# data[].attributes.headline
Stefano Lecchi, Il Casino dei Quattro Venti (1849; carta salata da calotipo, 163 x 222 mm; Roma, Biblioteca di Storia Moderna e Contemporanea)

# data[].attributes.subject
Stefano Lecchi, Il Casino dei Quattro Venti (1849; carta salata da calotipo, 163 x 222 mm; Roma, Biblioteca di Storia Moderna e Contemporanea)

# data[].attributes.body
Stefano Lecchi, Il Casino dei Quattro Venti (1849; carta salata da calotipo, 163 x 222 mm; Roma, Biblioteca di Storia Moderna e Contemporanea)

# data[].attributes.body
Rue de Saint-Maur, 1848

# data[].attributes.body
https://youtu.be/T06DybgyrcU?si=rcTaRuyym38mDBcy Antonio Paolucci, Il bacio di Hayez

# data[].attributes.attachment_link.title
Lezioni d'autore con Valerio Terraroli - L’età romantica

# data[].attributes.body
https://www.blendspace.com/lessons/wnYvNsxPOS7B5Q/edit

# data[].attributes.attachment_link.title
La zattera della Medusa  - Theodore Gericault

# data[].attributes.headline
I prodromi del Romanticismo 1830: Gericault, Atlas

# data[].attributes.subject
I prodromi del Romanticismo 1830: Gericault, Atlas

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=5c_-OzcCrlM
https://www.youtube.com/watch?v=b71IRCzhHbw

# data[].attributes.body
https://www.artesvelata.it/zattera-medusa-gericault/

# data[].attributes.body
http://www.didatticarte.it/Blog/?p=5808

# data[].attributes.attachment_link.description
Un mare in tempesta, un cielo scuro e minaccioso, una zattera su cui si accalcano uomini disperati. Chi sono questi naufraghi e chi potrà salvarli? Sono l’equipaggio di una nave militare francese che fece naufragio nel 1816 al largo delle coste dell’Africa occidentale e che, l’artista francese Théodore Géricault, due anni dopo decise di ricordare in questa opera potentissima. Scopri di più sull’opera con il nostro video.
Per approfondire l’analisi dell’opera di Gericault e degli altri maestri dell’Ottocento, puoi consultare su mydbook.it Il filo dell’arte e Le vie dell’arte e i contenuti digitali correlati.

# data[].attributes.headline
"Con la cultura francese della rivoluzione il modello classico acquista un senso etico-ideologico, identificandosi con la soluzione ideale del conflitto tra libertà e dovere; e, ponendosi come valore assoluto e universale, trascende e annienta le tradizioni e le “scuole” nazionali. Questo universalismo soprastorico culmina e si diffonde in tutta l’Europa con l’impero napoleonico. La crisi che si determina con la sua fine apre, anche nella cultura artistica, una problematica nuova: ricusata l’antistorica restaurazione monarchica, le nazioni debbono trovare in sé, nella propria storia e nel sentimento dei popoli, le ragioni di una propria autonomia e in una radice ideale comune, il cristianesimo, l’argomento di una civile coesistenza. Nasce così, nell’ambito globale del Romanticismo, che comprendeva la scaduta ideologia neoclassica, il Romanticismo storico, che le si contrappone come alternativa dialettica opponendo alla sconfitta razionalità la profonda, irrinunciabile, intrinseca religiosità dell’arte." Argan, Ottocento, Sansoni 1988

# data[].attributes.subject
"Con la cultura francese della rivoluzione il modello classico acquista un senso etico-ideologico, identificandosi con la soluzione ideale del conflitto tra libertà e dovere; e, ponendosi come valore assoluto e universale, trascende e annienta le tradizioni e le “scuole” nazionali. Questo universalismo soprastorico culmina e si diffonde in tutta l’Europa con l’impero napoleonico. La crisi che si determina con la sua fine apre, anche nella cultura artistica, una problematica nuova: ricusata l’antistorica restaurazione monarchica, le nazioni debbono trovare in sé, nella propria storia e nel sentimento dei popoli, le ragioni di una propria autonomia e in una radice ideale comune, il cristianesimo, l’argomento di una civile coesistenza. Nasce così, nell’ambito globale del Romanticismo, che comprendeva la scaduta ideologia neoclassica, il Romanticismo storico, che le si contrappone come alternativa dialettica opponendo alla sconfitta razionalità la profonda, irrinunciabile, intrinseca religiosità dell’arte." Argan, Ottocento, Sansoni 1988

# data[].attributes.body
https://youtu.be/-CNK9yT5kEA
https://youtu.be/1VI2OgItTQw
https://youtu.be/U1w0ugH3B4Q
https://youtu.be/reBhwLuROTw

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il video musicale Vincenzo Vela. Il sogno della materia del regista Adriano Kestenholz, realizzato in coproduzione tra Aleph Film e la RSI (Radiotelevisione svizzera) e con il sostegno del Museo Vincenzo Vela, è stato presentato in prima mondiale al Parma Music Film Festival lo scorso 18 settembre. A partire dal 17 gennaio 202, poi, questo l'opera video sarà protagonista in forma installativa nelle sale del Museo di Ligornetto (Svizzera) per dialogare in modo diretto originale e intrigante con le opere di Vela.

UN VIAGGIO TRA SCULTURA E MUSICA

Nel video, le opere plastiche dello scultore ticinese, tra cui il ritratto di Correggio, vengono rivisitate sul filo di una performance musicale, in un continuo raffronto tra i modelli in gesso conservati nella casa-museo dell'artista e le rispettive opere bronzee e marmoree allocate in vari luoghi d'Italia, Svizzera e Francia. All'incrocio tra documentario d'arte e documentazione musicale questo progetto artistico traghetta lo spettatore in una dimensione onirica dove materia plastica e ordine musicale si amalgamano generando una sorta di museo immaginario fatto di luci e di ombre, di prossimità e lontananze, di corposità e di spettrali evanescenze.

Artribune è una piattaforma di contenuti e servizi dedicata all'arte e alla cultura contemporanea, nata nel 2011 grazie all'esperienza decennale nel campo dell'editoria, del giornalismo e delle nuove tecnologie.

# data[].attributes.attachment_link.title
Tra scultura e musica. Un'opera video dedicata all'arte di Vincenzo Vela

# data[].attributes.attachment_link.description
Il video musicale Vincenzo Vela. Il sogno della materia del regista Adriano Kestenholz, realizzato in coproduzione tra Aleph Film e la RSI (Radiotelevisione svizzera) e con il sostegno del Museo Vincenzo Vela, è stato presentato in prima mondiale al Parma Music Film Festival lo scorso 18 settembre.

# data[].attributes.attachment_link.title
Federico Canaccini racconta i Vespri siciliani, 1282

# data[].attributes.headline
"Ricalcando lo schema compositivo della zattera, Delacroix lo rovescia. Inverte la posizione dei due morti in primo piano, e questo non è molto importante; ma inverte anche la direzione del moto delle masse, che nella zattera va dallo avanti all’indietro, nella Libertà viene in avanti, si precipita verso lo spettatore, lo prende di petto, gli rivolge un discorso concitato." Argan

# data[].attributes.subject
"Ricalcando lo schema compositivo della zattera, Delacroix lo rovescia. Inverte la posizione dei due morti in primo piano, e questo non è molto importante; ma inverte anche la direzione del moto delle masse, che nella zattera va dallo avanti all’indietro, nella Libertà viene in avanti, si precipita verso lo spettatore, lo prende di petto, gli rivolge un discorso concitato." Argan

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Versione audio:

Puoi ascoltare il mio podcast su: Apple Podcasts | Google Podcasts | Spotify | Cos'è?

