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Buongiorno ragazze e ragazzi,
su questa piattaforma saranno inseriti i link o i documenti per la preparazione delle nostre visite guidate che si terranno nei prossimi mesi. Sarà possibile anche condividere foto video e testi utili per la relazione finale. Vorrei che ognuno di voi utilizzasse la piattaforma per fare domande alle prof. o per inserire informazioni utili anche ai compagni. Inserire informazioni è abbastanza semplice. Ci sono diversi  tutorial online che lo spiegano e se non riuscite ne parliamo a scuola.
Buon lavoro

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Ognuno di voi ha un'opera da studiare e ripetere il giorno della visita guidata.
Per tutti è a disposizione il sito ufficiale della Galleria Nazionale per tutte le informazioni di carattere generale ma anche per le singole opere.
Guardate prima il sito del Museo e poi l'altro o gli altri siti consigliati che servono per approfondire il soggetto. Preparate un talk di almeno 5 minuti.

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Preparare una visita guidata può sembrare semplice ma non basta solo studiare l'argomento.... è necessario avere tutte le informazioni affinchè non emergano difficoltà. Nel nostro caso si tratterà di organizzare la visita alle opere di un Museo. Come procedere?
Guarda il sito del Museo e cerca di avere più informazioni possibili: sugli orari di apertura, sulla modalità di prenotazione,  sui costi per gruppi e per singoli, sulle riduzioni che vengono applicate, controlla che le opere che vi interessano non siano in prestito, guarda se è obbligatorio l'uso degli auricolari, se è obbligatorio un determinato vestiario, se ci sono dei tempi prestabiliti della durata della visita. Se hai dei dubbi telefona, informati sul numero minimo e massimo di persone che possono far parte di un gruppo, sugli sconti per studenti sul costo delle visite guidate ecc....

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Ti sarà già  capitato di seguire delle visite guidate ad un museo o ad un sito archeologico e di esserti annoiato..... Può darsi che l'argomento non fosse di tuo gradimento ma può anche darsi che la guida fosse un poco noiosa....Quando prepari la tua esposizione pensa per prima cosa a quali sono le informazioni che ti incuriosiscono di più: c'è un aspetto dell'opera che trovi intrigante o c'è un aneddoto sul quadro? C'è qualcosa da raccontare sul suo autore che può essere divertente o scabrosa o inquietante? Può succedere che nulla ti attrarrà dell'opera ma il segreto per saper raccontare un'opera è conoscerla bene: se la studi per bene sono sicura che puoi trovare dei riferimenti, delle riflessioni dei collegamenti con altre materie o con la vita reale che ti porteranno a saperne parlare. Se poi proprio non ci trovi nulla di interessante, avrai imparato che, a volte,  nella vita, bisogna fare anche ciò che non ci piace.....

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sito ufficiale

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La Galleria Nazionale - La Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea custodisce la più completa collezione dedicata all'arte italiana e straniera tra il XIX e il XXI secolo. #LaGalleriaNazionale

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La Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea custodisce la più completa collezione dedicata all'arte italiana e straniera tra il XIX e il XXI secolo. #LaGalleriaNazionale

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Opere della mostra Time is out of joint

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Oct 11, 2016 - Apr 15, 2018

A new chapter for La Galleria Nazionale

From 1800s to the present day

Through its collections of around 20,000 works, including paintings, drawings, sculptures, and installations, the Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea offers a rich portrayal of Italian art culture, from the 1800s to the present day.

A journey through contrasts and harmony

The current layout of the collections, designed around the theme of time, breaks away from the usual chronological path and branches off into simultaneous journeys in which works of art are placed next to each other for harmony, contrast, references, and quotations.

Alongside major names from the history of art, the works of contemporary Italian and foreign-born artists open visitors' eyes to differing and unexpected stimuli and suggestions. Reinterpreting the works in different situations from where they were previously displayed multiplies the possible perspectives and interpretations.

The building itself, designed by Cesare Bazzani in 1911, plays a critical part in this reinterpretation, creating a dialog between the present and the past. A quasi-archaeological method has been used to restore it to its former glory, all the while maintaining an immediate relationship to the present.

