# data[].attributes.body
Si piensan en Bélgica, quizá les vengan a la cabeza imágenes como la cerveza, el chocolate o mannekenpis Sin embargo, no todo el mundo conoce uno de los tesoros de la cultura belga : los cómics.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Dentro del mundo del cómic nos encontramos con tres líneas de creación fundamentales, la estadounidense, la japonesa y la franco-belga, aunque se puede decir que el origen de todas es la franco-belga. Fue en Francia sobre 1830 donde se empezaron a desarrollar los primeros cómics modernos de la mano de Rodolphe Töpffer, un señor que creaba historietas muy similares a las novelas gráficas de hoy en día y no tan similares a las tiras de los periódicos de las que han nacido muchos de los tebeos que conocemos.

Cuando hablamos de cómics modernos, nos referimos al cómic desde la introducción del bocadillo; la verdad es que si queremos hablar de los orígenes del cómic como tal, es decir, de valerse de la creación de imágenes para contar historias, deberíamos irnos mucho más atrás en el tiempo, a la Columna Trajana o la Biblia Pauperum y para encauzar esos orígenes hasta el desarrollo del tebeo moderno, habría que hablar de personajes como Goya, El Bosco o Thomas Rowlandson. Y si queremos ser muy puntillosos, tendríamos que hacer una retrospectiva desde el día de hoy o desde el siglo XIX hasta la Edad Media, como mínimo, incluso podríamos hasta hablar de las pinturas rupestres y los jeroglíficos, pero eso ya es pasarse, ¿no?

Lejos de ser este un artículo sobre los orígenes de la historieta, sí nos parecía interesante hacer una pequeña introducción para sentar unas bases y poder dotar al cómic belga de la importancia que ha tenido a lo largo de la historia, ya que muchos de los cómics, y artistas del cómic, franceses que hoy en día reconocemos como populares y famosos, tuvieron su origen en revistas belgas como Le journal de Spirou o Le journal de Tintín y fueron formados bajo los principios de la Escuela de Bruselas, como el gran Goscinny, entre muchos otros. Y por supuesto, tienen como referente y maestros a estos creadores belgas que tanto han hecho por el mundo de dibujar historias.

Y ahora, ¿qué decís? ¿Que os suenan Spirou y Tintín? ¡Pues esperad a ver el resto de los cómics que hemos incluido en nuestra lista!

Es quizás el tebeo que más rápido asocia la mente de cualquier persona a Bélgica, y es que el personaje de Georges Remi (Hergé) es uno de los personajes de cómic más populares del mundo, y es que ¿quién no ha disfrutado con Tintín, Milou, El profesor Tornasol, Hernández y Fernández y el Capitán Haddock? ¡Pues todos! De hecho, se han hecho tantas películas, adaptaciones, series, etc., que cuesta pensar que Las aventuras de Tintín empezaron en 1929, cuando Hergé se hizo cargo de dirigir el suplemento infantil de Le Vingtième Siècle, Le Petit Vingtième.

En 1946, cuando Raymond Leblanc creó la revista Tintín, pasó a publicarse en esta publicación, hasta el año 1976, en el que Hergé murió y Las aventuras de Tintín dejaron de dibujarse. En esta revista también se publicaron otros cómics belgas de referencia como , Blake y Mortimer, o .

La transcendencia de Tintín no es valorada únicamente a nivel narrativo o de dibujo: es un referente de inspiración para cualquiera que tenga interés en el mundo del cómic; Hergé, creó con Tintín la famosa línea clara, un estilo peculiar de dibujo dentro del mundo del tebeo, y sentó las bases sobre las que muchos ilustradores tanto belgas, como franceses y del resto del mundo dibujan a día de hoy.

Éste es otro de los más grandes y famosos cómics belgas de la historia. Fue creado en 1938 por Rob-Vel (aunque el estilo de dibujo del personaje más memorable es el de André Franquin), a quien tras haber trabajado para varias editoriales de cómic, Jean Dupois, uno de los editores más importantes de Bélgica, le dio el encargo de crear un personaje principal para el lanzamiento de una revista de cómics. Esa revista sería Le journal de Spirou y ese personaje, Spirou, cuya creación fue inspirada por un juego de palabras.

Fantasio se incorporó a la serie más tarde, en 1944, y tanto él, como el personaje de Spirou, han tenido gran proyección, creándose a partir de él otras series como Le petit Spirou, amén de series de televisión, etc.

Como curiosidad, cabe destacar que hay una serie de álbumes especiales llamados "Una aventura de Spirou y Fantasio por..." en la que distintos dibujantes y guionistas crean una historia autoconclusiva del cómic, cada uno con su estilo y su forma de narrar, dándole un nuevo punto de vista a la serie. Éste es uno de los puntos fuertes que tienen estos cómics, que por cosas así, siguen existiendo a día de hoy.

¿Cómo? ¿Que los pitufos son belgas? ¡Pero si el pueblo de los pitufos está en Málaga! Pues sí, Los Pitufos, esa serie que nos ha acompañado durante toda nuestra infancia y parte de nuestra vida adulta, c omenzó siendo uno de los cómics que contenía la revista Le journal de Spirou. Creados por el dibujante belga Peyo, quien también creó a Johan y Pirluit, aparecieron por primera vez en una historieta de éstos, llamada La flauta de los seis pitufos, en 1958.

Fueron personajes secundarios en un par de historietas de Johan y Pirluit hasta que se dieron cuenta de que tenían tanto éxito que les dieron un cómic propio dentro de la revista. Su andadura en solitario comenzó en 1959 con el tebeo Los pitufos negros, y desde entonces hasta hoy no han dejado de publicarse sus historias.

Como curiosidad, podemos decir que en el francés original se llaman Les Schtroumpfs (como veis, un nombre de fácil pronunciación), pero nosotros los conocemos como Los Pitufos, porque aquí en España, al ir a publicarlos en la revista Strong en 1969, no eran capaces de traducir el nombre por nada que sonara bien, hasta que el editor de la revista recordó al personaje "En Patufet", una figura del folclore catalán que también era el nombre de una revista infantil catalana muy conocida y cuyo personaje principal se parecía a los de Les Schtroumpfs, y de la derivación de ese nombre llegaron nuestros pitufos.

Ays... ¿Quién no ha soñado con ser un pobre cowboy solitario lejos de su hogar? O con tener un perro llamado Rantamplán y luchar contra los hermanos Dalton, esos grandes personajes que eran una especie de matrioska del crimen, en el que el más bajito era el más malo y listo y el más alto, el más bonachón y tontorrón...

Pues claro que todos hemos soñado con eso, y es que este cowboy, más rápido que su sombra creado en 1946 por el historietista belga Morris, para Le journal de Spirou, y popularizado en los años cincuenta en la revista Pilote del gran René Goscinny, es uno de los cómics más conocidos de esta línea estilística franco-belga.

Aquí como curiosidad mencionamos el hecho de que hasta el año 1983, Lucky Luke, siempre llevaba en la boca un cigarrillo; ese año lo sustituyeron por una pajita, lo que hizo que la OMS les diese un reconocimiento especial, y tan especial, porque lograr que un cowboy deje el tabaco merece más que un reconocimiento... Pregúntenle a Clint Eastwood.

Dejamos para el final el que quizás sea el más "negro" de los cómics que hemos presentado: Blake y Mortimer. Estos personajes son obra de Edgar P. Jacobs, uno de los creadores belgas más importantes junto a Hergé y Franquin. Blake y Mortimer hicieron su primera aparición en la revista Tintín en 1946 y sigue dibujándose a día de hoy.

Mortimer es un científico un poco loco y el principal protagonista de los cómics, y Blake un capitán del ejército, más seriote. Ambos se encargan de resolver enigmas que casi siempre implican una aventura extraña como enfrentarse al apocalipsis generado por una III Guerra Mundial, ir a la Atlántida, o enfrascarse en la resolución de algún problema en Egipto, con las pirámides.

A esta serie, cuando la llevaba Jacobs se le solía criticar el hecho de que incluía una gran cantidad de texto superfluo y que, poco a poco, el autor fue perdiendo interés en su propia obra y la fue abandonando. Eso sí, desde que él murió y se hicieron cargo de los cómics Jean Van Hamme y Ted Benoit se han hecho cosas muy buenas: merece la pena tenerla en la lista de "tebeos pendientes", sobre todo las historias de La marca amarilla y El caso Francis Blake.
__
Con esto y muchas horas de investigar sobre los orígenes del cómic franco-belga (más belga que franco), sus principales figuras y cómics más reconocidos nos despedimos por ahora. Esperamos que este artículo despierte vuestra curiosidad sobre el maravilloso mundo de las historietas; nosotros, por nuestra parte, prometemos más y de más países :D

# data[].attributes.attachment_link.title
¿Sabías que estos 5 cómics son de Bélgica? - enfoquegaussiano

# data[].attributes.attachment_link.description
Dentro del mundo del cómic nos encontramos con tres líneas de creación fundamentales, la estadounidense, la japonesa y la franco-belga, aunque se puede decir que el origen de todas es la franco-belga.

# data[].attributes.body
Responde a algunas preguntas...

# data[].attributes.body
En Bruselas, las paredes tienen mucho que expresar.
Los murales se encuentran por toda la ciudad. En calles céntricas y turísticas y en algunos barrios periféricos. Las temáticas son principalmente de comics..

Puedes descubrir aqui 60 murales que hacen parte de lo que llamamos "la ruta del comic".

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
A Bruselas le gustan tanto los cómics que ha invitado a sus protagonistas a apoderarse de sus paredes y fachadas. Aquí podrás descubrir todos los detalles y secretos ocultos. ...
Para encontrarlos, recorre las calles de Bruselas y levanta la vista. Un paseo divertido tanto para aficionados como curiosos de entre 7 y 77 años.

Tu companero de ruta es el folleto " Bruxelles, capitale de la Bande Dessinée ". En venta en las oficinas de turismo de visit.brussels (2.5€).

# data[].attributes.attachment_link.title
Las paredes del paseo del cómic al detalle

# data[].attributes.attachment_link.description
A Bruselas le gustan tanto los cómics que ha invitado a sus protagonistas a apoderarse de sus paredes y fachadas. Aquí podrás descubrir todos los detalles y secretos ocultos. ... Para encontrarlos, recorre las calles de Bruselas y levanta la vista. Un paseo divertido tanto para aficionados como curiosos de entre 7 y 77 años.

# data[].attributes.body
El museo del comic de Bruselas ha cumplido 30 anos, el ano pasado.
Descubre como ha nacido y crecido.

# data[].attributes.attachment_link.title
El museo del cómic de Bruselas cumple 30 años

# data[].attributes.body
Descubre hoy uno de los monumentos más importantes de París que se ha convertido a lo largo de los siglos en uno de los palacios más importantes de Europa ; El palacio de Versalles !

Quieres saber mas del palacio de Versalles ? Vamos a descubrir 11 secretos del palacio !

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
In 1661, Louis XIV commissioned André Le Nôtre to design and layout the intricate grounds - a project that took forty years to complete. Just 20km from the centre of Paris, the Palace has become a UNESCO World Heritage site and for good reason - in 2017 alone, the Versailles received an incredible 7,700,000 visitors.

# data[].attributes.attachment_link.title
11 Secrets from The Palace of Versailles - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
In 1661, Louis XIV commissioned André Le Nôtre to design and layout the intricate grounds - a project that took forty years to complete. Just 20km from the centre of Paris, the Palace has become a UNESCO World Heritage site and for good reason - in 2017 alone, the Versailles received an incredible 7,700,000 visitors.

# data[].attributes.body
Para ellos que aún no respondieron...

# data[].attributes.attachment_link.description
¡Conozcámonos! Una pequeña encuesta para conocerte y poner a prueba tus conocimientos del mundo francés. Puedes buscar las respuestas en el Internet, no hay ningun problema. Contesta en español. ¡Un lindo día francés! ¡Empezemos! Gracias por indicar tu correo electrónico.

# data[].attributes.body
Etapa 1 : Ve el video

# data[].attributes.body
Etapa 2 : Lee el documento

# data[].attributes.body
Etapa 3 : contesta a algunas preguntas.

# data[].attributes.attachment_link.description
Después de haber visto el video y leido el PDF, contesta a algunas preguntas aquí.

# data[].attributes.body
Etapa 1 : Ve el video

# data[].attributes.attachment_link.title
No creí que BÉLGICA fuera tan divertido!

# data[].attributes.body
Etapa 2 : Lee el documento

# data[].attributes.body
Etapa 3 : Contesta a alugunas preguntas

# data[].attributes.body
Los videos están en el formulario.

# data[].attributes.body
Etapa 1 : Descubre la historia del museo del Louvre, el más importante de Francia y uno de los más visitados del mundo

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Es indiscutible que el Louvre se ha convertido en uno de los grandes templos del arte universal. Pero es mucho más que eso. Porque el que hoy es emblema y sinónimo del arte fue en su momento buque insignia de la monarquía francesa.

El Louvre nació, en realidad, como fortaleza defensiva recién iniciado el siglo XIII, bajo el reinado de Felipe Augusto, el primero en autodenominarse rey de Francia, y no "rey de los francos". Para reafirmar su poder, necesitaba dotar a París, la ciudad donde residía la corte, de una muralla que la protegiera de los ataques enemigos.

Felipe Augusto dispuso entonces la creación de un cinturón amurallado al que se añadió un castillo presidido por una enorme torre de defensa. Era la Grosse Tour, el punto de partida del Louvre que conocemos. Por entonces, el Louvre cumplía funciones de arsenal, más que de castillo.

No fue hasta la subida al trono de Carlos V, en el siglo XIV, cuando la fortaleza se convirtió en residencia real. A su muerte, sin embargo, pareció quedar relegado al olvido. Sus sucesores prefirieron las comodidades de Chinon, Amboise o Blois.

Palacio renacentista

No fue hasta el siglo XVI, con Francisco I y su amor incondicional por París, que el Louvre recupera su condición de residencia de los monarcas. Al regresar de su cautiverio en España, Francisco I se decidió a transformar la antigua fortaleza en una residencia a la moda renacentista. Pero no vivió lo suficiente para ver el resultado.