In Francia e in Italia, paesi con una solidissima tradizione classicistica e dove il Neoclassicismo si era maggiormente radicato, il movimento romantico si sviluppò con accenti molto diversi rispetto a quanto avveniva in Inghilterra e in Germania. I romantici francesi e italiani, infatti, non furono particolarmente interessati alla pittura di paesaggio, benché non abbiano disdegnato di affrontare, in alcuni casi, anche tematiche legate al sublime della natura; in generale, essi mantennero un certo compiacimento nella rappresentazione della figura umana, che rimase l'indiscussa protagonista della loro pittura. Géricault: ritratti e frammenti anatomici.

Théodore Géricault (1791-1824), che proveniva dalla scuola neoclassica, abbandonò i canoni accademici per dedicarsi a soggetti ispirati dalla cronaca, animati da gente qualunque, miserabili o sventurati che tuttavia affrontano con stoicismo degno dei più grandi eroi le proprie disgrazie. Nella pittura romantica di Géricault, infatti, emerse da subito un aspetto destinato a segnare lo sviluppo della pittura ottocentesca.

Nel 1818, Géricault iniziò a lavorare a quello che sarebbe stato il suo capolavoro, La zattera della Medusa. Il lavoro di preparazione di questo dipinto gli diede l'occasione per affrontare un tema assai difficile e controcorrente: quello del degrado fisico dell'individuo. Egli, infatti, fece richiesta ad alcuni medici dell'ospedale parigino Beaujon di osservare e disegnare i moribondi e i cadaveri. Il risultato sono quadri come Teste di giustiziati o Frammenti anatomici, in cui arti e altre parti anatomiche sono ammucchiate, come lugubri nature morte, a testimoniare l'orrore perpetrato dall'uomo contro i reietti della società.

I cadaveri dei condannati a morte, infatti, non venivano sepolti ma smembrati, ridotti a brandelli e distribuiti agli studenti di anatomia. Sembra che l'artista sia giunto a tenere per quindici giorni, in casa propria, una testa di giustiziato per registrarne la progressiva decomposizione, fissando sulla tela il mutamento di tonalità prodotto dalla putrefazione della carne.

Anche la follia, l'alterazione mentale di cui si possono cogliere gli aspetti più forti e devastanti sui volti dei malati, attrasse irresistibilmente l'attenzione di Géricault, che realizzò dieci ritratti di pazzi, cinque dei quali sono andati persi. Nonostante i titoli, che li vorrebbero presentare come studi "scientifici" su particolari forme di ossessioni (la monomania), questi quadri si caratterizzano per la straordinaria espressività dei soggetti. I dieci ritratti sul tema furono dipinti nel 1822-23 per il dottor Jean Georget (al quale l'artista si era rivolto in un periodo di profonda depressione).

Géricault era molto sensibile alle conquiste della psichiatria ottocentesca, che iniziava a considerare gli alienati, ossia i folli, non più come individui da escludere e isolare ma come malati da curare. La psichiatria dell'epoca si serviva ancora della fisiognomica, una disciplina che credeva di poter dedurre le caratteristiche psichiche di una persona dai suoi caratteri somatici, in particolare quelli del viso. Ma l'artista, con il suo intenso realismo, non sembra interessato alle classificazioni medico-naturalistiche; egli indaga, piuttosto, l'aspetto umano della malattia, a causa della quale quegli individui sono costretti a una vita di drammatico isolamento, di esclusione dal contesto sociale.

L'Alienata con monomania dell'invidia è la più famosa del gruppo. Si tratta di una donna anziana vestita con un pesante cappotto, che lascia intravedere la camicia sottostante, coperta da una sciarpa rossa. La cuffia che porta sulla testa è slacciata, e i lacci penzolano ai lati del viso. I piccoli occhi, arrossati e cattivi, puntano su qualcosa o qualcuno che ha attirato la sua attenzione, e che lei osserva concentrata. Il volto rugoso, i capelli grigi e sporchi, le stesse vesti dimesse sono mostrate senza alcuna idealizzazione.

L'Alienata con monomania del giocoè una vecchia inebetita, dallo sguardo spento e la bocca semiaperta, apparentemente incapace di intendere e di volere. Anch'ella coperta da un pesante cappotto, porta una cuffia da cui escono i capelli spettinati.

Anche l'Alienato con monomania del furto presenta uno sguardo instupidito. Completamente vestito di nero, il volto smagrito e scavato, i capelli scuri arruffati, la barba lunga e trascurata, sembra assorto nei suoi malinconici pensieri.

L'Alienato con monomania del comando ha invece uno sguardo corrucciato e severo, tipico di chi è solito rimproverare con durezza i propri interlocutori, e mostra il proprio scollamento dalla realtà. È vestito con abiti militari e porta sulla testa un fez nero con la nappa rossa; al suo collo pende una pesante medaglia.

L'Alienato con Monomania del rapimento di bambini, che dal titolo si intuisce essere un rapitore seriale, è apparentemente una persona innocua. Meglio vestito degli altri pazienti dell'ospedale, porta un foulard stretto intorno al collo, una giacca e un copricapo scuro. La barba lunga sul volto magro è abbastanza curata e il cappello indossato con garbo. Lo sguardo malinconico e distante tradisce la scarsa consapevolezza del suo stato e della sua condizione.

Risale allo stesso periodo degli Alienati un altro, coraggiosissimo dipinto di Gericault, il cosiddetto Ritratto di negro. Nessun pittore neoclassico avrebbe mai dipinto un ragazzo di colore, e difatti furono ben pochi gli artisti che si interessarono di soggetti come questo. Un magnifico precedente è, in questo senso, il bellissimo Ritratto di negra della pittrice Marie-Guillemine Benoist (1768-1826).

Géricault dedicò a questo anonimo schiavo uno dei quadri più suggestivi che la ritrattistica ottocentesca abbia mai prodotto. La sua polemica sostanzialmente anticlassica, il suo rifiuto per la pura idealizzazione, la scelta d'innalzare a dignità di protagonisti dell'arte individui comuni, anonimi, perfino schiavi o reietti, cui la tradizione accademica aveva negato il proprio interesse, destò grande scalpore ma fece di Géricault un caposcuola. Il successivo movimento del Realismo sarebbe stato profondamente debitore della sua pittura.

# data[].attributes.attachment_link.title
Géricault: ritratti e frammenti anatomici - Arte Svelata

# data[].attributes.attachment_link.description
Versione audio: In Francia e in Italia, paesi con una solidissima tradizione classicistica e dove il Neoclassicismo si era maggiormente radicato, il movimento romantico si sviluppò con accenti molto diversi rispetto a quanto avveniva in Inghilterra e in Germania.

# data[].attributes.body
https://pinacotecabrera.org/educazione/prepara-la-tua-visita/francesco-hayez-un-pittore-che-ha-stoffa/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Storia dell'articolo

Questo articolo è stato pubblicato il 12 aprile 2011 alle ore 20:32.

Milano non è mai stata, come Torino, Firenze e Roma, capitale dell'Italia unificata nel 1861, ma ha giocato comunque un ruolo fondamentale nella costruzione dell'identità nazionale. Durante il periodo risorgimentale, tra gli anni venti e sessanta dell'Ottocento, la capitale morale e culturale della futura nazione è stata proprio Milano, con la sua aristocrazia e borghesia illuminate, i suoi pittori, musicisti, scrittori. Un vivace e fecondo laboratorio animato da tre figure d'eccezione: Francesco Hayez (1791- Milano 1882), Alessandro Manzoni (1785-1873) e Giuseppe Verdi (1813-1901).

