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MAPA MENTAL BARROCO- DANIELA ORTIZ ALVAREZ

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MAPA MENTAL BARROCO- DANIELA ORTIZ ALVAREZ

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Daniela Ortiz Alvarez

Existió una gran evolución  en la pintura, y esto no hubiera sido posible  sin la  creación de nuevos colores  y la maestría en la producción del óleo, haciendo favorable la fijación del color así mismo el uso de lienzo, al igual el modo de pensar  beneficio  al artista de  cada época para tener libertades  en la iconografía y el empleo de  la técnica,  gracias a estas facilidades se pudieron abarcar más temas  en las pinturas las cuales contenían más detalles pictóricos  siendo así que se volvían realistas,  actualmente hay más libertades artísticas por lo tanto  hay una variedad de técnicas visuales pictóricas que forman una nueva concepción de arte, así como lo fue en el manierismo y el barroco en aquellos tiempos,  y  hay que entender que cada vanguardia  es  una forma de innovar y ser original dejando atrás estilos

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Daniela Ortiz Alvarez

El elemento característico de las pinturas de Caravaggio  es la vitalidad de  las figuras, y se ve claramente en esta pintura  La virgen de Loreto,  aquí la virgen se ve llena de humanidad,  como muchas obras de Caravaggio ésta usa el contraste entre  luz y sombras, no es la luz natural quien ilumina a los personajes es luz artificial que  va dejando el resto de la obra en la oscuridad, quienes están iluminados son la virgen con su hijo y los peregrinos que están postrados ante ella, la ventaja de la luz es que detalla perfectamente los rasgos de los personajes como las arrugas de la anciana, los pliegues del ropaje, y favorece al volumen  de las figuras ejemplo de ello esta en el cuerpo del niños Jesús.

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Malinallitzin Esquivel

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Daniela Ortiz Alvarez

En este cuadro se presenta una concepción neoplatónica sobre las dos naturalezas del amor, unidas por cupido, sobre  la composición la obra se divide en tres planos donde la primera  muestra una colorida gama de colores que son cromáticamente enfocándose plano central con tonos rosados, rojos blancos y dorados, donde existe una iluminación en el ropaje y en los cuerpos sensuales de los personajes, es  característico de Tiziano que ilumina de dorado sus personajes  trabajo similar a Giorgione que fue una influencia para Tiziano.

En segundo plano esta cupido y en el tercero esta el paisaje  que forma parte de la escena con pálidos colores, dando pie al comienzo del  crepúsculo.   Tiziano usa los suficientes matices de tonos de un color  para delimitar el paisaje,  contrastando cada montaña y edificio y con pinceladas agiles relata el momento campestre.    El rojo brillante del ropaje  que cuelga del hombro de la mujer es un motivo del clasicismo, él da textura a las prenda con firmes pinceladas.

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En Europa hubo cambios constantes en cuestión al arte, sin embargo se seguían los mismos cánones marcados, siempre tratando de perfeccionarlos aun mas, se comenzó todo en Florencia, de ahí se fue hacia Venecia donde comenzaron a hacer mas uso de los colores. Con esto comenzó a ir el arte a distintas regiones como Francia, España, Alemania, etc.
Cuando llega el barroco, comienza como una muestra de la gloria que la misma iglesia y estados europeos quisieron mostrar por la crisis que se vivía en esas épocas por las reformas religiosas y distintas guerras, comienza en Italia extendiéndose a todo el occidente, dándole un gran auge en cuanto a la arquitectura en Francia, todo gracias a Luis XIV, el rey sol, el cual hizo que se construyera el esplendor de Francia frente a las ciudades europeas

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Jorge Enrique Perez Fierro

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Jorge Enrique Perez Fierro

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En realidad, los vídeos nos muestran ideas, que para ese entonces eran innovadoras, en nuestra época actual ya existen diferentes técnicas, que al igual que las que vimos podemos apreciar y estudiar el porque de esas técnicas. No hay que menos preciar, cada una tuvo o tiene una importancia muy significante para la actualidad y en la historia. Debo admitir que me asombro cada una y el propósito con el que se hicieron los cuadros, el talento, ver que cada cuadro o escultura, por mas mínimo que sea su detalle tiene un significado, pero claro, para esto hay que saber apreciar y conocer la historia de cada obra que vemos, conocemos y encontramos a lo largo de la vida.