Con posterioridad, Enrique II y su esposa, Catalina de Médicis, prosiguieron con las obras y dieron la forma definitiva al proyecto de su antecesor. El edificio resultante se convirtió, con el tiempo, en la espina dorsal de las reformas posteriores. Además, Catalina de Médicis decidió la construcción en las inmediaciones del Louvre de un pabellón al que llamó de las Tullerías, por encontrarse en los terrenos de una antigua fábrica de tejas ( tuiles, en francés). Para entonces, en la segunda mitad del siglo XVI, la antigua fortaleza ya era un palacio tan típicamente renacentista que marcaba la pauta en toda Francia.

El Louvre pasó una etapa de silencio hasta la llegada al poder de Luis XIV. El Rey Sol hizo del Louvre su residencia principal y exigía una residencia a su medida. Un palacio que le separara del pueblo llano y dejara en evidencia su supremacía de Rey Sol.

Sin embargo, cuando concluyeron las obras, en el último tercio del siglo XVII, el interés del rey ya no estaba en el Louvre, sino a unos cuantos kilómetros de París, en un antiguo pabellón de caza transformado en brillante palacio: Versalles. La corte abandonó definitivamente el Louvre y siguió al monarca. Quedaba libre el paso para las academias de Arte y Ciencia, que, casi de inmediato, se adueñaron de las silenciosas estancias del Louvre.

Aires revolucionarios

Relegado en el favor real y en el de la corte, el palacio del Louvre contempló impasible los grandes momentos de la Revolución, que afectaron a París y convulsionaron a Francia primero y al mundo entero después.

En pleno estallido revolucionario, Luis XVI y María Antonieta abandonaron Versalles y residieron durante tres años en las Tullerías. Tras la ejecución de los Reyes, sus estancias fueron ocupadas por el gobierno de la Convención. Otro tanto hizo Napoleón, que escogió como residencia estable el palacio construido a iniciativa de Catalina de Médicis en los terrenos del antiguo tejar.

Pero París no sería la ciudad solemne y elegante que es hoy sin las obras emprendidas durante el Segundo Imperio. El artífice de la gran transformación urbanística de la capital francesa en el siglo XIX fue Luis Napoleón III, que incluyó el Louvre en sus planes.

Una vez más, el palacio del Louvre volvía a ser utilizado para justificar y enaltecer el poder de la Corona. Dos meses después de alcanzar la dignidad imperial, Napoleón III encargó al arquitecto Luis Visconti un proyecto que englobara el Louvre y las Tullerías en un único conjunto armónico.

La casa de la cultura

Tras la caída del Segundo Imperio, las Tullerías ardieron en un devastador incendio que las arrasó durante los hechos de la Comuna de 1871. Sin embargo, el Louvre siguió en pie. El edificio había ampliado sus fondos de manera espectacular con las aportaciones que Napoleón hizo a través de los expolios derivados de sus empresas militares. Sin embargo, el actual Museo del Louvre nacería a finales del siglo XIX, cuando, tras la demolición definitiva de las Tullerías, se desvinculó casi totalmente de la actividad política para consagrarse al mundo del arte y la cultura.

A partir de 1926, el entonces director del museo, Henri Verne, puso en práctica un vasto proyecto de apertura de salas para exponer el mayor número posible de piezas al público.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial obligó a evacuar las colecciones al castillo de Chambord, en el Loira, al sudoeste de París, y a proteger, mediante grandes sacos de arena, aquellas piezas que no era posible poner a buen recaudo. Tras el fin de la contienda el museo se reorganizó, desplazando las colecciones asiáticas al Musée Guimet y la pintura impresionista al pabellón del Jeu de Paume, al noroeste del jardín de las Tullerías, donde permaneció hasta su traslado definitivo al Musée d'Orsay.

Pero el Louvre no podía dejar de vincularse al poder. En 1981, el presidente de la República, François Mitterrand, anunció la puesta en marcha de un proyecto auténticamente faraónico que consistía en la total remodelación de las instalaciones del museo.

Su mayor evidencia arquitectónica es la gran pirámide de cristal proyectada por el arquitecto Ieoh Ming Pei. Situada en el centro de la Cour Napoléon y rodeada de juegos de agua, señala no solo la entrada del nuevo museo, sino una nueva etapa del que fuera fortaleza y palacio, pero siempre símbolo de Francia y de su capital.

Estas son cinco de las joyas del arte que guarda hoy el Museo del Louvre:

Este texto se basa en un artículo publicado en el número 483 de la revista Historia y Vida. ¿Tienes algo que aportar? Escríbenos a redaccionhyv@historiayvida.com.

En el siglo XVIII a. C., el rey babilónico hizo registrar en esta estela un riguroso conjunto de leyes. La estela fue hallada por Jacques de Morgan en 1901. Foto: Wikimedia Commons / Mbzt / CC BY-SA 3.0.

De esta estatua egipcia se sabe poco. Menos del personaje a quien retrata. Ni su nombre, ni su cargo (aunque se le llame escriba) ni la época exacta en que vivió. Fue realizada durante el Reino Antiguo, tal vez en tiempos de la dinastía IV, hacia 2620-2500 a. C. En 1854 el gobierno egipcio lo cedió a Francia. Foto: Wikimedia Commons / Rama / CC BY-SA 3.0. fr.

La diosa alada de la Victoria que se erigía en la isla griega de Samotracia fue seguramente una ofrenda del pueblo de Rodas. Apareció en 1863 durante una campaña en la isla del arqueólogo aficionado Charles Champoiseau.

Esculpida hacia 100 a. C. y descubierta en la isla griega de Melos en 1820, llegó al Louvre un año después. La famosa estatua representa a Afrodita o bien a Amfitrita, diosa del mar. Foto: Wikimedia Commons / Mattgirling / CC BY-SA 3.0.

El retrato pintado por Da Vinci a principios del siglo XVI, probablemente de Lisa Gherardini, esposa de un mercader, terminó en la colección de Francisco I de Francia. Tras la Revolución Francesa llegó al Louvre, con un paréntesis en manos de Napoleón.

# data[].attributes.attachment_link.description
Es indiscutible que el Louvre se ha convertido en uno de los gran­des templos del arte universal. Pero es mucho más que eso. Porque el que hoy es emblema y sinóni­mo del arte fue en su momento buque insignia de la monarquía francesa.

# data[].attributes.body
Etapa 2 :  Contesta a alugunas preguntas !

# data[].attributes.attachment_link.description
Aprende más sobre este museo imprescindible de la historia del arte.

# data[].attributes.body
12 curiosidades sobre el Louvre

# data[].attributes.attachment_link.title
12 Curiosidades Sobre El Museo De Louvre

# data[].attributes.headline
Virtual tour an exhibition at the Louvre Museum

# data[].attributes.subject
Virtual tour an exhibition at the Louvre Museum

# data[].attributes.body
Step 1 : Discover the Louvre's virtual exhibition dedicated to Egyptian antiquity. Select the exhibition : "Egyptian Antiquities" and enjoy the visit !

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Online tours - Enjoy the Louvre at home!

1. Back to Home

2. See all breadcrumbs

3. Online tours

Virtual tours

From afar. Travelling Materials and Objects

Through materials and objects, this exhibition describes exchanges between distant worlds - exchanges often far more ancient than the explorations of the 16th century. From deepest antiquity, carnelian, lapis lazuli, ebony and ivory circulated along trade routes...

Louvre at home

# data[].attributes.attachment_link.title
Online tours - Enjoy the Louvre at home!

# data[].attributes.attachment_link.description
Online tours - Enjoy the Louvre at home! Back to Home See all breadcrumbs Online tours Virtual tours Through materials and objects, this exhibition describes exchanges between distant worlds - exchanges often far more ancient than the explorations of the 16th century. From deepest antiquity, carnelian, lapis lazuli, ebony and ivory circulated along trade routes...

# data[].attributes.body
Step 2 : Answer to the different questions about the exhibition "Egyptian Antiquities". At the beginning of each question, there is the number of the room where you can find the answer. Good luck !

# data[].attributes.body
Step 1 : Discover the history of Mona Lisa. Enjoy!

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
This portrait was doubtless started in Florence around 1503. It is thought to be of Lisa Gherardini, wife of a Florentine cloth merchant named Francesco del Giocondo - hence the alternative title, La Gioconda. However, Leonardo seems to have taken the completed portrait to France rather than giving it to the person who commissioned it. After his death, the painting entered François I's collection.

Lisa Gherardini, wife of Francesco Giocondo

The history of the Mona Lisa is shrouded in mystery. Among the aspects which remain unclear are the exact identity of the sitter, who commissioned the portrait, how long Leonardo worked on the painting, how long he kept it, and how it came to be in the French royal collection.
The portrait may have been painted to mark one of two events - either when Francesco del Giocondo and his wife bought their own house in 1503, or when their second son, Andrea, was born in December 1502 after the death of a daughter in 1499. The delicate dark veil that covers Mona Lisa's hair is sometimes considered a mourning veil. In fact, such veils were commonly worn as a mark of virtue. Her clothing is unremarkable. Neither the yellow sleeves of her gown, nor her pleated gown, nor the scarf delicately draped round her shoulders are signs of aristocratic status.

A new artistic formula

The Mona Lisa is the earliest Italian portrait to focus so closely on the sitter in a half-length portrait. The painting is generous enough in its dimensions to include the arms and hands without them touching the frame. The portrait is painted to a realistic scale in the highly structured space where it has the fullness of volume of a sculpture in the round. The figure is shown in half-length, from the head to the waist, sitting in a chair whose arm is resting on balusters. She is resting her left arm on the arm of the chair, which is placed in front of a loggia, suggested by the parapet behind her and the two fragmentary columns framing the figure and forming a "window" looking out over the landscape. The perfection of this new artistic formula explains its immediate influence on Florentine and Lombard art of the early 16th century. Such aspects of the work as the three-quarter view of a figure against a landscape, the architectural setting, and the hands joined in the foreground were already extant in Flemish portraiture of the second half of the 15th century, particularly in the works of Hans Memling. However, the spacial coherence, the atmospheric illusionism, the monumentality, and the sheer equilibrium of the work were all new. In fact, these aspects were also new to Leonardo's work, as none of his earlier portraits display such controlled majesty.

An emblematic smile

The Mona Lisa's famous smile represents the sitter in the same way that the juniper branches represent Ginevra Benci and the ermine represents Cecilia Gallerani in their portraits, in Washington and Krakow respectively. It is a visual representation of the idea of happiness suggested by the word "gioconda" in Italian. Leonardo made this notion of happiness the central motif of the portrait: it is this notion which makes the work such an ideal. The nature of the landscape also plays a role. The middle distance, on the same level as the sitter's chest, is in warm colors. Men live in this space: there is a winding road and a bridge. This space represents the transition between the space of the sitter and the far distance, where the landscape becomes a wild and uninhabited space of rocks and water which stretches to the horizon, which Leonardo has cleverly drawn at the level of the sitter's eyes.

Bibliography

- ARASSE Daniel, Léonard de Vinci, Éditions Hazan, Paris,1997.

- BEGUIN Sylvie (sous la dir. de), Musée du Louvre. Hommage à Léonard de Vinci, catalogue de l'exposition, Éditions des Musées nationaux, Paris, 1952.

- BEGUIN Sylvie, Léonard de Vinci au Louvre, Éditions de la Réunion des musées nationaux, Paris, 1983.

- CLARK Kenneth, Léonard de Vinci, Éditions Le Livre de poche, Paris, 1967.

- CHASTEL André, L'illustre incomprise. Mona Lisa, collection "Art et Écrivain", Éditions Gallimard, Paris, 1988.

- CHASTEL André, Léonard de Vinci, Traité de la peinture, Éditions Calmann-Lévy, Paris, 2003.

- KEMP Martin, Leonardo Da Vinci : the marvelous Works of Nature and Man, Cambridge Mass. : Harvard University Press, 1981.

- MARANI Pietro C., Léonard de Vinci, Éditions Gallimard-Electa, Paris, 1996.

- SCALLIEREZ Cécile, La Joconde, collection "Solo", Éditions de la Réunion des musées nationaux, Paris, 2003, n°24.

- ZÖLLNER Frank, Leonardo da Vinci, Mona Lisa, Das Portrât der Lisa del Giocondo, Legende und geschichte, Francfort, 1994.

- ZÖLLNER Frank, NATHAN Johannes (sous la dir. de), Léonard de Vinci, 1452-1519 : tout l'oeuvre peint et graphique, Cologne, Londres, Paris, Éditions Taschen, 2003.

# data[].attributes.attachment_link.title
Mona Lisa - Portrait of Lisa Gherardini, wife of Francesco del Giocondo | Louvre Museum | Paris

# data[].attributes.attachment_link.description
This portrait was doubtless started in Florence around 1503. It is thought to be of Lisa Gherardini, wife of a Florentine cloth merchant named Francesco del Giocondo - hence the alternative title, La Gioconda. However, Leonardo seems to have taken the completed portrait to France rather than giving it to the person who commissioned it.

# data[].attributes.headline
Mona Lisa's smile: The mystery has finally been solved after 500 years ! 

# data[].attributes.subject
Mona Lisa's smile: The mystery has finally been solved after 500 years ! 

# data[].attributes.body
Step 2 : Read this incredible article about the mysteries of the painting.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Leonardo da Vinci's famous portrait of Lisa Gherardini, titled Mona Lisa, is one of the most-discussed works of art ever, partly thanks to the subject's ambiguous look.

According to a recent study by the University of Freiburg, though, the answer to whether she is "sad" or "happy" is simple: her expression is unequivocally "happy".

Twelve participants were shown nine black and white photos of the Mona Lisa, eight of which had been digitally manipulated at the mouth; four made the model look happier, the other four sadder.

Download the new Independent Premium app

Sharing the full story, not just the headlines

After shuffling the photos and showing them to each participant 30 times, the team found that the original photo was thought to be "happy" 97 per cent of the time.

"We really were astonished," neuroscientist Juergen Kornmeier a that German University told AFP. "Given the descriptions from art and art history, we thought that the original would be the most ambiguous," he said.