Tre artisti, accomunati dallo stesso fuoco, dagli stessi ideali. Erano amici, si conoscevano, si frequentavano. Manzoni, persona molto schiva, è stato ritratto in modo mirabile da Hayez che, a sua volta si è ispirato ai suoi scritti come "Carmagnola" (la storia del capitano di ventura al servizio della Repubblica Veneta che dà il via al romanticismo in letteratura) e i "Promessi sposi". Verdi si avvaleva della consulenza di Hayez, docente a Brera dal 1823 al 1880, per la messinscena dei suoi melodrammi.

Un esaltante confronto tra pittura e musica giocato spesso sugli stessi temi, come "I due Foscari", "I Lombardi", i "Vespri siciliani "(1822): titoli di opere verdiane che hanno ispirato alcuni quadri di Hayez. Ma Hayez che ha prodotto svariati ritratti di conoscenti, amici, personaggi dell'epoca riuscendo sempre a far emergere l'anima delle persone, tanto apprezzata da Stendhal, non ha mai ritratto Verdi. Del grande musicista esiste un bellissimo ritratto del 1886 firmato da Giovanni Boldini, il pittore italiano protagonista della Belle Epoque parigina a fine Ottocento, che in questa occasione si è sicuramente ispirato ad Hayez.

Mostra per i 150 anni
Questo pezzo fondamentale di storia milanese e italiana viene ricostruito da una eccezionale, piccola mostra, 27 dipinti in tutto, realizzata dalla Pinacoteca di Brera, nel quadro delle celebrazioni dei 150 anni dell'unità l'Italia, dal titolo "Hayez nella Milano di Manzoni e Verdi", catalogo Skira. Una mostra da vedere e anche da sentire. Il percorso espositivo è accompagnato, infatti, da un sottofondo musicale, una sintesi di alcune opere verdiane, un allestimento voluto proprio per ricreare lo spirito e l'entusiasmo del tempo.

"Ci sono mostre utili che servono a fare progredire gli studi a familiarizzare il pubblico su un artista, un movimento, un luogo, un'idea. L'esposizione su Hayez rientra in questa categoria, un esempio ormai raro di ricerca specialistica al servizio di un museo e del suo pubblico". E' il commento di Caterina Bon Valsassina, direttore regionale per i Beni culturali della Lombardia, arrivata a sorpresa martedì mattina a Brera alla presentazione della mostra, proprio per godersi "alcuni quadri meno noti che ancora non aveva visto".

Il bacio
Curata da Fernando Mazzocca, massimo studioso di Hayez, da Isabella Marelli, conservatrice delle opere dell'Ottocento della Pinacoteca e dalla direttrice della Pinacoteca Sandrina Bandera, la mostra, aperta al pubblico dal 13 aprile al 25 settembre, ha come emblema "Il bacio": il bellissimo e popolare dipinto di Hayez esposto per la prima volta a Brera il 9 settembre 1859. Un quadro sentimentale e patriottico insieme. Infatti, tre mesi prima dell'esposizione milanese, Vittorio Emanuele II e l'alleato Napoleone III di Francia entravano trionfalmente a Milano, liberando la Lombardia dalla dominazione austriaca. Hayez veste i due amanti di verde, azzurro, bianco, rosso, combinando ii colori di due nazioni sorelle in un simbolico abbraccio tra la bandiera francese e italiana.

La mostra presenta 24 capolavori di Hayez (più tre tele di Boldini, Bertini e Beretta) che ripercorrono alcune fasi della sua carriera a partire dai dipinti storici degli anni venti, al suo esordio a Milano come pittore del romanticismo storico. C'è un bellissimo Ritratto dell'Innominato, dedicato nel 1845 ad uno dei protagonisti dei Promessi Sposi. Ci sono i due migliori Autoritratti di Hayez, quello di Brera e quello degli Uffizi, che aprono il percorso espositivo. E poi una carrellata di volti: quello di Manzoni e della seconda moglie Teresa Stampa, dell'amico filosofo Antonio Rosmini, del pittore e uomo politico Massimo d'Azeglio, che aveva sposato Giulietta, la figlia prediletta di Manzoni. Due straordinari dipinti sacri (L'Arcangelo San Michele e La Vergine Addolorata). La rassegna si chiude con Il bacio e i ritratti dei due assoluti protagonisti della musica dell'Ottocento italiano: Gioacchino Rossini e il Giuseppe Verdi di Boldini.

Hayez nella Milano di Manzoni e Verdi
Pinacoteca di Brera 13 aprile-25 Settembre 2011
via Brera 28 Milano
www.brera.beniculturali.it

# data[].attributes.attachment_link.title
Hayez, pittore storico nella Milano di Manzoni e Verdi. Una mostra da vedere e da sentire

# data[].attributes.attachment_link.description
Questo articolo è stato pubblicato il 12 aprile 2011 alle ore 20:32. Milano non è mai stata, come Torino, Firenze e Roma, capitale dell'Italia unificata nel 1861, ma ha giocato comunque un ruolo fondamentale nella costruzione dell'identità nazionale.

# data[].attributes.attachment_link.title
Lezioni d' autore con Antonio Paolucci - Francesco Hayez, Il bacio

# data[].attributes.headline
 «Per gli artisti il romanticismo a dire il vero non fu se non l' insurrezione, l' insurrezione ha trionfato ed essi navigano a vele spiegate nella rivoluzione che non è incominciata se non il giorno in cui l' insurrezione è finita» Giuseppe Mazzini, La peinture moderne en Italie in "London Westminster Review", 1841 

# data[].attributes.subject
 «Per gli artisti il romanticismo a dire il vero non fu se non l' insurrezione, l' insurrezione ha trionfato ed essi navigano a vele spiegate nella rivoluzione che non è incominciata se non il giorno in cui l' insurrezione è finita» Giuseppe Mazzini, La peinture moderne en Italie in "London Westminster Review", 1841 

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
iniziativa

Nell'ambito delle iniziative dedicate alle celebrazioni per l'Unità, la Pinacoteca di Brera con Skira editore dedica una mostra a Francesco Hayez e al contesto artistico e culturale di Milano nei decenni cruciali per la storia dell'Italia.
Milano non è stata, come Torino, Firenze e Roma, capitale dell'Italia, unificata nel 1861, di cui ricorre nel 2011 il centocinquantenario. Ma quella che venne considerata la "capitale morale" ha avuto un ruolo, superiore a qualsiasi altra città italiana, decisivo per l'unità culturale del nostro paese. Milano è stata nell'Ottocento il più importante centro per l'editoria, per la produzione artistica, il mercato dell'arte e il collezionismo, per l'attività musicale in riferimento soprattutto al melodramma destinato ad una ininterrotta fortuna internazionale.
Tre protagonisti, appartenuti a tre generazioni diverse, Alessandro Manzoni (1785-1873), Francesco Hayez (1791-1882) e Giuseppe Verdi (1813-1901), hanno rappresentato il primato milanese nell'ambito letterario, della pittura e della musica, fornendo rispettivamente con la tragedia (Carmagnola e Adelchi) e il romanzo moderni (I Promessi Sposi), la grande pittura storica e il ritratto, il melodramma, i modelli in cui la nuova nazione potesse riconoscersi. Il complesso di Brera, con l'Accademia, la Pinacoteca, la Biblioteca Braidense e le altre istituzioni, il Teatro alla Scala, i centri dell'editoria letteraria e musicale, come la famosa Casa Ricordi, furono il grandioso laboratorio di questa cultura nazionale. Manzoni era lombardo, Hayez e Verdi no, ma il loro successo a Milano testimonia quello spirito d'accoglienza e quella capacità di attirare ingegni che dai tempi di Leonardo è sempre stata una prerogativa milanese.
Attraverso una serie di capolavori di Hayez, ispirati ai testi di Manzoni e che rappresentano gli stessi temi di alcuni dei più popolari melodrammi di Verdi, come I Lombardi alla prima Crociata, I Vespri e I due Foscari, a cui si unisce una serie di strepitosi ritratti dei tre protagonisti e dei personaggi a loro più vicini, la mostra intende
evocare, nello spazio emblematico di Brera, questo momento irripetibile della storia culturale italiana.
Un catalogo, edito da Skira, oltre a restituire il percorso espositivo, raccoglierà i contributi dei più autorevoli studiosi in ambito storico, storico artistico, letterario e musicale, in modo da ricostruire il clima di quegli anni straordinari.
Nell'ultima sala del percorso museale (sala XXXVII), alcuni famosissimi dipinti della Pinacoteca legati al Risorgimento italiano nei mesi della mostra godranno di una maggior visibilità, con un apparato didattico appositamente curato.

