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05/04/2015 - Os ingredientes são os mais simples possíveis: bagaço da cana-de-açúcar, casca da cebola e fibra da bananeira. Estas são as matérias-primas usadas pelas mulheres artesãs do Lago Sul, em Palmas (TO), e que pretendem plantar a cidadania, fazer crescer a responsabilidade social e colher a renda e a independência financeira.

Elas trabalham com artesanato desenvolvido a partir da fibra vegetal e de papéis reciclados. O que é lixo para alguns se transforma em oportunidade nas mãos das artesãs e com um ritual de trabalho que exige técnica e paciência, elas confeccionam materiais com valor no mercado.

A produção das peças se inicia na coleta da matéria-prima em vários pontos da cidade. Elas vão a feiras para buscar bagaço de cana-de-açúcar, percorrem quilômetros para obter a fibra das bananeiras, juntam cascas de cebola e de alho produzidas pelos moradores do setor e ainda colhem capim e sisal pelas ruas de Palmas. Esse material que iria diretamente para o lixo é transformado na Base Comunitária da Polícia Militar, local de encontro das artesãs.
A produção
A matéria é selecionada, passa por um processo de lavagem, cozimento e após algumas horas é triturada em um liquidificador. Na segunda etapa do processo, elas fazem a reciclagem de papéis. Eles são postos de molho em um recipiente e depois de algumas horas, também são triturados. Após o término desse processo, o lixo orgânico e o papel são misturados em uma bacia com água.

Do papel produzido a partir das fibras, as artesãs fazem inúmeros objetos. Pastas para eventos, agendas, caixas para presente, porta-guardanapos e suportes para jogos de jantar. As fibras vegetais criam um papel novo, de melhor qualidade e com uma textura diferente.

O intuito do projeto "Palmas Verde" é capacitar as mulheres e fomentar a geração de renda. "Além disso, é promover a cidadania, a reciclagem e fazer com que os recursos que são jogados fora, sejam transformados", diz a consultora do projeto e biodesign, Maria da Penha de Faria.

O resultado impressiona até mesmo as artesãs que não têm ideia de como os resíduos sólidos poderiam ser úteis e promover a geração de renda. "Eu não tinha nem ideia do que podíamos fazer com estes resíduos. Para mim era só lixo. Depois da capacitação que descobrimos o valor que ele tem", conta Valdenice Pinheiro Rodrigues, há quatro meses no projeto.
Biojoias
Além dos acessórios, as artesãs estão aprendendo técnicas para confeccionar biojoias. Elas já estão fazendo as primeiras peças a partir de sementes e outros produtos originários do Tocantins. O que elas querem é diversificar e aperfeiçoar cada vez mais as técnicas. A consultora do projeto diz que a produção de biojoias será primordial para incluir outras mulheres da comunidade que não se identificaram com o artesanato feito do papel com fibras vegetais.

Este é o primeiro projeto de artesanato do Tocantins desenvolvido a partir de fibras vegetais e papéis reciclados. As artesãs passaram por uma capacitação de 240 horas. A intenção é criar uma linha de produtos focados para atender a demanda do mercado, replicar a ideia em várias regiões de Palmas, gerar renda e contribuir para a preservação do meio-ambiente.

Fonte: G1 Tocantins / Adaptado por CeluloseOnline

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Criatividade: Com papel reciclado e fibra vegetal, artesãs confeccionam peças no TO - Celulose Online

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05/04/2015 - Os ingredientes são os mais simples possíveis: bagaço da cana-de-açúcar, casca da cebola e fibra da bananeira. Estas são as matérias-primas usadas pelas mulheres artesãs do Lago Sul, em Palmas (TO), e que pretendem plantar a cidadania, fazer crescer a responsabilidade social e colher a renda e a independência financeira.

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Liondor - Produtos especiais (11) 3931-7023 - Papéis especiais - Papel reciclado, Papel Reciclato, Papel de Fibra de Bananeira, Papel de Fibra de Sisal, Papel Bananeira, Papel Sisal, Papéis Especiais, Papéis artesanais, Papel de Bananeira, Papel de folha de bananeira, Papel de fibra de sisal, Papel de casca de cebola, papel de fibra de bananeira, papel Selvagem

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Roger Bassetto's exhibit 'I don't want to grow up'

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Roger Bassetto's exhibit 'I don't want to grow up'

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Desde o dia 12/12 estão expostos na sede da Lowe, em São Paulo, trabalhos do diretor de arte e artista plástico Roger Bassetto. A mostra chama-se "I don't want to grow up" (aposto que todo mundo, depois de ler o título gritou internamente: Eu também não!!)
Seguem abaixo, dois textos que fazem parte do catálogo da exposição e que deixam mais transparentes as propostas do artista:

"Coincidência ou não, quando Roger Bassetto me convidou para escrever sobre o projeto "I don't want to grow up", estava às voltas com o livro 'A Repetição', do austríaco Peter Handke, e encontrei o seguinte trecho: '...recordação não significava que o que havia sido estava retornando; e sim: o que havia sido, mostrava, ao retornar, o seu lugar'.
Assim, o artista revira o baú da infância para buscar a origem das emoções tão marcantes que se vêem refletidas nas pinturas e colagens desta exposição, cujo tema encanta com sua relativa simplicidade (será que é tão simples ser criança?). Com uma técnica amadurecida e a liberdade de quem já não precisa mais se preocupar com o lápis de cor escapando dos limites da figura, Roger Bassetto apresenta uma abordagem de inspiração muito particular daquela criança que, na alegria de ganhar um brinquedo ou no medo do escuro, todos fomos. E que está sempre por perto, em um lugar só seu".

Roger Rocha

"Há algum tempo descobri que minha mãe tinha guardado alguns desenhos da minha infância (aah, as vantagens de ser filho único). São trabalhos que fiz quando tinha por volta de quatro, cinco anos. Fiquei absolutamente tocado, principalmente porque pude reconhecer alguns ícones do meu tempo: o National Kid, o Robô Gigante, o Tundro dos Herculóides. Fiquei tão tocado que resolvi
dialogar comigo mesmo, mais de trinta anos depois. No meio da jornada, meu filho Victor, com quatro, cinco anos, também colaborou com desenhos seus e com algumas pinceladas. Essas pinturas e colagens são o resultado desse reencontro, que por ser impossível - coisa do Túnel do Tempo - é tão verdadeiro. Os trabalhos têm a liberdade de uma criança e as ansiedades de
um adulto. E vice-versa.
(ps: o título da exposição e de algumas obras, são homenagens às músicas de Tom Waits, coisa de adulto)

Roger Bassetto

Desde o dia 12/12 estão expostos na sede da Lowe, em São Paulo, trabalhos do diretor de arte e artista plástico Roger Bassetto. A mostra chama-se "I don't want to grow up" (aposto que todo mundo, depois de ler o título gritou internamente: Eu também não!!)
Seguem abaixo, dois textos que fazem parte do catálogo da exposição e que deixam mais transparentes as propostas do artista:

"Coincidência ou não, quando Roger Bassetto me convidou para escrever sobre o projeto "I don't want to grow up", estava às voltas com o livro 'A Repetição', do austríaco Peter Handke, e encontrei o seguinte trecho: '...recordação não significava que o que havia sido estava retornando; e sim: o que havia sido, mostrava, ao retornar, o seu lugar'.
Assim, o artista revira o baú da infância para buscar a origem das emoções tão marcantes que se vêem refletidas nas pinturas e colagens desta exposição, cujo tema encanta com sua relativa simplicidade (será que é tão simples ser criança?). Com uma técnica amadurecida e a liberdade de quem já não precisa mais se preocupar com o lápis de cor escapando dos limites da figura, Roger Bassetto apresenta uma abordagem de inspiração muito particular daquela criança que, na alegria de ganhar um brinquedo ou no medo do escuro, todos fomos. E que está sempre por perto, em um lugar só seu".

Roger Rocha

"Há algum tempo descobri que minha mãe tinha guardado alguns desenhos da minha infância (aah, as vantagens de ser filho único). São trabalhos que fiz quando tinha por volta de quatro, cinco anos. Fiquei absolutamente tocado, principalmente porque pude reconhecer alguns ícones do meu tempo: o National Kid, o Robô Gigante, o Tundro dos Herculóides. Fiquei tão tocado que resolvi
dialogar comigo mesmo, mais de trinta anos depois. No meio da jornada, meu filho Victor, com quatro, cinco anos, também colaborou com desenhos seus e com algumas pinceladas. Essas pinturas e colagens são o resultado desse reencontro, que por ser impossível - coisa do Túnel do Tempo - é tão verdadeiro. Os trabalhos têm a liberdade de uma criança e as ansiedades de
um adulto. E vice-versa.
(ps: o título da exposição e de algumas obras, são homenagens às músicas de Tom Waits, coisa de adulto)

Roger Bassetto

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Desde o dia 12/12 estão expostos na sede da Lowe, em São Paulo, trabalhos do diretor de arte e artista plástico Roger Bassetto.

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Roger Bassetto artwork Happy Fathers Day for sale and offering more original artworks in Painting Acrylic medium and theme. Contemporary artist website Contemporary Photographer, Artist from Sao Paulo Brazil.

