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zettel’z

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Poetry camera: cattura poesie, non immagini

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“Accumulated Hours of Sunshine”, 2018, oil on cast bronze, in three parts

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Ci siamo interrogati su cosa volesse dire fare ed essere parte di una classe, di un gruppo, di un insieme di più persone, menti, personalità. Il tutto inserito ed espresso in un contesto digitale. Ciò che è venuto fuori è stata una collezione dei nostri ritratti, racchiusi e tracciati in un confine che unificasse le nostre diversità fisionomiche ed emotive in un insieme quanto più organico e sfaccettato possibile.

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Chi sono?

Cosa mi rappresenta?

Come posso raccontarmi al meglio?

Cosa voglio esprimere?

Come mi voglio far conoscere?

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tra le nuvole tanto che mi devono ricordare di aprire e rispondere ai messaggi (scusate)

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20:02

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mi spiace per i tramonti, ma purtroppo anche oggi ho il telefono con me

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Fatale, if this is not a sign.

È ciò che mi domando molto spesso e il fatto che sia stato ciò su cui mi sia caduto l’occhio, appena varcata la soglia per accedere alla biblioteca, penso sia fortemente ironico.

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Curiosando e sfogliando varie riviste e volumi di design, mi sono imbattuta in progetti e spunti interessanti e a dir poco creativi.

Tra tutti, quelli che mi hanno rapita particolarmente, che ho scelto di riportare e a cui dedicare una sorta di monografia, sono opere annoverabili nella filosofia del kintsugi: gli “evening gloves”, 1936, di Elsa Schiaparelli e “sucking mud”, del 2018, di Lara Favaretto e “adam and eve”, 2008, di Karavan.

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Chi sono?

Come posso raccontarmi?

Come posso esprimermi al meglio?

Cosa mi piace?

Cosa mi rappresenta?

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Sfogliando la rivista “Inventario”, mi sono ritrovata con estremo piacere nella sezione “kintsugi”.

Sì, ritrovata, in tutti i sensi.

Per chi non conoscesse questa pratica: il “kintsugi” è una tecnica di restauro nata alla fine del ‘400, che si occupa e preoccupa di riparare e dare nuova vita a oggetti in frantumi (principalmente ceramiche), riunendone i pezzi, incollandoli con l’oro e rendendoli opere d’arte.

Le linee di frattura vengono lasciate appositamente visibili: impreziosite con l’oro, vengono anzi evidenziate, a comunicare quanto la fragilità possa diventare un punto di forza e perfezione nell’imperfezione.

Da una ferita, anche la più profonda, può fiorire e scorrere un rivolo prezioso di vita che tiene insieme tante parti di sé: si può sbocciare di nuovo, irradiando come la luce emanata dall’oro, maggiore bellezza.

In particolare allego questi guanti perché a mio avviso non sono solo un complemento d’abbigliamento, ma un veicolo avant-garde drammatico e sensuale di personalità e rottura con i dettami del tempo, con la reintroduzione della moda dei guanti a 20 bottoni.

Onirici, con richiami fortemente surrealisti, vengono ideati nel 1936 da Elsa Schiaparelli, donna eclettica e poliedrica, stilista, sarta e costumista italiana, attraverso l’uso di materiali “classici” ma totalmente reinventati e magistralmente remixati, come pelle e velluto neri con artigli in metallo dorato.

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cerco un centro di gravità soddisfacente

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Adam and Eve (“Male and Female Created He Then”), 2002, il Giardino di Daniel Spoerri, Toscana, olivo italiano, foglie d’oro, dimensioni: 3 x 2.5 x 2 m

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Attraverso l’uso dell’oro, tramite la tecnica del kinstukoroi, Karavan ricompone un ulivo lacerato da un fulmine, richiudendo delicatamente una ferita, ricucendo e riunendo una dualità/frammentazione di un sé.

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Adam and Eve (“Male and Female Created He Then) (2002) – Dani Karavan

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Opera che sana, riempiendo, i fori e le scanalature, provocate dai tarli, di un pavimento di una sala della galleria.

Il tutto opera non solo sul passato ma anche sul presente: trattiene e sublima tracce di deterioramento, attraverso l’impreziosimento dell’oro.