A second experiment was also conducted, involving eight "sadder" versions of the portrait shown to participants with more nuanced changes. While the original was still seen as happy, they found the manipulated photos were proclaimed ever sadder than before.

"We don't have an absolute fixed scale of happiness and sadness in our brain," Kornmeier added. "Our brain manages to very, very quickly scan the field. We notice the total range, and then we adapt our estimates."

The neuroscientist concluded: "There may be some ambiguity in another aspect... but not ambiguity in the sense of happy versus sad."

# data[].attributes.attachment_link.title
The mystery of Mona Lisa's smile has finally been solved

# data[].attributes.attachment_link.description
Leonardo da Vinci's famous portrait of Lisa Gherardini, titled Mona Lisa, is one of the most-discussed works of art ever, partly thanks to the subject's ambiguous look. According to a recent study by the University of Freiburg, though, the answer to whether she is "sad" or "happy" is simple: her expression is unequivocally "happy".

# data[].attributes.headline
Small quiz about the painting of Mona Lisa. 

# data[].attributes.subject
Small quiz about the painting of Mona Lisa. 

# data[].attributes.body
Step 3 : Answer to the different questions about the painting. Enjoy!

# data[].attributes.body
Un pequeño video : ¿Qué hace a la Mona Lisa tan especial?

# data[].attributes.body
El palacio de Versalles no tiene mas secretos para ti ? Responde a algunas preguntas...

# data[].attributes.body
¿Qué lugar ocupan los artistas en la sociedad? Desde la Antigüedad hasta la actualidad, incluyendo su emancipación durante el Renacimiento, la figura del artista se estudia a través de firmas, autorretratos y biografías de artistas que plantean esta cuestión poco formulada pero fundamental.

# data[].attributes.body
Ve el video y descubre la visita virtual dedicada a la figura de artista.

# data[].attributes.body
Ahora puedes dar un paseo virtual y descubrir la exposición.
¡ Que disfrutes !

# data[].attributes.body
Pon a prueba tu visita virtual

# data[].attributes.headline
Descubre dos otras obras maestras del Louvre 

# data[].attributes.subject
Descubre dos otras obras maestras del Louvre 

# data[].attributes.body
Descubre la historia del barco francés "Medusa" a través de una obra maestra del Louvre, que fue uno de los sucesos más espeluznantes de Francia...

# data[].attributes.attachment_link.title
OBRAS MAESTRAS (La Balsa de la Medusa) Théodore Géricault  -  Documentales

# data[].attributes.body
Obra imperdible del Museo del Louvre.

# data[].attributes.attachment_link.title
OBRAS MAESTRAS (La Libertad Guiando al Pueblo) Eugene Delacroix  -  Documentales

# data[].attributes.headline
Una escritora feminista : Virginie Despentes

# data[].attributes.subject
Una escritora feminista : Virginie Despentes

# data[].attributes.body
«Despentes se ha convertido en una especie de heroína de culto, una santa patrona de las mujeres invisibles.»

Hoy, te propongo de descubrir a una transgresora y provocadora incansable, así como una observadora genial del mundo actual... Virginie Despentes, una grande escritora de nuestro tiempo.

# data[].attributes.body
Descubre la reseña sobre uno de los grandes libros de referencia del feminismo y de la teoría de género... el libro de Virginie Despentes "La teoria King Kong", antes de disfrutarlo en audio-libro.

# data[].attributes.attachment_link.title
Reseña "Teoría King Kong" - Virginie Despentes

# data[].attributes.body
Tiene la suerte de descubrir el libro King-Kong theory en audio-libro

# data[].attributes.attachment_link.title
Audiolibro Teoría King Kong. PARTE 1: tenientas corruptas

# data[].attributes.attachment_link.title
Audiolibro Teoría King Kong. PARTE 2.2: ¿Te doy o me das por el culo?

# data[].attributes.body
Niki de Saint Phalle (1930–2002) es una de las artistas de mayor renombre de mediados del siglo XX. A lo largo de su prolífica carrera, Saint Phalle creó un complejo conjunto de obras utilizando varios medios y con una profunda dimensión sociopolítica.

# data[].attributes.headline
Niki de Saint Phalle : Descubrimiento del artista y su trabajo

# data[].attributes.subject
Niki de Saint Phalle : Descubrimiento del artista y su trabajo

# data[].attributes.body
Vea el video 1 : Niki de Saint Phalle en el Museo Guggenheim Bilbao

# data[].attributes.attachment_link.title
Niki de Saint Phalle en el Museo Guggenheim Bilbao

# data[].attributes.body
Gracias por colaborar para mejorar la clase.

# data[].attributes.headline
Niki de Saint Phalle : Descubrimiento del artista y su trabajo

# data[].attributes.subject
Niki de Saint Phalle : Descubrimiento del artista y su trabajo

# data[].attributes.body
Vea el video 2 : Fuente Stravinsky

# data[].attributes.attachment_link.title
Un minuto con el arte: Fuente Stravinsky

# data[].attributes.headline
Niki de Saint Phalle : Contesta a preguntas 

# data[].attributes.subject
Niki de Saint Phalle : Contesta a preguntas 

# data[].attributes.body
Hoy, te propongo de descubrir a una mujer, inconformista rebelde, considerada como una de las pioneras del cine hecho por mujeres ; Agnès Varda.

Autodidacta, la cineasta y también fotógrafa exploró numerosas facetas del séptimo arte y multiplicó las experiencias a lo largo de su carrera, a través de documentales o de películas consagradas a personas modestas o marginales.

Ve este video para saber más.

# data[].attributes.body
Aqui una pequena vista previa del trabajo de Agnès Varda.
En esta pelicula, la directora nos adentra directamente en su trabajo.

# data[].attributes.attachment_link.title
VARDA POR AGNÈS - Trailer oficial México

# data[].attributes.body
Descubre tambien el trabajo fotografico de Agnès varda !

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Arlette Varda, nacida el 30 de mayo de 1928 en en Ixelles, Bruselas, Bélgica es una directora de cine, fotografa e instaladora belga, pero que ha pasado la mayor parte de su vida profesional en Francia. Sus películas, fotografías e instalaciones de arte se centran en el realismo documental, temas feministas y comentarios sociales con un estilo experimental distinto. Los historiadores del cine han citado el trabajo de Varda como central en el desarrollo del movimiento del cine francés de la Nouvelle Vague; sus localizaciones de filmacion y el uso de actores no profesionales no eran convencionales en el contexto del cine francés de los años 50. Cuando tenía 18 años, Varda cambió legalmente su nombre a Agnès. Muy joven, dejó Bélgica en 1940 y huyó a Sète, Francia para vivir con el resto de su familia. Estudió historia del arte y fotografía en la École des Beaux-Arts. Trabajó para el Théâtre National Populaire como fotógrafa. Mucho mas conocida como directora de cine, Varda es una fotografa bastante prolifica, tomando miles de fotos en Cuba, China y otros lugares. Murio el 29 de marzo de 2019 en Paris.

# data[].attributes.attachment_link.description
Arlette Varda, nacida el 30 de mayo de 1928 en en Ixelles, Bruselas, Bélgica es una directora de cine, fotografa e instaladora belga, pero que ha pasado la mayor parte de su vida profesional en Francia. Sus películas, fotografías e instalaciones de arte se centran en el realismo documental, temas feministas y comentarios sociales con un estilo experimental distinto.

# data[].attributes.headline
Edith Piaf : Una figura emblemática de la canción francesa

# data[].attributes.subject
Edith Piaf : Una figura emblemática de la canción francesa

# data[].attributes.body
Etapa 1 : Descubre la historia de su vida

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(Edith Giovanna Gassion; París, 1915 - Provenza, 1963) Cantante y letrista francesa. Su vida estuvo marcada por la desdicha desde su más tierna infancia, lo que ejerció una influencia decisiva sobre su estilo interpretativo, lírico y desgarrado al mismo tiempo. Su aspecto desvalido le valió el nombre por el que es universalmente conocida: Piaf ("gorrión").

Edith Piaf

Hija de un contorsionista acróbata y de una cantante de cabaret, su infancia fue triste. Sus padres se separaron muy pronto; la madre, alcoholizada y enferma, dejó la custodia de Edith a su marido (también alcohólico) y a una abuela paterna. Dada la precaria situación económica de la familia, Edith tenía que ganarse unas monedas cantando en calles y cafés de París.

La situación empeoró cuando Edith, con 16 años, se quedó embarazada. En 1932 tuvo una hija a la que llamó Marcelle, pero murió a los dos años. La vida de la cantante quedó marcada por esta tragedia. Siguió cantando en cafés y clubes de la calle Pigalle, en el mundo que rodeaba a los barrios menos recomendables del París de la época.

Su vida cambió cuando, cantando en la calle, un transeúnte muy elegante se paró a escucharla. Ese hombre resultó ser Louis Leplée, propietario del cabaret Gerny's, uno de los más conocidos de París. Tras una pequeña prueba, Edith fue contratada de inmediato. Su éxito no tardó en llegar y fue conocida como "Môme Piaf" ("pequeño gorrión"). El propio Leplée instruyó a Edith para convertirla en una gran figura del cabaret. Era 1937, y había nacido una nueva estrella: Edith Piaf.

Sin embargo, la vida volvió a castigar a la joven Piaf, ya que Leplée fue encontrado muerto de un disparo en el club que regentaba; la cantante fue sospechosa del asesinato. La prensa la acusó y la sociedad elitista parisina le volvió la espalda. Volvió a mezclarse con lo peor de los barrios bajos de París, cantando en tugurios y llevando una vida desordenada.

Su consagración llegó tras la Segunda Guerra Mundial, cuando se convirtió en la musa de poetas e intelectuales del París existencialista y se ganó la admiración incondicional del público. Un letrista conocido como Raymond Asso, que era su amante, la ayudó a sobreponerse. Edith Piaf remontó el vuelo y volvió a los grandes escenarios de Francia, de Europa y de América. Se hizo amiga de la actriz Marlene Dietrich y se convirtió en la gran dama de la canción francesa, ayudando a talentos emergentes como Charles Aznavour, Georges Moustaki, Yves Montand o Gilbert Bécaud, y relacionándose con intelectuales como Jean Cocteau.

En 1946 viajó a Nueva York y conoció al amor de su vida, el boxeador Marcel Cerdan, quien murió en 1949 al estrellarse el avión en que viajaba. Esto hundió nuevamente a Edith en una profunda depresión, que superó a base de alcohol y tranquilizantes. Fue a la vez la época de sus grandes éxitos: La vie en rose o Les trois cloches.

En 1950 colaboró con Charles Aznavour en canciones como Jezébel; fue el año además en que triunfó en el Olympia, mientras que en 1956 lo haría en el Carnegie Hall de Nueva York. Tras un accidente, Edith quedó maltrecha y se hizo adicta a la morfina. Una larga lista de enfermedades le fueron diagnosticadas, y en 1959 se le descubrió un cáncer.

Sus últimos años vivió alejada de los escenarios junto a su nuevo marido, el griego Theo Lambukas. En junio de 1961 fue premiada por la Academia Charles Cros por toda su carrera artística. Murió en Provenza el 11 de octubre de 1963. En su entierro, el cortejo fúnebre fue seguido por una multitud de 40.000 personas.

Entre las muchas canciones que popularizó cabe destacar Mon légionnaire, Je ne regrette rien, La vie en rose, Les amants de Paris, Hymne a l'amour, Mon dieu y Milord. También actuó en películas ( French-can can, Étoile sans lumière, Paris, chante toujours) y tuvo otros romances con cantantes del relieve de Charles Aznavour, Georges Moustaki o Yves Montand. En los últimos años de su vida escribió una autobiografía con el título de Au bal du chance.

# data[].attributes.attachment_link.description
(Edith Giovanna Gassion; París, 1915 - Provenza, 1963) Cantante y letrista francesa. Su vida estuvo marcada por la desdicha desde su más tierna infancia, lo que ejerció una influencia decisiva sobre su estilo interpretativo, lírico y desgarrado al mismo tiempo. Su aspecto desvalido le valió el nombre por el que es universalmente conocida: Piaf ("gorrión").

# data[].attributes.body
Etapa 2 : Responde a las diversas preguntas sobre su biografía

# data[].attributes.headline
Para saber más : La famosa canción de Edith Piaf

# data[].attributes.subject
Para saber más : La famosa canción de Edith Piaf

# data[].attributes.body
Édith Piaf en México: La vida en rosa (Francés/Español 1956)

# data[].attributes.attachment_link.title
Édith Piaf en México: La Vie en Rose (Francés/Español 1956)

# data[].attributes.headline
Édith Piaf Sobre la Vida, el Amor y la Muerte

# data[].attributes.subject
Édith Piaf Sobre la Vida, el Amor y la Muerte

# data[].attributes.body
Entrevista a Piaf :
Emisión de "Cinq colonnes à la une". Ella habla de su fe en la vida, en el amor, "Y como todo lo doy por completo", Ella no tiene miedo de la muerte.

