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La música siempre ha jugado un papel importante en el arte, sirviendo como una especie de musa para los artistas, como cuando las mismas obras tenían una función instrumental en las culturas indígenas de América donde las esculturas funcionaban como instrumentos, hasta cuando comenzó a ser utilizada como influencia para los artistas al momento de crear una obra. La música no solo influencia al arte esta también se ve influenciada por el arte, existen canciones como Mona lisa de Nat King Cole donde el cantante habla de una mujer que con su sonrisa tienta a sus amantes o Andy Warhol de David Bowie donde el cantante hace referencia a las pinturas e influencia del artista. La música y el arte no solo se complementan, también comparten muchas cualidades como el balance, la forma la línea, la armonía y muchas mas, todas estas características que vuelven una canción o una obra de arte única y la hacen sobresalir del resto. Es por el hecho de que la música y el arte están en constante interacción inspirando la una a la otra que he decidido tomar este como mi tema para el semestre, cómo la música esta presente en el arte a lo largo de cada uno de los periodos que se hablaran en la clase.

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Ficha técnica:
- Anónimo
- Venus de Laussel, 25,000 a.c (aproximadamente)
- Bajorrelieve en piedra tipo caliza
- 46cm
- Museé D´arquitaine
Criterio: Función
La Venus ha sido una imagen utilizado a lo largo de los años en el arte como una diosa de la fertilidad, en esta imagen se ve una mujer voluptuosa, con un vientre grande, caderas y senos que hacen ver a la mujer de manera muy curva y “fértil”, al igual que la mayoría de las otras representaciones de la Venus, esta carece de un rostro, no se perfila ni detalla la cara. Según estudios esta pieza formaba parte de una piedra más grande que se utilizaba como pieza central en un altar, probablemente en un templo donde se le hacia culto a la fertilidad. Al momento de encontrarla se encontraron en la misma zona otras piezas que se asume formaban parte del Santuario. Podemos ver en su brazo derecho que se sostiene una figura, que se cree es un cuerno de bisonte, la imagen del bisonte se vincula con la sacralizad femenina y es un símbolo de la regeneración de la naturaleza (parte de esta idea de que la Venus es símbolo de fertilidad, en este caso de la tierra). Muchos arqueólogos identifican a este cuerno adicionalmente como un instrumento idiófono, tipo de instrumento musical que tiene sonido propio ya que utiliza su cuerpo como materia resonadora, es decir que con la percusión corporal (pies o palmas de las manos) generan sonido. Se puede relacionar a este instrumento musical en la Venus como una forma de “llamar” a la fertilidad por medio de la música, utilizando no solo la representación femenina voluptuosa si no también el cuerno del bisonte para bendecir los cultivos y la tierra y así permitir que la cosecha fuera exitosa y abundante, cumpliendo así el propósito final del objeto, adicionalmente la pieza pertenece a un santuario, donde probablemente se realizaban rutuales para la fertilidad, estas ceremonias en su mayoría se encontraban ambientadas por música, donde las personas danzaban al ritmo de la música cuyo objetivo final era atraer buena suerte para los cultivos de la tribu.

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Ficha técnica:
- Anónimo
- Arpa triangular
1069-332 a. C. (después del Reino Nuevo)
- Madera de pino marítimo, cedro, cuero coloreado; cuerdas modernas
- 1.10m
- Museo del Louvre

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Ficha técnica:
- Lira de la reina
- Anónimo
- Lira, 2600-2400 a.C (Principios de la dinastia III)
- Madera, Lapis lazuli, piedra caliza, betún, oro y concha
- Alto: 112.50cm
Largo: 18cm (alfileres)
Largo: 95.50cm (barra superior)
Largo: 73cm
Ancho: 7cm (de cuerpo)
- British Museum
Criterio: Temática

Esta lira fue encontrada junto con algunas otras en la tumba de la reina Pu-abi, cuando se encontró la lira a su alrededor se hallaron los cuerpos de 10 mujeres con joyería que se creyó eran sacrificios, lo que llevo a que los arqueólogos relacionaran esta escena con la de un ritual de paso a la muerte para la reina. También se encontró el cuerpo de otra mujer cuyos huesos se encontraban entre las cuerdas de la lira, significando que era la encargada de ambientar el ritual. , en su tumba fueron encontrados también sirvientes y demás personas que se asumen fueron sacrificados para servir a la reina en la “siguiente vida”. Todos la preparación que se llevo a cabo para el funeral y tumba de la reina genera la hipótesis de que esto era un ritual muy bien planeado donde cada uno de sus componentes (desde los sirvientes, las joyas y los instrumentos) eran de carácter fundamental y se creían importantes en el paso hacia la muerte. Esta no fue la única lira encontrada ni tampoco el único instrumento musical, según se describe el posicionamiento de todos estos instrumentos junto con su decoración y acomodación eran bastante elaboradas, lo que nos lleva a pensar que estos instrumentos jugaban un papel fundamental en el paso de la reina hacia la otra vida.

Gracias a las diferentes imágenes y restos arqueológicos encontrados, los arqueólogos han llegado a la conclusión de que la musica para las culturas mesopotámicas cumplía diferentes roles, desde cantos ceremoniales hasta canciones de bodas y cantos funerarios. Cumpliendo un papel fundamenta en cada una de estas situaciones.

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Ficha técnica
- Fresco de procesión de sacerdotisas al son de instrumentos musicales
- Yeso pintado con pigmentos
- 1450 a.C
- Palacio de Cnosos

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Ficha técnica:
- Sacrificio de un cordero al son de liras y flautas
- Anónimo
- 540-530 a.C (Arcáico)
-  Pitsa, Corinthia
- Madera pintada con pigmentos minerales
- Grosor: 5mm
Largo: 33cm
Alto: 15cm
- Museo Arqueológico Nacional de Atenas
Criterio: Materiales y Color
La escena muestra una procesión a un sacrificio donde se ven tanto niños pequeños como adultos, los cuales traen todos los elementos necesarios para el ritual, desde el cordero que va a ser sacrificado, una bandeja con los instrumentos necesarios, ramas de mirto (normalmente utilizada en las coronas de los sacrificios a los dioses) y finalmente instrumentos musicales como la lira y flautas fundamentales ya que para los griegos la música era un regalo de los dioses, como Hermes, Pan y Atenea y jugaba un papel muy importante en ceremonias y procesiones.

