# data[].attributes.body
Maria Teresa

# data[].attributes.attachment_caption
Composizione VII, WASSILY V. KANDINSKY, 1913, OLIO SU TELA, GALLERIA TRETYAKOV MOSCA

# data[].attributes.body
La “Composizione VII” è stata dipinta nel 1913. Realizzata con olio su tela, 200x300 cm, rappresenta il culmine della ricerca artistica di Kandinsky, caratterizzata da un dinamismo cromatico e dalla sovrapposizione di forme e linee. Sorprendentemente, dopo un lungo lavoro preparatorio, l’opera fu completata in soli quattro giorni. Oggi è conservata alla Galleria Tretyakov di Mosca.

“Composizione VII” è uno dei capolavori dell’astrattismo. Kandinsky, ispirato dalla musica e dalle teorie spirituali, cercava di tradurre su tela emozioni e stati d’animo attraverso il colore e la forma. L’opera riflette il tema dell’apocalisse e della rigenerazione, evocando un’energia caotica, ma armoniosa. Il dinamismo delle linee e la sovrapposizione cromatica ricordano le composizioni musicali di Wagner e Schönberg, che influenzarono profondamente l’artista. Con questa pittura, Kandinsky portò l’arte a un nuovo livello di espressione astratta.

Anastasia

# data[].attributes.body
Sandra

La creación de las aves (La Creazione degli Uccelli) (1957) di Remedios Varo, è un dipinto in olio su masonite, che misura 52.5 x 62.5cm, di stile surrealista, considerato un autoritratto carico di simbolismo e di misticismo, in cui convivono scienza, alchimia e magia. La pittura, realizzata con strati sottili e pennellate controllate, si distingue per la minuziosità del tratto e la precisione quasi miniaturistica dei dettagli.

L’artista si rappresenta trasformata in un gufo, una sorta di “donna-uccello” con una collana da cui pende un violino. Da questo strumento parte un filo che si collega al pennello tenuto nella mano destra, con il quale dipinge gli uccelli. Questi prendono vita quando vengono attraversati da una lente triangolare, tenuta nella mano sinistra, attivata dalla luce proveniente dall’esterno. Sul tavolo si trova anche una tavolozza con tre colori primari: rosso, blu e giallo. La pittura scorre attraverso uno strumento dall’aspetto scientifico, collegato all’esterno della stanza e che sottolinea la fusione tra il laboratorio dell’alchimista e lo studio dell’artista. L’ambiente in cui si svolge la scena è austero e raccolto, un luogo in cui il razionale e il mistico si fondono armoniosamente.

Inoltre, la gamma cromatica dell’opera è dominata dai toni caldi e terrosi: gialli, marroni, ocra e verdi, che contribuiscono a creare un’atmosfera intima e misteriosa.

Il dipinto che oggi si trova nel “Museo de Arte Moderno de México” è una chiara allegoria della pittura, o del processo creativo, che secondo l’artista richiede della solitudine tipica degli uccelli notturni e di un ambiente privo di distrazioni che favorisca la concentrazione assoluta. In questo modo, Remedios Varo pensava che, sebbene le sue creazioni diventavano estensioni del proprio essere, rappresentavano anche un’apertura all’influenza del mondo esterno, quindi, il violino sul petto sarebbe simbolo dell’ispirazione interiore, e il pennello e lo strumento scientifico, la combinazione tra scienza, alchimia e arte. Invece, il cristallo a forma di stella, che canalizza la luce cosmica per dare vita agli uccelli, riflette l’importanza attribuita dall’artista al cosmo e all’esoterismo. In questa visione, lo spazio interiore e l’universo si connettono e si alimentano reciprocamente attraverso l’arte che diventa così, un atto creativo quasi magico, sospeso tra conoscenza, mistero e tecnica.

# data[].attributes.headline
Ritratto di dame conventagli (Zhou Fang)

# data[].attributes.subject
Ritratto di dame conventagli (Zhou Fang)

# data[].attributes.body
Qiang

Questo dipinto è un rotolo orizzontale, realizzato su carta di seta alla fine dell’VIII secolo. Nell’opera ci sono 13 dame di corte, divise in cinque scene, che mostrano la vita quotidiana di dame della dinastia Tang. In origine il dipinto non era esposto completamente aperto, ma si srotolava il rotolo poco a poco, da destra a sinistra, scoprendo solo una piccola parte alla volta, come un film.