# data[].attributes.attachment_link.title
Édith Piaf  Sobre la Vida, el Amor y la Muerte

# data[].attributes.body
La película, La vida en rosa, Edith Piaf. Marion Cotillard interpreta a Piaf, la superestrella. La película transcurre entre varios episodios de la vida de Piaf

# data[].attributes.attachment_link.title
La vida en rosa   EDITH PIAF Marion Cotillard

# data[].attributes.headline
Todas las canciones de Edith Piaf en español

# data[].attributes.subject
Todas las canciones de Edith Piaf en español

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Avant L'heure (Antes de la Hora)(1951)
Avant Nous (Antes que Nosotros) (1956)
Avec Ce Soleil (Con este Sol) (1954)

Bal Dans Ma Rue (Baile En Mi Calle) (1949)
Boulevard du Crime (Bulevar del Crimen) (1960)
Bravo Pour le Clown (Bravo Por el Payaso) (1953)
Browning (Señor Browning) (1937)

Dans les prisons de Nantes (En las prisiones de Nantes) (1946)

Dans leur baiser (En su beso) (1962)

Dans un bouge du vieux port (En un tugurio del viejo puerto) (1937)

Demain (Il fera jour) (Mañana, será un día) (1951)

Ding Din Dong (Ding-Ding-Dong) (1937)

Du matin jusqu'au soir (Desde la mañana hasta la tarde) (1951)

Elle a dit (Ella dijo) (1952)

Elle avait son sourire (Ella tenía su sonrisa) (1947)

Elle fréquentait la rue Pigalle (Ella andaba por la rue Pigalle ) (1939)

Embrasse-moi (Bésame) (1940)

Enfin le printemps (Por fin la primavera) (1954)

E ntre Saint-Ouen et Clignancourt (Entre Saint-Ouen y Clignancourt) (1937)

Escale (Parada en el puerto) (1945)

Et ça gueule ça madame (Y llora, Madame) (1952)

Et pourtant (Y sin embargo) (1956)

Faut pa s qu'il se figure (No hace falta que lo imagine) (1959)

Gilles a perdu (Gilles perdió) (1948)

Histoires de cœur (Historias de corazón) (1943)

Hymn to love [Hymne à l'amour] (Himno al amor) (1950)

Il a chanté (Él cantó) (1948)

Il fait bon t'aimer (Es bueno amarte) (1950)

Il n'est pas distingué (No es distinguido) (1936)

Il Riait (Se reía) (1945)

Il y avait (Érase una vez) (1950)

Inconnu excepté de Dieu (Desconocido excepto de Dios) (1962)

J'ai qu'à le regarder (Sólo tengo que mirarlo) (1943)

J'en ai passé des nuits (He pasado noches) (1961)

J'en ai tant vu (He visto a muchos) (1963)

J'entends la sirène (Oigo la sirena) (1937)

J'n'attends plus rien (No espero nada más) (1961)

J'suis mordue (Estoy enamorada) (1936)

Je hais les dimanches (Odio los domingos) (1951)

Je m'en fous pas mal (No me importa) (1946)

Je m'imagine (Me imagino) (1960)

Je me souviens d'une chanson (Me acuerdo de una canción) (1958)

Je n'en connais pas la fin (No conozco el final) (1939)

Je ne veux plus laver la vaisselle (No quiero lavar más la vajilla) (1943)

Je sais comment (Yo sé cómo) (1959)

Je suis à toi (Te pertenezco) (1960)

Jean et Martine (Jean y Martine) (1953)

Jean l'Espagnol (Jean el Español) (1960)

Jérusalem (Jerusalén) (1960)

Jimmy c'est lui (Jimmy él es) (1940)

Kiosque à journaux (Kiosco de periódicos) (1960)

L'homme des bars (El hombre de los bares) (1941)

La belle histoire d'amour (La bella historia de amor) (1960)

L a vie en rose [Anglais] (La vida en rosa) (1950)

Le chant du pirate (El canto del pirata) (1946)

Le chevalier de Paris (El caballero de París) (1950)

L e Fanion de la Légion (La bandera de la Legión) (1937)

Le Rendez-Vous (La cita) (1962)

Madeleine qui avait du cœur (Madeleine que tenía un corazón) (1938)

Miss Otis regrets (Señorita Otis lamenta) (1946)

Mon ami m'a donné (Mi amigo me dio) (1952)

Mon apéro (Mi aperitivo) (1935)

Mon cœur est au coin d'une rue (Mi corazón está en la esquina de una calle) (1937)

Mon Dieu [Anglais] (Dios mío) (1961)

Monsieur est parti en voyage (El señor se fue de viaje) (1946)

Monsieur Incognito (Seños Incógnito)

Monsieur Lenoble (Señor Lenoble) (1948)

Monsieur Saint-Pierre (Señor Saint-Pierre) (1943, 1956)

Monsieur et madame (Señor y señora) (1952)

Musique À Tout Va (Música a todo va) (1962)

My lost melody [Je n'en connais pas la fin] (Mi melodía perdida) (1956)

N'y vas pas, Manuel (No te vayas, Manuel) (1953)
Ne m'écris pas (No me escribas) (1937)
No regrets [Non, je ne regrette rien] (Ningún lamento) (1961)
Non, Je ne Regrette Rien (No, no me arrepiento de nada) (1960)
Non, la vie n'est pas triste (No, la vida no es triste) (1960)
Notre-Dame de Paris (Notre-dame de París) (1952)

On Cherche un Auguste (Buscamos un Augusto) (1962)

On danse sur ma chanson (Bailamos en mi canción) (1940)

One little man (Un pequeño hombre) (1956)

Opinion publique (Opinión pública) (1957)

Où sont-ils, tous mes copains? (¿Donde están, todos mis amigos?) (1941)

Qu'as-tu fait, John? (¿Qué hiciste, John?) (1947)

Qu'il était triste cet Anglais (Que estaba triste el Inglés) (1961)

Quand même (De todos modos) (1936)

Quand tu dors (Cuando duermes) (1961)

Quatorze juillet (Catorce de Julio) (1962)

Regarde-moi toujours comme ça (Mírame siempre así) (1945)

Rien de rien (Nada de nada) (1951)

Roulez tambours (Redoblen Tambores) (1962)

Rue de Siam (Calle de Siam) (1960)

Sans y penser (Sin pensarlo) (1942)

Sérénade Du Pavé (Serenata de la calle) (1954)

Ses mains (Sus manos) (1943)

Si si si (Sí, sí, sí) (1951)

Si tu partais (Si te vas) (1947)

Simple comme bonjour (Fácil como un hola) (1942)

Simply a waltz (Sólo un vals) (1950)

Soudain une vallée (De repente un valle) (1956)

Sous le ciel de Paris (Bajo el cielo de París) (1954)

Sur une colline (En una colina) (1940)

Sœur Anne (Hermana Ana) (1953)

T'es l'homme qu'il me faut (Eres el hombre que necesito) (1960)

The three bells [Les trois cloches] (Las tres campanas) (1950)

Tiens, v'là un marin (Aquí, va un marinero) (1963)

Toi qui sais (Tú que sabes) (1956)

Toujours aimer (Siempre amaré) (1961)

Tous les amoureux chantent (Todos los enamorados cantan) (1950)

Tout fout le camp (Todo se va al infierno!) (1937)

Traqué (Perseguida) (1963)

Tu n'as pas besoin de mes rêves (No necesitas mis sueños) (1949)

Un coin tout bleu (Una esquina muy azul) (1942)

Un Dimanche à Londres (Un domingo en Londres) (1963)

Un étranger (Un extranjero) (1958)

Un grand amour qui s'achève (Un gran amor que se termina) (1955)

Un homme comme les autres (Un hombre como cualquier otro) (1947)

Un monsieur me suit dans la rue (Un señor me sigue en la calle) (1942)

Un refrain courait dans la rue (Un estribillo corría en la calle) (1947)

Une chanson à trois temps (Una canción a tres tiempos) (1947)

Une enfant (Una niña) (1951)

Une valse (Un vals) (1962)

Va danser (Bailará) (1936)

Y en a un d'trop (Hay algo de exceso) (1939)

Y'a pas de printemps (No hay primavera) (1944)

Y'avait du soleil (Estaba soleado) (1936)

# data[].attributes.attachment_link.description
Avant L'heure (Antes de la Hora)(1951) Avant Nous (Antes que Nosotros) (1956) Avec Ce Soleil (Con este Sol) (1954) Bal Dans Ma Rue (Baile En Mi Calle) (1949) Boulevard du Crime (Bulevar del Crimen) (1960) Bravo Pour le Clown (Bravo Por el Payaso) (1953) Browning (Señor Browning) (1937) Dans les

# data[].attributes.headline
Louis XIV: The Construction of a Political Image - Virtual tour

# data[].attributes.subject
Louis XIV: The Construction of a Political Image - Virtual tour

# data[].attributes.body
El Palacio de Versalles recibe millones de visitantes al año y es uno de los recintos turísticos y culturales más reconocidos del mundo, ahora es posible conocerlo de forma mucho más inmersiva, no solo con fotos y videos, sino a través de la realidad virtual.

Te pronpongo de descubrir la figura particular de Louis XIV através este tour.

# data[].attributes.attachment_link.title
Louis XIV: The Construction of a Political Image - Palace of Versailles - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
These representations of the King, his actions, and his benevolence contributed to the image of his grandeur and power. Louis XIV was the most portrayed ...

# data[].attributes.body
Si te interesa la historia, descubre este documental sobre el palacio de Versallles... Disfruta !

# data[].attributes.attachment_link.title
Secretos de los museos - El palacio de Versalles en París

# data[].attributes.body
Step 1 : Discover the Birth of the Eiffel Tower

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Key figures

The construction schedule

The Design of the Eiffel Tower

The plan to build a tower 300 metres high was conceived as part of preparations for the World's Fair of 1889.

The wager was to " study the possibility of erecting an iron tower on the Champ-de-Mars with a square base, 125 metres across and 300 metres tall". Selected from among 107 projects, it was that of Gustave Eiffel, an entrepreneur, Maurice Koechlin and Emile Nouguier, both engineers, and Stephen Sauvestre, an architect, that was accepted.

Emile Nouguier and Maurice Koechlin, the two chief engineers in Eiffel's company, had the idea for a very tall tower in June 1884. It was to be designed like a large pylon with four columns of lattice work girders, separated at the base and coming together at the top, and joined to each other by more metal girders at regular intervals.

The tower project was a bold extension of this principle up to a height of 300 metres - equivalent to the symbolic figure of 1000 feet. On September 18 1884 Eiffel registered a patent "for a new configuration allowing the construction of metal supports and pylons capable of exceeding a height of 300 metres".
In order to make the project more acceptable to public opinion, Nouguier and Koechlin commissioned the architect Stephen Sauvestre to work on the project's appearance.

A quite different first edition

Sauvestre proposed stonework pedestals to dress the legs, monumental arches to link the columns and the first level, large glass-walled halls on each level, a bulb-shaped design for the top and various other ornamental features to decorate the whole of the structure. In the end the project was simplified, but certain elements such as the large arches at the base were retained, which in part give it its very characteristic appearance.

The curvature of the uprights is mathematically determined to offer the most efficient wind resistance possible. As Eiffel himself explains: "All the cutting force of the wind passes into the interior of the leading edge uprights. Lines drawn tangential to each upright with the point of each tangent at the same height, will always intersect at a second point, which is exactly the point through which passes the flow resultant from the action of the wind on that part of the tower support situated above the two points in question. Before coming together at the high pinnacle, the uprights appear to burst out of the ground, and in a way to be shaped by the action of the wind".

The construction

The assembly of the supports began on July 1, 1887 and was completed twenty-two months later.

All the elements were prepared in Eiffel's factory located at Levallois-Perret on the outskirts of Paris. Each of the 18,000 pieces used to construct the Tower were specifically designed and calculated, traced out to an accuracy of a tenth of a millimetre and then put together forming new pieces around five metres each. A team of constructors, who had worked on the great metal viaduct projects, were responsible for the 150 to 300 workers on site assembling this gigantic erector set.

The rivet workers

All the metal pieces of the tower are held together by rivets, a well-refined method of construction at the time the Tower was constructed. First the pieces were assembled in the factory using bolts, later to be replaced one by one with thermally assembled rivets, which contracted during cooling thus ensuring a very tight fit. A team of four men was needed for each rivet assembled: one to heat it up, another to hold it in place, a third to shape the head and a fourth to beat it with a sledgehammer. Only a third of the 2,500,000 rivets used in the construction of the Tower were inserted directly on site.

The uprights rest on concrete foundations installed a few metres below ground-level on top of a layer of compacted gravel. Each corner edge rests on its own supporting block, applying to it a pressure of 3 to 4 kilograms per square centimetre, and each block is joined to the others by walls.

On the Seine side of the construction, the builders used watertight metal caissons and injected compressed air, so that they were able to work below the level of the water.

The tower was assembled using wooden scaffolding and small steam cranes mounted onto the tower itself.

The assembly of the first level was achieved by the use of twelve temporary wooden scaffolds, 30 metres high, and four larger scaffolds of 40 metres each.

"Sand boxes" and hydraulic jacks - replaced after use by permanent wedges - allowed the metal girders to be positioned to an accuracy of one millimetre.

On December 7, 1887, the joining of the major girders up to the first level was completed. The pieces were hauled up by steam cranes, which themselves climbed up the Tower as they went along using the runners to be used for the Tower's lifts.

The number

5

months to build the foundations

It only took five months to build the foundations and twenty-one to finish assembling the metal pieces of the Tower.

Considering the rudimentary means available at that period, this could be considered record speed. The assembly of the Tower was a marvel of precision, as all chroniclers of the period agree. The construction work began in January 1887 and was finished on March 31, 1889. On the narrow platform at the top, Eiffel received his decoration from the Legion of Honour.

Journalist Emile Goudeau describes the spectacle visiting the construction site at the beginning of 1889.

"A thick cloud of tar and coal smoke seized the throat, and we were deafened by the din of metal screaming beneath the hammer. Over there they were still working on the bolts: workmen with their iron bludgeons, perched on a ledge just a few centimetres wide, took turns at striking the bolts (these in fact were the rivets). One could have taken them for blacksmiths contentedly beating out a rhythm on an anvil in some village forge, except that these smiths were not striking up and down vertically, but horizontally, and as with each blow came a shower of sparks, these black figures, appearing larger than life against the background of the open sky, looked as if they were reaping lightning bolts in the clouds."

Mr. Eiffel's Blueprints

The following blueprints are copies of Gustave Eiffel's originals, taken from the book La Tour de 300 mètres, Ed. Lemercier, Paris 1900

Debate and controversy surrounding the Eiffel Tower

Even before the end of its construction, the Tower was already at the heart of much debate. Enveloped in criticism from the biggest names in the world of Art and Literature, the Tower managed to stand its ground and achieve the success it deserved.

Various pamphlets and articles were published throughout the year of 1886, le 14 février 1887, la protestation des Artistes.