Light again inhabits the spaces and the connection with the outside world and the city is key.

The Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea naturally and continuously goes through periods of transformation and renewal that become necessary over time, sometimes provoked by new experiences and critical interpretations.

It stands, therefore, as a meeting point, a place for research and discovery, inviting reflection on contemporary language and curation practices, on what the role of the museum is at the present time and on what common ground can it forge links with its audience.

The story featured may in some cases have been created by an independent third party and may not always represent the views of the institutions, listed below, who have supplied the content.

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Time is Out of Joint - Google Arts & Culture

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Oct 11, 2016 - Apr 15, 2018 A new chapter for La Galleria Nazionale From 1800s to the present day Through its collections of around 20,000 works, including paintings, drawings, sculptures, and installations, the Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea offers a rich portrayal of Italian art culture, from the 1800s to the present day.

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Time is out of joint

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Con l'inaugurazione della grande mostra Time is Out of Joint, lunedì 10 ottobre 2016, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, diretta da Cristiana Collu, scrive un nuovo capitolo della sua storia portando a compimento l'ampio processo di trasformazione, riorganizzazione e riallestimento, iniziato il 21 giugno 2016, con la restituzione al pubblico di spazi completamente rinnovati e la profonda rilettura delle sue collezioni.

L'esposizione, il cui titolo cita i versi dell'Amleto di William Shakespeare "The time is out of joint", sonda l'elasticità del concetto di tempo, un tempo non lineare, ma stratificato, che sembra porre in atto il dilemma dello storico dell'arte Hans Belting "la fine della storia dell'arte o la libertà dell'arte".

È il definitivo abbandono di qualsiasi linearità storica, per una visione che dispiega, su un piano sincronico, le opere come sedimenti della lunga vita del museo: da Giacomo Balla, Gustav Klimt, Lucio Fontana, Alberto Giacometti a Cristina Lucas, Adrian Paci, Sophie Ristelhueber, per citarne alcuni.

Sostenuta dall'autonomia speciale della riforma del MiBAC, la Galleria Nazionale si propone come luogo di scoperta, aperto alla ricerca e alla contemplazione, e spazio di riflessione sui linguaggi, sulle pratiche espositive e sul ruolo del museo contemporaneo.

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Time is Out of Joint - La Galleria Nazionale

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Con l'inaugurazione della grande mostra Time is Out of Joint, lunedì 10 ottobre 2016, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, diretta da Cristiana Collu, scrive un nuovo capitolo della sua storia portando a compimento l'ampio processo di trasformazione, riorganizzazione e riallestimento, iniziato il 21 giugno 2016, con la restituzione al pubblico di spazi completamente rinnovati e la profonda rilettura delle sue collezioni.

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La storia del Museo, la storia del Palazzo

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La Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma, situata nei pressi di Valle Giulia, con le sue 20.000 opere tra dipinti, disegni, sculture e installazioni, offre un'ampia visuale sull'arte dall'Ottocento fino ai giorni nostri. Si tratta dell'unico museo nazionale dedicato interamente all'arte moderna e contemporanea. Sostenuta dall'autonomia speciale della Riforma del MiBAC, la Galleria Nazionale si propone come luogo di ricerca e sperimentazione dove riflettere sui linguaggi, sulle pratiche espositive e sul ruolo del museo contemporaneo.

Mattia Panunzio, Scalinata dei leoni, 2018

Index
La decisione di creare a Roma un museo dove raccogliere le eccellenze presentate alle Esposizioni nazionali rappresentava il primo consapevole gesto politico volto ad istituire un'identità culturale comune, simbolo del nuovo Stato unitario.

Guido Baccelli nel 1883 ottenne la firma del Re per un decreto che istituiva a Roma una galleria nazionale d'arte moderna. Il 5 Marzo del 1885, potendo contare su tre sale grandi e tre piccole al primo piano del Palazzo delle Esposizioni di via Nazionale, la Galleria venne aperta al pubblico.