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La asunción de la Virgen es un imponente fresco que cubre la cúpula central de la Catedral de Parma. La obra fue realizada entre 1526 y 1530 por el artista italiano Antonio Allegri da Correggio, más conocido como Correggio (1498- 1534), por encargo del deán de la catedral. El encargo consistía, en un principio, en la decoración de la cúpula que cubre el espacio central del crucero, la bóveda del coro y el ábside central sin embargo Corregio tan solo pudo realizar la cúpula.
Jorge Enrique Perez Fierro

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Este fresco fue encargado por Jacopo de’ Rossi, prior del convento de la Anunciación, protector y comitente de Rosso Fiorentino quien había pintado en 1514 la “Asunción de la Virgen”. La obra de Pontormo concluye el ciclo de las escenas de la vida de la Virgen, en el cual también habían trabajado Andrea del Sarto y Franciabigio. En esta “Visitación”, Pontormo toma como modelo los grandes retablos de Fra Bartolomeo, en particular el Retablo Pitti (Florencia, Galería de la Academia). Pero aquí la simetría estática que caracteriza las composiciones de Fra Bartolomeo se anima de forma inesperada. El amorcillo desnudo con las piernas separadas, respondiendo simétricamente a una joven mujer « anónima », indica que el pintor no se satisface con los equilibrios de Andrea del Sarto. La cultura clásica se manifiesta sin embargo en el doble cortejo que evoca la tradición florentina al mismo tiempo que los ejemplos romanos de Rafael. El contraste calculado entre los personajes y la amplia puesta en escena en el espacio arquitectónico, hacen de la obra de Pontormo la primera demostración florentina de una retórica teatral, parecida a la que se desarrollaba en las recientes obras de arte romanas; él se apartará sin embargo muy rápidamente de ello y se implicará en una búsqueda absolutamente original. ��{�u�
Jorge Enrique Perez Fierro

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San Lorenzo, quien es al que se mantiene en el centro, se le logra ver tenso, porque al parecer se le esta juzgando. Igual en esa época el artista no era libre aun de mostrar un desnudo como tal, así que lo cubre con una manta.

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Cruxificcion con la Ana Magdalena- Nicolo Betti 

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Cruxificcion con la Ana Magdalena- Nicolo Betti 

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Podemos Ver caracterisrticas en la pintura acerca de el Manierismo, como son partes del cuerpo alargadas.
En el cuadro vemos la representación de la cruxificcion de Jesús y su madre, Ana Magdalena, quien esta a sus pies, implorando el perdón de las personas que le hicieron esto a su hijo.

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Malinallitzin Esquivel

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Jesús Sebastián Camacho Ballesteros

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Jesús Sebastián Camacho Ballesteros

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Carlos Antonio Gómez Hernández

Al igual que todo lo que  existe en el mundo, el arte ha tenido que irse adaptando y evolucionando ante las nuevas posibilidades y exigencias de cada época. Además de irse modificando las representaciones como consecuencia de los sucesos inherentes de cada una. Considero apropiado que a través de los tiempos se modifiquen las técnicas, se reutilicen recursos, o se empleen unos completamente nuevos para poder brindarle el significado e intención a las piezas, ya que el arte debe de estar al servicio del mensaje a transmitir.

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Carlos Antonio Gómez Hernández

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Carlos Antonio Gómez Hernández

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Marte castigando a Cupido - Bartolomeo Manfredi

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Marte castigando a Cupido - Bartolomeo Manfredi

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Carlos Antonio Gómez Hernández

Uso del Claroscuro, originalmente se creía que esta obra era de Caravaggio.  La luz es completamente teatral. Hay movimiento en la pintura. Colores que hacen resaltar ciertos elementos del cuadro.

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Virgen de la rosa - Giovanni Battista Trotti

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Virgen de la rosa - Giovanni Battista Trotti

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Carlos Antonio Gómez Hernández

Hay un evidente alargamiento del cuerpo del infante, característica del manierismo. Hay división de lo celestial y lo terrenal. Una paleta de colores bastante uniforme.