Descrizione delle scene

Prima scena: Tenere il ventaglio

Una dama è seduta con un’aria rilassata. Vicino a lei, una serva le sventola un ventaglio, mentre altre due tengono contenitori.

Seconda scena: Abbracciare il qin

Una dama tiene tra le mani un qin, uno strumento musicale tradizionale cinese. Accanto a lei, un’altra dama sta per sollevare la custodia del qin per prenderlo, creando una scena dinamica.

Terza scena: Guardarsi allo specchio

Una dama in abito rosso tiene in mano uno specchio di bronzo, mentre un’altra si pettina e si trucca.

Quarta scena: Ricamare

Le dame sono sedute e stanno ricamando un tessuto, forse un tappeto. Il ricamo era un’abilità essenziale per le donne aristocratiche.

Quinta scena: Appoggiarsi al parasole

Due dame vestite di rosso parlano tra loro. Una è seduta su uno sgabello, mentre l’altra si appoggia a un albero di parasoli.

La bellezza femminile nella dinastia Tang

Questo dipinto non mostra solo la vita delle dame di corte, ma anche gli ideali di bellezza dell’epoca Tang, molto diversi da quelli di altre epoche e da oggi. La caratteristica più visibile è la "bellezza della pienezza": Durante la fine della dinastia Tang, le donne con un viso rotondo e un corpo morbido e armonioso erano considerate belle.

# data[].attributes.body
Oksana

# data[].attributes.body
Olha

# data[].attributes.body
Liudmyla

Artista: Taras Shevchenko ( 1814- 1861)

Titolo dell'opera: Ritratto di Catherine Abasa

Tecnica: Bristol cartone, acquarello

Misure: 22,5× 18,1 cm

Anno di realizzazione: 1837

Ubicazione: Museo Nazionale di Kiev.

Taras Shevchenko non era solo un celebre poeta, prosatore, drammaturgo e figura politica e pubblica ucraina, ma anche un genio di pennello. Fu uno dei fondatori del realismo critico e un perfetto conoscitore di tutti i mezzi di rappresentazione grafica conosciuti al suo tempo.

Il ritratto raffigura la figlia di un impiegato del Palazzo d'inverno, la sua raffinatezza e il suo fascino le conferiscono l'aspetto di una donna appartenente alla nobiltà. Il ritratto non è un capolavoro di Taras Shevchenko, ma cattura immediatamente lo sguardo dell'osservatore e non lascia nessuno indifferente di fronte alla bellezza e alla grazia di questa giovane donna. Sembra che la ragazza esista davvero, che si trovi proprio davanti a noi e stia per parlare o cantare. Il pittore è riuscito a guardare nella sua anima ed esprimere la freschezza e la serenità tipiche dell'età di primavera della vita. Colpisce anche il suo vestito dai colori pastello, che dona fascino speciale all'opera e la rende senza tempo.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Ritratto di Catherine Abaza Shevchenko - Taras Hryhorovyč Ševčenko

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Description

Portret Katerin abase (bristol cartone, acquerello, 22.5*18.1) è un ritratto eseguito da Taras Shevchenko nel 1837 a San Pietroburgo.

A sinistra la data a matita e la firma dell'autore: "1837. Shevchenko." Sul retro di Jeremiah Eisenstock, sulla base della testimonianza degli ex proprietari del ritratto, nel 1934 scrisse a matita: "Ekaterina Abase è un raccolto. Nakhimov." Da allora, l'opera è stata conosciuta come un ritratto di Catherine Abase. La letteratura di Shevchenko espresse l'opinione che, probabilmente, ritrattò - la figlia del sorvegliante del Palazzo d'Inverno M. S. Nakhimov, che non si chiamava davvero Caterina, ma Elisabetta. È conservato nel Museo Nazionale di Taras Shevchenko a Kiev.

# data[].attributes.attachment_link.title
Ritratto di Catherine Abaza Shevchenko - Taras Hryhorovyč Ševčenko

# data[].attributes.attachment_link.description
Portret Katerin abase (bristol cartone, acquerello, 22.5*18.1) è un ritratto eseguito da Taras Shevchenko nel 1837 a San Pietroburgo.A sinistra la data a matita e la firma dell'autore: "1837. Shevchenko." Sul retro di Jeremiah Eisenstock, sulla base della testimonianza degli ex proprietari del ritratto, nel 1934 scrisse a matita: "Ekaterina Abase è un raccolto.

