido às suas cores escuras e à temática sombria.

Nesta representação particularmente aterrorizante, o deus Cronos, ou Saturno, é mostrado devorando um dos seus filhos, movido pelo medo de ser destronado. A pintura impressiona pelo terror transmitido através do olhar do deus, pela crueldade evidenciada no sangue e pelo contraste das cores utilizadas por Goya. Estas características sombrias e o uso dramático da cor são elementos comuns a todas as pinturas negras, destacando a habilidade de Goya em capturar e transmitir emoções intensas e perturbadoras.

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Ainda no museu do Prado, fiquei fascinada também pelo quadro "As três graças" de Peter Paul Rubens.

O quadro "As Três Graças", pintado por Peter Paul Rubens em 1635, encontra-se na Sala 029 do Museu do Prado. Nesta obra, o artista representa Aglaya, Talia e Eufrosina, as filhas de Zeus, abraçadas e nuas, numa cena que sugere uma sensualidade de acordo com os padrões de beleza do século XVII.

A representação inovadora dessas três deusas tornou este quadro uma das melhores obras de Rubens. Apesar de ter sido pintado originalmente para seus próprios aposentos, o rei Filipe IV o aceitou, reconhecendo seu valor artístico e sua contribuição para a arte da época.

O que mais me fascinou e provocou esta pesquisa foi a representação do corpo feminino despido de pre-conceitos.

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Ainda na minha viagem retrospetiva pelas memórias de Erasmus deparei-me com uma imagem de um dos teatros mais bonitos que alguma vez visitei.

O Teatro Español, localizado no coração de Madrid, é um marco emblemático da vida cultural da cidade. Fundado em 1583, possui uma longa história como palco para uma variedade de produções teatrais, desde obras clássicas até peças contemporâneas. O edifício em si é uma mistura de arquitetura tradicional espanhola com toques modernos, oferecendo uma atmosfera única para os espectadores.

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«Monumento a cervantes» de Lorenzo Coullaut-Valera

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«Monumento a cervantes» de Lorenzo Coullaut-Valera

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Ainda pelas ruas de Madrid, na Plaza de España, pude ver um monumento cuja grandiosidade me provocou curiosidade. É importante referir que todas as imagens da minha viagem em Erasmus são imagens do ano passado que, na minha perspectiva, foram das obras de arte mais marcantes e com mais impacto na minha carreira artística e que, por isso, são as que me provocaram curiosidade de pesquisar mais a fundo, daí estarem tão fortemente presentes aqui.

A Fonte de Cervantes, encomendada por Alfonso XIII em 1915 para marcar o terceiro centenário da publicação da segunda parte de "El Quijote", é um monumento imponente localizado na Plaza de España, em Madrid. Construído ao longo das décadas de 1920 a 1960, o monumento é composto por dois corpos principais culminando em um ático. No pedestal central, encontram-se as esculturas de Dom Quixote e Sancho Pança, em bronze, enquanto figuras representativas da literatura espanhola adornam os lados e a parte traseira. A figura de Cervantes domina a composição, simbolizando a universalidade de sua obra.

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Quando me encontrava em fct no distrito de Caldas da Rainha em março de 2024 tive a oportunidade de visitar o parque D. Carlos I, uma pérola portuguesa escondida. O Parque D. Carlos I, localizado em Caldas da Rainha, é um refúgio encantador que oferece uma pausa tranquila da agitação da cidade. Inaugurado em 1889, este parque histórico é nomeado em homenagem ao rei D. Carlos I de Portugal. Com vastos espaços verdes, lagos serenos e uma variedade de árvores e flores, o parque é um local popular para passeios relaxantes, piqueniques e atividades ao ar livre. Possui ainda um coreto onde frequentemente ocorrem apresentações musicais e eventos culturais. Além disso, o parque abriga o Museu José Malhoa, um espaço cultural que exibe obras de arte portuguesas do século XIX e XX. Com sua atmosfera serena e beleza natural, o Parque D. Carlos I é um destino imperdível para moradores locais e visitantes em Caldas da Rainha.