12 aprile - 25 settembre ore 8.30 -19.15 mar. - dom.
(la biglietteria chiude 45 minuti prima)
chiuso lunedì

Pinacoteca di Brera, Palazzo di Brera
Via Brera, 28 Milano
Tel. 02 72263262 - 63
Prenotazioni Tel. 02.92800361
www.pinacotecabrera.net - www.brera.beniculturali.it - paola.strada@beniculturali.it mariacristina.passoni@beniculturali.it

Attività didattica a cura dei Servizi educativi
della Pinacoteca di Brera
Tel. 02.72263219 - 262
www.brera.beniculturali.it/Servizi educativi

Informazioni Soprintendenza BSAE Milano
Segreteria Soprintendente
Tel. 02.72263203-204 - sbsae-mi.segreteria@beniculturali.it

Ufficio Mostre ed eventi
Paola Strada
Tel. 02 72263262 - paola.strada@beniculturali.it

Ufficio Comunicazione grafica e web
Mariacristina Passoni con Cesare Maiocchi

Ufficio Stampa Skira:
Lucia Crespi, Tel. 02 89415532 - 02 89401645 lucia@luciacrespi.it

Registrar
Mariacristina Nasoni

Ufficio Tecnico
Angelo Rossi

Progetto e direzione dell'allestimento
Corrado Anselmi con Antonella Pasquale

Laboratorio di restauro
Paola Borghese, Andrea Carini e Sara Scatragli

Laboratorio Fotografico
Angela Cavaliere, Patrizia Mancinelli e Roberto Giuranna

Promosso da: Soprintendenza per i beni storici artistici ed etnoantropologici per le province di Milano Bergamo Como Lecco Lodi Monza Pavia Sondrio Varese

# data[].attributes.attachment_link.description
iniziativa Nell'ambito delle iniziative dedicate alle celebrazioni per l'Unità, la Pinacoteca di Brera con Skira editore dedica una mostra a Francesco Hayez e al contesto artistico e culturale di Milano nei decenni cruciali per la storia dell'Italia.Milano non è stata, come Torino, Firenze e Roma, capitale dell'Italia, unificata nel 1861, di cui ricorre nel 2011 il centocinquantenario.

# data[].attributes.body
https://youtu.be/5AKi-Hbdnj8

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"Già vivo al guardo la tua man pingea un che in nebbia m'apparve all'intelletto: altra or fugace e senza forme idea timida accede all'alto tuo concetto: lieto l'accogli, e un immortal ne crea di meraviglia e di pietade oggetto; mentre aver sol potea dal verso mio pochi giorni di spregio, e poi l'obblio"
A. Manzoni, Al signor Francesco Hayez

Oppressioni. Lotte.
Tumulti. Rivoluzioni.
I Moti Rivoluzionari del 1820/21 e del 1848 segnano due tappe decisive del tortuoso viaggio che ha condotto all'unità d'Italia. Ci troviamo nel bel mezzo della sua storia, quando per la prima volta un sentimento di identità nazionale comincia ad infuocare l'animo del popolo. Il mondo dell'arte svolse, ovviamente, un ruolo fondamentale.

Due vati della Nazione. Due amici. Hayez e Manzoni, pennello e penna, iniettarono nello spirito degli italiani un nuovo modo di sentire attraverso raffigurazioni d'eroismo disincantato. Uomini centrali della cultura, specialmente politica, vengono da loro descritti e mostrati in un'aura di splendente esemplarità.
Soggetti da seguire e soggetti da evitare, comunque sia, in grado di stimolare gesta extra-ordinarie tramite movimenti di attrazione o repulsione.
La scelta artistica è, tuttavia, piuttosto singolare. Gran parte dei personaggi ritratti terminarono l'esistenza tragicamente, quasi come se la morte, per loro, fosse un drammatico sacrificio necessario per un bene superiore.

"O padre,
Tanto non chiede il mio dolor; l'obblio
sol bramo; e il mondo volentier l'accorda
agli'infelici"
Ermengarda al padre Desiderio, Adelchi

La regina Maria Stuarda e il doge Marin Faliero.
Nel dipinto del 1827 troviamo una donna mirabile, esempio di tolleranza politica e di sincera devozione alla religione cattolica, condotta al patibolo essendo stata ritenuta colpevole di tradimento nei confronti della Regina Elisabetta I d'Inghilterra, sua cugina. Non lontano dalla mente della gente è l'immagine del Calvario di Cristo, che il pittore veneto decide qui di richiamare implicitamente per approfondire la vicinanza delle sue tele con uno degli elementi centrali della cultura italiana, e non solo.

Gli ultimi momenti del doge Marin Faliero sulla scala detta del piombo narra la vicenda di Faliero appunto, che partecipò attivamente alla congiura riservata al futuro doge della Repubblica di Venezia. L'istante scelto descrivei suoi ultimi momenti di vita prima di essere condannato a morte dopo la scoperta del misfatto: un insegnamento per i futuri dogi, un insegnamento per i futuri reggenti dello Stato.
Hayez ritrae così eventi da imprimere nella memoria, azioni che drasticamente modificarono il corso della storia.

"Soffri e sii grande: il tuo destino è questo,
finor: soffri, ma spera: il tuo gran corso
comincia appena; e chi sa dir, quai tempi,
quali opre il cielo ti prepara"
Lo scudiero Anfrido ad Adelchi, Adelchi

Adelchi, figlio di Desiderio, re dei Longobardi.
Eroe lacerato. Tenace avversario dei giochi di potere, insofferente nei confronti della corruzione, tristemente si volge dinnanzi al sangue versato. Spera di poter vincere una guerra che mai avrebbe voluto combattere, sporca con onore l'integrità della sua coscienza. Nonostante la necessità delle sue scelte, nonostante la grandezza dei suoi valori, finirà tragicamente ucciso dal nemico francese, re Carlo. Quasi che qui, in questo mondo, non ci sia giustizia; quasi che la sofferenza non trovi altro rimedio che la morte.

"Dagli atrii muscosi, dai Fori cadenti,
dai boschi, dall'arse fucine stridenti,
dai solchi bagnati di servo sudor,
un volgo disperso repente si desta;
intende l'orecchio, solleva la testa
percosso da novo crescente romor.

