# data[].attributes.body
La sua inquadratura ampia permette una vista panoramica e lo sviluppo dei tre sentieri al centro e ai lati.Il sentiero centrale sembra interrompersi in prossimità dell’incrocio delle diagonali del dipinto.l sentiero centrale è allineato con il volo dei corvi che sale verso destra. Infine, rappresenta un potente asse visivo che stabilizza la drammatica composizione di van Gogh.

# data[].attributes.attachment_link.title
Van Gogh, Campo di grano con volo di corvi

# data[].attributes.attachment_link.description
Campo di grano con volo di corvi di Van Gogh analizzato da Vittorio Sgarbi.

# data[].attributes.body
In Campo di grano e volo di corvi è soprattutto il sentiero centrale a creare un senso di profondità. Infatti, serpeggia verso il centro e la sua larghezza che si restringe progressivamente contribuisce a condurre lo sguardo verso l’orizzonte.

# data[].attributes.body
è suddiviso in due metà rispetto alla temperatura cromatica. La parte alta, il cielo è freddo, blu con sfumature molto scure. La parte bassa, invece, è calda. Infatti, predomina il colore del campo di grano giallo o oro. In generale l’opera è caratterizzata da due zone di forte contrasto il cielo e il campo di grano.

# data[].attributes.body
stile materico e veloce.Il grano crea delle onde riprodotte con pennellate dense di colore e inclinate verso destra, La superficie del grano, invece, è dipinta con segni orizzontali più brevi. i. Le tre stradine sono costruite con le pennellate che seguono la loro direzione come anche l’erba che cresce sul bordo. Il cielo, inoltre, è animato da segni neri che si sovrappongono a quelli blu scuro.

# data[].attributes.body
(1890) I tre sentieri che fendono il grano, secondo gli studiosi, simboleggiano le alternative professionali e umane che hanno pesato drammaticamente nella vita di Vincent van Gogh. Inoltre, probabilmente, anche il contrasto tra il giallo dorato e il blu scuro del cielo rappresenta la lotta tra luce e oscurità, vita e morte.

# data[].attributes.body
L’orizzonte è molto basso e la maggior parte della composizione è occupata dal cielo che rappresenta lo schermo emotivo e drammatico degli ultimi giorni di vita di van Gogh

# data[].attributes.body
non vi è uno spazio lineare.La profondità è, quindi, descritta dal contrasto tra il grande cipresso in primo piano e il paesaggio con le case e gli alberi che si sovrappongono e diventano più piccoli in lontananza

# data[].attributes.body
Una vasta gamma di blu e azzurri riempie tutta la superficie dipinta. Tutta la superficie del dipinto è invasa dalla materia pittorica blu che crea un’atmosfera in bilico tra sogno e solitaria freddezza. La luce atmosferica non è coerentemente prodotta da quella della luna. L’illuminazione del dipinto è prodotta dalle gradazioni di blu, amalgamato col bianco-giallo che creano luminescenze fosforescienze e catodiche

# data[].attributes.body
(1889) Van Gogh ha utilizzato brevi pennellate modellanti di colore materico. La direzione dei segni colorati segue, infatti, la forma delle figure.  La matrice pittorica, con l’approssimarsi della crisi finale, diventa progressivamente più tormentata.

# data[].attributes.body
(1888) I toni del verde e del celeste mirano a dare un senso di tranquillità e comoda serenità, rinforzati dalla figurazione pittorica che si sofferma sul grande letto e sui pochi oggetti nella stanza, ordinata e pulita. Van Gogh avrebbe voluto esprimere nell’opera un senso di tranquillità, ma il risultato è un senso d’angoscia dovuto alla linea nera che contorna gli oggetti, ai colori netti e privi di ombre e alle pareti e al pavimento inclinati, quasi sul punto di crollare, dando la sensazione che tutto stia lentamente scivolando verso sinistra.