Respecto a los materiales y colores utilizados en esta pieza el color blanco fue identificado como yeso, el cual se asume fue mezclado con pegante animal para darle fuerza y de esta forma se adhiere a la tabla permitiendo una base limpia para el dibujo. El color negro fue identificado como carbón, el color rojo viene de la hematita y una mezcla de yeso con hematita se utilizo para el color de la piel, el azul es el famoso pigmento azul egipcio y el verde oliva es una mezcla de ocre amarillo y carbón. Los colores de los pigmentos minerales resaltan dentro de las demás tablas encontradas en la cueva debido a que sus tonalidades de azul, amarillo, rojo, blanco, negro y verde son bastante intensas y la gama de colores es extensa.

Los colores funcionan no solo pare darle vida a la pieza pero para la distinción de géneros, esta se realizaba al usar blanco para las mujeres y rojo-café para los hombres.

Adicionalmente a la pintura se encuentran inscripciones del alfabeto corintio que entre muchas cosas dedican las obras a las ninfas, da los nombres de los participantes (o probablemente las personas que dedicaron la pieza) y el nombre del artista (el cual no se logra leer). Según un estudio realizado por el Instituto de investigación Histórica (Atenas) y el Instituto de Física Nuclear y de Partículas (Paraskevi) el proceso de pintado fue el siguiente:

1. Se realizó un boceto previo sobre la madera sin pintura blanca

2. Despues todas las tablas fueron cubiertas en color blanco para servir como sustrato para la capa de pintura

3. Luego se aplicó pintura directamente para dar forma a los cuerpos, faldas, instrumentos y demás figuras de la pieza

4. Finalmente Se le adicionaron líneas negras y blancas para el contorno y detalles precisos

Los colores se encuentran bastante saturados como es costumbre en el arte griego sobre todo en sus cerámicas con los terracotas intensos y negros utilizados para dar forma a las imágenes que se querían representar. Adicionalmente se observa un cuerpo humano poco detallado, anatómicamente incorrecto, con proporciones inexactas y perspectiva errónea (el ejemplo perfecto de esto son los ojos se miran hacia el frente mientras las personas se encuentran de lado) todo esto característico del periodo Arcaico donde los artistas todavía no se preocupaban por le exactitud de su arte con la realidad.
Bibliografia:
- Brecoulaki, Hariclia. Karydas, Andreas Germanos. Stephens,  Jennifer. Stephens, Arthur. “Colour and painting technique on the Archaic panels from Pitsa, Corinthia”, Context and Meaning in Ancient Painting, The XII International Conference of the International Association for the Study of Ancient Walll Painting (AIPMA), BABESCH, Annual Papers on Mediterranean Archaeology. (2017) 1-8
- “The Archaic Period”, National Archeological Museum, última modificación 30 de Diciembre de 2018, acceso el día 31 de Agosto de 2020, https://www.namuseum.gr/en/collection/archaiki-periodos-2/
- “Ancient Greek Music”, Ancient History Encyclopedia, utica modificación 5 de Enero de 2013, acceso el día 31 de Agosto de 2020, https://www.ancient.eu/Greek_Music/

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Ficha técnica:
- Wall painting from Room H of the Villa of P. Fannius Synistor at Boscoreale
- Anonimo
- 50-40 a.C (Republica tardía)
- Villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale
- Fresco
- 186.7 x 186.7cm
- The Metropolitan Museum of Art
Criterio: Contexto Histórico
La obra muestra una mujer sentada tocando una Kithara, un tipo de lira, pero de mayor tamaño. Este era un instrumento de conciertos tocado por el dios Apolo y por músicos profesionales . A finales de la republica y comienzos del imperio, los romanos comenzaron a valorar la música mucho más, ya que a medida que iban colonizando más pueblos y su territorio se expandía comenzaban a adoptar música de otros pueblos como el Egipcio, los griegos y los Etruscos. Poco a poco esta influencia musical se fue adoptando en el ámbito privado, se sabe que a los recién nacidos se les regalaba sonajeros como juguetes y que la música jugaba un papel importante durante la enseñanza de los niños. Adicionalmente poco a poco empezó a ser bien visto que tanto hombres como mujeres nobles supieran cantar o tocar instrumentos, incluso en algunos casos los hijos de los nobles eran mandados a escuelas de música y danza. Entre las clases que recibían los varones patricios  se encontraban clases de música, demostrando la importancia que tomo esta forma de arte dentro de los pertenecientes a los grupos sociales más altos.

Esta obra hacia parte de la decoración de una villa en Boscoreale, muy probablemente en el comedor (tricliniu) o en un salón de reuniones sociales (oecus). Los aspectos relevantes de la obra que ayudan a comprender este contexto histórico y la importancia que tenía la música para las clases más altas, es el hecho de que recientemente se ha sugerido que la mujer y la niña representan una reina o princesa de la provincia romana de Macedonia y a su hermana menor o hija. Esta deducción se saca de la joyería en oro como sus aretes y tiaras y adicionalmente por  la silla bastante adornada en la cual se encuentra sentada la mujer, que aparenta ser un trono. Es decir que incluso la reina. Demostrando claramente la importancia que tomó la musica, y el aprender a tocar un instrumento, dado cierto tipo de status a las personas más ricas de la época.
Bibliografia

“Wall painting from Room H of the Villa of P. Fannius Synistor at Boscoreale”, The Met Museum, acceso el día 7 de Septiembre de 2020 https://www.metmuseum.org/art/collection/search/247009

“La Música de la Antigua Roma”, ARRAONA ROMANA, un projecte de difusió de la cultura clàssica romana, acceso el día 8 de Septiembre de 2020 https://arraonaromana.blogspot.com

“Música en la antigua Roma”, Camino de música, acceso el día 8 de Septiembre de 2020 https://caminodemusica.com/sin-categoria/musica-en-la-antigua-roma