A escultura presente na imagem acima denominada "Costa Mota, Sobrinho", foi um dos registos fotográficos que tirei, não só por ter ficado deslumbrada com os detalhes profundos presentes na escultura como também por ser uma imagem muito parecida ao meu tio, haha.

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Rua de Paris em Dia de Chuva de Gustave Caillebotte

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Rua de Paris em Dia de Chuva de Gustave Caillebotte

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Informação Geral

Pintor: Gustave Caillebotte

Movimento: Impressionista

Data: 1877

Localização: Museu de Arte de Chicago

Características da Pintura

Cena urbana de Paris num dia chuvoso

Uso de pinceladas soltas e cores vibrantes

Composição e Perspetiva

Vista em perspetiva de uma rua que se estende até ao horizonte

Criação de profundidade e distância

Representação de um cruzamento complexo próximo da estação de Saint-Lazare

Contexto Histórico

Reflete a transformação urbana de Paris no final do século XIX

Caillebotte cresceu perto deste bairro

Uso de Cor

Cores frias e tons cinzentos e azulados para a chuva e atmosfera

Pinceladas de cores quentes, como o amarelo do guarda-chuva, adicionam alegria

Sentido de Modernidade

Pintada durante um período de grandes mudanças arquitetónicas em Paris

Representação da nova arquitetura e da moda da época

Energia e Movimento

Perspetiva e representação da chuva sugerem dinamismo

Reflete a industrialização e modernização crescentes

Importância Histórica

Combina técnica impressionista com a vida urbana parisiense

Essencial para entender a evolução de Paris no século XIX

Destaca a habilidade de Caillebotte em capturar a essência da vida urbana

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Informações gerais

Uma das esculturas mais famosas do século XX no Ocidente.

Autor: Auguste Rodin (1840-1917).

Criação e Versões

Originalmente criada em 1880, intitulada "O Poeta".

Muitas réplicas foram feitas.

A versão mais conhecida foi finalizada em 1902, com 1,89 m de altura.

Motivo da Criação

Em 1880, Rodin foi convidado a criar uma porta decorativa para um museu de artes decorativas em Paris.

Idealizou a "Porta do Inferno", um enorme portal com 180 figuras em bronze.

"O Pensador" foi colocado na parte superior da porta, destacando-se, mas inicialmente chamado de "O Poeta".

Inspirado pela obra "Divina Comédia" de Dante Alighieri.

A figura representa o próprio Dante.

Curiosidade

Rodin trabalhou na "Porta do Inferno" de 1880 a 1917 e não chegou a vê-la concluída.

Localização da Obra

A "Porta do Inferno", com a primeira versão de "O Pensador", está no Musée Rodin, na França.

Existem várias outras versões de "O Pensador" feitas por Rodin espalhadas pelo mundo.

A versão mais conhecida foi finalizada em 1902 e exibida pela primeira vez em 1904.

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Contexto

Saint-Lazare era a estação terminal para o nordeste da França e os portos do Canal.

Monet utilizava esta estação para suas viagens à Normandia e Inglaterra.

Inspiração e Série de Quadros

Impressionado pelos efeitos da luz através do telhado de vidro e a fumaça das locomotivas, Monet criou uma série de quadros da estação.

Seu amigo Émile Zola aprovou a obra, afirmando que Monet estava descobrindo "a poesia das estações".

Temática e Abordagem

Ao contrário de outros pintores da época, Monet focou mais nos efeitos da luz e cor do que nas pessoas.

As figuras humanas aparecem vagamente nas pinturas.

Mudança de Estilo e Temática

Monet havia acabado de se mudar de Argenteuil para Paris, mudando seu foco das paisagens rurais para as urbanas.

Inspirado por críticos como Duranty e Zola, Monet buscava diversificar suas fontes de inspiração e ser considerado um pintor da vida moderna, como Manet, Degas e Caillebotte.