La collezione andò incrementandosi sempre più grazie all'azione di personaggi di spicco della cultura romana quali Ettore Ferrari e Aristide Sartorio che contribuirono ad incentivare e valorizzare la produzione artistica nazionale. Nel 1911 fu progettato dall'architetto e ingegnere Cesare Bazzani (1873-1939) il Palazzo delle Belle Arti, in occasione dell'Esposizione Universale di Roma di quell'anno, tenutasi per celebrare il Cinquantenario dell'Unità d'Italia. Situato al civico 131, in Viale delle Belle Arti, tre anni più tardi il Palazzo divenne sede della Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea su iniziativa dell'onorevole Giovanni Rosadi, al fine di conferire una sistemazione definitiva alla collezione nata nel 1883.

Le opere artistiche ottenute attraverso Quadriennali d'Arte ed Esposizioni in tutto il paese, furono di un numero così ampio che già nel 1933, ad opera dello stesso Bazzani, il Palazzo delle Belle Arti necessitò di un ampliamento che ne raddoppiò lo spazio espositivo.

In quegli anni vennero istituiti altri due musei che ebbero il compito di collezionare testimonianze della ricerca contemporanea: la Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino, inaugurata nel 1895 come ideale completamento del Museo Civico e la Galleria d'Arte Moderna di Firenze. Le motivazioni che portarono alla nascita di queste due istituzioni furono prevalentemente il desiderio e la necessità di rappresentare ed esaltare le rispettive scuole regionali di fine Ottocento. Al contrario la Galleria Nazionale si pose come assolutamente innovativa proprio perché attuava una politica di ricognizione su tutto il territorio nazionale. Questo suo carattere di novità è stato enfatizzato, anche a livello di immagine, dall'importanza della sede assegnatele, prima il Palazzo delle Esposizioni, poi la sistemazione definitiva a Valle Giulia, dove tutt'ora risiede.

La Galleria Nazionale, dalla sua fondazione alla fine dell'Ottocento, aveva intrapreso un'attività di raccolta e documentazione di opere contemporanee, svolgendo ampliamente questo suo compito. In particolare, nel corso della direzione Bucarelli l'acquisizione diretta dall'artista diventava un modello operativo, attualmente ancora valido, per cui la compravendita assumeva ulteriori valenze: supporto e incoraggiamento di artisti giovani e conseguente incremento del patrimonio statale.

Con la caduta del regime fascista e la riapertura al pubblico della Galleria, la Soprintendente Palma Bucarelli decise di aggiornare l'allestimento secondo criteri museografici moderni. Il nuovo ordinamento voluto dalla Sovrintendente seguiva un percorso rotatorio in senso orario da sinistra verso destra. Per la prima volta i giardini antistanti l'edificio ospitavano un'esposizione permanente di sculture. Palma Bucarelli si impegnò anche nella divulgazione dell'arte internazionale di quegli anni proponendo mostre di artisti come Pablo Picasso, Piet Mondrian e Jackson Pollock. Nel 1960 insieme al critico e storico dell'arte Giulio Carlo Argan, ipotizzò con l'aiuto di Walter Gropius di ampliare il corpo del Palazzo delle Belle Arti, ma per mancanza di fondi il progetto non giunse mai a termine. A distanza di 13 anni, l'incarico venne però affidato all'architetto Luigi Cosenza che in linea con il pensiero della Bucarelli, concretizzò l'idea di un museo con finalità educative e luogo di aggregazione culturale. Secondo questa visione nella nuova costruzione erano infatti previsti spazi per l'auditorium e per i giardini.

Negli anni settanta in Italia le funzioni museali iniziarono ad essere concepite in maniera differente: il museo non era più uno spazio pensato per la raccolta di oggetti, ma anche il luogo in cui l'arte si produceva. Nacquero così numerosi spazi alternativi che si collocarono a metà strada tra centri di informazione e gallerie. Fino a quel momento, le realtà museali italiane non avevano riconosciuto la portata storica delle varie neoavanguardie italiane. Un ruolo attivo nella promozione e nell'informazione, quindi, veniva svolto, sin dal secondo dopoguerra, dalle gallerie e dagli spazi no profit. La Galleria Nazionale di Roma in questo ebbe un ruolo pioneristico, ospitando mostre di artisti all'epoca considerati scandalosi come Alberto Burri e Piero Manzoni per le quali Palma Bucarelli rischiò di perdere addirittura il posto.