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Conclusión : "Arte y técnicas"
  Cecilia Jara Fonseca.Es realmente 
fascinante el estudio del arte en sus diferentes épocas, por qué desde 
mi punto de vista, la evolución del arte siempre esta ligada a las 
condiciones sociales, politícas o económicas que rodean al artista. Desde
 un arte que sólo se limitaba a mostrar lo que se le pedía al artista 
hasta un arte que se inclina más al pensamiento del artista , los 
diferentes péridos del arte han dejado a las demás generaciones grandes 
obras. Además de cada época contamos con grandes revolucionrios,
 aquellos que lograron dejar grandes influencias para périodos 
posteriores, como Miguel Ángel, iniciador del manierismo, Tintoretto con
 sus íncreibles manejos de color o Leonardo con sus innovaciones en la 
profundidad, profundidad que nos mostraba una obra más acercada a lo que
 el ojo logra captar.Es así como hemos ido encontrado varios 
elementos que nos ayudarán a comprender las técnicas y significado 
símbolico del arte actual.

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Conclusión : "Arte y técnicas"
  Cecilia Jara Fonseca.Es realmente 
fascinante el estudio del arte en sus diferentes épocas, por qué desde 
mi punto de vista, la evolución del arte siempre esta ligada a las 
condiciones sociales, politícas o económicas que rodean al artista. Desde
 un arte que sólo se limitaba a mostrar lo que se le pedía al artista 
hasta un arte que se inclina más al pensamiento del artista , los 
diferentes péridos del arte han dejado a las demás generaciones grandes 
obras. Además de cada época contamos con grandes revolucionrios,
 aquellos que lograron dejar grandes influencias para périodos 
posteriores, como Miguel Ángel, iniciador del manierismo, Tintoretto con
 sus íncreibles manejos de color o Leonardo con sus innovaciones en la 
profundidad, profundidad que nos mostraba una obra más acercada a lo que
 el ojo logra captar.Es así como hemos ido encontrado varios 
elementos que nos ayudarán a comprender las técnicas y significado 
símbolico del arte actual.

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Cecilia Jara Fonseca.

Es realmente fascinante el estudio del arte en sus diferentes épocas, por qué desde mi punto de vista, la evolución del arte siempre esta ligada a las condiciones sociales, politícas o económicas que rodean al artista.
Desde un arte que sólo se limitaba a mostrar lo que se le pedía al artista hasta un arte que se inclina más al pensamiento del artista , los diferentes péridos del arte han dejado a las demás generaciones grandes obras.

Además de cada época contamos con grandes revolucionrios, aquellos que lograron dejar grandes influencias para périodos posteriores, como Miguel Ángel, iniciador del manierismo, Tintoretto con sus íncreibles manejos de color o Leonardo con sus innovaciones en la profundidad, profundidad que nos mostraba una obra más acercada a lo que el ojo logra captar.

Es así como hemos ido encontrado varios elementos que nos ayudarán a comprender las técnicas y significado símbolico del arte actual.

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Cecilia Jara Fonseca

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Cecilia Jara Fonseca

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José Eduardo de la Torre López

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Van Dyck - Retrato de Carlos I con M. de Saint-Antoine, su maestro de equitación, 1633.

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Van Dyck - Retrato de Carlos I con M. de Saint-Antoine, su maestro de equitación, 1633.

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José Eduardo de la Torre López
Fue uno de los grandes maestros del barroco flamenco y uno de los que más renombre, fue así mismo alumno y gran amigo de Rubens, con el que colaboró en varias obras. Se convirtió en el retratista favorito de le élite de la sociedad genovesa. Fundador de la escuela Inglesa En este cuadro, Carlos está pasando por un arco de triunfo, desde el cual caen pesadas telas verdes, viste armadura y tiene en la mano el bastón de mando mientras cabalga un caballo blanco de primera clase. Si la descripción se detuviese aquí, parecería una pintura de un general victorioso: pero para subrayar que se trata del rey, Van Dyck inserta a la izquierda del soberano a su maestro de equitación que lo mira, desde abajo, con una mirada de sumisión y veneración, a la izquierda en cambio hay un gran estandarte que tiene los símbolos de la dinastía real y una imponente corona. Además del amor que el rey tenía por el arte, Carlos I lo veía como un medio de propaganda política, especialmente en los años difíciles como los precedentes a la guerra civil.

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Rosso Fiorentino 'Descendimiento de la cruz

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Rosso Fiorentino 'Descendimiento de la cruz

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José Eduardo de la Torre López

Se pueden ver en esta obra los caracteres del manierismo por sus extremidades alargadas, cabezas pequeñas y con un semblante estilizado mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales, y por ultimo los personajes secundarios adquieren tanta importancia como el primario.