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Ficha técnica

Daniel desnudo en el foso de los leones

Siglo III d.C

Roma

Fresco

Dimensiones no reportadas

Catacumba de San Calixto, Roma, Italia

Criterio Contexto histórico

En la imagen se muestra a Daniel orando a Dios, esta imagen representa un pasaje bíblico donde Daniel es arrojado al foso de los leones por el rey, el cual no es creyente y lo pone en el foso a merced de Dios, sin creer que este lo salvara. Se ve a Daniel orando en una posición con los brazos abiertos casi como si estuviera realizando un canto al cielo en busca de una respuesta de Dios. Esta representación de la oración como un acto que se realiza con los brazo abiertos y la persona mirando al cielo como si el rezar fuera un acto con mucha más teatralidad fue cambiada al pasar los años ya que el rezas se volvió algo mucho más privado y minúsculo en las representaciones que siguieron al arte paleocristiano. Adicionalmente durante esta época los artistas buscaban hacer imágenes muy sencillas, no se buscaba confundir, las imágenes debían representar un momento especifico de una manera que permitiera que las personas lo entendieran fácilmente, el rostro se puede ver es muy sencillo al igual que los leones, adicionalmente no hay un fondo decorado, el propósito es mostrar sencillamente el momento en el cual dios salvó a Daniel. Todo esto debido a que cómo durante esta época el cristianismo no era un religión tan fuerte, las imágenes debías ser muy sencillas para lograr expresar la fe y hacerla llegar a los creyentes y posibles nuevos creyentes de una manera muy fácil. Al estar apenas instaurándose el cristianismo no todo el mundo conocía sus historias, ni la biblia, entonces para hacer llegar el mensaje de manera mucho mas directa se optaba por representaciones mucho más sencillas para hacer llegar los mensajes bíblicos para todo el pueblo.
Bibliografía

“Early Christian Art”,Encyclopædia Britannica, acceso el día 15 de septiembre de 2020 https://www.britannica.com/art/Early-Christian-art

“Early Christian Art, Article”, Khan Academy, acceso el día 15 de septiembre de 2020 https://www.khanacademy.org/humanities/medieval-world/early-christian-art/beginners-guide-early-christian-art/a/early-christian-art

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Ficha técnica

Matrimonio de David con Mical

629-630 d.C.

Constantinopla

Grabado en disco de plata

27.2 x 4 cm

Museo Arqueológico de Nicosia, Chipre

Criterio: Contexto histórico

Este plato representa el matrimonio entre David y Mical, escena de la biblia (Samuel I, 18, 20-27). Dentro de esta escena se representa a la pareja recibiendo la bendición por el rey Saúl y a dos músicos soplando unos aerófonos. Hay varias teorías sobre quién mandó a hacer los platos pero entre las más fuertes se encuentra que el emperador Heraclio mando a hacer este y las otras 8 escenas, todas hablando de la historia de David, tal cual como se cuenta en la biblia. El hecho de que estos platos fueran mandados a hacer por la realeza muestra la importancia que tomó la religión cristiana, ya era la religión de los emperadores y de las personas de clase alta razón por la cual el arte que se estaba empezando a realizar respecto a la religión se torno mucho más elaborada. Se empezó a realizar el arte por mandado de las personas importantes y estas se encargaban de que este arte fuera mucho más ostentoso, se empieza a utilizar estas imágenes como forma de demostrar poder adquisitivo ya que la plata utilizada en estos platos era bastante costosa para la época. Siguen sin ser representaciones muy afiliadas a la realidad ya que la importancia no era esta, lo importante era mostrar estos sucesos del cristianismo de manera gráfica, pero si hay una mayor importancia en el cómo, en dónde y para quién se hacen las representaciones cristianas, ya no es un arte que se realiza escondido, en catacumbas a oscuras como lo era el arte paleocristiano, ahora el cristianismo era la religión de los ricos y esto cambia por completo el contexto alrededor de quienes realizaban la sobras y como se comenzaron a realizar. El cristianismo se comenzó a expandir y a tornarse cada vez en una religión más importante.
Bibliografía

Serrano, Joaquín. “¿El Emperador Heraclio como nuevo David? La iconografía de los Platos Bizantinos de Chipre frente a las fuentes escritas”. Byzantion nea hellás, no 36 (2017): 1-5. Doi: http://dx.doi.org/10.4067/S0718-84712017000100282

Alvarez, Rosario. “El mundo musical Bizantino a través de la mirada de los artistas plásticos”. Cuaderno del CEMYR no 25 (2017): 49-146. https://riull.ull.es/xmlui/bitstream/handle/915/9733/02%20Rosario%20Álvarez%20Mart%C3%ADnez.pdf?sequence=1&isAllowed=y

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St. Denis Missal

1050 d.C

Abbey of St Vaast of Arras, Francia

Manuscrito de texto litúrgico

Dominio público, digitalized por la Fundación Polonsky

Criterio: Función

Durante los siglos XI y XII debido a la importancia que había tomado el cristianismo a lo largo de europa la mayoría de los cantos de la época se enfocaban en alabar a jesucristo y a dios, la iglesia le pagaba a los artistas para que escribieran las letras de sus canciones en manuscritos hermosamente decorados. Para esta misma época un nuevo texto litúrgico comenzó a aparecer durante las ceremonias religiosas, el Missal. El texto combinaba texto de manuscritos litúrgicos juntos con los cantos ceremoniales que el cura recitaba durante la misa. Estos manuscritos tomaban mucho tiempo en ser realizados ya que se necesitaba de varios artistas para poder lograr su finalización. Se necesitaba al que trabajara la piel del animal, los encargados de la caligrafía, la decoración con imágenes y de las letras del texto, las cuales en este caso se observan como figuras en colores rojos y azules junto con algunas imágenes de la crucifixión (fotos adicionales).

En este caso nos vamos a concentrar en la parte del texto ya que es aquí donde se encuentra el canto para la liturgia.  Para el siglo XI la complejidad de la música de la iglesia comenzó a aumentarse, denominados polifonías, donde cada voz tiene el mismo peso y se busca que ninguna voz sobresalga de las demás, adicionalmente la música comenzó a volverse cada vez más importante en la celebración cristiana ya que de esta forma el pueblo se entretenía y se podía involucrar de forma más activa en la ceremonia. La función particular de esta obra era esa, demostrar el nuevo cambio que se estaba tomando en torno a la música religiosa, poniéndola en manos del cura para que este la leyera durante sus ceremonias y así se pudiera acompañar de melodía instrumental (que para la época era principalmente de órganos) la palabra de dios. Así los creyentes podrían llevarse estos cantos en su memoria, volviendo la experiencia de la religión algo del común y aun así la gente de estratos sociales más bajos no pudieran leer los textos litúrgicos igual tenían estos cantos que si podrían memorizarse y llevarse a su casa al salir de la ceremonia.
Bibliografía