Nel 1975 con l'istituzione del Ministero per i Beni Culturali il museo acquisì il titolo di Soprintendenza Speciale. Sotto la direzione di Italo Faldi, dal 1975 al 1978, la Galleria rafforzò i compiti di conservazione e valorizzazione attraverso un programma articolato di mostre sull'arte italiana dell'Otto e Novecento e sull'arte europea e americana, in un quadro di collaborazione internazionale.

Tra il 1978 e il 1982 Giorgio de Marchis divenne il nuovo sovrintendente. Nel momento in cui iniziò a manifestarsi il fenomeno delle mostre di massa, de Marchis pose l'attenzione sull'attività espositiva museale come produzione culturale. Il programma delle mostre organizzate corrispondeva a precise linee di studio dell'arte italiana e straniera del XIX e XX secolo, coerenti con le collezioni e la storia del museo. Le numerose esposizioni organizzate in quel periodo, infatti, riguardavano la storia dell'arte del Novecento (De Chirico, Arte Astratta, Leoncillo), la storia stessa del museo e delle collezioni, la situazione contemporanea, anche esplorando la allora recente minimal art attraverso le sculture della collezione Panza di Biumo (1980). Dagli anni Settanta si datano alcune importanti donazioni che per la loro vastità ebbero sede in edifici staccati dalla Galleria, in modo da formare una serie di musei satelliti. Nel 1979 si ebbe la donazione Manzù di Ardea che aprì al pubblico nel 1981. Nel 1986 venne donata la collezione dell'anglista Mario Praz (aperto nel 1995 nel palazzo Primoli in via Zanardelli a Roma). Nello stesso 1995 aprì il museo Boncompagni Ludovisi per le arti decorative, la moda e il costume in via Boncompagni (la donazione del 1972 era stata ostacolata dagli eredi).

Tra il 1995 e il 1999 tutto l'edificio venne sottoposto a grandi lavori di restauro e si attuò un riordinamento delle collezioni. Questi lavori utilizzarono i fondi stanziati per il Giubileo del 2000, sotto la guida della sovrintendente Sandra Pinto. Nel 1997 la Galleria ricevette la donazione Schwarz di arte surrealista e Dada, colmando così una sua importante lacuna. Dal 1º luglio 2004 Maria Vittoria Marini Clarelli divenne la sovrintendente della Galleria che nel 2011 realizzò il riallestimento e il riordino delle opere che conferì una veste di forte impatto visivo ed estetico grazie all'originale progetto dell'arch. Federico Lardera.

Nel 2015, attraverso la selezione internazionale del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, su iniziativa del ministro Dario Franceschini, Cristiana Collu viene nominata direttrice generale della Galleria Nazionale.

L'attuale allestimento delle collezioni, pensato come una mostra sul tema del tempo, si dirama in percorsi simultanei in cui le opere sono accostate per assonanze, contrasti, rimandi e citazioni. Anche l'edificio di Cesare Bazzani è protagonista di questa rilettura, stabilendo un dialogo tra presente e passato: un metodo quasi archeologico lo ha riportato al suo splendore originario.

Ideato dall'architetto Cesare Bazzani per costituire il padiglione principale dell'Esposizione Universale del 1911, il Palazzo delle Belle Arti ha l'intento di celebrare la grandiosità della cultura italiana che il governo dell'epoca intendeva promuovere.

L'edificio si presenta con uno stile classicheggiante. Lo schema è quello di un tempio greco con una monumentale scalinata d'accesso al pronao, fiancheggiato da due lunghe ali laterali scandite da lesene con quattro coppie di colonne binate caratterizzate da decorazioni in stile liberty. Compaiono festoni d'amore, intrecci di corde, inserti di rose, mascheroni e teste d'ariete che conferiscono all'edificio un'autorevole eleganza. Nella fascia superiore tre fregi ad altorilievo ornano la facciata: Il corteo della Bellezza e della Forza di Ermenegildo Luppi a sinistra; Il corteo della Vita e del Lavoro di Adolfo Laurenti a destra; L'artista e le battaglie artistiche di Giovanni Prini al centro, all'interno del pronao. Le quattro sculture di coronamento rappresentano L'Architettura e La Pittura (a sinistra); La Scultura e La Decorazione (a destra).