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Rosso Fiorentino "'Descendimiento de la cruz"

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Rosso Fiorentino "'Descendimiento de la cruz"

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podemos observar sus remarcados caracteres manieristas

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Carlos A.Flores Mtz

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Jesús Sebastián Camacho Ballesteros

A lo largo del estudio de las técnicas utilizadas en el renacimiento y barroco, exploramos el manejo de colores y luces, diferentes enfoques y formas de acomodar a los involucrados, puntos de escape y en algunas ocasiones segundos planos que en realidad son el tema central de la obra. Técnicas sorprendentes que mostraron un avance en el aspecto de las tendencias como el colorido o el claro oscuro, las luces provenientes de los cuerpos y lo antes mencionado. Como siempre el artista buscaba superarse a sí mismo y claro a sus colegas explorando nuevas técnicas y formas de pintar excavando en la originalidad para encontrar nuevas formas y estilos. En lo personal me gustaron mucho las pinturas en las que los colores oscuros predominaban, las luces que emanaban de los cuerpos. Los temas abordados eran pasajes bíblicos o simples encargos de familias ricas, pero no por esto el artista se limitaba a hacer lo que le pedían, muchas veces se auto retrataban o llenaban sus pinturas de un trasfondo filosófico, histórico y social que enriquecía las obras no sólo por su belleza si no aún más por su contenido.

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Carlos A. Flores Mtz.
Es muy interesante observar como la creatividad humana siempre busca desarrollarse para llegar a descubrir nuevas cosas, experimentando una y otra vez, sobrepasando lo conocido; siempre manteniéndose en movimiento pues por naturaleza somos curiosos y siempre queremos ver más allá de lo conocido. Así es como paso en este tópico de Arte y Técnicas, pues podemos ver como de una cuestión que se busca de perspectiva se empieza a crear arte y con esto una forma de proporcionalidad en las obras, al mismo tiempo que se desarrolla con una cuestión intelectual enorme y muy racional, hasta querer sobrepasar aquello que ya se conoce o domina es cuando se empieza a romper un parámetro ya conocido que nos libera y nos lleva a otras formas de abordar un tema queriéndolo mejorar o aportar algo a él, pues todo se mueve con la ideología que hay en un lugar y es así como se busca hacer algo nuevo y es por ello que un Renacimiento nunca podrá ser evaluado contra un barroco pues ambos aportan algo, sin embargo es deber de uno estudiar para poder entender mejor lo que se intenta expresar en una obra y este conocimiento es el que nos va a llevar a profundizar y saber el porqué de la obra. Pues una y otra tienen sus formas específicas que en este momento solo se puede abordar lo técnico pues este es nuestro tema principal. Así pues, se puede decir que la técnica evoluciona de acuerdo a la necesidad y a lo que se quiere romper en algo tanto así es que en un tiempo el contorno domina a la imagen, hasta que se busca más realismo y este se elimina haciendo esfumatos o creando las figuras a partir del uso de la pintura y no del dibujo; y en contraparte como en un momento posterior se puede volver a retomar una técnica como el ejemplo visto en clase de la pintura del Rococó con respecto a su influencia en el impresionismo, o del retomar  el contorno de la imagen en el clásico, pues en una y otra época lo que se busca es cambiar como ya mencione lo que se domina, el punto es no quedarse estático pues en el arte debe de dominar la creatividad. 2f+GDhaқ�ed

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“Judith y Holofernes” Cecco Bravo (Francesco
Montelatici). (Barroco)

Carlos A. Flores Mtz

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“Judith y Holofernes” Cecco Bravo (Francesco
Montelatici). (Barroco)

Carlos A. Flores Mtz

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Tiene un estilo muy personal, pues por ejemplo en esta obra busca dar más énfasis al personaje principal de la obra que es Judith dándole una luz que parece que emana de ella, sobresaliendo de los colores oscuros que dan el efecto de claro oscuro, aparte no tienen contorno sus imágenes y denotan una pastosidad en el color que nos da la luminosidad de la obra a partir de emplear más o menos en este, da una naturalidad a la posición de los personajes y una cierta sensualidad y heroísmo en Judith. .09132864720730*қ�weC

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“La muerte de Eurídice” por Niccolo dell'Abate. (Manierismo)

Carlos A. Flores Mtz

 

Su
estilo fue desarrollándose por influencia de los grandes maestros del periodo
como Correggio y Parmigianino, que a su vez tienen influencias de Rafael y Miguel Ángel.