The "Protest against the Tower of Monsieur Eiffel", published in the newspaper Le Temps, is addressed to the World's Fair's director of works, Monsieur Alphand. It is signed by several big names from the world of literature and the arts : Charles Gounod, Guy de Maupassant, Alexandre Dumas junior, François Coppée, Leconte de Lisle, Sully Prudhomme, William Bouguereau, Ernest Meissonier, Victorien Sardou, Charles Garnier and others to whom posterity has been less kind.

Other satirists pushed the violent diatribe even further, hurling insults like : "this truly tragic street lamp" (Léon Bloy), "this belfry skeleton" (Paul Verlaine), "this mast of iron gymnasium apparatus, incomplete, confused and deformed" (François Coppée), "this high and skinny pyramid of iron ladders, this giant ungainly skeleton upon a base that looks built to carry a colossal monument of Cyclops, but which just peters out into a ridiculous thin shape like a factory chimney" (Maupassant), "a half-built factory pipe, a carcass waiting to be fleshed out with freestone or brick, a funnel-shaped grill, a hole-riddled suppository" (Joris-Karl Huysmans).

Once the Tower was finished the criticism burnt itself out in the presence of the completed masterpiece, and in the light of the enormous popular success with which it was greeted. It received two million visitors during the World's Fair of 1889.

An extract from the "Protest against the Tower of Monsieur Eiffel", 1887

" We come, we writers, painters, sculptors, architects, lovers of the beauty of Paris which was until now intact, to protest with all our strength and all our indignation, in the name of the underestimated taste of the French, in the name of French art and history under threat, against the erection in the very heart of our capital, of the useless and monstrous Eiffel Tower which popular ill-feeling, so often an arbiter of good sense and justice, has already christened the Tower of Babel. (...)

Is the City of Paris any longer to associate itself with the baroque and mercantile fancies of a builder of machines, thereby making itself irreparably ugly and bringing dishonour ? (...). To comprehend what we are arguing one only needs to imagine for a moment a tower of ridiculous vertiginous height dominating Paris,just like a gigantic black factory chimney, its barbarous mass overwhelming and humiliating all our monuments and belittling our works of architecture, which will just disappear before this stupefying folly.

And for twenty years we shall see spreading across the whole city, a city shimmering with the genius of so many centuries, we shall see spreading like an ink stain, the odious shadow of this odious column of bolted metal.

Gustave Eiffel's Response

In an interview in the newspaper Le Temps of February 14 1887, Eiffel gave a reply to the artists' protest, neatly summing up his artistic doctrine:

"For my part I believe that the Tower will possess its own beauty. Are we to believe that because one is an engineer, one is not preoccupied by beauty in one's constructions, or that one does not seek to create elegance as well as solidity and durability ? Is it not true that the very conditions which give strength also conform to the hidden rules of harmony ? (...) Now to what phenomenon did I have to give primary concern in designing the Tower ? It was wind resistance.

Well then ! I hold that the curvature of the monument's four outer edges, which is as mathematical calculation dictated it should be (...) will give a great impression of strength and beauty, for it will reveal to the eyes of the observer the boldness of the design as a whole. Likewise the many empty spaces built into the very elements of construction will clearly display the constant concern not to submit any unnecessary surfaces to the violent action of hurricanes, which could threaten the stability of the edifice. Moreover there is an attraction in the colossal, and a singular delight to which ordinary theories of art are scarcely applicable".

# data[].attributes.attachment_link.title
The birth of the Eiffel Tower - Official Eiffel Tower Website

# data[].attributes.attachment_link.description
It was at the 1889 Exposition Universelle, the date that marked the 100th anniversary of the French Revolution, that a great competition was launched in the Journal Officiel. The first digging ...

# data[].attributes.body
Step 2 : Answer to the different questions

# data[].attributes.body
Step 1 : Discover about the universal exhibition and the Eiffel Tower

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Immediate success for the tallest tower in the world

The 1889 Exposition Universelle received millions of visitors. Amongst them, 1,953,122 came to see the Eiffel Tower, in other words almost 12,000 a day! The Tower was met with immediate success.

From the very first week, though the lifts were not yet in service (they would be from the 26th May), almost 30,000 visitors climbed the monument using the staircase, that is to say 1,710 steps to the top !

At the time, the Eiffel Tower was the tallest tower in the world and people from all countries went to the heart of the French Capital to admire this architectural masterpiece.

The public hurried to experience not only the dizzy heights of the ascent, but above all an unprecedented view over Paris, since no one had yet seen the view from an aeroplane.

The Eiffel Tower has attracted among its copious number of celebrity visitorsthe French actress Sarah Bernhardt, the Prince of Wales (future King Edward VII) and the Princess of Wales, George I of Greece, le Shah of Persia, Prince Baudouin and other, more unexpected guests such as one certain American: he had long hair, a broad hat and tan-coloured chaps. It was William F. Cody, known by the name of Buffalo Bill.

On the 10th July, the President of the French Republic, Sadi Carnot, very satisfied with his visit, offered a sum of 200 Francs to the Eiffel Tower employees and a sum of 100 Francs to the Figaro printing staff!

# data[].attributes.attachment_link.title
World's Fair - Official Eiffel Tower Website

# data[].attributes.attachment_link.description
The tenth Exposition Universelle was organised in Paris in 1889, from the 15th May to the 6th November, and it was for this occasion that the Eiffel Tower was built. Stretching over 95 hectares, the Exposition...

# data[].attributes.body
Step 2 : Answer to the different questions

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La pintura y la Torre

Poco después de su construcción, la torre se convirtió en la temática preferida por los pintores y los artistas contemporáneos siguen tomándola como modelo.

Georges Seurat la pintó en 1888, incluso antes de que estuviera terminada. Más tarde, le Douanier Rousseau, Signac, Bonnard, Utrillo, Gromaire, Vuillard, Dufy, Chagall alabaron la torre. A partir de 1910, Robert Delaunay le dio un aspecto cubista en toda una serie de pinturas sobre lienzo.
Algunos pintores:

1888 - Georges Seurat : " La Tour Eiffel " (Fine Arts, Museum of San Fransisco).

1889 - Jean Beraud : " Entrée de l'Exposition Universelle " (Musée Carnavalet, París).

1890 - Le Douanier Rousseau : " Moi-même, portrait paysage " (Narodni Galerie en Praga).

1890 - Paul Signac : " Seine Grenelle " (Coll. Particulière).

1911 - Robert Delaunay : " Tour Eiffel dite la Tour Rouge " (S.R. Guggenheim Museum, Nueva York).

1910/1912 - Robert Delaunay : " La Ville de Paris " (MNAM - Centre G. Pompidou à Paris).

1913 - Marc Chagall : " Paris vu par la fenêtre " (S.R. Guggenheim Museum, Nueva York).

1926 - Romaine Brooks : " Jean Cocteau " (MNAM - Centre G. Pompidou, París).

1954 - Marc Chagall : " Champ de Mars " (Essen Musée Folkwang).

1954 - Nicolas de Staël : " La Tour Eiffel " - Museo de Troyes.

Y también Raoul Dufy, Gino Severini, Utrillo, Bernard Buffet, Pol Bury, Roger Lersy...

La torre Eiffel, musa del séptimo arte

Filmada por Louis Lumière desde 1897 y presente desde entonces en numerosas producciones, la Torre Eiffel está aún más relacionada si cabe con la aventura del cine porque Gustave Eiffel contribuyó como socio de la empresa fundada por Léon Gaumont en 1895. Durante el siglo XX, la Torre Eiffel se convirtió en el símbolo de París y de Francia en todo el mundo. Desde los comienzos del cine hasta nuestros días, su sola presencia permite situar la acción o darle un toque atemporal o romántico a las obras.

1897 - " Panorama pendant l'ascension de la Tour Eiffel " (Panorámica durante el ascenso de la Torre Eiffel) de Louis Lumière

1897 - " Images de L'Exposition 1900 " (Imágenes de la exposición 1900) de Georges Méliès.

1905 - " La Course à la perruque " (La caza de la peluca) de Georges Hatot.

1923 - " Paris qui dort " (París durmiente) de René Clair.

1927 - " La Tour " (La torre) de René Clair (documental) y " Misterios de la Torre Eiffel " de Julien Duvivier.

1930 - " La Fin du monde " (El fin del mundo) de Abel Gance.

1939 - " La Tour Eiffel " (La Torre Eiffel) de Jean Denis.

1945 - " À l'assaut de la Tour Eiffel " (Al asalto de la torre) de Alain Pol.

1948 - " L'Homme de la Tour Eiffel " (El hombre de la Torre Eiffel) de Burgess Meredith.

1952 - " Bonjour Paris " (Buenos días, París) de Jean Image ( dibujo animado ).

1955 - " Marguerite de la nuit " (Marguerite de la noche) de Claude Autant-Lara.

1956 - - " Le Chanteur de Mexico " (El cantante de México) de Richard Pottier.

1960 - " Zazie dans le métro " (Zazie en el metro) de Louis Malle

1965 - " La carrera del siglo " de Blacke Edwards.

1966 - " Un idiot à Paris " (Un idiota en París) de S. Korber.

1980 - " Les Uns et les Autres " (Los unos y los otros) de Claude Lelouch y " Superman II " de Richard Lester.

1982 - " Los rufianes " de José Giovanni.

1984 - " Orilla izquierda, orilla derecha " de Philippe Labro y " Panorama para matar " de John Glen.

1998 - " Un hombre lobo americano en París " de A. Waller.

2000 - " Cásate conmigo " de Harriet Marin.

2003 - " Le Divorce " de James Ivory.

2003 - " El fugitivo " (le Fugitif) de Andrea Manni.

2004 - " Le démon de Midi " (El demonio de mediodía) de Marie-Pascale Osterrieth.

2005 - " Angel-A " de Luc Besson.

2005 - " El código Da Vinci " de Ron Howard.

2006 - " La verdadera leyenda de la Torre Eiffel " de Simon Brook.

2007 - " Rush Hour III " de Brett Rattner.

2010 - " Desde París con amor " de Pierre Morel

2010 - " Adèle y el misterio de la momia " de Luc Besson

La torre también ha inspirado a filósfos, poetas y escritores

Entre ellos podemos citar Blaise Cendrars, Guillaume Apollinaire, Aragon, Raymond Queneau, Jean Cocteau, Jean Giraudoux, Le Corbusier, François Coppée, Dino Buzzati, Guy de Maupassan, sin olvidarnos de Roland Barthes y sus magníficos textos ("La tour Eiffel" (La Torre Eiffel) - editorial Deplire - 1964).

Música

Fuente de inspiración para la canción, otra tradición es celebrar a sus pies grandiosos eventos como el día 25 septiembre 1962 cuando Darryl F. Zanuk organizó para el lanzamiento de la película "Le jour le plus long" (El día más largo) un espectáculo impresionante. Edith Piaf actuó en la primera planta y cantó ante 25.000 parisinos. Le siguieron Charles Aznavour y Georges Brassens en 1966 para ayudar a la campaña contra el hambre. Jean-Michel Jarre presentó el 50 aniversario de la Unesco, el día 14 julio 1995. El concierto de los "3 tenores" reunió en julio 1998 a más de 200.000 espectadores a los pies de la torre para escuchar a José Carreras, Plácido Domingo y Luciano Pavarotti. En 2000, Johnny Hallyday batió todos los récords en junio reuniendo a 600.000 espectadores para un concierto y un espectáculo pirotécnico.

La torre también es un lugar perfecto para conciertos privados y exhibiciones en la sala de recepciones de la primera planta como los de Alanis Morissette, Robbie Williams, Texas, Raphaël, Marc Lavoine, Christophe Maé, Justin Bieber, VV Brown o incluso Véronique Sanson.
Algunas canciones:

Michel Emer : " Paris, mais c'est la Tour Eiffel... "

Charles Trénet : " Y a d'la joie, la Tour Eiffel part en balade... "

Léo Ferré : " La Tour Eiffel a froid aux pieds... "

Jacques Dutronc : " Seine Grenelle " (Coll. Particulière).

Pascal Obispo : " Je suis tombé pour elle... "

Teatro musical: Los novios de la Torre Eiffel de Jean Cocteau.

"Silhouette" (Silhueta), una obra del compositor estonio, Arvo Pärt. Homenaje a Gustave Eiffel, creada en 2010.

La Torre y la publicidad

Durante muchos años, la Torre Eiffel se ha utilizado en publicidad. Sobre la aguja de la torre, entre 1925 y 1936, tuvo Citroën en letras luminosas.

Desde, Air France, La Samaritaine, Sony Ericsson, Yves-Saint-Laurent, Jean-Paul Gaultier, Philips, Nina Ricci, Alain Afflelou, ADP, American Express, Dior, Givenchy, son algunas de las marcas más conocidas que la han utilizado como imagen de referencia.
Como utilizar la imagen de la Torre Eiffel ?

Su vocación artística más original: los espectáculos pirotécnicos

En 1888, se lanzaron fuegos artificiales para celebrar la terminación de la construcción del monumento.

En 1937, para la Exposición de las Artes y Técnicas, se colocó una instalación luminosa diseñada por el arquitecto André Granet. Todas las noches se lanzaban magníficos fuegos artificiales, auténticas fuentes de fuego, desde las tres plantas de la Torre.

Más recientemente, la "Entrada del año 200", una auténtica danza de luces y fuego, retransmitida por 250 televisiones del mundo, hizo soñar a todo el planeta. Espectáculo realizado por Groupe F y ECA2.

Por último, el 14 julio 2009, el tradicional espectáculo pirotécnico tuvo lugar en la torre (y no en el Troccadéro, donde siempre se desarrollan los fuegos artificiales ofrecidos por el Ayuntamiento de París para celebrar la Fiesta Nacional) con motivo de su 120 aniversario.

# data[].attributes.attachment_link.title
El arte y la Torre Eiffel - Página web oficial de la Torre Eiffel

# data[].attributes.attachment_link.description
Poco después de su construcción, la torre se convirtió en la temática preferida por los pintores y los artistas contemporáneos siguen tomándola como modelo. Georges Seurat la pintó en 1888, incluso antes de que estuviera terminada. Más tarde, le Douanier Rousseau, Signac, Bonnard, Utrillo, Gromaire, Vuillard, Dufy, Chagall alabaron la torre.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La campaña de pintura: cómo se desarrolla

Una condición previa : los equipos de seguridad

Antes de que los pintores intervengan, unos especialistas en trabajos sobre edificios de gran altura colocan previamente las redes de seguridad y las líneas de vida.