Pintura na Estação Saint-Lazare

Em 1877, Monet pediu permissão para trabalhar na Estação Saint-Lazare, um cenário ideal para capturar os efeitos da luz, movimento e vapor.

Criou várias pinturas com diferentes perspectivas, incluindo vistas do vasto salão da estação.

A geometria da moldura metálica é ofuscada pelos efeitos de cor e luz, muitas vezes resultando em uma visão quase abstrata.

Reconhecimento e Influência

A pintura foi elogiada por Gustave Caillebotte, outro pintor da vida moderna, cuja abordagem muitas vezes contrastava com a de Monet.

Localização Atual

Esta obra faz parte do acervo do Museu d'Orsay em Paris.

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Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte de Georges Seurat

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Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte de Georges Seurat

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Informações Gerais

Título: Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte

Artista: Georges-Pierre Seurat

Data: 1884

Técnica: Óleo sobre tela

Localização: Instituto de Arte de Chicago, EUA

Descrição da Obra

Retrata a Ilha de Grande Jatte, uma das ilhotas no rio Sena.

Seurat escolheu o local pela sua localização privilegiada, permitindo vistas variadas de Paris.

Na época, era uma área de lazer popular e um conhecido local de prostituição.

Técnica e Estilo

Maior representante do pontilhismo.

Uso de pequenas manchas verticais e horizontais e pontos de cor que, justapostos, criam uma mistura ótica.

Técnica desenvolvida a partir das experimentações dos impressionistas.

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Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte de Georges Seurat

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A Montanha Sainte-Victoire por Paul Cézanne

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A Montanha Sainte-Victoire por Paul Cézanne

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Uso de Cores e Técnicas

Cores utilizadas: Roxos, azuis, amarelos e vermelhos.

Em vez de modificar os tons conforme a luz e sombra, Cézanne alterava as próprias cores.

Simplificação e Geometria

A montanha e a paisagem circundante são simplificadas em formas e planos geométricos.

O quadro evoca tonalidades e volumes através da interação de luz e sombra, mesmo que não reproduza fielmente a cena.

Legado e Influência

As técnicas e abordagens de Cézanne prenunciam movimentos artísticos posteriores, como o Cubismo e o Fauvismo.

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A Montanha Sainte-Victoire por Paul Cézanne

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Duas Mulheres Sentadas na Areia por Paul Gauguin

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Duas Mulheres Sentadas na Areia por Paul Gauguin

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Informações Gerais

Ano: 1891

Localização: Museu de Orsay, Paris

Tema: Duas mulheres sentadas na areia

Contexto e Inspiração

Pintado durante o período de Gauguin no Taiti.

Inspirado pela cultura e tradições taitianas.

Descrição da Obra

Cores: Fortes e vivas.

As jovens estão perdidas em seus pensamentos, olhando para o “nada”.

Uma das mulheres segura fibras para tecer cestos, uma tradição local.

Aspectos Culturais e Coloniais

A obra reflete a história do Taiti, colonizado.

Uma das mulheres veste traje local, enquanto a outra usa um vestido com influências ocidentais.

Obra Semelhante

No mesmo período, Gauguin pintou "Parau api", uma obra muito semelhante.

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Retrato de Madame Matisse de Henri Matisse

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Retrato de Madame Matisse de Henri Matisse

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Uso das Cores

Matisse utiliza cores puras, sem misturas ou nuanças.

A obra "Retrato de Madame Matisse" apresenta oito áreas de cor, destacando-se a oposição entre vermelho e verde, cores complementares.

Composição

A cabeça no retrato é convencionalmente posicionada, mas o espaço é arbitrário, sem regras de perspectiva ou sugestão de profundidade.

A superfície da pintura vibra com tons puros.

Formas e Linhas

As linhas no fauvismo surgem de maneira impulsiva, buscando traduzir sensações elementares.

As formas são simplificadas, e a modelagem do rosto de Madame Matisse é rudimentar.

A linha verde vertical no retrato divide o rosto em duas metades, equilibrando a composição.