# data[].attributes.attachment_link.title
Art News - Secrets - La camera di Van Gogh ad Arles

# data[].attributes.body
pittore olandese, rappresenta il prototipo più famoso di artista maledetto; di artista che vive la sua breve vita tormentato,  I suoi soggetti consistevano in autoritratti, paesaggi, nature morte di fiori, dipinti con cipressi, rappresentazione di campi di grano e girasoli.
Vincent van Gogh.

# data[].attributes.body
Questo dipinto di Picasso mostra il forte impatto e collegamento tra Picasso ed il mondo della cultura italiana,  si nota dalla scelta dei tre protagonisti, che fanno parte della tradizione italiana.
L’arlecchino di Picasso e tutte le altre figure presenti in questa composizione sono rappresentate in modo frontale e bidimensionale, ma spostando lo sguardo verso il resto della stanza, è possibile notare il forte dettaglio riservato all’ambiente circostante, che presenta una forte profondità, in netto contrasto con la riproduzione dei protagonisti.
Nonostante la stanza sia tridimensionale, in realtà anche l’ambiente si dimostra non essere realistico in questo “I tre musici” di Picasso, come è possibile notare dalla parete di sinistra del quadro, molto più alta rispetto a quella di destra. I colori che vengono utilizzati in questo dipinto di Picasso, come in tanti altri lavori appartenenti al mondo del cubismo sintetico, sono molto brillanti e lucenti.

# data[].attributes.body
Il formato di Guernica è orizzontale e panoramico. L’impianto compositivo è narrativo e si distribuisce da destra a sinistra.  I personaggi sono distribuiti sul primo piano e solo la loro sovrapposizione parziale crea un minimo di profondità. La scena, infine, è totalmente compresa nei limiti del dipinto.

# data[].attributes.attachment_link.title
Simbologia di GUERNICA  -  Pablo Picasso -  I SIMBOLI NELL'ARTE

# data[].attributes.body
Pablo Picasso organizzò lo spazio dell’opera Guernica senza utilizzare la prospettiva geometrica. I personaggi che affollano il dipinto sono infatti distribuiti sulla superficie dell’opera con un criterio narrativo piuttosto che realistico.

# data[].attributes.body
Per realizzare la sua grande opera Picasso utilizzò una gamma povera di colori. Il fondo è nero e le figure realizzate in bianco e con varie tonalità di grigio. I contrasti sono forti e le figure si stagliano ritagliate contro il fondo nero del dipinto.

# data[].attributes.body
Le figure contribuiscono a rendere drammatico il racconto. Infatti le forme sono taglienti, aguzze e sembrano lacerarsi a vicenda. Le bocche delle donne e degli animali urlano il loro dolore e la loro paura.

# data[].attributes.body
Il soggetto del dipinto è il bombardamento della cittadina di Guernica da parte dell’aviazione nazista nel 1937.
Guernica non è un’opera dal significato solo documentario. Oltre a ricordare il bombardamento della città basca ne rappresenta anche una denuncia morale del fatto. Inoltre col tempo il dipinto di Picasso è diventato il simbolo della condanna contro la distruzione della guerra che causa tanta sofferenza al popolo.

# data[].attributes.body
Questo quadro è stato dipinto durante il  “Periodo Blu”, Questo colore fu scelto da Picasso non solo per la sua forza espressiva, ma, anche e soprattutto, per la valenza psicologica che gli permetteva di andare oltre alla naturalistica descrizione. Per Picasso il colore Blu è come una dimensione sacra e sentimentale: l’artista guarda in faccia alla realtà, alla miseria e alla sofferenza, oltre che alla morte. Il tutto è caratterizzato da un’ evidente matrice patetica e compassionevole. I soggetti erano soprattutto poveri ed emarginati.

# data[].attributes.body
Snodo cruciale tra la tradizione ottocentesca e l'arte contemporanea, Picasso è stato un artista innovatore e poliedrico, che ha lasciato un segno indelebile nella storia dell'arte mondiale per esser stato il fondatore, insieme a Georges Braque, del cubismo.
Pablo Picasso.