Las líneas de vida

Los pintores están equipados con un arnés para trabajar en las vigas de la Torre Eiffel y su seguridad está garantizada en las mejores condiciones gracias a la instalación sistemática de "líneas de vida" (cables) que permiten a los obreros desplazarse con un punto de anclaje permanente.

Las redes de seguridad

Se instalan redes de seguridad para asegurar las zonas de trabajo (contra la caída de objetos) y atrapar los desconchones de pintura. Por primera vez en 2009, se equipan con un sistema "antigoteo" gracias a la aparición de films de polímeros.

La seguridad de las herramientas

Todas las herramientas utilizadas se atan al cinturón o las muñecas de los pintores, incluidos los botes de pintura y las brochas.

El trabajo de los pintores: evaluar, decapar, limpiar y aplicar la pintura

La envergadura y la complejidad del trabajo suponen una metodología rigurosa que incluye una fase preparatoria en busca de las zonas más corroídas (en general, aproximadamente el 5% de la superficie total de las estructuras). Después se lijan bien dichas zonas, a continuación, se aplica una primera capa de imprimación antióxido, seguida de una segunda aplicación de antióxido de refuerzo. Por último, se aplica una capa de pintura de acabado.

Para el resto de la estructura, se realiza una limpieza a vapor de alta presión en todas las zonas marcadas como "buenas". Se tratan las imperfecciones o se desatascan los desagües y, por último, se aplican dos capas de pintura.

De forma regular, unos expertos en pintura anticorrosión se encargan de controlar la calidad del trabajo realizado, incluso en las zonas de difícil acceso.

El transcurso de la campaña

Con 15 meses de trabajo efectivo, la campaña dura aproximadamente 18 meses, teniendo en cuenta las interrupciones debido al tiempo:

no se puede pintar sobre estructuras demasiado frías.

baja adherencia de la pintura sobre estructuras húmedas.

# data[].attributes.attachment_link.title
La pintura de la Torre Eiffel - La Torre Eiffel, página web oficial

# data[].attributes.attachment_link.description
Antes de que los pintores intervengan, unos especialistas en trabajos sobre edificios de gran altura colocan previamente las redes de seguridad y las líneas de vida. Los pintores están equipados con un arnés para trabajar en las vigas de la Torre Eiffel y su seguridad está garantizada en las mejores condiciones gracias a la instalación sistemática de "líneas de vida" (cables) que permiten a los obreros desplazarse con un punto de anclaje permanente.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Visita en modo subjetivo, vistas panorámicas, recorrido histórico interactivo... Hemos reunido para usted lo mejor de las visitas virtuales de la "dama de hierro" para que realice una inmersión totalmente única.

Una visita completa de la torre Eiffel en realidad virtual

Para celebrar el 130.º aniversario de la torre Eiffel, TV5 Monde ha creado una visita de 360° en realidad virtual, que desvela todas las facetas de la torre en 3 minutos: el amanecer desde el Campo de Marte y la ascensión panorámica hasta la cima, desde el interior y el exterior. ¡Visite la torre Eiffel como si estuviera allí y mejor aún!

TV5 Monde le lleva más allá de la cima, donde podrá explorar sus entresijos y descubrir una vista inigualable de la capital francesa.

Vistas panorámicas desde la torre Eiffel en la guía de visita móvil

Nuestra nueva guía de visita móvil muestra las mejores vistas panorámicas desde la torre Eiffel, tanto de día como de noche. Aunque no esté en la torre Eiffel, ¡venga igualmente a descubrirla! Le permitirá admirar París como si se encontrara en el segundo piso o en la cima de la torre.

Diríjase a la guía de la torre y navegue desde el pie hasta la cima con la ayuda de las flechas en los extremos de su pantalla. Seleccione el modo "vista panorámica", disponible en el segundo piso y la cima. Recorra la vista panorámica a derecha o izquierda, active el modo nocturno y acerque la imagen para poder contemplar la catedral de Notre-Dame, la plaza de la Concordia, los Invalides y muchos otros monumentos de París.

Aproveche esta experiencia completa en alta definición que le dejará con la boca abierta.

La torre Eiffel explicada por Google Arts & Culture

Google Arts & Culture es un servicio gratuito que permite visitar museos y monumentos en línea. ¡El arte y la cultura nunca han estado tan al alcance de todo el mundo! En colaboración con Google Arts & Culture, la torre Eiffel le propone recorridos interactivos históricos para descubrir qué se esconde tras este monumento, famoso en todo el mundo y lleno de historia.

Las diferentes exposiciones de temas variados le transportarán al corazón del París de principios de siglo gracias a las impresionantes imágenes que atestiguan la pericia de la época.

Descubrir el monumento

Después de descubrir las vistas panorámicas desde la torre y las exposiciones históricas, finalice su visita virtual directamente en nuestra página web, en las secciones "Descubrir" y "Monumento", que le permitirán averiguar todo lo que necesita sobre la torre.
- La sección "" muestra las particularidades de cada piso de la torre
- La sección "El monumento" cuenta la historia completa de la torre Eiffel, en todos sus aspectos: nacimiento, ascensores, iluminación, investigación científica, etc.

# data[].attributes.attachment_link.description
Visita en modo subjetivo, vistas panorámicas, recorrido histórico interactivo... Hemos reunido para usted lo mejor de las visitas virtuales de la "dama de hierro" para que realice una inmersión totalmente única.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Inaugurado el 31 diciembre 1985, diseñado por Pierre Bideau, ingeniero en iluminación, compuesto por 336 proyectores, equipados con lámparas de sodio de alta presión de color amarillo-anaranjado.

Esta iluminación, que fue un éxito mundial y unánime, marcó el punto de partida, en París y en las grandes ciudades de Francia y del mundo, de un renacimiento de la puesta en valor nocturna de los monumentos.

Los haces de luz, dirigidos de abajo hacia arriba, iluminan la torre Eiffel desde el interior de su estructura. Desde 1958, sustituyendo los 1.290 proyectores en servicio que iluminaban la Torre desde el exterior, realzan la delicada estructura metálica del monumento e iluminan los lugares transitados por los visitantes de noche hasta la hora de cierre de la torre. Además del aspecto estético, también es necesario para la seguridad del funcionamiento nocturno de la Torre.

El encendido de los proyectores se realiza en menos de 10 minutos. Unos sensores lo activan al anochecer.

En 2004, son sustituidos por proyectores con una potencia eléctrica de 600 vatios en lugar del 1 KW anterior, es decir, un ahorro en el consumo de energía de aproximadamente el 40%. Este mejor rendimiento luminoso conserva toda la belleza del aspecto final.

En junio 2007, se cambiaron las 336 bombillas por unas idénticas.

Faro y destellos con motivo de la "entrada del año 2000"

El 31 diciembre 1999 a medianoche, el mundo entero descubre el faro y los destellos de la torre.

El faro, 2 haces de luz con un alcance de 80 kilómetros, se compone de 4 proyectores motorizados tipo "marina". Están dirigidos por micro-ordenador, gracias a un programa informático específico y un autómata programable que genera sus movimientos. Gracias a su rotación de 90°, se sincronizan para formar un haz doble en cruz que pivota 360°.

Las lámparas xenón de 6000W fueron seleccionadas por su vida útil de 1.200 horas aproximadamente. Las lámparas se ventilan para evitar el sobrecalentamiento y un sistema de calefacción se pone en marcha cuando la temperatura desciende a bajo cero cuando las luces están apagadas.

Este faro recuerda al de Gustave Eiffel jugando el papel de referencia simbólica y universal.

Los destellos se superponen sobre el alumbrado dorado. Formados por 20.000 lámparas (5.000 por cada frente de la torre), dan vida al monumento durante los 5 primeros minutos de cada hora una vez encendido el alumbrado de la torre, hasta las 1.00h de la mañana.

Para terminar el espectáculo, a modo de colofón, de 01.00h a 01.10h de la mañana, el alumbrado dorado se apaga dejando en su lugar únicamente los destellos. Cinco minutos de magia, un espectáculo jamás visto antes, algo que no se puede perder.

20 000

Bombillas de destellos

La cifra

Una instalación fuera de las normas

Los trabajos de instalación fueron tan impresionantes como el propio monumento:

25 alpinistas durante 5 meses

40 kilómetros de guirnaldas luminosas y cables de alimentación

40.000 grapas y 80.000 piezas metálicas diversas, con un peso total de 60 toneladas

230 armarios de luces y cuadros eléctricos fueron necesarios

10.000 m2 de redes de seguridad

Une potencia de 120 kilovatios

Presupuesto total de 4,55 millones de euros IVA no incluido

Una modernización en 2003 para 10 años

El dispositivo del año 2000, concebido para ser temporal, fue sustituido en junio 2003 por una instalación diseñada para durar 10 años como mínimo.

El faro, 2 haces de luz con un alcance de 80 kilómetros, se compone de 4 proyectores motorizados tipo "marina". Están dirigidos por micro-ordenador, gracias a un programa informático específico y un autómata programable que genera sus movimientos. Gracias a su rotación de 90°, se sincronizan para formar un haz doble en cruz que pivota 360°.

Las lámparas xenón de 6000W fueron seleccionadas por su vida útil de 1.200 horas aproximadamente. Las lámparas se ventilan para evitar el sobrecalentamiento y un sistema de calefacción se pone en marcha cuando la temperatura desciende a bajo cero cuando las luces están apagadas.

Este faro recuerda al de Gustave Eiffel jugando el papel de referencia simbólica y universal.

Los destellos consumen poca energía

Cada una de las 20.000 bombillas tienen una potencia baja de 6 vatios y se iluminan de forma aleatoria, ya que cada bombilla es independiente a las demás. Además, el paso de la duración de los destellos de 10 a 5 minutos por hora en 2008 ha permitido reducir el consumo de energía y sobre todo prolongar varios años la vida útil de la instalación.

Los grandes momentos luminosos de la torre Eiffel

Desde siempre, la Torre Eiffel ha gozado de una iluminación con un carácter festivo. Gracias a las renovaciones constantes de las fuentes de iluminación artificial, la torre también desde sus orígenes ha contado con las últimas innovaciones en materia de alumbrado: del gas a la electricidad, de las bombillas incandescentes a las de neón pasando por las de sodio de alta presión y las LED más recientemente.

1889 : La noche de su inauguración, 10.000 lámparas de gas y las plataformas. En la cima, dos proyectores iluminan los monumentos de París. El faro azul-blanco-rojo de la cima es el más potente del mundo.

1900 : El alumbrado pasa a ser eléctrico. 5.000 bombillas dibujan las aristas y los arcos decorativos de la torre.

1907 : Un reloj gigante de 6 metros, instalado en la segunda planta da la hora en cifras luminosas.

1925-1936 : Gracias a André Citroën, un cartel luminoso con 250.000 bombillas de color decora el monumento. El nombre de Citroën inscrito en tres caras de la torre se veía a 40 kilómetros a la redonda.

1933-1934 : Un reloj con 15 metros de diámetro da la hora gracias a unas manecillas con forma de rayos luminosos. Se encuentra en la "E" de Citroën.

1937 : Para la Exposición de las Artes y las Técnicas, se instala en la primera planta una lámpara con 10 km de tubos fluorescentes. 30 proyectores tipo "marina" visten la torre con una luz blanca.

1958 : Se instalan 1.290 proyectores en varias fosas del Campo de Marte para iluminar la torre.

Navidad 1978 : La torre está decorada con un abeto luminoso con 30.000 bombillas.

31 diciembre 1985 : Inauguración del nuevo alumbrado de la torre, elemento final del programa de restauración del monumento, establecido por el municipio de París en 1980. Por las noches, la Torre Eiffel todavía hoy luce este vestido de luz dorada, que se consigue gracias a 350 proyectores de sodio de alta presión.

5 abril 1997 : D-1000 antes del año 2000, se coloca una gigante cuenta atrás en la cara del Trocadéro, en la segunda planta.

1 enero 2000 : Con motivo de la "entrada del año 2000" y de su espectáculo pirotécnico inolvidable, la torre estrena sus 20.000 luces destellantes y un faro nuevo en la cima. Los destellos diseñados, en un principio, para ser temporales se desmontan el 14 julio 2001.

21 junio 2003 : La Torre Eiffel vuelve a lucir sus destellos de diamante durante los diez primeros minutos de cada hora, desde la puesta de sol hasta las 01.00h de la mañana.

24-29 enero 2004 : Celebración del Año Nuevo Chino: ¡La Torre Eiffel se viste de rojo! Con motivo de la celebración del Año Nuevo Chino, el monumento más conocido de París se bañó con una luz roja escarlata, gracias a un ingenioso juego de proyectores exteriores. El inicio, el domingo día 24 enero, tuvo lugar después del desfile organizado en los Campos Elíseos, durante una ceremonia de iluminación en presencia de los ministros franceses y chinos de Cultura y de los alcaldes de París y Pekín . ¡Esta iluminación se mantuvo hasta el día 29 enero por la mañana, es decir, 5 días y se podía ver cada noche de 17.00h a 07.30h! Este trabajo de iluminación en rojo de la Torre Eiffel se realizó con la colaboración de Electricité de France.

9 mayo 2006 : Una torre azul con motivo de los 20 años del Día de Europa.

Del 7 septiembre al 20 octubre 2007 : Con motivo de la Copa del Mundo de Rugby que se celebra en Francia, la Torre Eiffel se viste con los colores del rugby.

Del 30 junio al 31 diciembre 2008 : La torre Eiffel con los colores de Europa.
ACon motivo de la presidencia francesa de la Unión Europea (1 julio - 31 diciembre 2008), la Torre Eiffel, junto con el Ayuntamiento de París, rinde homenaje a Europa. Cada noche, la torre se engalana al atardecer con un manto luminoso de color azul, decorado con las 12 estrellas amarillas de la bandera europea. Se mantuvieron los destellos habituales de los 5 primeros minutos de cada hora.