Henri Matisse

Influências e Estilo

Henri Matisse experimentou vários estilos, incluindo pintura flamenga, impressionismo e neo-impressionismo, antes de desenvolver sua própria linguagem.

Encantou-se pelas cores brilhantes e puras, usadas para sugerir espaço, luz, formas e volumes, e também para decoração.

Filosofia Artística

Matisse defendia uma arte decorativa, valorizada pela combinação de aspectos pictóricos em vez da proximidade visual com o objeto retratado.

Um quadro, para ele, não precisava imitar a realidade.

Exposição e Impacto

"Retrato de Madame Matisse" foi exposto no Salão de Outono de 1905, junto com outras obras progressistas focadas na cor como principal elemento expressivo.

Os pintores foram chamados de "fauves" (feras) por um crítico, e o nome "fauvismo" identificou esta estética.

Apesar das críticas iniciais, o fauvismo foi aceito e Matisse tornou-se um dos nomes mais destacados da pintura do século XX.

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Cena de rua em Berlim de Ernst Ludwig Kirchner

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Cena de rua em Berlim de Ernst Ludwig Kirchner

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Contexto e Importância

Pintura de 1913, parte do ciclo "Street scenes" (Cenas de Rua) do artista expressionista alemão Ernst Ludwig Kirchner.

Criado entre 1913 e 1915, o ciclo frequentemente retrata "Kokotten" (prostitutas) com seus clientes e é considerado uma das obras mais importantes do Expressionismo Alemão.

Descrição da Obra

No primeiro plano, duas prostitutas são vistas a vestir roupas muito coloridas com colarinhos de renda elaborados e chapéus de alta moda.

Dois clientes são representados: um está de frente para o espectador, o outro está de frente para as prostitutas.

Estilo

Na pintura, podem ser encontradas influências do expressionismo e futurismo

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Cena de rua em Berlim de Ernst Ludwig Kirchner

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1913 | "Street, Berlin" by Ernst Ludwig Kirchner

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Les Demoiselles d’Avignon (As Senhoritas de Avignon) de Pablo Picasso

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Les Demoiselles d’Avignon (As Senhoritas de Avignon) de Pablo Picasso

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Ficha Técnica

Artista: Pablo Picasso

Título: Les Demoiselles d’Avignon (As Senhoritas de Avignon)

Ano: 1907

Técnica: Óleo sobre tela

Localização: Museu de Arte Moderna (MoMA), Nova Iorque, EUA

Descrição e Contexto

Importância: Considerada uma das obras mais conhecidas de Pablo Picasso e da arte moderna.

Tema: Representa cinco prostitutas entre cortinas, que encaram e seduzem o espectador com diferentes poses, gestos e olhares.

Preparação: Picasso fez uma quantidade enorme de desenhos e esboços antes de finalizar a obra, evidenciando mudanças significativas na composição ao longo do processo.

1ª fase do cubismo

traços angulosos e alongados

desconstrução do espaço

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Contexto Histórico:

Guernica, uma cidade espanhola, foi alvo de um bombardeamento durante a guerra civil espanhola.

O conflito envolveu republicanos e liberais contra forças monárquicas e nacionalistas, gerando instabilidade e crise política.

Em 26 de abril de 1937, a Legião Condor lançou 30 toneladas de bombas sobre Guernica como parte de um teste de guerra.

Pablo Picasso e a Obra:

Solidário com o lado democraticamente eleito, Picasso tornou-se diretor artístico do Prado e foi encarregado de criar uma obra para a Exposição Internacional de Paris de 1937.

Escolheu retratar os bombardeamentos em Guernica, mostrando brutalidade e desespero sem esconder nada.

A obra é pensada como um tríptico, com elementos representando diferentes aspectos da tragédia.

Estilo e Composição:

O cubismo é utilizado para reduzir as figuras a formas simples e geométricas, enfatizando o drama e a dor.

A luz desempenha um papel crucial na obra, destacando elementos humanos e criando um ambiente de destruição.