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LARA FAVARETTO. SUCKING MUD - emanuelabernascone.com

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LARA FAVARETTO SUCKING MUD19 aprile – 26 maggio 2018 Galleria Franco Noero - Piazza Carignano 2 Torino

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Obiettivo di questo laboratorio è stato di realizzare, in gruppi di tre, attraverso la pixel art (resa con i post it), e la stop motion, una breve storia che facesse interagire un* di noi con il soggetto rappresentato.

Bene. La vedete questa medusina su, in foto? Forse un po’ stilizzata e (non proprio precisa) sofferente, ma pur sempre una medusa, dai. In fondo chi è che sta sempre al massimo?

Avevamo optato per raccontare la sua storia, la quale, nuotando, si imbatteva in uno di noi e lo pungeva, per poi tornare a nuotare indisturbata.

Questo era ciò che avremmo voluto rappresentare, ma il risultato è stato, diciamo diverso

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È stato un primo approccio e tentativo, sicuramente un po’ goffo e da perfezionare, è vero, di storytelling attraverso la pixel art. Ma resta il fatto che mi senta soddisfatta per essermi potuto cimentare e testare in un progetto fuori dal mio ordinario, per aver potuto spaziare mentale e last but not least, è stato molto piacevole lavorare in questo gruppo :)

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tumblr 26

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Questo è stato il secondo e ultimo tentativo su cui noi tre abbiamo lavorato questa settimana dal momento che il primo non è propriamente riuscito.

Abbiamo optato per un altro soggetto, questa volta un uccellino, la cui lore proposta, raccontava la metafora di come non sia opportuno ripetere un’azione che sappiamo ricondurrà allo stesso risultato, assemblata a un suono non propriamente naturalistico, ma più maximale ed eclettico, che esplicitava proprio il concetto sotteso.

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Il making in progress del lavoro

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Chiusura, esperienza passata e destino comune in gestalt

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Abbiamo sviluppato un nuovo progetto con i post it, questa volta optando per un soggetto differente dal precedente proposto: un uccellino la cui lore rappresentava la metafora di come non sia opportuno ripetere le stesse scelte visto che ricondurranno allo stesso risultato, cioè allo stesso errore. Abbiamo assemblato il tutto a un suono, non propriamente naturalistico quanto più maximalista ed eclettico, che esplicitava perfettamente a nostro parere il senso significato sotteso.

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Cosa si può raccontare con quattro foto?

Scopriamolo

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daddy issues che non portano a buone abitudini 

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se ci pensi noi stessi siamo un po’ un’obsolescenza programmata

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spero non sia un ossimoro per chi vi abita dentro

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Masato igarashi

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studio ghibli mon amour

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eccomi

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Paul Evans’ Sideboard “monster” (nell’ingresso della casa parigina di Lenny Kravitz)

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Paul Evans’ Sideboard “monster” (nell’ingresso della casa parigina di Lenny Kravitz)

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Trovo che sia PAZZESCA: Paul ha sapientemente unito lo stile arts and craft ai concetti modernisti, in chiave futuristica e quasi distopica, soprattutto per l’uso del nero.

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Questo accattivante piece d’arredamento, divenuto famoso grazie a uno scatto risalente al 2019, diventato virale, che ritraeva frank ocean seduto su di esso, è stato realizzato dal designer francese pierre paulin nei primi anni ‘70.

La struttura è stata pensata in moduli componibili e interscambiabili per quattro individui: rimane un oggetto di design giocoso ma logico nella sua componibilità e varietà di forme, morbido ma pulito nelle sue linee futuristiche, rese perfettamente dall’uso di materiali stretch e dettagli in metallo, che ne esaltano oltretutto la sensualità.

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I quattro moduli

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Il primo passo all‘interno della casa è su una pietra di Komatsu, su cui è buona abitudine appoggiare le scarpe prima di entrare in casa: un ingresso iconico.

L’ambiente si presenta già da subito luminosissimo. Nel genkan poi vi sono dei comodi cassetti nei quali riporre varie tipologie di oggetti.

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Le scale e la libreria sono incredibili. È assurdo pensare che questa casa misuri “solo” 59 mq: l’ambiente sembra molto più grande, grazie allo sfruttamento e al sapiente uso dell’altezza e della luce. È tutto così arioso!

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Le scale conferiscono leggerezza all’ambiente e la collezione di riviste è assurda

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work in progressss

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Una delle attività su cui stiamo lavorando durante le ore di laboratorio è arricchire e personalizzare tutti quanti un rullo di carta: un enorme poster su cui “gettare” le nostre idee, avendo la possibilità in questo modo di esplorare il nostro mondo interno e la nostra creatività, insieme a quella di tutti gli altri.