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PROPELLER #1 - Mancha / Stain 250 x 350 mm Multiple booklets inside a custom silkscreened cardboard box. Limited edition of 100 copies. ISBN 978-989-54013-2-1 Published by Propeller and Stolen Books,...

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14x21cm

Miolo em Pólen Soft 80g

Capa em Papel Kraft 120g

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Como narrar o inenarrável? Por quê racionalizar a loucura? Quando abandonamos o EU para experimentar um OUTRO? A peça parte da novela Lenz, de Georg Büchner, e recria a trajetória do poeta e dramaturgo esquizofrênico Jakob Lenz ( 1751-1792), que em crise com a religião e questões filosóficas, estéticas e políticas de seu tempo, deixa a cidade e encontra abrigo na casa do Pastor Oberlin.

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Um livro-cartaz de Gilberto Tomé

O que é?

"Ó: Caminho, Estrada, Avenida" é um livro de artista concebido e produzido por Gilberto Tomé, arquiteto e artista gráfico que vem realizando pesquisas e trabalhos sobre a transformação da paisagem paulistana.

Nesse projeto, o tema é a Avenida Santa Marina, a mais antiga via de ligação entre as regiões da Água Branca e da Freguesia do Ó, cujas origens remontam ao século XVII. Através deste exemplo, pretende-se evidenciar que muitos caminhos ancestrais compõem nossos trajetos contemporâneos pela cidade. E que eles podem nos mostrar mais paisagens do que acreditamos ver.

Chamada de "livro-cartaz", a publicação reúne imagens ampliadas em grande formato (90 x 60 cm) como cartazes, agrupadas em sequência formando um caderno sem costuras. Fotos atuais da região realizadas por Gilberto são justapostas a outras, históricas, pesquisadas por ele em acervos públicos e particulares, somando ao todo 30 imagens.

O projeto foi selecionado pela Secretaria de Estado da Cultura por meio do Programa de Ação Cultural (Proac), em edital voltado a livros de artista, sendo uma realização do Governo de São Paulo.

Lançamento e exposição: quando e onde?

O lançamento da publicação "Ó: Caminho, Estrada, Avenida" acontecerá no dia 17 de fevereiro de 2018 (sábado depois do carnaval), das 11h às 20h, na rua Carijós nº 260 (esquina com Avenida Santa Marina), em um pequeno galpão que fica ao lado da Estação Água Branca da CPTM (Linha 7 Rubi). O trabalho também será exposto dentro da estação, com as imagens coladas como cartazes ao longo das plataformas de embarque e desembarque. A exposição na Estação Água Branca, que terá o mesmo nome da publicação, permanecerá até 24 de março de 2018. A proposta de se trabalhar um livro com a linguagem do cartaz de rua implicou naturalmente nesses dois formatos de apresentação, em lugares públicos e de fácil acesso. Haverá uma programação de atividades nesse período, descrita a seguir.

Programação completa

Paralelamente à exposição "Ó: Caminho, Estrada, Avenida" que acontecerá dentro da Estação Água Branca, entre 17 de fevereiro e 24 de março de 2018, serão desenvolvidas atividades no galpão da Rua Carijós nº 260 (vizinho à estação), conforme a programação abaixo. Todas as atividades são abertas ao público, gratuitas e sem necessidade de inscrição prévia.

Lançamento do livro de artista, abertura de exposição na estação e vídeo
17 de fevereiro, sábado
* das 11h às 20h: Lançamento da publicação "Ó: Caminho, Estrada, Avenida", de Gilberto Tomé, com apresentação de fotos, desenhos e outras imagens referentes à pesquisa e desenvolvimento do projeto. Ao mesmo tempo, abre-se também uma exposição dessa publicação na estação Água Branca da CPTM, linha 7 Rubi.
* 18h: Apresentação do vídeo "Linhas e Passagens" de Lívia Escobar Gabbai, realizado a partir das Caminhadas Gráficas nº 1 e 2, que aconteceram durante o período de elaboração do projeto "Ó: Caminho, Estrada, Avenida".

Caminhada gráfica
24 de fevereiro, sábado
* das 10h às 13h: Caminhada Gráfica nº 3, com Gilberto Tomé. A "caminhada gráfica" é um percurso de aproximadamente 5 km, que vai do começo da Avenida Santa Marina até o Largo de Nossa Senhora do Ó, na Freguesia do Ó, com a intenção de desenhar e fotografar a paisagem, ou simplesmente observá-la. Durante a fase de pesquisa da publicação foram realizadas duas outras caminhadas abertas ao público com essas mesmas características.