# data[].attributes.body
Il titolo dell'opera: NONO BALUARDO

Tecnica: olio su tela

Misure: 221×332cm

Ubicazione:

museo a San Pietroburgo

Anno di realizzazione: 1850

Questo quadro rapisce e cattura tutta la nostra attenzione. Il pittore dipinge il mare dopo la tempesta notturna molto forte e le persone, vittime di naufragio. I raggi di sole illuminano le onde enormi.

La più grande onda - Nono baluardo- è pronta a cadere sulle persone, che cercano di salvarsi sui rottami dell'albero maestro.

Nonostante la nave sia distrutta, e è rimasto solo l'albero, le persone sono vive e continuano a combattere con la tempesta.

I toni caldi del dipinto rendono il mare non così aspro e danno allo spettatore la speranza che le persone saranno salvate.

Oggi possiamo parlare di Nono baluardo già come un simbolo in letteratura e in arte - il simbolo di tempo tempestoso, della volontà e della forza. In senso figurato , potrebbe essere come la manifestazione più luminosa di qualcosa, la fioritura, per esempio, le abilità del poeta.

Halyna

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"Девятый вал" - одна из самых знаменитых картин российского художника-мариниста Ивана Айвазовского, хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге ( инв. Ж-2202). Написана в 1850 году.

Живописец изображает море после очень сильного ночного шторма и людей, потерпевших кораблекрушение. Лучи солнца освещают громадные волны. Самая большая из них - девятый вал - готова обрушиться на людей, пытающихся спастись на обломках мачты.

Несмотря на то, что корабль разрушен, и осталась только мачта, люди на ней живы и продолжают бороться со стихией. Тёплые тона картины делают море не таким суровым и дают зрителю надежду, что люди будут спасены.

Размер картины - 221 × 332 см. Внизу, на мачте, подпись и дата: Айвазовскій 1850; в правом нижнем углу красным: 5; на обороте черным: № 2506.

В Русский музей картина поступила в 1897 году из Эрмитажа.

В 1857 году автор написал миниатюру картины (авторскую реплику). Размер миниатюры: 28 х 42,2 см, она хранится в Государственном художественном музее Алтайского края.

Льюис Кэрролл в своих "Дневниках путешествия в Россию в 1867 году" так писал о своём посещении Эрмитажа 21 августа:

Но, возможно, самая поразительная из всех русских картин - это морской пейзаж, недавно приобретённый и ещё не получивший номера; она изображает шторм: на переднем плане плывёт мачта погибшего корабля с несколькими уцелевшими членами команды, цепляющимися за неё, сзади волны вздымаются как горы, и их вершины обрушиваются фонтанами брызг под яростными ударами ветра, в то время как низкое солнце сияет сквозь более высокие гребни бледно-зелёным светом, который совершенно обманчив, в том смысле, что кажется, будто он проходит сквозь воду.
Я видел, как этот эффект пытались воспроизвести на других картинах, но никому не удавалось это сделать с таким совершенством.

# data[].attributes.attachment_link.title
Девятый вал (картина Айвазовского) - Википедия

# data[].attributes.attachment_link.description
"Девятый вал" - одна из самых знаменитых картин российского художника-мариниста Ивана Айвазовского, хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге ( инв. Ж-2202). Написана в 1850 году. Живописец изображает море после очень сильного ночного шторма и людей, потерпевших кораблекрушение. Лучи солнца освещают громадные волны.

# data[].attributes.body
Serhii

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"Запорожцы" (также известна под названием "Запоро́жцы пи́шут письмо́ туре́цкому султа́ну") - картина русского художника Ильи Репина. Огромное панно (2,03 × 3,58 м) было начато в 1880 и закончено в 1891 году.

Этюды к картине художник писал в кубанской станице Пашковской, Екатеринодаре, в поместье Качановка Черниговской губернии и в Кубанской области.

По легенде, письмо было написано в 1676 году кошевым атаманом Иваном Серко "со всем кошем Запорожским" в ответ на ультиматум султана Османской империи Мехмеда (Мухаммеда) IV. В то время шла русско-турецкая война 1672-1681 годов и султан в письменной форме потребовал от Запорожской Сечи подчиниться ему, как это сделал правобережный гетман Пётр Дорошенко. Оригинал ответного письма казаков не сохранился, однако в 1870-х годах екатеринославским этнографом-любителем Я. П. Новицким была найдена копия, сделанная в XVIII веке. Он передал её известному историку Дмитрию Яворницкому, который однажды зачитал её, как курьёз, своим гостям, среди которых был, в частности, Илья Репин. Художник заинтересовался сюжетом и в 1880 году начал первую серию этюдов.