Dai guardi dubbiosi, dai pavidi volti,
qual raggio di sole da nuvoli folti,
traluce de' padri la fiera virtù:
ne' guardi, ne' volti confuso ed incerto
si mesce e discorda lo spregio sofferto
col misero orgogli d'un tempo che fu"
Coro dell'Atto Terzo, Adelchi

Cosa salva? Un bacio.
L'artista de Il Bacio coglie magistralmente l'istante in cui un ragazzo in procinto di fuggire, probabilmente braccato o richiamato alle armi, stringe fra le braccia la sua amata, piacevolmente abbandonata nel calore del suo abbraccio. Un saluto. Che sia l'ultimo?
Cosa salva? Un'intima confessione.
L'autore de I Promessi Sposi, al termine della tragedia, consegna l'immagine d'amore di un figlio morente che saluta il padre poco prima di abbandonarlo. Combattente fedele, uomo di grandi desideri. Se ne va, lasciando in testamento un futuro senza tinte.
Che il destino si scriva, nonostante tutto ciò che porta con sé! Nel fuoco della passione, che sia d'amore, che sia per gli ideali, che sia passione per la passione, si riaccende l'inesausta speranza che un'incredibile novità si possa innestare nella storia.

"Adelchi è una anima che soffre, e soffre non già dell'impotenza della sua mente, dei difettivi dei suoi sillogismi, ma della ricchezza delle sue forze morali, della finezza del suo sentire".
B. Croce, Un personaggio poetico a torto disconosciuto: Adelchi

"Adelchi una Musa ce l'ha, perché sembra che sia Dio a soffiargli nelle orecchie e nel cuore titanismo e passione".
Carmelo Bene

# data[].attributes.attachment_link.title
Ars magistra vitae: l'eroismo tragico di Hayez e Manzoni

# data[].attributes.attachment_link.description
Oppressioni. Lotte. Tumulti. Rivoluzioni. I Moti Rivoluzionari del 1820/21 e del 1848 segnano due tappe decisive del tortuoso viaggio che ha condotto all'unità d'Italia. Ci troviamo nel bel mezzo della sua storia, quando per la prima volta un sentimento di identità nazionale comincia ad infuocare l'animo del popolo

# data[].attributes.attachment_link.title
Appunti per una resistenza culturale 16: "Il Bacio" di Francesco Hayez

# data[].attributes.attachment_link.title
Lezioni d'autore con Tomaso Montanari - L’Italia in periferia

# data[].attributes.attachment_link.title
Pinacoteca di Brera: Francesco Hayez, L'Odalisca, #raccontamibrera di I. Santarsiere

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"La peste che il tribunale della sanità aveva temuto che potesse entrar con le bande alemanne nel milanese, c'era entrata davvero, come è noto; ed è noto parimente che non si fermò qui, ma invase e spopolò una buona parte d'Italia".

Era il 1629. Manzoni ripercorre il dilagare del contagio nei capitoli XXXI e XXXII dei Promessi Sposi, rimandando alla Storia della colonna infame, in appendice all'edizione del 1842, per un ulteriore approfondimento. Il saggio ricostruisce il processo agli untori del 1630 ed è stato più volte citato in questi giorni per le possibili analogie con la stigmatizzazione dei cinesi nella diffusione del coronavirus SARS-CoV-2.

Ai parallelismi storici preferisco tuttavia la rilettura del romanzo. Primo perché, come avverte Montale, "la storia non è magistra / di niente che ci riguardi": essendo ogni situazione unica e libera, "la sua direzione non è nell'orario". Poi perché l'arte la oltrepassa, con uno sguardo più ampio e profondo sull'animo umano che ne è motore. Ed è esattamente questo che fa Manzoni usando il Seicento per parlare del suo secolo, autorizzandoci quindi anche filologicamente a fare altrettanto. Lasciando, s'intende, la questione medica a chi di dovere. Dove oltretutto conterà come sempre il bilancio complessivo, conseguenze sanitarie collaterali, psicologiche, politico-economiche e oltre comprese, essendo la salute, secondo la definizione proposta nel 1998 dalla stessa Organizzazione Mondiale della Sanità, uno "stato dinamico di completo benessere fisico, mentale, sociale e spirituale, non mera assenza di malattia". Dove si notino anche gli ultimi termini dell'equazione. Non si può insomma elevare troppo presto la cronaca a storia né limitarsi a una visione parziale e di settore. Per l'appunto l'invito di Manzoni in calce a quei capitoli è proprio a "osservare, ascoltare, paragonare, pensare, prima di parlare".

Nel Seicento il rischio fu sottovalutato da autorità, medici e popolo (che preferì non vedere, già vessato dalle preoccupazioni della guerra). Ma quel che trovo interessante, al di là di questa, non trasferibile, specifica che riguarda una peste che uccise un quarto della popolazione (con picchi del 40% in alcune aree geografiche), è che già gli storici dell'epoca si fissarono su un dettaglio:

"vollero notare il nome di chi ce la portò il [per] primo, e altre circostanze della persona e del caso: e infatti, nell'osservare i princìpi di una vasta mortalità, in cui le vittime, non che esser distinte per nome, appena si potranno indicare all'incirca [...], nasce una non so quale curiosità di conoscere que' primi e pochi nomi che poteron essere notati e conservati: questa specie di distinzione, la precedenza nell'esterminio, par che facciano trovare in essi [...] qualche cosa di fatale e di memorabile".

Il fiorire degli articoli sui nostri pazienti zero. Dove il punto, anche per Manzoni, è che "sia come sia" il giorno dell'entrata a Milano fu comunque "prima della pubblicazione delle grida sulle bullette". Considerazione che ci rivela, a dispetto delle ricostruzioni di cui sopra, molto più impotenti di quanto vorremmo.

Da qui inizia il racconto dell'ira funesta "della nobiltà, delli mercanti et della plebe" per le conseguenti vessazioni. Ma, ancor più, di quella "cieca e indisciplinata paura" che, unita alla "cattività [cattiveria]", aumentò a dismisura il danno, a causa della "grand'impressione di spavento nella moltitudine, per cui un oggetto diventa così facilmente un argomento". Del resto la paura causa istintivamente tre reazioni: aggressività, fuga, paralisi (la tanatosi degli animali). E, continua il capitolo XXXII,

"la collera aspira a punire: [...] le piace più d'attribuire i mali a una perversità umana, contro cui possa fare le sue vendette, che di riconoscerli da una causa, con la quale non ci sia altro da fare che rassegnarsi".

Così la folla o i più folli caricavano di pugni e calci i presunti untori, allora come oggi soprattutto gli sconosciuti, gli stranieri: "la frenesia s'era propagata come il contagio". Perché la forza del pregiudizio, commenta ancora Manzoni, è più forte dell'evidenza e le persone finiscono spesso per aggiustare ogni ragione a seconda di ciò di cui sono già convinte.

"Il povero senno umano" insomma "cozzava co' fantasmi creati da sé". Tanto che l'11 giugno 1630 si svolse una processione per scongiurare il pericolo, che ovviamente fu causa di ulteriore contagio. Gli illogici assembramenti nei supermercati mi pare ci somiglino un po', più riti esorcizzanti che necessarie e razionali strategie: una razzia di pasta e cipolle che salvi il pasto nazionale, e con esso forse l'identità dalla più sotterranea minaccia di disgregazione esistenziale.

Certamente "il coraggio, uno, se non ce l'ha, mica se lo può dare" direbbe Don Abbondio, che tuttavia il suo autore non perdona facilmente, chiosando che "spaventato, mentre attendeva tranquillamente a' fatti suoi, parrebbe la vittima; eppure, in realtà, era lui che faceva un sopruso", mettendo nei guai degli innocenti. Senza dubbio, anche a non voler far propria la morale manzoniana, la paura chiude nell'egocentrismo. E se

"in mezzo allo stordimento generale, all'indifferenza per gli altri, nata dal continuo temer per sé, ci furono degli animi sempre desti alla carità [...], purtroppo, non manca mai un aumento, e d'ordinario ben più generale, di perversità".