Oficinas abertas de desenho
1, 8 e 15 de março
* das 15h às 18h: Oficinas abertas de desenho, com Gilberto Tomé - "Desenhar a rua, desenhar na rua" -, abertas ao público, sem necessidade de prévia inscrição.

Ação "Faço seu retrato (cego) se você fizer o meu"
16 de março
* a partir das 16h: ação de rua proposta por Ana Paula Francotti a qualquer pessoa que aceitar o desafio de desenhar o seu rosto, sem olhar para o papel, ao mesmo tempo em que ela desenha o rosto da pessoa, da mesma forma.

Primeira exposição de um dia
10 de março, sábado
* das 11h às 18h: "Cortes, matrizes e estampas", gravuras de Paula Escobar Gabbai - com trabalhos que se relacionam com o tema da paisagem da cidade de São Paulo.

Expedição 2X1/2 LÉGUA
(ou a forma mais difícil de se visitar uma exposição)
17 de março, sábado, a partir das 7hs
15 vagas
* Com orientação de Renato Hofer, a caminhada foi pensada como um processo de apropriação da cidade, visando estimular seus participantes para a visitação da exposição Ó: Caminho, Estrada, Avenida. Através do caminhar pretende-se levantar questões sobre a distância real e distância afetiva nas cidades, as barreiras visíveis e invisíveis que delimitam nossos percursos e o direito ao espaço público. O ponto de encontro, local de fácil acesso por transporte público, será anunciado aos participantes por e-mail no dia anterior à caminhada. Inscrições e informações: travessiaurbana@gmail.com

Segunda exposição de um dia
17 de março, sábado
* das 11h às 18h: Exposição de um dia - "Olhares outros" - com fotos, desenhos e imagens de Danilo de Paulo, Rose Steinmetz, James Conway, Paula Janovitch e Renato Hofer realizados a partir das Caminhadas Gráficas nº 1 e 2, que aconteceram durante o período de elaboração do projeto "Ó: Caminho, Estrada, Avenida";

Roda de conversa sobre projetos urbanísticos na Água Branca
e a paisagem da Freguesia do Ó
24 de março, sábado
* das 11h às 13h: roda de conversa com o arquiteto Paulo Barbosa, a respeito de projetos urbanísticos relacionados à Operação Urbana Consorciada Água Branca e com Leandro Silva, sobre a paisagem como patrimônio imaterial da Freguesia do Ó.

Contexto histórico da avenida Santa Marina

A avenida Santa Marina não é muito conhecida atualmente por ser uma avenida sem saída para trânsito de veículos. A apenas uma quadra de seu início (no bairro da Água Branca, no ponto em que também começa a movimentada Rua Guaicurus) ela é cortada pela linha 8 Diamante da CPTM, havendo aí somente uma passarela para travessia de pedestres. Mais uma quadra e logo é também cortada pela linha 7 Rubi, mas existe aí passagem de nível que permite o trânsito de pedestres e veículos, sujeito aos movimentos de sobe-desce da cancela, conforme a aproximação dos trens, avisada pelos apitos dos vigias e pelo gongo metálico típico das sinaleiras ferroviárias. Neste cruzamento se localiza também o acesso para a Estação Água Branca, que existe como parada desde a implantação da ferrovia (a antiga linha Santos-Jundiaí da São Paulo Railway) no século XIX.A origem da avenida Santa Marina está ligada à ocupação do território paulistano.

Na São Paulo seiscentista, o bandeirante Manuel Preto, tendo recebido glebas de terra a noroeste do centro da vila de Piratininga, e a pedido de sua mulher Águeda Rodrigues, ergueu ali uma capela, sobre morro mais elevado, em louvor à Nossa Senhora da Expectação. Era a origem do atual bairro da Freguesia do Ó.Inicialmente, o acesso se fazia sobretudo por barcos pelo rio Anhembi - como era então conhecido este trecho do Tietê -, mas com o tempo um caminho foi se estabelecendo, cortando a ampla e alagadiça várzea, unindo a região da Freguesia à Água Branca.

Esse primeiro eixo de ligação, considerado em sua origem como caminho de Manuel Preto, aparece nos mapeamentos da cidade no século XIX, como Estrada de Nossa Senhora do Ó. Somente em 1912, a estrada é renomeada como Avenida Santa Marina, denominação dada em homenagem à filha Marina do conselheiro Antonio Prado, presidente da Vidraria Santa Marina, fábrica que ali se instalou na última década do século XIX, em terreno vizinho à Estação Água Branca da São Paulo Railway.