# data[].attributes.body
l volto della guerra è un dipinto dalla forma rettangolare e con orientamento orizzontale. L’inquadratura permette, così, di rappresentare la vastità del paesaggio.

# data[].attributes.body
Dalí costruì un paesaggio ampio e profondo. La linea d’orizzonte separa nettamente cielo e terra. In questo modo, l’osservatore è maggiormente coinvolto nella scena rappresentata. La quinta rocciosa, in alto, permette di percepire la distanza del volto dal primo piano. Infine, le tracce sulla sabbia rivelano la prospettiva del suolo.

# data[].attributes.body
un quadro dai toni caldi, Infatti, predomina il colore ocra arancio del suolo desertico. I contrasti di luminosità sono utilizzati dall’artista per rendere molto evidente il viso all’interno dell’opera.L’illuminazione è solare e proviene da destra. Infatti, l’ombra del viso si prolunga a sinistra. Il chiaroscuro modella morbidamente la fisionomia del volto e le asperità della roccia.

# data[].attributes.body
Il volto della guerra è un olio su tela. Dalí stese con attenzione il colore sulla tela sfumando ogni pennellata per creare superfici levigate.

# data[].attributes.body
Il pittore si riferisce alla distruzione causata dalle guerre. I teschi si replicano all’interno delle cavità in modo infinito. Questo continuo rimando di morte sta forse a significare la perenne presenza della guerra nel destino dell’umanità.

# data[].attributes.body
In Quest’opera, sconcertante e seduttiva, ritroviamo tutti i motivi e i simboli che ricorreranno frequentemente nelle opere successive del maestro: atmosfera rarefatta, assolati palcoscenici punteggiati da fluttuanti e mostruose figurine dal sapore onirico e fantastico. Caratterizzato da una complessa iconografia barocca.

# data[].attributes.body
l'opera simbolo dell'astrattismo geometrico, teorizzato dall'artista qualche anno dopo. I turbinii e la drammaticità caratteristici delle Composizioni precedenti vengono sostituiti da forme molto più rigide: sono i triangoli, i quadrati e i cerchi le forme alla base delle nuove opere astratte di Kandinsky.

# data[].attributes.body
Più che un dipinto appare piuttosto come uno studio quasi scientifico questo acquarello,è tra le opere più conosciute di Kandinsky. Secondo l'artista, il colore costituiva la più profonda anima dell'immagine . Da qui nasce il desiderio di indagare sul contenuto emotivo dell'espressione cromatica, tramite la realizzazione di numerosi esperimenti: in questo caso, l'obiettivo di Kandinsky era testare differenti combinazioni di colori per valutarne la diversa percezione sull'osservatore.

# data[].attributes.headline
Studio di colore, quadrati con cerchi concentrici

# data[].attributes.subject
Studio di colore, quadrati con cerchi concentrici

# data[].attributes.body
Le Composizioni venivano considerate dall'artista l'insieme pittorico più importante, poiché in grado di unire l'immaginazione all'intuizione e, al contempo, alla sfera razionale. ci travolge con una vera e propria esplosione di forme e colori, liberati definitivamente da ogni tipo di raffigurazione oggettiva. Osservando gli studi preparatori all'opera, Composizione VI sembrerebbe essere dedicata al tema della catastrofe e, in particolare, dell'Apocalisse.

# data[].attributes.body
Secondo l'artista l’arte non ha bisogno di una rappresentazione logica ma ha solo bisogno di questo nuovo linguaggio che colpisce e che paragona ai tasti del pianoforte; utilizza delle forme base (triangolo, cerchio e quadrato) che possono esaltare o meno i colori, i colori hanno una valenza psicologica e unisce alla valenza dei colori un suono musicale.
il giallo per lui rappresenta la pazzia e la follia; il rosso è un colore più equilibrato; il blu è un colore riflessivo e meditativo; il bianco è  una sorta di pausa; il nero è la morte.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij.