“Writing music, Medieval England and France 700-1200”, British Library, acceso el día 22 de Septiembre de 2020 https://www.bl.uk/medieval-english-french-manuscripts/articles/writing-music

“Music and the Arts in the Middle Ages”, Interlude, acceso el día 22 de Septiembre de 2020 https://interlude.hk/music-and-the-arts-in-the-middle-ages/

“Music of the Middle Ages”, Brweminate, acceso el día 22 de Septiembre de 2020 https://brewminate.com/music-of-the-middle-ages/

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Otra hoja del St. Denis Missal

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Portada del St. Dennis Missal

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Ficha técnica:

Catedral de Santa María de la Asunción

Siglo XII y XIII

Ruvo di Puglia, Italia

Dominio público

Criterio: Materiales

Durante los siglos XII y XIII el cristianismo ya era una religión establecida que tenía un poder adquisitivo muy importante. Concorde a su expansión como religión comenzó a crear diferentes lugares de culto (catedrales y basílicas) donde los fieles pudieran ir a expresar su fé. Adicionalmente, para la época el clima social era un poco tenso debido a la creencia de que el mundo se encontraba próximo a acabarse, como resultado los fieles comenzaron a realizar peregrinaciones por todas las iglesias posibles, como una forma de demostrarle a Dios y a Jesus que eran dignos de ser salvados en el momento del juicio final. Estos lugares de culto se realizaban de una manera ostentosa y bastante masiva ya que también servían como demostración de la riqueza de la iglesia, su tamaño era una forma de demostrar poder frente a las personas. Durante estos siglos dos estilos en la construcción fueron los más importantes el románico que después fue seguido por él gótico. Las iglesias románicas (en este caso la catedral de Santa María de la Asunción) tienen una bóveda circular que ayuda con las acústicas del lugar, para que el coro se escuche ya que la música es una parte fundamental del culto para la iglesia cristiana. Esta catedral fue construidas en piedra maciza y tiene un volumen de 6400 m3, lo cual según la física del sonido ayudaría a que las acústicas del lugar fueran mucho mayores, ya que a mayor volumen mayor curva de tiempo de reverberación (permanencia del sonido en un lugar cerrado una vez haya sido emitido), pero esta catedral en específico cuenta con un factor que afecta el tamaño de la curva, sus techos en madera absorben el sonido, impidiendo que el tiempo de reverberación sea tan extenso, aunque a su favor se encuentra el hecho de que la piedra maciza tiene muy pocas porosidades, lo que impide que en las zonas de las paredes y columnas la absorción del sonido sea muy significativa. Respecto al caso de la Catedral de Colonia esta tiene un volumen mucho mayor al de la Catedral de Santa maría de la Asunción, con un volumen total de 235,000 m3, lo cual vuelve su curva de tiempo de reverberación mucho mayor, mejorado significativamente las acústicas del lugar. Pero en esta catedral ocurre algo curioso ya que en ciertas áreas (como en los pilares y paredes) se utilizan  piedras cubiertas por yeso y algunas otros descubiertas, las cuales por su porosidad absorben mucho más el sonido y adicionalmente en otras áreas (como lo son el piso) se utiliza ladrillo que es un material con una porosidad mucho mayor al de las piedras naturales o cubierta en yeso por lo cual el sonido se absorbe también en estas zonas. Aunque basándose solamente en los materiales utilizados para la construcción del interior de estas catedrales se podría asumir que el sonido se absorbe mucho más en la gótica la verdad es que otros factores entran a jugar un papel importante, como la ubicación del coro (que era en la parte de adelante en las iglesias románicas, y atrás en las iglesias góticas) que determina mucho como se distribuye en sonido durante los cantos, también hay factores como la altura del edificio (que era mucho mayor en las catedrales góticas) que determinan factores como el eco y la distribución del sonido, por lo cual es muy difícil determinar cual de las dos tenía una distribución del sonido mejor que la otra si nos basamos simplemente en los materiales en su interior.

Bibliografía

Meyer, Jürgen. “Acoustics of Gothic Churches”. Music Academy Detmold and formerly: Physikalisch-Technische Bundesanstalt Braunschweig Bergiusstraße 2a. (2002): 1-6. https://www.researchgate.net/publication/240627803_ACOUSTICS_OF_GOTHIC_CHURCHES

Martellotta, Francesco. “Acoustics of Apulian-Romanesque Churches: Correlations Between Architectural and Acoustic Parameters”. Building Acoustics. (2003). DOI: 10.1260/135101003765184816

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Ficha técnica

Catedral de Colonia

Construcción comenzó en 1248 y terminó en 1880

Colonia, Alemania

Dominio público

Dimensiones

Largo total: 144.58m

Ancho total: 86.25m

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Ficha técnica:

Tríptico de Stefaneschi

Giotto di Bondone

1320

Tempera en madera

Medidas

Panel central: 178x89 cm

Páneles laterales: 168x83cM

Cada sección de la predela: 45x83cm

Ciudad del Vaticano, Italia

Pinacoteca Vaticana, Museo del Vaticano

Criterio: Características formales
Al observar ambas obras se puede visualizar inmediatamente una  diferencia en materiales y color. Es evidente que la obra de Giotto es mucho más luminosa, con menos profundidad y volumen que la de Van Eyck que es mucho más oscura, con una profundidad mayor y mucho más uso de la pintura. Esta diferencia se basa en los materiales utilizados. Para la obra de Giotto se utilizaron temperas, una pintura  a base de huevo cuyo uso era muy popular en la época en Europa, este material se realizaba mediante disolver un pigmento en agua y algún tipo de aglutinante, los cuales normalmente eran grasa animal, glicerina, huevo, caseína o goma, lo que le da las características tan únicas a la tempera. Esta técnica es bastante densa y tiene un secado mucho más rápido, lo que impide al artista perfeccionar su trabajo o agregar capas una vez esta se seca. Adicionalmente esta técnica al no permitir las capas impide que el artista pueda agregar luces a la pintura, razón por la cual en el tríptico no se observa tanto volumen ni profundidad como en el retrato del hombre con turbante. Esta técnica (la tempera) impide que se pueda plasmar un movimiento de manera natural, volviendo las imágenes mucho más rígidas, no hay una distinción entre la luz y la sombra, impidiendo darle profundidad a los elementos presentes en la obra. A diferencia de esto Van Eyck utilizó la técnica del óleo, una técnica que venia popularizándose en europa. El óleo está hecho de pigmentos desleídos en un aceite secante como lo son el aceite de linaza, de nuez, de adormidera o de cartamo. Esta composición permite que este sea un material mucho más versátil que la tempera, permitiendo que el artista pinte en capas , dejando que cada una se seque antes de agregar la siguiente. Al dejar que las capas se sequen se permite dar profundidad, volumen e intensidad a la obra, con unos colores mucho más ricos y vibrantes que lo que permite la tempera. El óleo permite ese juego con las luces, entre sombra e iluminación que le da a la cara del hombre un realismo inalcanzable con la tempera, volviéndolo una pintura mucho más natural y realista. Adicionalmente las características del óleo hacen que este permanezca húmedo por más tiempo, permiten que el artista corrija y agregue detalles, algo que antes no era posible ya que materiales como a tempera y el fresco se secan muy rápido, volviendo un trabajo más difícil la corrección de errores y perfeccionamiento de detalles.
Bibliografía