Caratterizzato da ampi ambienti interni e alti soffitti, il palazzo di Bazzani è in grado di ospitare l'imponente collezione della Galleria garantendo grande libertà nella gestione degli spazi. Le sale sono distribuite funzionalmente intorno al Salone delle Cerimonie, in cui la luce naturale entra maestosa dall'alto grazie alla presenza di grandi finestre e lucernai.

L'edificio è rialzato rispetto al livello stradale e risulta diviso in tre livelli: il primo livello comprende il portico di accesso, l'atrio, circa diciotto sale espositive e il Caffè delle Belle Arti; il secondo livello ospita circa venticinque sale espositive e comprende un'ampia corte centrale a pianta rettangolare con due fontane sui lati corti; sul lato nord-ovest è situata la libreria della Galleria. Il terzo livello comprende solo otto piccole sale e costituisce la chiusura superiore delle due ali estreme del Palazzo.

A causa dei danneggiamenti dovuti alla Seconda Guerra Mondiale, tra gli anni Cinquanta e Sessanta il Palazzo delle Belle Arti è stato restaurato più volte. Tra i vari interventi da ricordare è sicuramente l'inserimento dell'ampio giardino antistante che consente di ospitare esposizioni all'aperto. Anche durante gli anni Settanta e Ottanta del novecento ci furono interventi significativi di trasformazione: dall'ampliamento ad opera di Luigi Cosenza alla nuova biblioteca progettata da Costantino Dardi nel 1987, fino all'adeguamento dell'ala destra per le collezioni del XX secolo.

L'intervento di Cosenza ebbe una storia travagliata, l'ala da lui progettata venne chiusa nel 1998 per inadeguatezza alle norme di sicurezza. Successivamente divenne oggetto di un concorso internazionale di riqualificazione nel 2000 vinto dallo studio svizzero Diener&Diener. Le polemiche scatenate per la proposta di demolizione dell'opera di Cosenza da parte degli architetti elvetici ne hanno permesso la salvezza, ma non ne hanno impedito il degrado.

Con il rinnovamento avviato dalla direttrice Cristiana Collu si è puntato al recupero della primitiva funzionalità d'insieme dell'edificio con l'intento di assegnare ad ogni spazio un compito specifico con il fine di valorizzare il museo anche in quanto strumento urbanistico.

"Nulla è stato aggiunto, a tutto è stata tolta una patina opaca" dice la Collu "L'architettura di questo edificio incrocia viste luminose, che mettono in collegamento l'interno del museo con l'esterno, un fuori fatto di verde, di giardini, di scalinate e di città".

Cristiana Collu ha inaugurato la stagione espositiva del museo sotto la sua direzione, negli spazi del Salone Centrale, nel giugno del 2016. La mostra è curata da Saretto Cincinelli e si intitola "The Lasting. L'intervallo e la Durata" e giustappone lavori d'artisti contemporanei a opere della collezione della Galleria di Alexander Calder, Medardo Rosso e Lucio Fontana: puntando il dito sulla riflessione sul concetto di percezione dello spazio e del tempo.

Time is Out of Joint è invece il titolo della mostra inaugurata il 10 Ottobre 2016, citando i versi dell'Amleto di Shakespeare, si abbandona il tradizionale concetto di tempo. Un tempo non lineare, ma stratificato. "Out of joint" si può tradurre sconnesso, fuori dai cardini. La mostra comprende circa 500 opere vantando nomi come Giacomo Balla, Gustav Klimt, Lucio Fontana, Alberto Giacometti, Cristina Lucas e Sophie Ristelhueber.