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Non posso fare a meno di notare dettagli ovunque

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Il libro si pone a metà fra un’autobiografia e una meditazione sulla vita, il ruolo del design, il ruolo che il design ha avuto nella sua vita e formazione come persona e la memoria.

Sottsass parla del design come di una “scatola ottica” che solo lui sa far funzionare, per mostrare i suoi ricordi: è una metafora potentissima per descrivere il design come collettore per progettare la memoria.

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Gli oggetti non sono mai neutri

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mi sta insegnando che il mio “elucubrare”, può essere educato, addomesticato e indirizzato verso forme più espressive e meno implosive.

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FLUID BOUNDARIES

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il design, non solo tecnico ma come pratica umana e filosofica: il libro offre molti spunti su come il design interagisce con la memoria, l’esperienza e la storia

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A Euroluce, sezione del salone del mobile, il mondo dell’illuminazione ha dato il meglio di sé, facendo collaborare il mondo dell’artigianato e l’innovazione tecnologica.

Martin Gallo, ha esplorato la luce nelle sue infinite declinazioni e potenzialità, mettendo da parte tradizionali materiali, da sempre usati nel mondo del design della luce, mostrandoci quanto ancora ci sia da scoprire in merito.

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A seguito di uno studio condotto, attraverso il quale, ha osservato che vasti specchi d’acqua possono attivare il sistema parasimpatico (naturale risposta allo stress), Gallo ha scelto il vetro proprio per emularne uno e riprodurre la vasta gamma di emozioni umane: dalla placidità di uno stagno, allo stupore dei bambini che giocano e saltano nelle pozzanghere, fino ancora alla potenza e irruenza di un fiume in piena.

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Ultrafragola, Ettore Sottsass jr. , 1970

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Ultrafragola, Ettore Sottsass jr. , 1970

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Appartenente alla serie dei mobili grigi, fu ideato da Ettore Sottsass e presentato alla terza edizione di Eurodomus nel 1970. Tutti, tranne Ultrafragola sono rimasti allo stadio di prototipi.

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«Quanto poi alle luci che escono fuori dai “Mobili Grigi”, le tombe non hanno sempre delle tremule luci che illuminano la tristezza degli spazi vaganti nella valle polverosa? E i sottomarini non hanno delle luci verdi tremolanti nella loro pancia? Le luci sono pensate venir fuori dal corpo di fiberglass, come il bianco splendente della pelle bianca dei seni, o il rosso splendente della punta del pene nelle notti pornografiche, qualcosa del genere, voglio dire qualcosa come le lucciole giapponesi che trasformano le notti di maggio in materia solida. Ci può essere qualcosa di più ridicolo?»

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Con la sua sagoma sinuosa, evocativa di una chioma femminile ondulata, questo incredibile oggetto di design è costituito da una cornice in bianco opalino e una luce rosa chiaro (Ultrafragola)

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Lucy Skaer rianima il significato delle immagini nella coscienza collettiva attraverso installazioni che uniscono l’artigianato al concettuale.

C’è un ricorrente richiamo alla sua relazione con i paesaggi.

Contrapponendo la struttura della nostra vita quotidiana alla vasta incertezza del tempo geologico, il lavoro di Skaer ci ricorda che il valore e il significato sono astratti e in continua evoluzione, e in questo c'è un potenziale utopico di ridefinizione.

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se ho voglia isola, altrimenti arcipelago

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Iconico, riconoscibile ovunque: l’armour ring di Nana mi ha conquistata subito, nell’esatto istante in cui, vedendo per la prima volta l’anime, ha fatto la sua comparsa il personaggio di Nana Osaki, di cui l’anello è a tutti gli effetti un’estensione e, per cui, diventerà già dalle prime scene, protagonista insieme a lei, divenendo quasi parte della sua personalità.

Sebbene Ai Yazawa (la mangaka della serie) e la stilista ideatrice di questo anello (vivienne westwood) non abbiano mai fatto una collab (finora!!), questo oggetto di design ha segnato nella mente degli amanti del manga una vera e propria partnership stilistica e una sorta di alleanza spirituale, consacrando “Nana” come uno dei manga/anime più iconici e stilosi di sempre.