# data[].attributes.attachment_link.title
Vasilij Kandinskij: vita e opere in 10 punti

# data[].attributes.body
Con quest’opera del 1913 Boccioni dichiara di voler rinnovare l’arte mummificata della scultura. Protagonista è ancora il dinamismo. Il grande bronzo rappresenta infatti un uomo, forse un atleta, impegnato in una corsa che suggerisce un avanzare eroico, in un rapporto di fiducia e conquista di ciò che gli sta davanti, dunque la volontà e il coraggio di affrontare il futuro.

# data[].attributes.headline
Forme uniche della continuità nello spazio

# data[].attributes.subject
Forme uniche della continuità nello spazio

# data[].attributes.body
È di nuovo un ritratto della madre, raffigurata seduta nella sua casa con le mani intrecciate in grembo, Interno ed esterno si sovrappongono, i piani dei palazzi bucano quelli delle pareti e del focolare domestico, la metropoli con il suo rumore irrompe con violenza.

# data[].attributes.body
Il dipinto allude a un avvenimento reale, un cantiere alla periferia di Milano, e in senso più generale all’espansione delle aree urbane, con l’appropriazione da parte della città di spazi occupati dalla campagna e con la conquista del cielo, attraverso la costruzione di edifici sempre più alti.Boccioni propone in questo dipinto uno dei suoi principali obbiettivi di ricerca ovvero la compenetrazione tra figura e sfondo che si genera dalla velocità.

# data[].attributes.body
un pastello su carta in cui è evidente la vicinanza tecnica e tematica a Previati e al linguaggio divisionista.
la scena è immersa in un’atmosfera intima e silenziosa. Tuttavia la raffigurazione non è statica, la tecnica tratteggiata e puntinata con cui sono resi tutti gli elementi della composizione.

# data[].attributes.body
Pittore e scultore italiano, fondatore della pittura futurista.
L'idea di rappresentare visivamente il movimento e la sua ricerca sui rapporti tra oggetto e spazio hanno influenzato fortemente le sorti della pittura e della scultura del XX secolo.
Il suo linguaggio pittorico si fonda sui concetti di dinamismo, compenetrazione e simultaneità.
Boccioni.

# data[].attributes.attachment_link.title
Umberto Boccioni: vita e opere in 10 punti

# data[].attributes.body
La fontana in questione è un orinatoio rovesciato, di quelli che si trovano nei bagni pubblici.
L’Ironia dell’opera è accentuata anche dal fatto che l’artista apponga la sua firma e la data di realizzazione in basso a sinistra sull’orinatoio.
In quest’opera si capisce quale è il senso dell’arte per Duchamp: arte non è più fare, quindi mostra un’abilità prettamente tecnica, ma scegliere, ossia utilizzare l’intelletto.
Chiunque, quindi, può essere artista e tutto può diventare arte, basta riuscire a sottrarsi agli schemi imposti dalla società borghese.

# data[].attributes.body
L’opera d’arte è uno scolabottiglie acquistato da un vinaio e portato così come era in una sede espositiva.
L’aspetto iconografico di questa opera è irrilevante, infatti l’oggetto in questione non vuole rappresentare niente ed è semplicemente uno scolabottiglie che ha cambiato destinazione.
L’oggetto così esposto sta a significare però una provocazione e una critica verso la società industrializzata, in cui l’uomo è visto solo come forza-lavoro.

# data[].attributes.body
Esso consiste in una ruota di una bici montata al contrario su uno sgabello.
L’opera ironizza sulle sculture celebrative, dove in questo caso il fondamento è lo sgabello e la “statua” in sé è sostituita da una ruota privata della sua normale funzione.

Lo spettatore ha la possibilità di far girare la ruota e ciò toglie a questa “scultura” ogni tipo di sacralità tipica delle sculture classiche celebrative.
Può essere definito quindi come un ‘antimonumento’.