E sono i "rubamenti" delle truffe inventate in questi giorni soprattutto a discapito degli anziani o coloro che "mettevano a prezzo i propri servizi", come è successo per le mascherine e l'amuchina. Ma anche la manipolazione della paura da parte di alcuni giornalisti e politici. Pur non essendo facile mantenere un giusto equilibrio, soprattutto nei primi momenti, la schizofrenica altalenanza tra l'alimentazione del panico e la sua irrisione testimonia l'urgenza di quelle fondamentali virtù di prudenza e temperanza che ci ricorda anche Vito Mancuso nel suo ultimo libro. Che non vuol dire affatto rimuovere il problema né sminuirlo oltremodo, ma solo evitare quel sensazionalismo e quella drammatizzazione istrionica che disvela anch'essa una sproporzione egocentrica, e quindi la mancanza di una centratura, di un senso radicato, che viene invece costantemente demandato a una ricerca esteriore di adrenaliniche emozioni.

Non ci si appelli però a un facile e conservatore o tempora, o mores! se anche per Manzoni "l'immagine di quel supposto pericolo assediava e martirizzava gli animi molto più che il pericolo reale e presente", fino ad "alterare tutte le ragioni della fiducia reciproca" come ultima e più grave conseguenza. Insidiosa a tutti i livelli perché "da' trovati del volgo, le gente istruita prendeva ciò che si poteva accomodar con le sue idee; da' trovati della gente istruita, il volgo prendeva ciò che ne poteva intendere, e come lo poteva; e di tutto si formava una massa enorme e confusa di pubblica follia". Un'acuta analisi sociologica sulla "forza d'un'opinione comune", capace di agire "anche sulle menti più nobili". Dove "il buon senso c'era; ma se ne stava nascosto, per paura del senso comune". Una follia che, nella vacuità delle iperboli espressive, rischia invece proprio di dimenticare chi la morte la sta vivendo da vicino, laddove i fattori, citati alla stregua di meri tranquillanti, dell'anzianità e delle malattie pregresse non annullano certo l'intimo dolore di ciò che è, e resta, una tragedia all'interno della misura di una vita. È l'episodio di Cecilia del capitolo XXXIV, se vogliamo trovare anche in questo caso un aggancio al romanzo, narrato con la struggente commozione di un lutto che acquista realtà non appena tocca personalmente.

Ma appunto le misure di precauzione di tutti noi andrebbero là direzionate, verso un arginamento sensato e solidale che, tenendo conto della mancanza di immunità di gregge e di vaccino per il nuovo coronavirus, si preoccupi di proteggere l'intera comunità, di cui fanno parte anche le persone più fragili. È questo alla fine il coraggio: superare, per quanto possibile, la dimensione di avarizia a favore di una condivisione di capacità e beni a favore della collettività. Non è ciò che risulta dai negozi e dalle farmacie svuotate, né dagli sciacallaggi online, anche se pure Manzoni lamentava che i casi virtuosi fanno certamente meno notizia.

Ma se l'emergenza fa per l'appunto emergere le fragilità del nostro animo e della nostra società, può essere anche un'opportunità per fermarsi a osservare ciò che è salito a galla, e quindi alla luce della coscienza. In fin dei conti che cos'è la crisi? Come la fortuna per i latini, non ha in sé una valenza ontologicamente negativa o positiva. Ha a che fare piuttosto con il giudizio e la valutazione, con la scelta e la decisione. A livello sociale e personale potremmo allora focalizzarci sulla tutela e sviluppo della sanità pubblica, sull'importanza dell'informazione e dell'istruzione, sul ricollocamento delle priorità, sul ridimensionamento dei bisogni, sulla ricerca di equilibrio e stabilità, sull'interdipendenza tra individui e collettività nella dimensione della globalità. Ma altresì sulla consapevolezza della fragilità umana, dove la paura è il peggior ostacolo all'amore. Oltre a cogliere, ovviamente, l'occasione per rileggere i Promessi Sposi o il Decameron o quant'altro ci venga in soccorso da quel grande bagaglio che è la cultura e che lo spirito umano non a caso ha costruito come baluardo in questi millenni. Infine al coraggio, con buona pace di Don Abbondio, ci si può allenare. Innanzi tutto allentando un po' quell'ansia di controllo sulla vita, che ci deriva dalla presunzione che questa ci appartenga totalmente. Cessando di relegare il suo mistero di nascita e morte a tabù durante l'ordinario corso delle nostre esistenze, perché il fatto che non potremo mai arrivare a una definitiva chiarezza non può continuare a tradursi nell'eludere il discorso. L'unico, in fondo, che vale veramente la pena fare.

# data[].attributes.attachment_link.title
La peste, la paura, la folla. Manzoni sull'animo umano - di Marica Romolini

# data[].attributes.attachment_link.description
di Marica Romolini -- L'attualità rinvia a Manzoni, ai "Promessi Sposi" e alla "Storia della colonna infame". Con un insegnamento . Non si può elevare troppo presto la cronaca a storia né limitarsi a una visione parziale e di settore. Occorre, piuttosto, "osservare, ascoltare, paragonare, pensare, prima di parlare".

# data[].attributes.headline
«(Hayez è) l' artista più inoltrato che noi conosciamo nel sentimento dell' ideale che è chiamato a governare tutti i lavori dell' epoca» Giuseppe Mazzini, La peinture moderne en Italie in "London Westminster Review", 1841 

# data[].attributes.subject
«(Hayez è) l' artista più inoltrato che noi conosciamo nel sentimento dell' ideale che è chiamato a governare tutti i lavori dell' epoca» Giuseppe Mazzini, La peinture moderne en Italie in "London Westminster Review", 1841 

# data[].attributes.body
https://ricerca.repubblica.it/repubblica/archivio/repubblica/2005/10/31/il-critico-arte-giuseppe-mazzini.html

# data[].attributes.attachment_link.title
Pittura dell' 800' spiegata da P.Daverio

# data[].attributes.attachment_link.title
Delacroix, La Libertà che guida il popolo - La rappresentazione della storia tra '700-'800

# data[].attributes.headline
«Il romanticismo storico è l' arte dell' avvenire, bisogna rendere esemplari i grandi eventi del passato: le crociate e le lotte dei geni per conquistare la libertà con il popolo protagonista» Giuseppe Mazzini, La peinture moderne en Italie in "London Westminster Review", 1841 Hayez, Meditazione

# data[].attributes.subject
«Il romanticismo storico è l' arte dell' avvenire, bisogna rendere esemplari i grandi eventi del passato: le crociate e le lotte dei geni per conquistare la libertà con il popolo protagonista» Giuseppe Mazzini, La peinture moderne en Italie in "London Westminster Review", 1841 Hayez, Meditazione

# data[].attributes.attachment_link.title
La croce che la donna stringe tra le mani reca incisa la ... by Paola

# data[].attributes.attachment_link.description
TOUCH this image to discover its story. Image tagging powered by ThingLink

# data[].attributes.body
https://www.deartibus.it/drupal/content/hayez-francesco

# data[].attributes.attachment_link.title
Studio per il dipinto 'Il Conte di Carmagnola, mentre sta per essere condotto al supplizio ...