En
esta obra que es una pintura al óleo podemos destacar que hay un rompimiento
con la perspectiva Renacentista, pues se puede notar tanto en la figura de Eurídice
muerta como de las dos personas al fondo una desproporción, también se puede
observar un uso del color muy a la de los maestros del Renacimiento y un
esfumato a la manera de Leonardo que puede notarse en el cielo. Cabe destacar
que la obra crea imágenes artificiales y refinadas

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“La muerte de Eurídice” por Niccolo dell'Abate. (Manierismo)

Carlos A. Flores Mtz

 

Su
estilo fue desarrollándose por influencia de los grandes maestros del periodo
como Correggio y Parmigianino, que a su vez tienen influencias de Rafael y Miguel Ángel.

En
esta obra que es una pintura al óleo podemos destacar que hay un rompimiento
con la perspectiva Renacentista, pues se puede notar tanto en la figura de Eurídice
muerta como de las dos personas al fondo una desproporción, también se puede
observar un uso del color muy a la de los maestros del Renacimiento y un
esfumato a la manera de Leonardo que puede notarse en el cielo. Cabe destacar
que la obra crea imágenes artificiales y refinadas

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roberto Mendez Rojas

Esta obra del barroco de rembrand demuestra los colores y el protagonismo del cuadro. usando los colores y las iluminaciones dan un trasfondo a el título, mientras trata de hablar de el hijo pródigo la pintura se ve más dirigida a el perdón del padre.

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" La sagrada familia" - Luis de Morales. 

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" La sagrada familia" - Luis de Morales. 

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Cecilia Jara Fonseca.

En 1563, el pintor español manierista Luis de Morales llevó acabo un encargo de una pintura la Sagrada Familia.

En primer término aparece representada la Virgen María, claramente con más luz que los otros dos personajes, con el niño Jesús dormido entre sus brazos. A su izquierda se encuentra José y, a la derecha, una joven que sostiene una canasta con huevos.

En el fondo,podemos encontrar un paisaje con montañas, donde encontramos una torre iluminada por una potente luz celestial, y también hay un rebaño.

También podemos enocntrar un último elemento, en la esquina superior derecha que llama la atención por sus peculiares características.

Un figura cuadrada llena de símbolos y líneas extrañas, acompañadas por una frase en latín. Esta figura puede pasar desapercibida, pero hay quienes dicen que es una carta astral.

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Roberto M. Rojas

En primera instancia podemos observar lo que tanto en el renacimiento como en el barroco está mu presente el número de oro. lo bien proporcionado de las figuras y los colores. esta obra fue un encargo de los medici

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Guillermo González.

El desarrollo de las técnicas en cuanto a la pintura manierista y barroca fue determinado por diversas cuestiones. Este desarrollo de ninguna manera fue independiente de los aspectos culturales, y más bien corresonde a la integración del pensamiento avanzado a la esfera artística. Innovaciones en materiales, cambios en las concepciones de lo teológico y lo social, implicaciones geográficas y demográficas, y cuestiones económicas, todas repercutieron de alguna manera en la forma en que cada artista atendió la ejecución técnica de sus obras. A su vez, la dirección social y el desarrollo del arte no pueden ser vistos como fenómenos independientes uno del otro, sino más bien como organismos relacionados cuya dialéctica deriva en un proceso de retroalimentación que define características de cada uno. Es en esta dialéctica en la que se encuentran conocimientos y opiniones y nacen corrientes relacionadas una con la otra, ya sea como influencia o contraposición.

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"Las tres gracias" - Pedro Pablo Rubens.

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"Las tres gracias" - Pedro Pablo Rubens.

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Cecilia Jara Fonseca

Las tres gracias es una obra pintada al óleo sobre tabla en el siglo XVII. Pertenece a la etapa de la pintura barroca de la escuela flamenca.

En la obra se aprecia a las tres hijas de Zeus, Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres gracias de la mitología griega. Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.

La gracias estan enmarcadas con un árbol a la izquierda. En el fondo podemos apreciar un paisaje con gran colorido y luz.