А в письме Н. С. Лескову Репин так описывал "Запорожцев":

А знаете ли, я должен Вам признаться, что я и в "Запорожцах" имел идею... И наше Запорожье меня восхищает этой свободой, этим подъёмом рыцарского духа. Удалые силы русского народа отреклись от житейских благ и основали равноправное братство на защиту лучших своих принципов веры православной и личности человеческой. Теперь это покажется устарелыми словами, но тогда, в то время, когда целыми тысячами славяне уводились в рабство сильными мусульманами, когда была поругана религия, честь и свобода, это была страшная животрепещущая идея. И вот эта горсть удальцов, конечно даровитейших людей своего времени, благодаря этому духу разума (это интеллигенция своего времени, они большею частью получали образование) усиливается до того, что не только защищает Европу от восточных хищников, но грозит даже их сильной тогда цивилизации и от души хохочет над их восточным высокомерием.

Предварительные зарисовки осуществлял во время путешествия по Запорожью в 1880-1881 годах ("Малорусские типы"). Путешествовали они с Валентином Серовым, в ту пору ещё начинающим молодым художником.

Ещё мальчиком Серов не пропускал ни одного мотива живой действительности, чтобы не схватиться за него оружием художника... Гораздо позже, путешествуя по Днепру, по местам бывших Запорожских сечей, указанных мне Костомаровым, мы вместе переправлялись на остров Хортицу на пароме. Пристань Хортицы оказалась прекрасной ровной площадью палевого песку, жарко нагретого солнцем. Кругом невысокие гранитные тёмно-серые скалы, дальше - кустарник и голубое-голубое небо.

Мы долго бродили по Хортице, казавшейся нам выкованной из чистого палевого золота с лиловыми тенями, слепившего нам глаза на раскалённом солнце, - это впечатление создавали густо покрывавшие большие пространства палевые иммортели. Осматривали мы старые, уже местами запаханные колонистами запорожские укрепления; пили у колонистов пиво; устали изрядно.

Но на другой день, как только мы оправились, я увидел, что Валентин уже компонует характерную сцену из жизни запорожцев. Со мною были две прекрасные излюбленные нами книжки Антоновича и Драгоманова - "История казачества в южнорусских песнях и былинах". Мы зачитывались эпосом Украины, и Серов, пробыв в киевской гимназии около двух-трёх лет, уже прекрасно смаковал суть украинского языка. Но не думайте, что он взял какую-нибудь казённую сцену из прочитанного; его тема была из живой жизни "лыцарей", как будто он был у них в сараях-лагерях и видел их жизнь во всех мелочах обихода.

Действие происходит на песчаной пристани парома - Кичкас, так слепившей нас вчера. Запорожцы привели сюда купать своих коней.

И вот на блестящем стальном Днепре, при тихой и тёплой погоде, многие кони, подальше от берега, уже взбивают густую белую пену до небес; голые хлопцы барахтаются, шалят в теплой воде до упоения, балуясь с лошадьми; вдали паром движется на пышущем теплом воздухе - таков фон картины; самую середину занимает до чрезвычайности пластическая сцена: голый запорожец старается увлечь в воду своего "чёрта", а этот взвился на дыбы с твёрдым намерением вырваться и унестись в степь. Конь делает самые дикие прыжки, чтобы сбить казака или оборвать повод, а казак въехал по щиколотку в песок цепкими пальцами ног и крепко держит веревку, обмотав её у дюжих кулаков мускулистых рук: видно, что не уступит своему чёрному скакуну. Солнечные блики на чёрной потной шерсти лошади, по напряженным мускулам и по загорелому телу парубка создавали восхитительную картину, которой позавидовал бы всякий баталист.

Вторая версия картины 1893 года, хранящаяся в Харьковском художественном музее

Первый законченный эскиз маслом появился в 1887 году. Репин подарил его Яворницкому. Позже Яворницкий продал его П. М. Третьякову, и эскиз был сохранён в Третьяковской галерее. Основной вариант картины был завершён в 1891 году.

После первого публичного обозрения художника критиковали за то, что по мнению многих картина была "исторически недостоверной". Тем не менее судьба полотна сложилась удачно. После шумного успеха на нескольких выставках в России и за рубежом ( Чикаго, Будапешт, Мюнхен, Стокгольм) картину в 1892 году купил за 35 тыс. рублей император Александр III. Картина оставалась в царском собрании до 1917 года, а после революции оказалась в собрании Русского музея.