Na década de 1950, sendo construída em concreto armado a nova ponte da Freguesia do Ó, a antiga ponte de madeira que situava-se no eixo da Avenida Santa Marina foi desmontada. Permanece hoje, como vestígio curioso dessa antiga ligação, a continuidade do nome da Avenida Santa Marina, tanto no bairro da Água Branca, quanto no da Freguesia do Ó, do outro lado do rio.

E, neste século XXI, mudanças importantes estão previstas para a Avenida Santa Marina: em seus subterrâneos, ao longo de seu eixo, se desenvolverá a Linha 6 Laranja do Metrô, unindo a Vila Brasilândia ao bairro da Liberdade. E as intervenções da Operação Urbana Consorciada Água Branca - plano urbanístico que propõe melhorias no sistema de circulação e mobilidade, de áreas verdes e adensamento populacional - prevê a sua ligação também subterrânea com a avenida Auro Soares de Moura Andrade.
MAIS INFORMAÇÕES
Gilberto Tomé
tome@fontedesign.com.br
whatsapp11.9.9200.7400
facebook.com/graficafabrica
instagram@graficafabrica

divulgação do evento no facebook:
https://www.facebook.com/events/1736444483083771/

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"Ó: Caminho, Estrada, Avenida" é um livro de artista concebido e produzido por Gilberto Tomé, arquiteto e artista gráfico que vem realizando pesquisas e trabalhos sobre a transformação da paisagem paulistana. Nesse projeto, o tema é a Avenida Santa Marina, a mais antiga via de ligação entre as regiões da Água Branca e da Freguesia do Ó, cujas origens remontam ao século XVII.

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Are you a cop or what? (¿Sos un policía o qué?) es un proyecto de fanzines y movimiento feriante que surge en Buenos Aires durante el 2012. Incluye ensayos, fotos y collage como herramientas de un discurso antihegemónico con perspectiva de generar infección, provocación y devenires. Como proyecto...

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Grafica que imprime risografia na fradique coutinho

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Grafica que imprime risografia na fradique coutinho

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Banca Tatuí - só independentes, sem preconceito!

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Conheça as editoras e artistas que estão na Banca Tatuí.

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Marco Antonio Baena - Basho na feira Zi...

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Marco Antonio Baena - Basho na feira Zine Die, em Barueri

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Montagem da instalação Orange Gardens na Galeria Fayga Ostrower - Funarte Brasília

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The Israeli illustrator's images of everyone from Einstein and Stalin to Bill Murray crackle with humor, smarts, and wit

Israeli illustrator Noma Bar, he ofNegative Space fame, is a longtime Brain Pickings favorite. Turns out, my friends at Mark Batty ( previously) have had a soft spot for him for a while as well. In 2007, they released a fantastic volume of Bar's most iconic negative space portraits of cultural icons. Guess Who?: The Many Faces of Noma Bar features over 50 minimalist vector illustrations that encapsulate, with brilliant subtlety and visual eloquence, the essence of famous politicians, philosophers, and pop culture legends-a masterpiece of capturing character and sentiment with uncanny precision.

The book is divided into five parts- Cultural Icons, Hollywood Heads, Political Figures, Britpop Stars, and The Musicians-with an introduction by Steven Heller. (Previously: I II III.) Though the captions for each image leave much to be desired in tone and style, they do give an appropriate context of allusions and symbolism, making Bar's creative feats all the more palpable.

CULTURAL ICONS

Albert Einstein
Commissioned by The Economist for a cover story about 100 years of Einstein. Though the illustration was never printed, Bar considers this a perfect example of combining two icons, which results in something that is 'almost like a logo.' Einstein's famously unkempt hair and the atomic symbol, with the molecules as eyes, for this famous face.

William Shakespeare
The first face Bar ever published, a full page for Time Out London related to a feature article about a BBC program called The Search for Shakespeare.

"[ The Search for Shakespeare] revolved around new biographical discoveries and all the questions these raised. I received this commission about 5 hours before a flight to Italy. All of a sudden the question mark idea linked the theme of the program to one of the most significant philosophical questions of all time: To be or not to be? I chose 'to be' and sent the final portrait off about two hours after receiving the assignment." - Noma Bar

Harry Potter
We've all been exposed to the Harry Potter hype. The success of this image is how it speaks directly to the fictional Harry Potter story, as well as the reality of this multi-million dollar industry. The centerpiece of the illustration is the wand, which evokes fanciful magic, as well as the almighty dollar.

HOLLYWOOD HEADS
Woody Allen
This illustration was done for an article about Woody Allen's film Match Point, which was shot in London. Bar's use of London architectural landmarks for the legend's already iconic face is a unique and effective touch. Nicknamed the gherkin, for its resemblance to a pickle, this noticeable Norman Foster building replaces Allen's nose, the Tate Modern forms an eyebrow over one of the skyline's newest structural icons, the London Eye.