Del 22 octubre al 31 diciembre 2009 : La torre celebra sus 120 años ofreciendo todas las noches un espectáculo de luz.​​​​​​​

# data[].attributes.attachment_link.title
La iluminación de la Torre Eiffel - La Torre Eiffel, página web oficial

# data[].attributes.attachment_link.description
Inaugurado el 31 diciembre 1985, diseñado por Pierre Bideau, ingeniero en iluminación, compuesto por 336 proyectores, equipados con lámparas de sodio de alta presión de color amarillo-anaranjado. Esta iluminación, que fue un éxito mundial y unánime, marcó el punto de partida, en París y en las grandes ciudades de Francia y del mundo, de un renacimiento de la puesta en valor nocturna de los monumentos.

# data[].attributes.headline
10 CURIOSIDADES QUE NO SABÍAS DE LA TORRE EIFFEL 

# data[].attributes.subject
10 CURIOSIDADES QUE NO SABÍAS DE LA TORRE EIFFEL 

# data[].attributes.attachment_link.title
10 CURIOSIDADES QUE NO SABÍAS DE LA TORRE EIFFEL

# data[].attributes.body
Haussmann es un urbanista que  dirigió las grandes reformas urbanísticas de París y creó una serie de pautas urbanísticas que influirían en el resto de Europa, hasta Latinoamérica.

Etapa 1 : Lee el articulo

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Caminar por París es una forma ideal de experimentar la vida en la capital francesa. Al pasear por las calles, te encontrarás con todo tipo de sitios llamativos, como sus mundialmente famosas entradas del metro, escaparates únicos, hermosos cafés y, elevándose por encima del resto, los históricos edificios Haussmann.

Diseñados por el barón Georges-Eugène Haussmann como una forma de modernizar el París del siglo XIX, estos edificios se han convertido en un símbolo del encanto tradicional de la ciudad desde entonces. Si bien cualquiera que visite los bulevares más concurridos de París seguramente verá estos condominios de color crema, muchos probablemente desconocen su historia y sus controvertidos orígenes.

El barón Haussmann y la reconstrucción de París

Georges Eugène Haussmann nació en París en 1809. En sus veintes, Haussmann entró en el ámbito de la administración pública, y se convirtió en el secretario general de una prefectura en el suroeste de Francia. Después, ocupó una serie de puestos cada vez más importantes en todo el país.

En 1848, cuando Haussmann trabajaba como prefecto adjunto de otro departamento en el suroeste del país, Louis-Napoléon Bonaparte se convirtió en el presidente de Francia. Siguiendo los pasos de su tío, Napoléon I, eventualmente se hizo del poder para convertirse en emperador. Durante su reinado de 18 años como Napoleón III -nombre que adoptó como líder supremo- una de sus principales iniciativas fue la reconstrucción completa de París.

A mediados del siglo XIX, la ciudad ya no podía satisfacer las necesidades de salud, transporte y vivienda de su creciente población. Para remediar este gran problema, Napoleón III nombró a Haussmann como prefecto del Sena, un papel que le obligaba a supervisar una ambiciosa serie de proyectos de obras públicas. Desde 1853 hasta 1870, Haussmann equipó a París con nuevas tuberías de agua y alcantarillado, estaciones de tren y una red bulevares uniformes.

Los bulevares de París

Haussmann fue elegido por el emperador para dirigir el diseño y la construcción de esta red de bulevares. Napoleón III buscaba que estos avenidas anchas y abiertas lograran " aérer, unifier, et embellir" ("airear, unificar y embellecer") París, que todavía estaba compuesta principalmente por callejones medievales oscuros y pasajes estrechos y sinuosos. Aunque era un admirador de la historia, Haussmann optó por demoler muchas de estas pequeños caminos, lo que culminó en un evento controvertido que finalmente sería descrito como el "destripamiento del viejo París".

En 1859, Haussmann completó la grande croisée de Paris, un proyecto que introdujo una importante intersección con el centro de la ciudad. Además de modernizar la rue de Rivoli, rue Saint-Antoine, Boulevard de Strasbourg, y el Boulevard Sébastopol-vías que siguen siendo muy utilizadas al día de hoy-la construcción de esta "gran cruz" culminó con el rediseño de varios sitios en París. Estos incluyen: la Place du Carrousel, una plaza pública ubicada junto al Louvre; las áreas que rodean el Hôtel de Ville, el ayuntamiento de París; y la Place du Châtelet, una bulliciosa plaza en el centro de este nuevo eje.

Tras construir la grande croisée de Paris, Haussmann siguió construyendo bulevar tras bulevar por todo París. Además de su amplitud, hay un elemento arquitectónico que hace que los bulevares de Haussmann sean reconocibles al instante: sus edificios de apartamentos.

Los edificios Haussmann

Para revestir sus bulevares, Haussmann diseñó y desarrolló un nuevo tipo de espacio habitable. A diferencia de los estrechos y desiguales condominios del París medieval, sus modernos edificios de apartamentos tendrían exteriores uniformes, que a su vez conformarían bloques cohesivos que enfatizarían aún más la idea de Napoleón III de un París "unificado".

Características

Si bien los interiores de estos apartamentos pueden diferir de un edificio a otro, Haussmann declaró que sus fachadas deben seguir pautas estrictas. Todos los edificios están hechos de una piedra de color crema, siendo la piedra caliza luteciana de origen local uno de los materiales más recurrentes. Aunque su altura va desde los 12 hasta los 20 metros de altura, cada edificio es proporcional al bulevar y no tienen más de seis pisos. También tienen techos abuhardillados de cuatro lados con una inclinación pronunciada en un ángulo de 45°. Finalmente, las fachadas de los condominios son estilísticamente similares, de acuerdo con un plano general piso por piso.

Piso por piso

Aunque los diseños exactos varían, la mayoría de los edificios de Haussmann siguen un diseño estándar:

La planta baja tiene techos altos y paredes gruesas para acomodar tiendas, oficinas y otros negocios.

El primer piso, conocido como "mezzanine", tiene techos bajos y generalmente es utilizado por los negocios como espacio para almacenamiento.

El segundo piso, or "étage noble", es tradicionalmente el apartamento más deseable de un edificio, ya que requiere subir menos escaleras. El segundo piso tiene un balcón largo y marcos de ventanas bellamente diseñados.

El tercer (y a veces el cuarto y quinto piso) tienen balcones más pequeños y ventanas menos elaboradas.

Para darle balance al edificio, el último piso también cuenta con un gran balcón. Sin embargo, como este nivel no es "noble", el balcón no está tan decorado y las ventanas son idénticas a las del tercer y cuarto piso.

El edificio se remata con el techo abuhardillado, que alberga pequeñas habitaciones en el ático (tradicionalmente utilizadas como cuartos de servicio) y pequeñas ventanas.

El legado de Haussmann

A finales de la década de 1860, menos de diez años después de que dio vida al edificio Haussmann, el barón se enfrentó a críticas cada vez mayores. Además de las quejas sobre su total desprecio por el "viejo París", los residentes estaban preocupados por los costos de sus proyectos, que, en última instancia, alcanzaron los 2,500 millones de francos. También hubo sospechas crecientes de que Napoleón III ordenó los grandes bulevares no para "airear, unificar y embellecer" París, sino acomodar a su gran ejército.

Por encima de todo, como señala Haussmann en sus memorias, a los parisinos les molestaba la construcción constante de la ciudad, y el hecho de que a Haussmann se le permitiera implementar un proyecto tan largo. "A los ojos de los parisinos, a quienes les gusta la rutina en las cosas pero son cambiantes cuando se trata de personas, cometí dos grandes errores: en el transcurso de diecisiete años, perturbé sus hábitos diarios al poner a París de cabeza, y tuvieron que ver la misma cara del prefecto en el Hotel de Ville", dice. "Esas fueron dos quejas imperdonables".

Sin embargo, incluso con tanta controversia, las renovaciones de Haussmann mejoraron de inmediato la calidad de vida de la ciudad. Hoy, tanto Haussmann como sus diseños son celebrados, y la popularidad del Boulevard Haussmann -una calle famosa que presenta sus icónicos edificios de apartamentos- confirma su legado.

Artículos relacionados:
Echa un dulce vistazo a la chocolatería más antigua de París La historia detrás de los icónicos letreros 'art nouveau' del metro de París Videos de 130 años de antigüedad te permiten explorar París durante la 'Belle Époque'

# data[].attributes.attachment_link.title
El estilo Haussmann: la arquitectura que transformó todo París con edificios modernos

# data[].attributes.attachment_link.description
Caminar por París es una forma ideal de experimentar la vida en la capital francesa. Al pasear por las calles, te encontrarás con todo tipo de sitios llamativos, como sus mundialmente famosas entradas del metro, escaparates únicos, hermosos cafés y, elevándose por encima del resto, los históricos edificios Haussmann.

# data[].attributes.body
Etapa 2 : responde a algunas preguntas

# data[].attributes.body
Etapa 3 : Descubre un modelo de Haussmann

Aqui puedes ver el modelo de un barrio de París antes y después de las renovaciones de Haussmann !

# data[].attributes.attachment_link.title
Maquette d'un quartier de Paris vu avant et après sa transformation par le préfet Georges-Eugène Haussmann, 1863-1870

# data[].attributes.attachment_link.description
Maquette présentée en galerie d'architecture et contemporaine

# data[].attributes.body
Etapa 4 : conoce un poco más el plan de Haussmann.

# data[].attributes.headline
The Pompidou Center : The first collection of modern and contemporary art in Europe

# data[].attributes.subject
The Pompidou Center : The first collection of modern and contemporary art in Europe

# data[].attributes.body
« I would like passionately, that Paris has a cultural center as it was sought to create in the United States with an unprecedented success, which is at the same time a museum and a center of creation, where the plastic arts would adjoin with music, cinema, books, audiovisual research, etc. The museum can only be of modern art, since we have the Louvre. Creation, of course, would be modern and constantly evolving. The library would attract thousands of readers who would also be brought into contact with the arts ». 1969, Georges Pompidou

Watch the video and discover the Pompidou Center.

# data[].attributes.attachment_link.title
The Pompidou Center in Paris, France - Modern & Contemporary Art Museum

# data[].attributes.body
Watch the video and enjoy !

# data[].attributes.body
Step 1 : Watch the video

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The Centre Pompidou was inaugurated on 31 January 1977. From the moment it opened to the public on 2 February 1977, it met with immense success, rapidly becoming one of the most popular cultural venues in the world and one of the most visited monuments in France.

The late 1970's and the 1980's saw the Centre Pompidou stage highly influential exhibitions that made major contributions to the history of 20th-century art: the series "Paris-New York", "Paris-Berlin", "Paris-Moscow" and "Paris-Paris", "Vienna: Birth of a Century", "The Immaterials", "Memories of the Future", "Maps and Figures of the Earth", "Magicians of the Earth". Under the leadership of its directors Pontus Hulten and Dominique Bozo, the collection of the musée national d'art moderne grew considerably and became a world leader in the field of modern and contemporary art.

A reorganisation in 1992 saw the creation of a department of cultural development, responsible for a programme of live performance, film screenings, lectures, symposia and debates. The fusion of the modern art museum and the centre for industrial design laid the foundations for an architecture and design collection that in twenty years has become one of the most impressive in the world.

After twenty years of activity and having welcomed over 150 million visitors, under president Jean-Jacques Aillagon the Centre Pompidou underwent renovation work that lasted from October 1997 to December 1999. The government provided funding to expand gallery space for the display of the permanent collection and improve facilities for live performance. The whole project saw the renewal and reorganisation of 100 000 m ² of floor space.

The Centre Pompidou reopened on 1 January 2000, again meeting with great success, being visited by 16 000 people a day that year. At present, the Centre Pompidou welcomes some 3.5 to 3.8 million visitors per annum, depending on the year.

# data[].attributes.attachment_link.description
The Centre Pompidou was inaugurated on 31 January 1977. From the moment it opened to the public on 2 February 1977, it met with immense success, rapidly becoming one of the most popular cultural venues in the world and one of the most visited monuments in France.

# data[].attributes.body
Step 2 : Answer to the different questions about the history of the Pompidou Center

# data[].attributes.body
Step 1 : Watch the video

# data[].attributes.attachment_link.description
Designed as an "evolving spatial diagram" by architects Renzo Piano and Richard Rogers, the architecture of the Centre Pompidou boasts a series of technical characteristics that make it unique in the world - the inspiration, even the prototype, of a new generation of museums and cultural centres.

# data[].attributes.body
Step 2 : Answer to the different questions about the building of the Pompidou Center

# data[].attributes.headline
Para saber más ! 10 must see artworks at the Pompidou Center : 

# data[].attributes.subject
Para saber más ! 10 must see artworks at the Pompidou Center : 

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Yves Klein, Blue Monochrome (IKB 3), 1960

According to artist Yves Klein, the aim of art is to capture beauty anywhere it might be, and to reveal it to the world. Klein is known for his involvement in the nouveau réalisme (new realism) art movement of the 1960s, but he also had a huge influence on Minimalism and Pop Art. Here, you can see a large version of his famous IKB (International Klein Blue). Klein developed 200 IKB pieces, mostly in 1960. Klein painted this blue monochrome because this color, for the artist, is filled with sensibility and reminds us of everything that is abstract in nature: the sea, the sky. You'll get lost in its beauty.

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

Quite possibly the most famous urinal in history, this piece by French artist Marcel Duchamp is viewed by many art historians and critics as a major landmark in 20th century art and the birth of the ready-made. Duchamp originally submitted this piece to the Exhibition of the Society of Independent Artists in 1917, but its was promptly rejected. In response to this rejection, Duchamp brought the piece to American photographer and art promoter Alfred Stieglitz 's studio, where Stieglitz displayed and took photos of the piece.

Sophie Calle, Hotel, 1981-1983

Founded on autobiographical stories, Calle's work associate words and pictures. The artist made an inquiry in Hotel, showing how the people renting a hotel room leave the room empty when they're not in it. By taking the role of a house-keeping lady, Sophie Calle examined for three weeks the traces of sleep and strangers intimacy in a secret transgression.