Ещё не завершив основной вариант, Репин в 1889 году начал работу над вторым, который он так и не закончил. Это полотно несколько уступает по размерам первоначальному варианту и является, так сказать, кулуарным экземпляром. Второй вариант "Запорожцев" художник попытался сделать более "исторически достоверным". Хранится он сейчас в Харьковском художественном музее.

Натурщиками персонажей картины послужили многие известные современники Репина, в основном украинцы по происхождению:

Натурщиком для одного из самых колоритных персонажей картины стал преподаватель рисовальной школы Общества поощрения художеств, активный участник петербургского творческого объединения "Мир искусства" художник Иван Францевич Ционглинский, поляк по национальности.

Один из центральных персонажей картины кошевой атаман Иван Дмитриевич Серко был написан с генерала Михаила Ивановича Драгомирова.

Красавец с благородными чертами лица и интеллигентной улыбкой был написан в Петербурге с сына Варвары Икскуль-Гильденбандт, внучатого племянника композитора Михаила Глинки, камер-пажа. На картине юноша представлял собой образ Андрия - младшего сына Тараса Бульбы.

Персонаж, изображающий татарина и на самом деле рисовался со студента-татарина. А выразительные белые зубы были изображены художником с черепа казака-запорожца, найденного на раскопках возле Сечи.

Высокий казак с повязкой на голове писался с руководителя класса батальной живописи в Академии художеств Николая Дмитриевича Кузнецова, грека по национальности. На картине символизировал образ старшего сына Тараса Бульбы - Остапа.

Для толстяка, который изображал самого Тараса Бульбу, прототипом стал профессор Петербургской консерватории Александр Иванович Рубец. Будучи родом из Стародуба, он был потомком польского шляхетского рода. Существует также версия, что для персонажа позировал журналист Владимир Гиляровский.

Беззубый сморщенный старик с трубкой был зарисован Репиным со случайного путника на пристани Александровска. Имени его история не сохранила.

Выглядывающий из-за Тараса Бульбы унылый, худой, высокий длинноусый казак - это солист Мариинского театра Фёдор Игнатьевич Стравинский.

Подстриженный под горшок Бурсак, который ещё не успел отрастить усы - это художник Порфирий Денисович Мартынович. Интересно, что Илья Репин писал картину не с живой натуры, а с гипсовой маски, снятой с лица Мартыновича.

Образ казака с лысой головой и выразительным затылком написан с обер-гофмейстера Георгия Петровича Алексеева, который вначале с негодованием отверг предложение Репина позировать ему в такой неприглядной позе. На помощь художнику пришёл Дмитрий Яворницкий, который пригласил Алексеева посмотреть свою коллекцию монет. Пока Алексеев рассматривал коллекцию, сидевший за ним художник сделал необходимую зарисовку. Узнав себя на картине, Георгий Петрович был очень обижен на обоих.

Для мрачного казака с сумеречным взглядом позировал коллекционер и меценат Василий Тарновский-младший. В 1880 году Репин в имении у Тарновского рисовал казачью амуницию, а заодно сделал эскиз и самого хозяина имения.

Полуголый казак-картёжник - это педагог народной школы Константин Дмитриевич Белоновский. По другой версии - это драматург Марк Лукич Кропивницкий. Художник изобразил любителя азартных игр полуобнажённым в связи с тем, что в Сечи при серьёзной игре казаки снимали рубашки, чтобы нельзя было спрятать карты за пазуху и в рукава.

В образе казака Голоты изображён кучер Василия Тарновского Никишка. Художник, будучи восхищён его щербатостью, одноглазостью, нетрезвостью и смешливостью, успел зарисовать его, когда они вместе с Тарновским переправлялись через Днепр на пароме.

В образе писаря запечатлён главный вдохновитель и консультант художника Дмитрий Иванович Яворницкий. Для того чтобы заставить улыбнуться бывшего в мрачном настроении Яворницкого, Репину пришлось показать ему журнал с карикатурами.

У Ильфа и Петрова в романе " Двенадцать стульев" в качестве одного из возможных планов Остапа Бендера упоминается "распространение ещё не написанной, но гениально задуманной картины „Большевики пишут письмо Чемберлену", по популярной картине художника Репина: „Запорожцы пишут письмо турецкому султану"". В реальности существовала карикатура в журнале " Красный перец" № 6 за 1923 год, с. 7, изображавшая лидеров СССР в позах, аналогичных репинским казакам и писавших письмо лорду Керзону.