“Portrait of a Man (Self Portrait?)”, The National Art Gallery, acceso el día 20 de octubre de 2020 https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/jan-van-eyck-portrait-of-a-man-self-portrait

“Stefaneschi Triptych”, Art History Project, acceso el día 20 de octubre de 2020 https://arthistoryproject.com/artists/giotto-di-bondone/stefaneschi-triptych/

“Oil Paint in Venice”, Khan Academy, acceso el día 20 de octubre de 2020 https://www.khanacademy.org/humanities/renaissance-reformation/early-renaissance1/venice-early-ren/v/oil-paint-in-venice

“La tempera, material utilizado para la creación de hermosas obras”, ABC, acceso el día 20 de octubre de 2020 https://www.abc.com.py/edicion-impresa/suplementos/escolar/la-tempera-material-utilizado-para-la-creacion-de-hermosas-obras-129971.html

“Definición de óleo”, Definición.de, acceso el día 20 de octubre de 2020 https://definicion.de/oleo/

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Ficha técnica:

Retrato de un Hombre con Turbante

Jan Van Eyck

1433

Óleo sobre roble

26x19cm

Londres, Reino Unido

The National Gallery, Londres

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Ficha técnica

A concert

Cariani

1518-1520

Oleo sobre lienzo

92x130cm

Renacimiento tardío

Washington, EEUU

National Gallery of Art, Washington

Criterio: Características formales

En esta pintura Cariani nos muestra a un músico tocando su laúd de 6 cuerdas (una especie de guitarra), acompañado por su profesor (sosteniendo un libro) y por un hombre joven. Los materiales utilizados por el artista son el óleo sobre lienzo, una técnica que ya había tomado mucha popularidad y en la cual cada vez los artistas se fueron haciendo más y mas expertos, experimentando con la transparencia que esta da según las capas que se le den y como estas transparencias levan a diferentes tonalidades de un mismo color, creando volumen y luminosidad como nunca antes se había visto. En este cuadro específico Cariani hace uso de colores complementarios como lo son el verde y el rojo cálido, que se ven en varias ocasiones como el sombrero, el libro, la ropa y el mantel de la mesa, el artista también utiliza otros colores como el rosado que se mezcla con el rojo para dar el detalle deslumbrante del sombrero del señor con el laúd y el cafe claro como en el instrumento mismo, la piel en las vestimentas de los señores y en la piel (en un tono mucho más diluido). Otra característica de estos colores es que son bastante cálidos en cosas como las vestimentas y la decoración y todos se encuentran sobre un fondo muy frio, gris y bastante simple, dando aun más importancia a la escena retratada, como si lo que estaba ocurriendo al momento de hacer la pintura no importara, lo único importante son esos señores en este momento. También con este mismo uso tan sabio del color se le da intensidad y detalle máximo a elementos como el instrumento y la piel animal de la ropa, es este realismo alcanzado con la técnica del oleo lo que vuelve las pinturas de esta época tan especiales, sobre todo en comparación a lo que se venía viendo con el arte religioso en el cual aspectos como el volumen y la luz se dejaban a un lado.

Bibliografía

“A concert, c.1518-1520”, National Gallery of Art acceso el día 27 de octubre de 2020 https://www.nga.gov/collection/art-object-page.90793.html

“Music Appreciation in art History”, Google Arts & Culture acceso el día 27 de octubre de 2020 https://artsandculture.google.com/usergallery/5QKyludt3mcvIw

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Ficha técnica

Las Meninas

Diego Velázquez

1656

Oleo sobre lienzo

3.18 m x 2.76 m

Barroco

Madrid, España

Museo Nacional del Prado

Criterio: Características formales

A simple vista estas dos obras podrían pasar por cosas completamente diferentes. Por un lado se tiene al cuadro original, una pintura en óleo bastante realista, con volumen en sus personajes, iluminación, perspectiva, personajes interactuando entre sí y un fondo muy completo. Todo esto en comparación a la reinterpretación que tiene mi amiga en su casa, un cuadro donde los rostros no se detallan, con una paleta de color completamente diferente y la escena cortada a más de la mitad. En el cuadro de Velázquez observamos a la infanta Margarita, en compañía de sus meninas, un perro, al artista mismo, todo esto en la mitad de un gran cuarto, lleno de arte a su alrededor. En la pintura de mi amiga encontramos solamente a la infanta con sus meninas y la sombra del hombre abandonando la habitación, nada más, no se encuentra el perro, ni Velazquez ni el reflejo de los reyes en el espejo. Otra gran diferencia es la escala de los dos cuadros, las Meninas es casi como si fuera una imagen a escala normal de un ser humano, lo que se esperaría que cada una de estas personas midiera, mientras que la reinterpretación es mucho más pequeña, un cuadro perfecto para ser colgado sobre una chimenea sin verse muy grande, donde las proporciones de las personas no son nada en comparación a la realidad. En los colores utilizados en ambas obras también hay una gran diferencia, en el cuadro original vemos una gama de colores mucho más opacos, apagados y fieles a la realidad, con las vestimentas de cada personaje, el color de la piel, la iluminación desde un ángulo correcto (desde la ventana) todo muy acorde con lo que probablemente vio el artista cuando pintó el cuadro. En la reinterpretación vemos el uso de colores para nada fieles con la realidad, la paleta es mucho más reducida, limitándose a rojos, azules, amarillos y blancos, con estos pintando todo de manera mucho más expresiva y colorida. Finalmente el detalle de las obras, en Las Meninas la cara de cada personaje con sus gestos, sus extremidades, decoración de los atuendos y del cuarto junto con su volumen e iluminación, todo esta hecho a la medida, casi como si fuera una foto del momento, donde se puede observar con claridad cada personaje y lo que realizaba al momento de “tomar la foto”. Esto en comparación con la reinterpretación donde no se identifican las caras de las personas, no tienen extremidades, no hay luz viniendo de ningún punto preciso, las vestimentas son todas iguales, algo mucho más abstracto para el cual se necesitaría un conocimiento previo de la obra de Velazquez para poder entender y apreciar.
Biografía