Se caracterizan por la flacidez y carnosidad de sus cuerpos .

La composición es elegante y sus pieles claras agregan luz a la obra. El colorido es muy brillante y predomina el color sobre la obra.

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Julio Rodríguez

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Julio Rodríguez

a lo largo de la historia el arte ha sufrido diferentes cambios, estos se han dado por cuestiones sociales, espaciales, etc., una de las cosas que ha ayudado a ello es la evolución de la técnica. Está ha sido perfeccionada por el paso del tiempo por diferentes artistas que buscan crear un cambio y volver más complejas sus obras,  en un sentido simbólico y  visual.
Pero no solo las ambiciones de los artistas dieron paso al a evolución de la técnica, también los cambios tecnológicos, entendiendo esto como los nuevos materiales empleados y las herramientas cada vez más perfeccionadas que permitían realizar trazos más precisos, esculpir con más definición, mayor claridad en la música, etc., esto dio pie a que los artistas lograra tener un mayor control sobre como transmitirían sus ideas.

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Frans Halls
Julio Rodríguez

También es conocido bajo los nombres Hille Bobbe y la bruja de Haarlem, la pintura muestra a una mujer mayor aparentemente sentada en una mesa sosteniendo con su mano derecha un recipiente de metal (metal stein), el cual tiene la tapa abierta, y en su hombro izquierdo está parado un búho. Su rostro deja ver una sonrisa que parece ser provocada por algo que está observando.
Se dice que el personaje aparecido en la pintura realmente existió, su nombre real era  Barbara Claes la cual sufría de retraso mental, se desconoce su edad y el porque del búho en su hombro.
La pintura muestra el uso de un claroscuro, dejando ver cierta teatralidad en la escena.
Las pinceladas son largas y suaves, dando un estilo muy peculiar a la obra, pues aun cuando se trata de una obra del barroca, se asemeja un poco a lo que más tarde sería el impresionismo.

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Giovanni Bellini
Julio Rodríguez

Es una de las pocas pinturas que hablan de Bellini que tratan el tema de la mitología, fue pintada  en sus últimos años de vida dejándola inconclusa, siendo su discípulo Tiziano quien la terminara, en ella se destacan los colores vividos y un  gran uso de la luz muy característicos de la pintura veneciana, con pinceladas suaves y poco uso de pintura.
La obra es una composición cerrada, que esta perfectamente equilibrada entre los personajes y el paisaje, sin embargo en ella ya se tienen elementos de la pintura manierista, cómo lo es la falta de proporción en los personajes y el uso de colores antinaturales en los arboles.
En un primer plano se observa a los dioses dándose un gran festín; cada uno de los dioses se identifica por aspectos iconográficos característicos de cada deidad.

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Apolo y Marsias, José de Ribera "El Españoleto". (Barroco)

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Apolo y Marsias, José de Ribera "El Españoleto". (Barroco)

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Guillermo González.

1637.
Óleo sobre lienzo.
182 x 232 cm.

En esta obra, De Ribera representa una escena mitológica. El sátiro Marsias desafía al dios del sol Apolo a un duelo musical y pierde. El castigo impuesto al sátiro por su insolencia es ser colgado de un árbol cabeza abajo y posteriormente desollado vivo por el mismo Apolo. El pintor hace partícular énfasis en la intensidad del momento, reflejada en la expresión tanto de los protagonistas como en los sátiros en el plano posterior quasi proféticos de las Pinturas Negras de Goya, ejecutadas dos siglos después. Lo dramático de la obra es característico de un Españoleto explícitamente barroco, tomando como referencia el trabajo de la expresividad en los personajes que Caravaggio desarrolló inspirado por el Trattato della Pittura de Da Vinci.

La composición del cuadro en líneas diagonales captura la acción de la escena en una circunferencia alrededor del sátiro y el dios, que son iluminados por un resplandor teatral proveniente de la izquierda. El tenebrismo evolucionado de José de Ribera genera una imagen colorista, que resalta el meticuloso estudio de las características anatómicas de los personajes, propio del naturalismo del autor. La temática del cuadro coincide con la crudeza de los temas que regularmente trataba el Españoleto en su pintura y más adelante la retomaría en una forma cristiana con el Martirio de San Bartolomé.

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Guillermo González.

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Guillermo Gónzalez.