Bill Murray
As Bar started work on Bill Murray, he was pleased to discover that in profile, Murray's face created a ghoulish figure in the negative space. The Ghostbusters icon for an eye is a rather obvious, but effective choice.

John Travolta + Samuel L. Jackson
Two faces may not be better than one, but they are harder to draw. Illustrating a duo like these two Pulp Fiction characters is a challenge for Barr because he still needs to render them as a single connected unit. Clearly, in this example, Bar conjoins the two with the gun. Travolta's mouth, Jackson's eyebrow and nose.

Charlie Chaplin
When Bar works with black and white, he relies on negative space to 'create forms that allow elements to float.' Here, Bar uses one of Charlie Chaplin's most famous on-screen moments to define his face, though there are few actual lines. Inspired by Chaplin's shoe-eating scene in The Gold Rush, Bar turns a shoelace sum spaghetti strand into Chaplin's eye and nose; the shoe works double duty as both moustache and mouth.

POLITICAL FIGURES

Joseph Stalin
The hammer and sickle get rearranged into Joseph Stalin's nose and mouth. That these two icons can be taken out of context, but remain in context in that they possess such associative power that the viewer will know who this feature face is, bolsters the effectiveness of Bar's approach to illustration.

Nelson Mandela
Many of Bar's subjects become his subjects because of dubious behavior. Nelson Mandela's anti-apartheid activism, however, i s a story of incredible strength in the ace of imprisonment and injustice that concluded with triumph. Mandela was South Africa's first president to be voted into office in a representative democratic election. Mandela figuratively broke the shackles that imprisoned him for 27 years, and it is this strength that Bar celebrates with this illustration.

Adolf Hitler
This portrait of Hitler accompanied James Delingpole's article 'Mein Kash: Milking the Third Reich,' written for Esquire UK. The piece examined the publishing trend to release books about Hitler (which number close to 1,000 on Amazon). For such an article, Bar's choice to convert the moustache into a barcode was spot-on.

Margaret Thatcher
The smoking torch that defines Margaret Thatcher's face in this illustration remarks on the fading political power of her Conservative Party, descended from the Tory Party. Equally adored and maligned as England's Prime Minister from `975 to 1990, the end of her tenure was spurred by internal struggle within the party. In assessing her legacy, Bar appropriated the old Tory logo to give a visual representation of flagging power. The old Tory logo was a flaming torch, while Bar's interpretation smolders.

Kim Jong-Il
Known the world over for his cavalier rhetoric about North Korea's nuclear capability, missile contrails make for the glasses of Kim Jong-Il. Commissioned by the Guardian, Bar was under a deadline, and to this day when he looks at this illustration, he wishes he had had the time to use only one missile. Be that as it may, the illustration works, as it looks like Kim and also incorporates what he is known for, weaponry and antagonizing the United States.

BRITPOP STARS

Ricky Gervais
Through his roles in shows like The Office and Extras, Ricky Gervais, for Bar, embodies the black humor of 'loser culture.' Using smiley faces in a truly ironic fashion, Bar provides a portrait of a 'contemporary, classic sad clown.'

Jamie Oliver
Celebrity chef Jamie Oliver has probably spent as much time on TV and book tours as in the kitchen. An advocate of simple, healthy home cooking, a mortar for a mouth and a pestle for a nose make this face recognizable.

David Beckham
These days, the dollar sign would be just as appropriate for David Beckham's face as the British pound symbol. The soccer star and money -making machine that is Beckham now spans across the Atlantic Ocean, all the way to Los Angeles. We'll see if one man can make Americans soccer fans, but even if he can't, he'll still be rich.

THE MUSICIANS
Michael Jackson
Over the years, Michael Jackson has made headlines for an array of reasons, from number one hits to run-ins with the law. Here, Bar riffs on Jackson's purported pedophilic tendencies, by placing an image of a young child in the pop star's face. Jackson has never been found guilty of these accusations in a court of law, though the media frenzy that surrounded the case seems to have made the eccentric icon that much more reclusive.

Bob Dylan
A true cultural icon, Bob Dylan is no stranger to being interpreted. Bar keeps this one simple, using three of Dylan's tools of the trade: musical notations, guitar, harmonica. That Bar can invest such age and mystery into a face that is primarily white negative space is yet another example of his ability to see subjects as more than just people-they are their careers.

Delightful and timeless, Guess Who? captures some of modernity's most famous and infamous characters through the eyes of one of the most original artists of our time.