“Las Meninas”, Museo Del Prado acceso el día 3 de Noviembre de 2020 https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-meninas/9fdc7800-9ade-48b0-ab8b-edee94ea877f

“Why is this painting so captivating?- James Earle and Christina Bozsik”, TED-Ed acceso el día 3 de Noviembre de 2020 https://www.youtube.com/watch?v=loMy3sbW64g

“Cuadro Las meninas de Diego de Velázquez”, Cultura Genial acceso el día 3 de Noviembre de 2020 https://www.culturagenial.com/es/cuadro-las-meninas-de-diego-de-velasquez/

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Ficha técnica

Reinterpretación de las Meninas

Anónimo

Fecha desconocida

Oleo sobre lienzo

40cmx55cm

Bogotá, Colombia

Casa de una amiga mía

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Ficha Técnica

Aquellos Polbos (no. 23)

Francisco de Goya

1799

Aguafuerte, punta seca, Escoplo, Aguatinta bruñida sobre papel perjurado, ahuesado.

306 x 201 mm

Romanticismo

Madrid, España

Museo Nacional del Prado

Criterio: Temática

En este grabado del artista español Francisco de Goya observamos a una persona sentada sobre una tarima rodeada por personas de caras desconocidas, en lo que parece una escena alusiva al infierno. La escena parece un acto de fe, una ceremonia. Atrás encontramos a una persona leyendo de un libro lo que podría ser un canto ceremonial, algo muy común en la iglesia y las culturas religiosas del mundo. La narrativa que observamos a lo largo de muchos de los grabados y pinturas de Goya es la brujería desde una celebración de esta, casi como una admiración, hasta lo que observamos en este grabado que es más una crítica a lo que ocurría cuando a alguien se le encontraba culpable de brujería. Goya realiza en este grabado una crítica, mezclada con un poco de burla y sátira hacia los actos religiosos de “pureza” o perdón de los pecados que se le realizaban a las personas que se involucraban es estas prácticas, las cuales comúnmente llevaban a una condena de pena de muerte por parte de la iglesia al acusado. Goya buscaba con esto generar un impacto, para que estos crímenes comenzaran a ser juzgados por la justicia en vez de por una entidad privada como la iglesia. Algunos de los componentes que se pueden observar que nos ayudan a identificar esta crítica son las caras poco detalladas de las personas, el artista está criticando una situación general, el se encuentra inconforme no con un evento en específico pero con el acto religioso como tal. Adicionalmente podemos observar el sombrero ridículamente grande y desproporcionado que lleva la persona en el podio, dandole un poco de humor a la escena que sola es bastante fuerte que dice muchas cosas sobre la situación religiosa de la época.
Bibliografía

“Aquellos polbos”, Fundación Goya de Aragón acceso el día 10 de Noviembre de 2020 https://fundaciongoyaenaragon.es/obra/aquellos-polbos/893

“Aquellos Polbos”, Museo Del Prado acceso el día 10 de Noviembre de 2020 https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/aquellos-polbos/a6a5d912-f4be-4c67-bd13-8c71c4fa235c

“Los grabados de Goya”, Español con Arte acceso el día 10 de Noviembre de 2020 https://www.espanolconarte.com/blog/los-grabados-de-goya

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Ficha técnica

Bal du Moulin de la Galette

Auguste Renoir

1876

Oleo sobre lienzo

131,5 x 176,5 cm

Impresionismo

Paris, Francia

Museo d’Orsay

Criterio: Contexto histórico

En este cuadro Renoir representa un baile en el Moulin de la Galette, un lugar muy popular entre los parisinos del siglo XIX ubicado en el barrio de Montmartre. El cuadro es una perfecta representación de lo que se venía viviendo en el arte para la época. El rechazo de los artistas por las opiniones de  los críticos de arte que los lleva a innovar y a buscar retratar situaciones cotidianas dejando a un lado lo que la academia entendía como “bello”. La técnica del óleo dejo de buscar la exactitud con la realidad, donde los trazos y las lineas por donde pasó el pincel se ven perfectamente, ya que con la llegada de la fotografía el arte comenzó a verse más como una reinterpretación de la realidad que como una imagen exacta. Este rechazo por lo real en la pintura se observa en el cuadro al ver cómo se pierde la perspectiva  a partir de cierto punto, hasta llegar a distorsionar a las personas que se encuentran en el fondo de la obra. Aunque si es posible ver un poco de la influencia de la fotografía en la obra ya que se pueden ver a las personas cortadas en las esquinas, como ocurriría si se tomara una foto de esta exacta situación. Otra característica de la obra el la utilización de la luz y cómo esta se ve representada, podemos ver claramente que la luz viene a travez de los arboles y esta se refleja en las caras y vestimentas de los personajes. Este enfoque en la luz se debe a que los pintores comienzan a pintar en el exterior, evaluando cómo los cambios del día o de estaciones jugaban con la luz y cómo estos cambios de luz cambiaban los colores y el ambiente. Los personajes representados son los amigos del artista, lo que muestra cómo en esta época se comienza a retratar no a la realeza, si no que más bien a las personas del común, en sus actividades cotidianas. Se comienza a utilizar el arte como esta forma de retratar el exterior, las situaciones cotidianas como esta fiesta parisina. Adicionalmente para la época se comenzó a retratar mucho más a la imagen femenina, y como esta vive su vida en el espacio público, por lo cual vemos varias mujeres cada una en una situación distina, como las dos al frente que se encuentran hablando con un hombre, o las muchas que se encuentran bailando en la pista. Otra de las grandes tendencias artísticas de la época era la de enaltecer el paisaje, los artistas comenzaron a preocuparse mucho más por el fondo de sus pinturas, dejando a un lado los fondos oscuros y simples de épocas anteriores.