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El Bautismo de Cristo, El Greco (Museo del Prado). (Manierismo)

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El Bautismo de Cristo, El Greco (Museo del Prado). (Manierismo)

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Guillermo González.

1596-1600.
Óleo sobre lienzo.
350 X 144 cm.

La pintura escenifica el momento en que Juan el Bautista otorga a su primo Jesús el sacramento del bautismo. “Según los textos evangélicos, tras ser bautizado Jesús con el agua del río Jordán se abrieron los cielos y se vio al Espíritu Santo descender en forma de paloma y posar sobre él, al tiempo que una voz venida de los cielos decía: Éste es el Hijo mío, el amado, en quien me complazco (Mateo, 3, 16-17).”

En la composición, una línea horizontal divide el plano terrenal del celestial y elipses perfectamente alineadas encierran los focos de acción y de acuerdo a estas, el espíritu santo funciona como la conexión entre los dos planos.  Se aprecia el alargamiento de las figuras característico de Doménikos, aunque también son cuerpos musculares, escultóricos, posiblemente a la manera de Miguel Ángel.

El tratamiento del color también es peculiar del artista, y busca simbolizar los elementos divinos presentes en la escena. El manto rojo con el que los ángeles cubren a Cristo representa el sacrificio, mientras que sus túnicas azules y el fulgor celeste que predomina en general dan cuenta de la eternidad y la divinidad. La luz proviene principalmente de Dios, y todos los otros elementos son iluminados por él, incluyendo al plano inferior.

Es importante diferenciar la versión expuesta en el Museo del Prado de la versión de Toledo, puesto que mientras la primera es de la autoría de Doménikos, la segunda versión queda inconclusa a su muerte y es desarrollada y terminada por su hijo Jorge Manuel.

REFERENCIAS

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/bautismo-de-cristo/388206cf-943c-46ac-911c-3b63a0ac0200

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Elena Olvera

El arte al igual que todo lo que nos rodea, se ha visto claramente afectado por la evolución y avance humano. Al principio el arte se vio enfocado al aspecto religioso donde se usaban colores específicos como el dorado; o la luz que provenía directamente de la divinidad plasmada y todo se dibujaba en un solo plano. Poco a poco las ideas y el nuevo enfoque hacia el hombre, fue mostrando otros temas en la pintura, ya no eran únicamente religiosos; también se comenzaron a experimentar técnicas que lograban darle profundidad y una tercera dimensión a lo pintado. El cambio en la expresión y postura al pintar a Cristo y a los santos también nos dejo claro el pensamiento humanista que surgía en la época. Así podemos ver que las técnicas en el arte son producto del contexto en el que se desenvuelve el artista, su situación política, social, cultural, influye totalmente en los avances técnicos y en la búsqueda de otras formas de comunicación a través de la pintura

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Elena Olvera

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Elena Olvera

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Elena Olvera

Esta escultura nos relata un acto mitológico, nos muestra al dios Apolo persiguiendo a la ninfa Dafne quien intenta escapar de el mientras le suplica ayuda a su padre quien la convierte en un laurel para que Apolo no pueda poseerla.
Es una escultura de bulto redondo , de mármol que muestra gran dramatismo por la postura de las figuras y la expresión de los rostros. También nos da la idea de mucho movimiento en las ropas y los cabellos volando de Dafne, todo ello se puede apreciar desde distintos puntos de vista. contiene diagonales y curvas que le dan inestabilidad a la postura de los cuerpos y mayor dramatismo. Es una escultura muy realista y los cuerpos están basados en los cánones clásicos de siete cabezas y media y figuras alargadas y estilizadas.

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El lavatorio de los pies Jacopo Comin -Tintoretto (1518-1594)

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El lavatorio de los pies Jacopo Comin -Tintoretto (1518-1594)

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Técnica: Óleo sobre lienzo
Elena Olvera

En el fondo nos muestra construcciones clásicas y una barca que nos recuerda a Venecia. Esta pintura nos muestra la escena de la ultima cena, pero le quita el protagonismo al descentralizar el centro y poner el punto de fuga mas a la izquierda. Esta obra esta estructurada por una perspectiva lineal; se dice que Tintoretto sabia que el cuadro iba a estar situado en un muro lateral del ábside y por ello pinto el cuadro en función de donde sería mirado el cuadro, así Cristo queda cerca del espectador; además de darle una sensación de profundidad espacial con las diagonales definidas por la colocación de los personajes y la posición de la loseta.