В книге Владимира Малика " Фирман султана" описывается написание казаками письма турецкому султану.

Харьковская версия в музее, 2011

В 2009 году накануне Дня казачества Украины на берегу реки Молочной в селе Тамбовка Мелитопольского района Запорожской области была торжественно открыта скульптурная композиция "Запорожские казаки пишут письмо турецкому султану". Изготовленный из металла почти 60 лет назад местным мастером, участником Великой Отечественной войны Владимиром Федоровичем Дорониным памятник получил вторую жизнь благодаря скульптору Борису Тихоновичу Солянику.

В мультфильме Владимира Дахно "Энеида" по травестированной поэме украинского поэта И.П. Котляревского иронически переосмысляются различные сюжеты мировой живописи и скульптуры, в том числе и "Запорожцы" Репина (эпизод, где троянцы-казаки во главе с атаманом Энеем сочиняют ответ князю Турну).

В кинокомедии " Самый лучший фильм 3-ДЭ " встречается пародия на картину в виде съёмок отрывка фильма.

Картина была представлена на пачке папирос "Запорожцi" (Ленинград, фабрика им. Клары Цеткин), и "Запорожцы" (Москва, завод "Дукат").

Замечательные полотна. Сборник. Художник РСФСР, 1962

# data[].attributes.attachment_link.title
Запорожцы (картина) - Википедия

# data[].attributes.attachment_link.description
"Запорожцы" (также известна под названием "Запоро́жцы пи́шут письмо́ туре́цкому султа́ну") - картина русского художника Ильи Репина. Огромное панно (2,03 × 3,58 м) было начато в 1880 и закончено в 1891 году. Этюды к картине художник писал в кубанской станице Пашковской, Екатеринодаре, в поместье Качановка Черниговской губернии и в Кубанской области.

# data[].attributes.body
Olena

# data[].attributes.body
Autore: Federico de Madrazo

Titolo: La contessa di Vilches

Tecnica: olio su tela

Ubicazione: museo del Prado

Anno di realizzazione: 1853

Descrizione:

Ritratto che raffigura Amalia de Llano, contessa di Vilches, una figura di spicco dell'aristocrazia e della vita culturale di Madrid nel 1800.

L’illuminazione impiegata da Madrazo fa risaltare il candore delle carnagioni femminili contro la marcata oscurità dello sfondo.

La finezza di alcuni gesti della modella, come la delicatezza con cui regge il ventaglio, il contatto quasi impercettibile delle dita con l’ovale del viso o il dolcissimo sorriso, ripreso dal suo sguardo seducente, rappresentano il culmine dei pregi di questo superbo ritratto, capolavoro del ritratto romantico spagnolo.

# data[].attributes.attachment_link.title
Amalia de Llano y Dotres, condesa de Vilches

# data[].attributes.attachment_caption
‏ *"Isola Felice" di Mahmoud Said*"" è un dipinto del famoso artista egiziano Mahmoud Said, realizzato nel 1927. Il dipinto raffigura una scena idilliaca di una madre con il suo bambino seduti sulla schiena di un asino mentre camminano in un'isola verde.*Caratteristiche del dipinto*- *Stile*: Il dipinto è caratterizzato da uno stile realista con influenze impressioniste.- *Colori*: I colori utilizzati sono vivaci e naturali, con toni verdi e blu che dominano la scena.- *Soggetto*: Il soggetto principale del dipinto è la madre con il bambino, rappresentati in un'atmosfera serena e pacifica.*Importanza del dipinto*- *Valore artistico*: "Isola Felice" è considerata una delle opere più importanti di Mahmoud Said e un esempio significativo dell'arte egiziana del XX secolo.- *Valore storico*: Il dipinto offre una visione della vita rurale egiziana negli anni '20 e rappresenta un importante documento storico.*Dettagli aggiuntivi*- *Anno di realizzazione*: 1927- *Artista*: Mahmoud Said- *Tecnica*: Olio su tela- *Ubicazione*: Il dipinto è stato venduto all'asta da Bonhams a Londra per 1,418 milioni di euro nel 2010."Isola Felice" è un dipinto che rappresenta la bellezza e la serenità della vita rurale egiziana, ed è considerato un'opera d'arte importante nel panorama artistico egiziano del XX secolo. Il d

# data[].attributes.body
Abeer