# data[].attributes.attachment_link.description
Studio per il dipinto 'Il Conte di Carmagnola, mentre sta per essere condotto al supplizio, raccomanda la sua famiglia all'amico Gonzaga, ultima scena della tragedia di Alessandro Manzoni'

# data[].attributes.headline
Tra il 1816 e il 1819 Alessandro Manzoni compone la sua prima tragedia, "Il Conte di Carmagnola", pubblicata nel gennaio del 1820. Dello stesso anno è lo studio per il dipinto omonimo di Francesco Hayez(1820, acquarello, Milano, Biblioteca Nazionale Braidense).

# data[].attributes.subject
Tra il 1816 e il 1819 Alessandro Manzoni compone la sua prima tragedia, "Il Conte di Carmagnola", pubblicata nel gennaio del 1820. Dello stesso anno è lo studio per il dipinto omonimo di Francesco Hayez(1820, acquarello, Milano, Biblioteca Nazionale Braidense).

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il documentario in onda sul canale tematico satellitare descrive la fascinazione di Delacroix per l'Oriente. Tra vita vissuta e creatività.

Considerato uno degli artisti più talentuosi del suo tempo, Eugène Delacroix è al centro dell'approfondimento Diario di un pittore in viaggio, in onda domenica 14 luglio su Sky Arte. Il documentario indaga il legame tra l'artista e ciò che lui definiva Oriente, prendendo le mosse dalla spedizione diplomatica a cui partecipò nel 1832, voluta dal sovrano Luigi Filippo per rasserenare i rapporti con il Marocco dopo l'annessione dell'Algeria alla Francia. Il viaggio, che portò l'artista a Tangeri, Meknès e poi ad Algeri, fu una inesauribile fonte di ispirazione per Delacroix, che tornò in Francia con sette volumi di schizzi e circa ottocento pagine di spunti che avrebbero costituito la base di una ottantina di dipinti in stile "orientale" realizzati dal pittore negli anni successivi, fino alla morte avvenuta nel 1863. La fascinazione per l'Oriente accomunò numerosi artisti dell'epoca, colleghi di Delacroix, senza tuttavia affermarsi come genere pittorico a sé stante, ma impregnando con le proprie istanze il filone romantico, di cui Delacroix è considerato uno dei precursori, grazie a un linguaggio visivo passato alla Storia.
Il sito di Sky Arte è powered by Artribune, che ne cura contenuti e interfaccia digitale. Scoprite a questo link le novità di palinsesto e le news che arricchiscono il portale del primo canale televisivo culturale italiano in HD...

Artribune è una piattaforma di contenuti e servizi dedicata all'arte e alla cultura contemporanea, nata nel 2011 grazie all'esperienza decennale nel campo dell'editoria, del giornalismo e delle nuove tecnologie.

# data[].attributes.attachment_link.title
Su Sky Arte: Eugène Delacroix e l'Oriente | Artribune

# data[].attributes.attachment_link.description
Il documentario in onda sul canale tematico satellitare descrive la fascinazione di Delacroix per l'Oriente. Tra vita vissuta e creatività. Considerato uno degli artisti più talentuosi del suo tempo, Eugène Delacroix è al centro dell'approfondimento Diario di un pittore in viaggio, in onda domenica 14 luglio su Sky Arte.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Versione audio:

Puoi ascoltare il mio podcast su: Apple Podcasts | Google Podcasts | Spotify | Cos'è?

Théodore Géricault (1791-1824) è stato il più importante esponente del Romanticismo francese. Proveniente da un'agiata famiglia borghese, si formò in un contesto accademico. Tuttavia, abbandonò presto i temi e gli ideali neoclassici. Spinto da un temperamento irrequieto e da una sensibilità acuta, decise di cercare i suoi soggetti nell'ambito della storia contemporanea. La zattera della Medusa di Géricault.

Un tragico evento di cronaca

Nel 1818, e per tutto l'anno successivo, Géricault lavorò al suo più noto capolavoro, La zattera della Medusa, un enorme quadro di 35 metri quadrati. Mai prima di allora una tela di tali dimensioni era stata destinata a soggetti privi di rilievo storico. Esposta al del 1819, dove fu aspramente contestata, l'opera assunse un valore emblematico per i pittori romantici, così come era successo con Il giuramento degli Orazi di David per gli artisti neoclassici.

Il soggetto fu ispirato da un tragico episodio di cronaca dell'epoca. Nel 1816, la nave Medusa naufragò al largo delle coste africane. Le scialuppe, che avevano a bordo gli ufficiali, cercarono di rimorchiare per un tratto 151 superstiti, ammassati su una zattera di fortuna, ma quando le corde si ruppero (o furono tagliate), la zattera andò alla deriva. I naufraghi, terrorizzati e affamati, giunsero a nutrirsi dei corpi dei compagni morti di stenti. Undici giorni dopo, la nave di soccorso Argo passò in prossimità della zattera ma senza scorgerla; al tredicesimo giorno, invece, la incrociò, raccogliendo solo quindici superstiti. Géricault, che voleva esprimere con sufficiente immediatezza tutta l'angoscia e l'orrore che avevano accompagnato i naufraghi, cercò di raccogliere ogni informazione possibile sulla vicenda e riuscì anche a parlare con tre dei sopravvissuti. Scelse, così, di rappresentare il mancato salvataggio dell'undicesimo giorno.

La composizione, segnata dalla drammaticità delle figure, sviluppa un progressivo " moto emotivo" ascensionale, che va dallo sconforto alla speranza, ben esemplificato dall'onda umana, creata dai naufraghi, che si erge verso destra. Un uomo anziano, seduto sconsolato fra i morti, regge sulle ginocchia le spoglie di un ragazzino nudo.

Un cadavere, nella parte inferiore del dipinto, sta per essere trasportato via dalla corrente. Accanto al vecchio, un giovane volge debolmente la testa verso la parte anteriore della zattera. Un gruppo di naufraghi è ridestato dalle grida dei compagni che, all'ombra della vela, indicano la nave Argo all'orizzonte. I più attivi, fra i quali un marinaio di colore, agitano le proprie camicie per attirare l'attenzione dei soccorritori.

Una composizione innovativa

La multiforme espressione degli stati d'animo è controllata ed enfatizzata, a un tempo, da una composizione complessa e attentamente studiata. La scena è impostata su una serie di assi visivi inclinati in direzioni opposte: due coincidono con i bordi della zattera, uno con il palo, altri due con le funi. Tutti questi sono percepiti come gli spigoli di una piramide obliqua che ha la base coincidente con la zattera stessa e il vertice con la parte terminale del palo. Altri assi inclinati coincidono, invece, con gli spigoli della ideale piramide umana, anch'essa obliqua, creata dai corpi ammassati dei marinai e culminante con il marinaio di colore che agita la sua camicia. Tali assi inclinati suggerisco all'osservatore un senso di instabilità, di precarietà.

Nel dipinto si contrappongono spinte contrastanti: una, quella dei naufraghi che si agitano per fare segnalazioni, ha la direzione parallela alla diagonale ascendente del quadro ed è rivolta decisamente verso il largo; le altre spinte hanno direzione parallela alla diagonale discendente: la prima, evidenziata dal vento che gonfia la vela, spinge la zattera verso sinistra, la seconda, indicata dalle onde del mare, verso destra, in basso.

La zattera viene insomma sballottata da una parte e dall'altra, in balia di forze opposte che comunque non la fanno avvicinare alla meta. Infatti, se la nave Argo è quasi un miraggio, una macchia appena visibile all'orizzonte, la zattera è vicinissima allo spettatore, al punto che il lato inferiore della tela taglia uno degli angoli del relitto e la parte superiore di un cadavere.