Otto Dix, Bildnis Der Journalistin Sylvia Von Harden, 1926

This painting by Dix, is representative of the Neue Sachlichkeit (New Objectivity) wave. This was a German art movement that appeared around 1920, and refers to the German masters of the 16 century, such as Holbein or Cranach. It brought back to use older technics, such as tempera on wood, and in the choice of the subject.

Louise Bourgeois, Precious Liquids, 1992

Precious Liquids is a closed space that we can physically cross. Inside you'll find a bed made out of steel, with a small pond of water, a lot of glass objects, a man's coat, and a little embroidered dress. This artwork, by Louise Bourgeois, is filled with emotion that has to be understood as a place for contemplation or confinement.

Andy Warhol, Self-Portrait in Drag, 1986

Self Portraits in Drag is actually a series, where Warhol draws from the worship of the American 1980s star-system. Made on the principle of the series, just like the celebrity portraits, these polaroids make the actual features of the artist disappearing under tons of make-up. The purpose of this artwork is to underline the performative nature of identity.

Mark Rothko, Untitled (Black, Red Over Black On Red), 1964

For Untitled, Mark Rothko started from a monochrome base, and saturated the canvas to a point where it loses its material nature. What Rothko called 'the ground-color', what we see as the vibrant, imposing background, emerges, according to the artist, as 'the simple expression of a complex thought'. An icon of the abstract expressionist movement, Mark Rothko explored throughout his artworks, the juxtaposition of material, light and color.

Thomas Hirschhorn, Outgrowth, 2005

By using recycled materials, supporter of a DIY aesthetic, Thomas Hirschhorn builds facilities nourished of social and political issues. The content of his work is both emotional and critical. Outgrowth is part of a series of installations aligning pollution by the outgrowth of globes on wall shelves.

Man Ray, Danger/Dancer, 1917-1920

This artwork by Man Ray was actually sold to the Pompidou Center for the small fee of 1 400 000 euros, on April 14th 2003. The work of art is a serigraphy and represents gears that were inspired by the movements of a Spanish dancer that the artist saw on a musical. 'The title was part of the composition, we read either dancer or danger' said Man Ray in Self-Portrait.

Art Gallery, Library, Museum

# data[].attributes.attachment_link.title
10 Must-See Artworks at the Pompidou Center

# data[].attributes.attachment_link.description
According to artist Yves Klein, the aim of art is to capture beauty anywhere it might be, and to reveal it to the world. Klein is known for his involvement in the nouveau réalisme (new realism) art movement of the 1960s, but he also had a huge influence on Minimalism and Pop Art.

# data[].attributes.body
Estas obras maestras del arte moderno y contemporáneo han sido seleccionadas de entre las 120 000 pertenecientes a la colección del Centre Pompidou, ¡la más grande de Europa! ¡Redescubra los tesoros del Centre Pompidou !

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Estas obras maestras del arte moderno y contemporáneo han sido seleccionadas de entre las 120 000 pertenecientes a la colección del Centre Pompidou, ¡la más grande de Europa! ¡Redescubra los tesoros del Centre Pompidou!

Estas obras maestras, prestadas por todo el mundo, regresan a París para una nueva muestra llamada #PompidouVIP (Very Important Pieces), que permite al público descubrir algunas de las obras de los artistas más emblemáticos de los siglos XX y XXI.

Mediante este recorrido por el corazón de las colecciones de los niveles 4 y 5 del Museo, el Centre Pompidou ofrece al público una experiencia inmersiva a través de la evolución de las búsquedas formales y estéticas del arte moderno y contemporáneo.

# data[].attributes.attachment_link.description
Estas obras maestras del arte moderno y contemporáneo han sido seleccionadas de entre las 120 000 pertenecientes a la colección del Centre Pompidou, ¡la más grande de Europa! ¡Redescubra los tesoros del Centre Pompidou!

# data[].attributes.body
El musée national d’art moderne – centre de création Industrielle cuenta con la colección de arte moderno y contemporáneo más importante de Europa, y una de las dos más importantes del mundo, con más de 100 000 obras que datan desde 1905 hasta la actualidad.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El musée national d'art moderne - centre de création Industrielle heredó las colecciones del musée du Luxembourg -creado en 1818 y destinado a recibir las compras del Estado de obras de artistas franceses vivos- y cuenta con la colección de arte moderno y contemporáneo más importante de Europa, y una de las dos más importantes del mundo, con más de 100 000 obras que datan desde 1905 hasta la actualidad.

La colección, al principio instalada en el Palais de Tokyo en 1947, se fue ampliando con los fondos de los artistas franceses del musée du Luxembourg y con los del Jeu de Paume, este dedicado a las escuelas extranjeras contemporáneas. Jean Cassou, su primer director, se centró en completar las carencias de las colecciones nacionales, solicitando donaciones o realizando compras a los artistas. En esta primera época se crea el primer corpus importante, formado por obras maestras de Henri Matisse, Pierre Bonnard, Robert Delaunay, Georges Braque o Pablo Picasso.

Con la apertura del Centre Pompidou en 1977 y la instalación del museo en el nuevo edificio diseñado por los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers, el fondo de colecciones conoce un impulso definitivo. La vocación multidisciplinar de la institución, orientada a la creación más actual, marca profundamente la política de adquisiciones del Centre Pompidou, centrada en los artistas contemporáneos y en abrirse al arte internacional. Entran por fin en la colección grandes figuras del arte moderno que hasta entonces no tenían presencia en el museo - Giorgio de Chirico, René Magritte, Piet Mondrian, Jackson Pollock... junto a los grandes actores de la escena contemporánea internacional : Joseph Beuys, Andy Warhol, Lucio Fontana, Yves Klein...

El nuevo recorrido del museo -liberado de las antiguas restricciones temáticas- muestra la diversidad del arte contemporáneo y de los nuevos territorios de la creación: aparecen la fotografía, las imágenes en movimiento, el cine experimental y el vídeo. La expansión de las colecciones es espectacular y, en 1993, el museo entra en una nueva fase de su historia gracias a la integración de la creación industrial y de la colección de arquitectura y diseño, lo que dará lugar al musée national d'art moderne - centre de création industrielle. Desde entonces, las colecciones no dejan de crecer, en especial gracias a la generosidad de los donantes, y de abrirse a nuevas escenas.

# data[].attributes.attachment_link.description
El musée national d'art moderne - centre de création Industrielle heredó las colecciones del musée du Luxembourg -creado en 1818 y destinado a recibir las compras del Estado de obras de artistas franceses vivos- y cuenta con la colección de arte moderno y contemporáneo más importante de Europa, y una de las dos más importantes del mundo, con más de 100 000 obras que datan desde 1905 hasta la actualidad.

# data[].attributes.body
With a long and storied history, and dimensions which make it an attraction which can easily pass unnoticed for the majority of tourists, the Manneken Pis has become a symbol of Brussels.

Read this article.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The Manneken Pis was designed in 1388 and is one of the most representative and loved symbols of Brussels, originally serving as the means by which many Bruxellois received water. It is a small bronze statue that measures 50 cm and represents a small naked boy urinating into a fountain's basin. It is located in the old part of town, between rue de L'Étuve and rue Chene, next to the Grand Place.

Given the importance of the statue, many armed forces have tried to steal it throughout the years, until an ex-convict was finally able to do so in 1817. The statue was broken into 11 pieces, but welded together and has been maintained there to the present day. Thus it has marked on its base both the original date of fabrication and restoration: "1620 - REST 1817".

Legends behind the Manneken Pis

Throughout the years, many legends have surrounded this tiny, surprising statue. These are the most famous:

The little boy put out a fire with his tinkle, thus saving the city from being burnt down.

It is also believed that during a battle in Ransbeke the two-year-old Lord (Duke Godfrey III of Leuven) was hung from a tree in a basket to bring his troops luck while they fought against the enemies and from there he urinated on the enemy troops and they lost the battle.

According to another legend, the son of a noble abandoned a procession to urinate on the wall of a witch's house. Angered by his action, the witch transformed him into a statue.

Outfits of the Manneken Pis

In 1698, a governor gave the little statue its first tunic. It was the first of the 1,000 outfits the Manneken Pis owns currently. These costumes have been given by the various presidents that have visited Brussels. In the Musée de la Ville, housed in La Maison du Roi, visitors can discover all the little hero's wardrobe including regional dresses, a bullfighter or Elvis costume.

The Manneken Pis is regularly dressed up, according to a published shcedule posted on the railings of the fountain and managed by a non-profit organisation: "The Friends of Manneken-Pis".

The symbol of Brussels

The Manneken Pis has become of the most important landmarks in Brussels. Other representative attractions include the Atomium and the Grand Place. We believe that it is definitely worthwhile visiting, as well as taking a photo.

Very close to the Grand Place visitors can also find the Manneken Pis's "sister", Jeanneke Pis. A female version of the little boy urinating, which is a lot less famous but also curious to see.

# data[].attributes.attachment_link.description
The Manneken Pis was designed in 1388 and is one of the most representative and loved symbols of Brussels, originally serving as the means by which many Bruxellois received water. It is a small bronze statue that measures 50 cm and represents a small naked boy urinating into a fountain's basin.

# data[].attributes.body
Read the article and discover the history of the Mannenken Pis.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Although small, the statue of Manneken Pis has a worldwide reputation that makes it one of the symbols of Belgium. It is rather a traditional symbol, guarantor of the history and the authenticity of this people. Unlike symbols like the atomium or the European Council, which are rather symbols of modernity. The reputation of this statue comes from its history that can be described as old.
﻿

Its design

The Manneken Pis is a statue that was designed in 1619 by Jerome Duquesnoy the Elder (1570-1641), then melted and set up in 1620. But it was replacing another much older identical statue, one can therefore consider that it enters the history during the first half of the fifteenth century since it has a trace in 1451 and 1452, in documents listing the fountains of the city. There is mention of a "Manneken Pis" on Oak, just before the crossroads of the rue de l'Etuve, roughly at its current location. It is placed at the top of a column about 1m20 high and its jet falls into two large rectangular basins. We know its interest since it is sanitary: During the Middle Ages running water existed only publicly, it was necessary to recover it in fountains made available to the population. The city was covered with canals bringing clear water from nearby rivers, but to get the water easily it needed fountains, hence the need to identify them. At that time she had an important utilitarian role.

As for its original form, it comes directly from the Middle Ages tradition of manipulating irreverence. The carnivals were there for that, moreover, but it was only the visible and excessive part of the irreverence, the truth was in the acts of the everyday life and it was very pregnant in the medieval society. This statue of a child urinating in front of the public entered these colorful representations.

From this 15th century statue, nothing remains to us. We know that she was in stone. It was redone identically in 1620 and bronze following an order from the previous year to replace the previous one. The city asked the Brussels sculptor Jerome Duquesnoy to redo it, which was done, set up in 1620. We know the cost of work: 50 florins Rhine. The running water only arrived in the houses from the late nineteenth century, its interest was identical to the previous fountain. For the installation we demolish the column and basins that are rebuilt in a similar way. But it seems that it is temporarily because in 1697 one finds the fountain with its current location, at the corner of the Rue du Chêne and the oven, a few meters farther than where it was.

Evolutions during its practical use

In 1695 Governor-General Maximilian-Emmanuel of Bavaria offered the Manneken Pis an outfit. It was not the first time that it happened, but it was the first time that a high-ranking person was symbolically giving a coat to this statue. This can be interpreted as the fact that she obtained a status of representative of the local population, which will be confirmed later by adding clothes over the years. Besides, Louis XV offered a gentleman's dress. It was a political gesture, the king of France having tried to recover the statue for his benefit, he had attracted the wrath of the population and had to make this symbolic gesture to appease the spirits.

The shape of the fountain evolves definitively in 1770, when it loses its two basins and its column for a protective stele in the shape of shell Saint Jacques. From the top of his new perch, the little boy is urinating directly into a gutter, allowing the population to recover water, for example with buckets.

In 1817 the Manneken Pis was the subject of a flight followed by a serious degradation. He was stolen by a certain Antoine Licas who, during his flight, broke the statue into 11 pieces. Caught up, he was severely punished. The pieces were recovered and the statue could be restored thanks to the skill of the sculptor Gilles-Lambert Godecharle. The bronze base that we are currently seeing dates from this repair.

Acquiring symbol status

From the middle of the 19th century, running water began to arrive in houses and buildings. The role of the fountains is not as important as before. The fountain is then protected by a heavy grid (in the middle of the 19th century), then a blue stone basin is built (at the end of the 19th century). The Manneken Pis had found there its final appearance.

But this is not the end of its history because if there was no longer any motivation for improvement or change of any kind since the late nineteenth century, it was stolen by many times! The last, in 1966, was too much. It was found quickly but broken at the ankles. The municipality had it repaired but instead of putting it back in place he had a copy made in his place. The original is now at the Museum of the City of Brussels, on the Grand Place. So the Manneken Pis presented to the public is only a copy of the original.

# data[].attributes.attachment_link.description
Although small, the statue of Manneken Pis has a worldwide reputation that makes it one of the symbols of Belgium. It is rather a traditional symbol, guarantor of the history and the authenticity of this people. Unlike symbols like the atomium or the European Council, which are rather symbols of modernity.

# data[].attributes.headline
The Manneken-Pis - Brussels cutest symbol 

# data[].attributes.subject
The Manneken-Pis - Brussels cutest symbol 

# data[].attributes.body
See the video and discover why The Mannenken Pis is a symbol of Brussels

# data[].attributes.attachment_link.title
The Manneken-Pis - Brussels cutest symbol

# data[].attributes.headline
After the discoveries, make way for the quiz on the Mannenken Pis ! 

# data[].attributes.subject
After the discoveries, make way for the quiz on the Mannenken Pis ! 

# data[].attributes.attachment_link.description
¡A menudo, el visitante se sorprende al ver que el Manneken Pis está vestido! Este es a veces el caso, y no es trivial, ya que hacerlo es como celebrar algunas cosas de una persona privada, un aniversario, una fiesta, un pueblo o una tradición, etc.