This post also appears on Brain Pickings.
Images: Mark Batty Publisher

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Noma Bar's Minimalist Vector Portraits of Cultural Icons

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The Israeli illustrator's images of everyone from Einstein and Stalin to Bill Murray crackle with humor, smarts, and wit Israeli illustrator Noma Bar, he ofNegative Space fame, is a longtime Brain Pickings favorite. Turns out, my friends at Mark Batty ( previously) have had a soft spot for him for a while as well.

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He's reworked George W Bush's face as an Abu Ghraib torture victim, and used a radioactive sign to conjure Saddam Hussein's brows and 'tache. For his new show, Cut the Conflict, the acclaimed graphic artist is doing 'a scary experiment in democracy' - letting the public have a go at their own political collages on his giant dog-shaped cutting machine. Here are some of Bar's appeals for world peace to get the juices flowing

* Cut the Conflict is at the Rook & Raven from 22 November to 21 December

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Noma Bar: how I plan to Cut the Conflict - in pictures

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He's reworked George W Bush's face as an Abu Ghraib torture victim, and used a radioactive sign to conjure Saddam Hussein's brows and 'tache. For his new show, Cut the Conflict, the acclaimed graphic artist is doing 'a scary experiment in democracy' - letting the public have a go at their own political collages on his giant dog-shaped cutting machine.

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Série fotográfica de rostos de mulheres brasileiras que sofreram alguma forma de assédio, tentativa ou abuso sexual.

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Barbara Kruger (born January 26, 1945) is an American conceptual artist and collagist.[1] Much of her work consists of black-and-white photographs overlaid with declarative captions—in white-on-red Futura Bold Oblique or Helvetica Ultra Condensed. The phrases in her works often include pronouns such as "you", "your", "I", "we", and "they", addressing cultural constructions of power, identity, and sexuality.

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A post shared by MICHAEL MURPHY (@perceptual_art)

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A philosophy graduate interested in theory, politics and art. Alias of Jelena Martinović.

What is the scope and impact of protest art? As Adorno famously wrote, ' all art is an uncommitted crime', meaning that art challenges the status quo by its very nature. Thus it can be argued that all art is political in the sense that it takes place in a public space and engages with an already existing ideology and dominant discourse. Yet, art can often become dangerously and explicitly political and serve as a powerful weapon. Throughout the history of social movements and social revolt, art has always reacted against oppression, violence, injustice and inequalities. Addressing socio-political issues and challenging the traditional boundaries and hierarchies imposed by those in power, art can open up the space for the marginalized to be seen and heard and contribute to the social change by producing knowledge and solidarity or simply raising awareness. In this way, the personal life and work of the artist transcends the individual and speak meaningfully to a larger audience bringing together the political and human functions of art.

Since many variations of protest art can be found throughout the history, it is difficult to establish the beginning of this politically engaging artistic expression. Activist conceptual and performance art was majorly influenced by , an anti-war movement which used satire, non-rational and anti-idealistic discourse to critique the First World War and its capitalist agenda. Some of the other early examples of protest art include the Mexican muralist David Alfaro Siqueiros who has been very active in left-wing politics in the beginning of the 20th century and wanted to reach hard-working Mexicans through art. When it comes to fine art, 's Guernica (1937) based on the Spanish Civil War and capturing its atrocities and inhumanity, served as an inspiration for the modern human rights movement.

War was often a motivating factor for artists, also providing the metaphor for the more general exercise of power. Many artists during the 1960s and 1970s visibly opposed the Vietnam War including Ronald Haeberle, , , Norman Carlberg and Nancy Spero and produced artworks that raised awareness and called for the responsibility. Chris Burden's performances with intentional wound inflicting called upon the audience to engage with political messages and consider their responsibilities. Art became a potent language to speak against various forms of oppression and persisting inequalities regarding gender, race or class. As one of the founding members of the Feminist Art Movement, Judy Chicago explored the women's position in culture and history through large collaborative installations. Art has also shaped the cultural and political response to the AIDS pandemics during the 1980s, with artists like Keith Haring, Niki de Saint Phalle or Robert Mapplethorpe raising their voice.

As Nina Simone said, 'how can you be an artist and not reflect the times'? We bring you some of the most influential protest art of our times.
Featured images: Petr Pavlenksy, Segregation, via theguardian.com; Banksy - Can't Beat The Feeling, via huffingtonpost.com; Ai Weiwei, Study of Perspective, via 1fmediaproject.net

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A philosophy graduate interested in theory, politics and art. Alias of Jelena Martinović. What is the scope and impact of protest art? As Adorno famously wrote, ' all art is an uncommitted crime', meaning that art challenges the status quo by its very nature.