Una straordinaria, quanto inconsapevole, anticipazione del cosiddetto taglio fotografico, che tanta fortuna avrebbe avuto a partire dalla stagione impressionista. Con tali accorgimenti, l'artista intendeva ridurre il più possibile la distanza psicologica tra osservatore e dipinto e trasformare la fredda contemplazione da parte del pubblico in partecipazione sofferta.

La valenza psicologica del colore

Il dipinto presenta colori molto chiari, utilizzati per rendere il pallore dei corpi dei naufraghi, che contrastano con i colori fangosi e scuri, tendenti al grigio e al marrone, adottati per i vestiti di alcuni marinai e per il cielo. Qui, l'autore usò molto il bitume, una sostanza catramosa che, nel tempo, è diventata una melassa nera nascondendo, in modo irreversibile, alcuni dettagli dell'opera. Il mare ha un colore verde intenso, invece del tradizionale blu scuro.

Queste tonalità tetre e fortemente espressive creano un clima, anche psicologico, oscuro e hanno il compito di spingere l'osservatore a condividere l'angoscia e la sofferenza dei protagonisti. Anche l'illuminazione è cupa e richiama le atmosfere pittoriche di Caravaggio. Solo la nave Argo, che trarrà in salvo i superstiti, è illuminata da una luce più chiara che comunica un senso di speranza.

La zattera della medusa non ebbe il successo sperato, con grandissimo rammarico dell'autore che ne fece quasi una malattia. Fu considerata un attacco all'incuria del potere regale restaurato e un'allegoria della sventura della Francia; si criticò l'eccessiva importanza concessa a un marinaio di colore; in generale, infastidì che un semplice, per quanto drammatico, episodio di cronaca fosse stato illustrato in una tela di grandi dimensioni, al pari di un importante evento della storia. Chi erano, in fondo, quei marinai? Quali meriti potevano vantare, se non quello di essere sopravvissuti a una sciagura? Di questo, alla fine, Géricault era accusato: di aver reso protagonisti uomini qualunque, anonimi cittadini, semplici lavoratori.

Uno sparuto gruppo di antieroi, privi di medaglie e di gloria, divenuti eroi loro malgrado, per il solo fatto di aver resistito ai micidiali ingranaggi del destino, per il semplice motivo di avercela fatta. La realtà irrompeva nell'arte. E poco contava che l'artista avesse cercato di nobilitarla, dipingendo ogni singola figura con estrema precisione, descrivendola in modo esatto: le pose assunte dai marinai sono infatti quelle degli studi accademici, i loro fisici sono possenti, perfetti, privi di ferite.

Non sfugge, per esempio, che uno dei marinai, visto di spalle richiama la parte posteriore di un celebre capolavoro greco di età ellenistica, il Galata morente, che anche David, contemporaneo e "antagonista neoclassico" di Géricault, aveva preso a modello quarant'anni prima.

Questa apertura al classicismo da parte di un pittore romantico era sicuramente finalizzata a sospingere l'evento in una dimensione atemporale, a trasformare un semplice episodio di cronaca in un dramma universale. E, forse, anche a rendere più accettabile un'opera per molti versi troppo rivoluzionaria. Poco contò per il pubblico del Salon, che in quella grande tela non vide altro che naufraghi in mezzo al mare.

# data[].attributes.attachment_link.title
La zattera della Medusa di Géricault - Arte Svelata

# data[].attributes.attachment_link.description
Versione audio: Théodore Géricault (1791-1824) è stato il più importante esponente del Romanticismo francese. Proveniente da un'agiata famiglia borghese, si formò in un contesto accademico. Tuttavia, abbandonò presto i temi e gli ideali neoclassici. Spinto da un temperamento irrequieto e da una sensibilità acuta, decise di cercare i suoi soggetti nell'ambito della storia contemporanea.

# data[].attributes.headline
I Profughi di Parga, 1831, olio su tela, Brescia, Pinacoteca civica Tosio Martinengo All'indomani della Conferenza di Londra (1830), che riconosce alla Grecia l'indipendenza, e a dieci anni dalla composizione di "Gli abitanti di Parga", opera di Giovanni Berchet, Hayez dedica il grande olio (201x290cm) alle vicende della città portuale affacciata sull'Epiro che, già protettorato inglese dopo il Congresso di Vienna, è venduta nel 1818 al Pascià ottomano di Gianina. Gli abitanti, qui rappresentati in una coralità  da tragedia romantica sinolo di valori fondanti quali l'amor patrio, i vincoli affettivi e,la fede, preferiscono l'esilio nell'isola di Corfù alla cattività sotto i Turchi.

# data[].attributes.subject
I Profughi di Parga, 1831, olio su tela, Brescia, Pinacoteca civica Tosio Martinengo All'indomani della Conferenza di Londra (1830), che riconosce alla Grecia l'indipendenza, e a dieci anni dalla composizione di "Gli abitanti di Parga", opera di Giovanni Berchet, Hayez dedica il grande olio (201x290cm) alle vicende della città portuale affacciata sull'Epiro che, già protettorato inglese dopo il Congresso di Vienna, è venduta nel 1818 al Pascià ottomano di Gianina. Gli abitanti, qui rappresentati in una coralità  da tragedia romantica sinolo di valori fondanti quali l'amor patrio, i vincoli affettivi e,la fede, preferiscono l'esilio nell'isola di Corfù alla cattività sotto i Turchi.

# data[].attributes.body
https://youtu.be/CdVXPAj9bzY

# data[].attributes.headline
Giuseppe Mazzini nel 1841, nel suo saggio dal titolo Pittura moderna in Italia, definisce Hayez, maestro animato dal "genio democratico", come "il capo della Pittura Storica, che il Pensiero Nazionale reclamava in Italia: l'artista più inoltrato che noi conosciamo nel sentimento dell'ideale che è chiamato a governare tutti i lavori dell'Epoca".

# data[].attributes.subject
Giuseppe Mazzini nel 1841, nel suo saggio dal titolo Pittura moderna in Italia, definisce Hayez, maestro animato dal "genio democratico", come "il capo della Pittura Storica, che il Pensiero Nazionale reclamava in Italia: l'artista più inoltrato che noi conosciamo nel sentimento dell'ideale che è chiamato a governare tutti i lavori dell'Epoca".

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=S9Mwgeu5BYA

# data[].attributes.attachment_link.description
Il restauro del Ritratto di Alessandro Manzoni di Francesco Hayez (1841, Inv. 963, Fig. 1) è in corso dal giugno 2018. È l'immagine più popolare dello scrittore, che si sottopose, vincendo la sua naturale ritrosia, alla fatica di quindici sedute, dato lo scrupolo del pittore di voler rendere tutto dal vero, anche gli accessori.

# data[].attributes.headline
Romantici e Macchiaioli. Mazzini e la grande pittura europea

# data[].attributes.subject
Romantici e Macchiaioli. Mazzini e la grande pittura europea

# data[].attributes.headline
La cultura romantica e la nuova sensibilità 

# data[].attributes.subject
La cultura romantica e la nuova sensibilità 

# data[].attributes.attachment_link.title
01|La cultura romantica e la nuova sensibilità

# data[].attributes.headline
Romanticismo 1830: Delacroix, Fondazione Chabod

# data[].attributes.subject
Romanticismo 1830: Delacroix, Fondazione Chabod

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=GznAqcSnTF8

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=5T6trX7ZJvs
https://www.youtube.com/watch?v=RYypY5vXf8I
https://www.youtube.com/watch?v=W-eKn3U3K9k
https://www.youtube.com/watch?v=fJ1Y89Kfv-I
https://www.youtube.com/watch?v=DFiJRnsfYrk