Tintoretto le dio dominio al color sobre el dibujo. Su gama de colores es amplia, combina colores cálidos como los rojos, rosas, carnes y marrones y fríos y distintos grados de saturación de estos. Esta presente la técnica del claroscuro que le da volumen a las figuras.

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Jesús Sebastián Camacho Ballesteros

Esta pintura de Berthe Morisot muestra una de las actividades favoritas de la burguesía parisina, el andar en bota y disfrutar de un paseo por el lago. Podemos apreciar una pincelada sumamente pastosa con el uso de colores claros como el azul, el verde y el blanco. Las figuras no están ordenadas y la luz provienes de la parte superior (el sol) generando así reflejos claros sobre el agua de los arboles. Como fondo solo se aprecian arboles y paisajes verdes.

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Jesús Sebastián Camacho Ballesteros

En esta pintura vemos una clase de anatomía en la que se esta realizando un estudio al brazo de un criminal ejecutado. La clase la imparte el Doctor Nicolaes Tulp a un grupo de expertos en la medicina. En la pintura los colores presentes con el cafe, el negro y tintes de amarillo. La luz es una luz teatral proveniente de un lado de la escena como si los involucrados no estuvieran en el centro de la habitación creando así sombras de algunos de los participantes.

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Vera Plancarte

A lo largo de lo estudiado, hemos encontrado cambios en las técnicas no solo porque cada artista busca su sello personal, sino también porque han existido diferentes necesidades frente al artista y diferentes innovaciones también conforme a los nuevos materiales o técnicas que iban apareciendo. Un punto muy importante de lo estudiado es el nuevo soporte utilizado; cómo pasa la pintura de tener un soporte de tabla de madera preparada (que permitía obtener obras de un tamaño relativamente pequeñas al soporte de lienzo preparado (gracias al cual se desarrollan nuevas dimensiones de tamaño y forma de la pintura). Otro cambio importante fue el inicio del óleo en la pintura, respecto a las técnicas que se utilizaban anteriormente; permitió lograr nuevos efectos y dio mejores resultados en su conservación y durabilidad. Por otro lado, podemos observar que a pesas de esos cambioa en la técnica, cada pintor buscó tener dentro de esos parámetros, su estilo o técnica personal: tal como vemos a Rembrandt con sus pinceladas pastosas o a Cravaggio con el claroscuro. Se buscan nuevas técnicas no solo para mejorar la calidad de la obra, sino también para buscar originalidad dentro de la misma creación.

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Preparativos para la crucifixión, de Juan Ribalta

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Preparativos para la crucifixión, de Juan Ribalta

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Vera Plancarte

Esta pintura retrata un momento bíblico en el que están a punto de crucificar a Jesús. Dentro de la pintura es obvia la referencia e inspiración al claroscuro que ya estaba trabajando Caravaggio . Predominan en el cuadro los colores neutros: cafés, negros  y grises y algunos destellos de rojo. Nos encontramos también con una luz cenital, teatral; sin embargo, el necesario mencionar que esta luz ilumina estratégicmante el cuerpo de Jesús de manera mas brillante que el resto de los puntos iluminados.

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Vera Plancarte

En este cuadro está presente la técnica colorista del manierismo, destacando los colores brillantes como el azul del cielo y los ropajes rojos  y azules de la virgen.. Podemos observar que la imagen se desarrolla en un primer plano y no existe más fondo que el cielo.
La pintura no cuenta con una composición cerrada, ni con una composición tan pensada equilibradamente en comparación con el Renacimiento. Las figuras toman un alargamiento y cierta desproporción entre ellos, además de que podemos observar unos cuerpos escultóricos.

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Vera Plancarte

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Vera Plancarte

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Nicolo Betti Cruxificcion con la Ana Magdalena (Manierismo)

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Nicolo Betti Cruxificcion con la Ana Magdalena (Manierismo)

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Malinallitzin Esquivel

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Amor Sacro y amor profano Giovanni Blagionni (manierismo)

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Amor Sacro y amor profano Giovanni Blagionni (manierismo)

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Malinallitzin Esquivel

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El martirio de San Lorenzo de Valentn Bouglone (barroco)

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El martirio de San Lorenzo de Valentn Bouglone (barroco)

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Malinallitzin Esquivel