Biografía

“Dance at Le Moulin de la Galette”, Google Arts & Culture, acceso el día 17 de noviembre de 2020 https://artsandculture.google.com/asset/dance-at-le-moulin-de-la-galette/rQEx7CtGiKE3yg?hl=es-419

“La historia detrás de `Baile en el Moulin de la Gelette´de Renoir”, My Modern Met en Español, acceso el día 17 de noviembre de 2020 https://mymodernmet.com/es/renoir-baile-moulin-de-la-galette/

“Baile en Le Moulin de la Galette, Renoir: análisis”, Gallerix, acceso el día 17 de Noviembre de 2020 https://es.gallerix.ru/pedia/paintings-analysis--dance-at-le-moulin-de-la-galette/

“Bal de moulin de la Galette”, Musée d’Orsay, acceso el día 17 de noviembre de 2020 https://www.musee-orsay.fr/en/collections/index-of-works/notice.html?no_cache=1&nnumid=497&cHash=c0e36c9c43

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Ficha técnica:

Cooling in a garden of the Torrid Zone

Paul Klee

1924

Pluma y acuarelas en papel montado sobre una cartulina

296 x 207 mm

Abstractismo

Colección de arte público Basilea, Kupferstichkabinett, Dotación Richard Doetsch-Benzinger

Criterio: Contexto artístico

Paul Klee era hijo de un profesor de música, desde pequeño comenzó a estudiar el violin y mostraba una gran promesa para el mundo musical. Sin embargo para el principio del siglo XX comenzó a viajar por Italia y Francia donde conoció el trabajo de pintores como Goya, Velazquez, Manet, Monet entre otros, esto lo inspiro y llevó a que el joven artista se volviera pintor. Fue gracias a estos viajes y a la exposición que tuvo al color que el artista decidió irse hacia el arte abstracto. Sus obras son características por sus colores intensos y variados, que hacen contraste los unos con los otros. Dentro de las cosas que más lo inspiraban en el arte se encontraban la arquitectura, el teatro, pero sobre todo su amor por la música clásica, y en especial por compositores como Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart, cosas que comenzó a fusionar dentro de sus pinturas, intentando plasmar las afinidades estructurales que existen entre la pintura y la música.En esta obra en particular “Cooling in a garden of the Torrid Zone” Klee hace una pintura con elementos rítmicos y musicales, la pintura con su división de líneas horizontales tiene una semejanza indudable con una hoja de partitura y los símbolos y personajes que ahí se encuentran se asemejan a notas musicales. La repetición de los símbolos da una sensación de caos pero a la vez de armonía, generando un balance entre ambos elementos, llegando a crear tensión pero a la vez un sentimiento de familiaridad, tal cual como lo hace la música en muchos momentos, cambiando melodías o mezclándolas a tal punto que pueda parecer algo sin sentido pero que una vez se escucha con atención comienza a tener forma y ritmo.

Biografía

“Paul Klee- Painting and Music”, Interlude, acceso el día 23 de noviembre de 2020 https://interlude.hk/paul-klee-painting-music/

“Must and Art: Klee”, Interlude, acceso el día 23 de noviembre de 2020 https://interlude.hk/music-art-klee/

“Paul Klee- ARA ‘Cooling in a Garden of the Torrid Zone’”, PubHist, acceso el día 23 de noviembre de 2020 https://www.pubhist.com/w20891

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Esta pregunta se me ha pasado por la cabeza múltiples veces, sobre todo cuando hablamos de directores de cine (una de mis pasiones), hace poco descubrí que uno de mis directores favoritos era un hombre bastante problemático, con alegaciones de machista y racista hacia varios de los actores en sus películas. Desde entonces no he podido dejar de cuestionarme si su obra pierde para mí el valor que había venido teniendo. Porque las películas, o en el caso de una obra de arte las pinturas, por más de ser realizadas por una persona de moralidad cuestionable siguen siendo obras maestras, lo que se encuentra ahí plasmado no ha cambiado, pero ¿quiero ser parte de la manera en la cual esta persona detestable se esta lucrando? ¿Puedo vivir conmigo misma sabiendo que hago parte de ese grupo de personas que ayudan a que gente como esas sigan siendo famosos y sigan viviendo un estilo de vida cómodo?. Tristemente el arte, las películas y la música van a seguir ahi, pero si siento que uno como persona (y especialmente como mujer)debe ser capaz de dibujar una raya entre lo que se tolera y lo que no. Si cierto artista esta en exhibición en una galería o va a dar un concierto, uno debe ser capaz de controlarse y reconocer que ir puede no ser la mejor opción. No se trata de cancelar completamente a la persona, eso es imposible, pero si de reconocer situaciones particulares donde comprar una boleta o asistir a una presentación hace más mal que bien. Es cuestión de tener criterio y poder aceptar que por valores personales uno se puede abstener de participar en ciertas celebraciones o alabanzas a los artistas. Si estas en un museo y aparece una obra por cierto artista, pues es imposible no verla, o ignorarla, tampoco es posible hacer una escena criticando y demandando que la obra sea retirada de la sala, en estos momentos es mejor aceptar que es una situación muy diferente a las otras planteadas y que ver una obra en un museo una vez no va a cambiar como me siento por el artista.

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Ficha técnica:

Orange Prince

Andy Warhol

1984

Pintura sintética de polímero y serigrafía sobre lienzo

50.8 x 40.64 cm

Arte contemporáneo

Londres

Colección privada de un coleccionista británico

Criterio: Contexto artístico

Andy Warhol fue un artista plástico estadounidense, nacido en 1928. Entre las áreas en las que se destacaba se encontraban la ilustración, cine, pintura y literatura. Uno de sus temas más recurrentes dentro de su arte eran el consumismo, buscaba criticar la forma en la que el arte y nuestra sociedad se estaban comenzando a enfocar simplemente en cumplir las necesidades del consumidor, buscando las ventas sobre cualquier cosa. Otra de sus temáticas comunes eran los retratos de artistas famosos de la época, para los cuales retrato desde personajes como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Seymour H. Knox. La razón por la cual Warhol retrataba celebridades era porque le parecían personas interesantes, las admiraba y decidía retratarlas. En el caso de Prince el artista decidió retratarlo ya que lo consideraba un “ícono moderno”, una persona que se encontraba fuera de su circulo social, que estaba innovando en áreas como la música, sexualidad, vestimenta y demás. Este retrato para Warhol cumplía más una función de inmortalizar a alguien que para él era completamente importante y que se encontraba estableciendo nuevas modas y tendencias. Según diferentes críticos de arte las imágenes planas que tendía a pintar Warhol, sin un fondo conciso vuelven a estos retratos algo eterno y absoluto, trascendental. Este cuadro de Prince ha sido tan popular y cumplió tan bien su propósito de retratar al artista de manera “idílica” que ha sido reproducido y utilizado como portada de libros y revistas que conmemoran al músico después de que este muriera de manera prematura en 2016.