# data[].attributes.body
Duchamp limita il proprio intervento alla scelta di un oggetto che, decontestualizzato, assume nuovi significati, arricchiti dall’interpretazione dello spettatore che è chiamato a svolgere un ruolo attivo nella visione dell’opera.
Duchamp.

# data[].attributes.attachment_link.title
Marcel Duchamp: vita e opere in 10 punti

# data[].attributes.body
Il formato dell’opera è orizzontale. Il primo piano, è rappresentato dal solido che compare sulla sinistra e dagli oggetti sparsi sopra e sotto di esso. Sullo sfondo, invece, è rappresentato lo specchio d’acqua con il promontorio a destra. Il punto di vista è più alto rispetto al piano del solido

# data[].attributes.body
stile estremamente realistico. Il senso di smarrimento, di fronte all’immagine surreale, stile estremamente realistico. Il senso di smarrimento, di fronte all’immagine surreale.  Dalì costruì lo spazio virtuale de La persistenza della memoriautilizzando la prospettiva geometrica e la diminuzione progressiva delle dimensioni delle figure.

# data[].attributes.body
Dalì diede una spiegazione di come elaborò questa forma. L’artista si trovò ad osservare una fetta di formaggio che si stava sciogliendo al sole.Oltre alla spiegazione data dall’artista, si può immaginare che gli orologi molli rappresentino la relatività della percezione temporale. Ognuno di noi, infatti, ha una propria sensazione temporale rispetto alle medesime situazioni. Ogni orologio, inoltre, segna ore diverse.

# data[].attributes.body
All’interno di un paesaggio fantastico sono disposti alcuni oggetti irreali. Dominano la scena alcuni orologi dalla consistenza deformata. Sono chiamati, infatti, orologi molli.

# data[].attributes.body
personaggio eccentrico, Dalí fu un pittore abile e virtuosissimo disegnatore, ma celebre anche per le immagini suggestive e bizzarre delle sue opere surrealistiche. Il suo peculiare tocco pittorico fu attribuito all'influenza che ebbero su di lui i maestri del Rinascimento.
Dalì

# data[].attributes.body
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Georges Braque, Hanri Matisse, Eduard Munch, Ernst Kirchner, Gino Bonichi, Renato Marino Mazzacurati, Corrado Cagli.

# data[].attributes.body
Pablo Picasso, Gleizes,  Léger, Picabia, Lhote, Delaunay, de La Fresnaye, Gris, do Amaral.

# data[].attributes.body
Kandinskij, Mondrian, Malevic, Delaunay, Kupka, Klee.

# data[].attributes.body
Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Gino Severini

# data[].attributes.body
Hugo Ball, duchamp, Hans Arp, Hausmann, Picabia,Max Ernst, Man Ray

# data[].attributes.body
Harp, Ernst, Bellmer, Masson, Tanguy, Mirò, Dalì e Magritte.

# data[].attributes.body
Far uscire allo scoperto un tipo di conoscenza capace di esprimere la complessità della psiche utilizzando la tecnica della scrittura automatica che consisteva nel lasciare che il pennello disegnasse senza progetto.

# data[].attributes.body
Viene creata una quarta dimensione, la quale non può essere compresa con un unico sguardo creando un processo di
de-Costruzione della prospettiva rinascimentale.

# data[].attributes.body
si aspira alla
non-figurazione accentuando l'aspetto coloristico della pittura espressionista e accentuando il valore simbolico delle immagini, utilizzando l'arte come mezzo d'espressione.

# data[].attributes.body
Nasce in Italia, questa corrente si propugnava un distacco netto dalla tradizione culturale italiana, considerandola arretrata e adottano un linguaggio particolarmente polemico.

# data[].attributes.body
Mi dadaisti decretano il fallimento dell'arte come rappresentazione e si autoproclamano movimento anti-artistico, voler ricominciare da zero.

# data[].attributes.body
L'attenzione viene spostata soprattutto sull'introspezione personale, sulla propria interiorità.