Guernica é uma alegoria poderosa dos horrores da guerra e suas consequências devastadoras.

Interpretação dos Elementos:

Cada elemento da pintura representa um tipo de sofrimento, desde a bestialidade humana até a busca desesperada por paz e esperança.

Impacto e Significado:

A exposição da obra em 1937, dois anos antes da Segunda Guerra Mundial, foi um lembrete contundente dos perigos da guerra e da importância da paz.

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"En plein air" é uma expressão francesa que significa "ao ar livre" e refere-se à prática de pintar ao ar livre para capturar diretamente a luz, as cores e a atmosfera do ambiente natural.

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Arquitetura do ferro é um estilo do século XIX que utiliza ferro fundido e forjado para criar estruturas inovadoras e funcionais, caracterizado por pontes, mercados, estações ferroviárias e pavilhões, destacando-se na Revolução Industrial pela sua resistência e capacidade de moldagem.

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Pontilhismo é uma técnica de pintura que usa pequenos pontos de cor para criar imagens, popularizada por Georges Seurat e Paul Signac no final do século XIX.

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Enquanto passeava por Caldas da Rainha pude ainda visitar mais um edifício que remonta aos "tempos históricos".

Criado por D. Leonor em 1485, o Hospital Termal das Caldas da Rainha é reconhecido como o mais antigo do mundo, com uma trajetória que abarca mais de cinco séculos. Nos idos do século XV, a rainha empreendeu a fundação de um complexo de banhos e um estabelecimento hospitalar nas Caldas da Rainha.

A narrativa histórica remonta a 1484, quando, durante uma jornada em direção a Batalha, a esposa de D. João II deparou-se com uma cena peculiar nas imediações das futuras Caldas. Testemunhou alguns indivíduos pobres imersos em "poças de águas quentes, emanando vapor". Intrigada, indagou sobre o que presenciava, sendo informada de que eram enfermos acometidos de "frialdades", encontrando alívio nas águas termais. Impelida por essa descoberta, D. Leonor decidiu promover melhores condições para os usuários dessas águas.

O edifício do Hospital Termal, erguido no fim do século XIX, com suas amplas janelas, representa um notável exemplo de arquitetura termal.

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Em 1917, Marcel Duchamp, um artista, comprou um mictório comum de uma loja em Nova Iorque. Ele assinou o mictório com o nome falso "R. Mutt" e apresentou-o numa exposição de arte, desafiando a noção tradicional do que é considerado arte.

Essa peça, chamada "Fonte", é um exemplo de "ready-made", uma ideia em que objetos do dia-a-dia são apresentados como arte. Duchamp argumentou que o valor estava na ideia por trás da obra, não na sua produção física.

Em 1964, Duchamp fez cópias limitadas de algumas de suas obras, incluindo "Fonte", em colaboração com Arturo Schwarz. Hoje, uma dessas cópias está no Museu de Arte Eskenazi, junto com apenas mais duas séries completas em outros museus.

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Richard Hamilton foi um destacado artista do movimento Pop britânico nos anos 50, conhecido por suas colagens que exploravam a relação entre arte e cultura popular. Nasceu em Londres e estudou na Royal Academy e na Slade School of Art, onde desenvolveu interesse pela obra de Marcel Duchamp.

Participou do Independent Group, contribuindo com sua obra mais famosa, "Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?" (1956), inicialmente criada como um cartaz para a exposição "This is Tomorrow" (1956).

Hamilton desafiou as fronteiras entre arte erudita e popular, misturando elementos como retratos de Elvis, detalhes de Picasso e imagens televisivas em suas colagens. Após uma viagem a Nova Iorque em 1963, começou a combinar fotografia e pintura em suas obras.

Como professor, lecionou em diversas instituições, influenciando artistas como David Hockney e Peter Blake.

Após os anos 80, concentrou-se em design industrial e obras criadas com tecnologia computacional. Recebeu diversos prêmios ao longo de sua carreira e representou o Reino Unido na Bienal de Veneza em 1993.