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Guerrilla Girls

Guerrilla Girls Review The Whitney, 1987

Screenprint on paper

560 x 432 mm

Who are they?

Guerrilla Girls are an all female collective who remain anonymous by wearing gorilla masks and naming themselves after famous dead women. In 1998 the Guerrilla Girls' new book, The Guerrilla Girls' Bedside Companion to the History of Western Art, they wrote:

We are a group of women artists and art professionals who fight discrimination. We're the conscience of the art world, counterparts to the mostly male traditions of anonymous do-gooders like Robin Hood, Batman, and the Lone Ranger. We have produced over 80 posters, printed projects, and actions that expose sexism and racism in the art world and culture at large... We use humor to prove that feminists can be funny... We could be anyone; we are everywhere.

How did they form?

The group famously began in reaction to MoMA's An International Survey of Recent Painting and Sculpture 1984 exhibition. Although the exhibition was supposed to represent the top artists in the world, out of the 169 artists shown only 13 were women. To add insult to injury the curator, Kynaston McShine, stated in interviews that "any artist who wasn't in the show should rethink 'his' career."

A group of artists protested outside on the opening night. However, they noticed the onlookers weren't interested in their message, so a year later Guerrilla Girls formed with the aim of finding new ways to revolt using street art.

Why show in the places they attack?

Although Guerrilla Girls began as an activist group, they have gradually been embraced by the artworld and have shown their work in galleries such as MoMa and Tate Modern. This is how they reconcile their popularity with their work:

What do you do when the art world you've spent your whole life attacking suddenly embraces you? Well... you take your critique right inside the joint. We dissed MoMA at its own symposium on feminism. We criticized the Tate Modern and the Istanbul Modern.... The response? After we made fun of the National Gallery of Art, they vowed to change their ways. Ditto the Tate Modern and MoMA.
Guerilla Girls, Interview magazine

What are their key works?

The original of Do Women Have to Be Naked to Get Into the Met. Museum? was produced in 1989 after members of the group walked through the Met and counted the ratio of female artists to female nudes. What they discovered was that 'less than 5% of the artists in the Modern Art Sections are women, but 85% of the nudes are female'.

The figure in the image is taken from Odalisque and Slave painted by Jean-Auguste-Dominique Ingres. In order to reach their audience, the group rented advertising space on the New York buses. However, soon after 'the bus company cancelled [their] lease, saying that the image ... was too suggestive and that the figure appeared to have more than a fan in her hand.'

Guerrilla Girls

Guerrilla Girls' 1986 Report Card, 1986

Screenprint on paper

560 x 430 mm

Guerrilla Girls' 1986 Report Card lists 17 Galleries, comparing the figures of female artists exhibited between 1985-6 and 1986-7 in their recognisably bold monochrome style. This poster, and others from their portfolio Guerrilla Girls Talk Back, borrow elements from advertising and fly-posting. Many of these posters were pasted up on New York's streets at night, following in the tradition of street-artists and activists.

Guerrilla Girls

Dearest Art Collector, 1986

Screenprint on paper

560 x 430 mm

Another motif used by the Guerrilla Girls, is this girly handwritten letter, Dearest Art Collector 1986. The pink paper and sad faced flower appear only to enhance their sarcasm. They have used this template for other public letters, most of which sign off with 'We know that you feel terrible about this and will rectify the situation immediately'. As usual the joke is on the art collector.

What the critics say ...

The posters were rude; they named names and they printed statistics. They embarrassed people. In other words, they worked
Susan Tallman, Arts Magazine

...waging what they call cultural warfare...where the main ammunition is wit
CNN

Kick-ass
Walter Robinson, Artnet Magazine

Guerilla Girls in quotes ...

We don't need money. We just need bananas
Kollwitz, The Independent

Artists should stop making art only for the one percent and start making some art for the rest of us
Interview Magazine

How can you really tell the story of a culture when you don't include all the voices within the culture?
Kahlo, NY Times

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Guerrilla Girls are an all female collective who remain anonymous by wearing gorilla masks and naming themselves after famous dead women. In 1998 the Guerrilla Girls' new book, The Guerrilla Girls' Bedside Companion to the History of Western Art, they wrote: We are a group of women artists and art professionals who fight discrimination.

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Thirty years after the feminist activists began, the Guerrilla Girls are still going. Their identities remain a secret but their fight for equality in the art world still attracts legions of fans.

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Manifesto Grafico exhibition @ Espaco Cu...

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Manifesto Grafico exhibition @ Espaco Cultural Porto Seguro Rico Lins August 2017

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