Bibliografía

“Review/Art; Looking Back at Warhol, Stars, Super-Heroes and All”, New York Times, acceso el 30 de Noviembre de 2020 https://www.nytimes.com/1989/02/03/arts/review-art-looking-back-at-warhol-stars-super-heroes-and-all.htm

“Statement of opinions regarding Andy Warhol’s celebrity Portraits”, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Acceso el 30 de noviembre de 2020 https://www.pacermonitor.com/view/44T6MBA/The_Andy_Warhol_Foundation_For_v_Goldsmith_et_al__nysdce-17-02532__0032.3.pdf

“Andy Warhol Biography”, Christie’s, acceso el 30 de noviembre de 2020 http://warhol.christies.com/timeline/

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Para mi trabajo final decidí hacer algo más personal. Tomé una foto mía y decidí ponerle encima las imágenes de obras que investigue a lo largo del semestre. Como fondo principal (con su característico color naranja) tenemos la obra Orange Prince de Andy Warhol, decidí que este fuera el fondo ya que el arte contemporáneo es mi tipo de arte favorito y el que más disfruto ver en galerías o museos. Después sobrepuse 4 obras horizontales Cooling in the garden of the Torrid Zone, Mal du Moulin de la Galette, Las Meninas y la Catedral de Colonia. La razón de hacer esto es porque dentro de mis otros estilos artísticos favoritos se encuentran las vanguardias (sobre todo el arte abstracto) y el impresionismo, corrientes artísticas que me interesan mucho la primera por su forma de utilizar figuras que pueden a simple vista no aparentar ser nada pero que con un poco de análisis pueden significar un sin fin de cosas y el impresionismo debido a que me encanta pensar que los artistas comenzaron a salirse de la costumbre de pintar escenas religiosas y nobles y comenzaron a adentrarse en las calles y en el pueblo para pintarlos durante su cotidianidad. Las Meninas y la Catedral de Colonia decidí ponerlas ahi porque son obras que como particulares me llamaron mucho la atención, toda la historía y análisis detrás del cuadro de Velazquez, junto con el análisis y atención al detalle que hay detrás de este me llamarón la atención. La Catedral me impresiona mucho, me parece una obra arquitectónica impactante y disfruto mucho de ver edificios en estilo gótico. Después de organizar mis estilos y obras favoritas que descubrí este semestre decidí poner sobre mis ojos, boca, nariz, orejas y cabeza las imágenes que descubrí que aunque no fueron mis favoritas igual me llamaron la atención y disfrute de haber conocido sobre ellas. Adicionalmente intenté poner figuras relativamente parecidas a la zona del cuerpo que cubrían, la moneda con el Matrimonio de David con Mical y la guitarra del músico en: A concert sobre mis ojos, un pedazo del grabado Aquellos Polbos sobre mi sonrisa, la Lira de la reina volteada sobre mi nariz, el arpa triangular egipcia sobre mi oreja y el turbante del Retrato de un Hombre con Turbante de Van Eyck sobre mi cabeza. Todas estas obras sobre mi cara para representar que aunque no son mis preferidas si me pareció muy interesante averiguar sobre ellas y conocer un poco de su historia y adicionalmente con la forma en la que las puse sobre mi rostro haciendo una especie de collage sobre mi misma, como si el trabajo fuera una obra en si, y no cualquier obra pero una que podríamos encontrar en estilos artísticos como el arte contemporáneo o alguna vanguardia. Finalmente las obras con las que menos conexión sentí y cuya historia tampoco me pareció muy interesante son las que se encuentran en los borden del trabajo. Obras como el St. Denis Missal del periodo bizantino, Daniel desnudo en el foso de los leones del arte paleocristiano, un fresco encontrado en un castillo en Boscoreale del arte romano, El sacrificio de un cordero al son de liras y flautas de la Grecia antigua, El fresco de las sacerdotisas de Creta y la Venus de Laurel de la prehistoria. Obras que en lo personal no son de mis favoritas, y periodos de la historia del arte que en realidad no me llamaron tanto la atención. Aunque por esto no dejen de ser importantes y fundamentales en lo que ha ocurrido con la evolución del arte.
Bibliografía

“Andy Warhol Biography”, Christie’s, acceso el 30 de noviembre de 2020 http://warhol.christies.com/timeline/

“Dance at Le Moulin de la Galette”, Google Arts & Culture, acceso el día 17 de noviembre de 2020 https://artsandculture.google.com/asset/dance-at-le-moulin-de-la-galette/rQEx7CtGiKE3yg?hl=es-419

“Paul Klee- Painting and Music”, Interlude, acceso el día 23 de noviembre de 2020 https://interlude.hk/paul-klee-painting-music/

“Aquellos polbos”, Fundación Goya de Aragón acceso el día 10 de Noviembre de 2020 https://fundaciongoyaenaragon.es/obra/aquellos-polbos/893

“Las Meninas”, Museo Del Prado acceso el día 3 de Noviembre de 2020 https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-meninas/9fdc7800-9ade-48b0-ab8b-edee94ea877f

“A concert, c.1518-1520”, National Gallery of Art acceso el día 27 de octubre de 2020 https://www.nga.gov/collection/art-object-page.90793.html

“Portrait of a Man (Self Portrait?)”, The National Art Gallery, acceso el día 20 de octubre de 2020 https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/jan-van-eyck-portrait-of-a-man-self-portrait

“Music and the Arts in the Middle Ages”, Interlude, acceso el día 22 de Septiembre de 2020 https://interlude.hk/music-and-the-arts-in-the-middle-ages/

“Early Christian Art”,Encyclopædia Britannica, acceso el día 15 de septiembre de 2020 https://www.britannica.com/art/Early-Christian-art

“Wall painting from Room H of the Villa of P. Fannius Synistor at Boscoreale”, The Met Museum, acceso el día 7 de Septiembre de 2020 https://www.metmuseum.org/art/collection/search/247009