Lavori di risistemazione hanno coinvolto sia le collezioni che l'edificio; a quest'ultimo è stata restituita purezza e monumentalità e le sale, dominate dal bianco danno luce e respiro alle opere. Sono state aperte e restaurate 43 finestre e sono state imbiancate le pareti, è stata recuperata parte del giardino e sono stati realizzati 244 interventi di restauro sulle opere. Lo spazio dove si trova il bookshop viene utilizzato come auditorium e per mostre temporanee. Con questo intervento si riparte dalle forme originarie della Galleria togliendo gli interventi che nel tempo ne avevamo alterato i percorsi.

La parte centrale torna ad essere una piazza aperta a tutti e si recuperano i due cortili laterali diventati giardini fruibili. Riorganizzato e rinnovato risulta inoltre l'allestimento delle Sale dell'Ottocento e del Novecento. Un ruolo da protagonista è quello giocato dalla luce, che abita di nuovo gli spazi della Galleria e il rapporto di quest'ultima con l'esterno e con la città diventa centrale.

La nuova sistemazione dell'ingresso monumentale è stata affidata a Martì Guixè e il rinnovamento non si limita agli spazi fisici ma passa anche da un nuovo nome "la Galleria Nazionale" dicendo addio per sempre all'acronimo GNAM. Anche il logo è rinnovato e semplificato e reso elegante dal duo Artemio Croatto e Chiara Caucig.

L'idea alla base del riordinamento è quella di un tempo che va ricomposto, attraverso nuove e inaspettate relazioni nello spazio simbolico del museo, come un flusso di memoria, accostando quindi opere di epoche differenti. Le opere comunicano per assonanze, contrasti, rimandi e citazioni in modo da stimolare suggestioni differenti e inattese moltiplicando in questo modo le letture possibili e stabilendo un dialogo tra presente e passato. I percorsi risultano così più fruibili e non obbligati.
Comitato scientifico, Collegio tecnico scientifico, Laboratori di Conservazione, Biblioteca, Archivio generale, Archivio bioiconografico e fondi storici, Archivio fotografico, Ufficio mostre, Ufficio prestiti e registrazione, Catalogo, Studi e pubblicazioni, Ufficio stampa, comunicazione e relazioni esterne, Servizi educativi
Archivi

L'attività quotidiana della Galleria Nazionale trova nei documenti il suo riscontro formale. Si produce documentazione per ragioni pratiche con finalità perlopiù giuridico-amministrative. Nel 1945, su impulso dell'allora Soprintendente Palma Bucarelli, furono istituiti ufficialmente l'Archivio Fotografico e l'Archivio Bioiconografico, mentre la nascita dei Fondi Storici ha inizio nel 1973, con l'acquisizione del primo dei dodici fondi che attualmente lo costituiscono.

Archivio dell'istituto

I documenti prodotti dalla Galleria Nazionale sono la testimonianza delle sue molteplici attività a partire dal 1883, anno della sua fondazione. L'archivio - corrente, di deposito e storico - rappresenta la memoria istituzionale della Galleria ed è testimone dei suoi cambiamenti e delle sue evoluzioni.

La documentazione riguarda l'organizzazione di tutte le mostre realizzate in Galleria, le pratiche relative a ciascun acquisto di opere d'arte, di quelle donate e di quelle concesse in prestito per mostre di altre istituzioni nazionali ed internazionali. Inoltre, è presente la documentazione sull'attività del laboratorio di restauro, della biblioteca, dei vari archivi, quella relativa alle attività didattiche, alle conferenze tenute da artisti e critici di fama internazionale e, in generale, sulle molteplici attività di carattere storico-scientifico organizzate nel corso degli anni. L'archivio rende fruibile anche la documentazione riguardante i Premi d'incoraggiamento per i giovani artisti, la corrispondenza con artisti e collezionisti, senza trascurare i rapporti con il Ministero della Pubblica Istruzione, dalla gestione economico-finanziaria a quella del personale, dalla richiesta di fondi alle interrogazioni parlamentari.

Archivio bioiconografico e fondi storici

L'Archivio Bioiconografico, nato per volontà della Soprintendente Palma Bucarelli nel 1945, raccoglie documenti su più di 25.000 artisti, tra ritagli di giornale, inviti, dépliant, comunicati stampa, locandine e foto. È, inoltre, presente una sezione sui temi dell'arte con più di 400 lemmi e 12 Fondi storici, indicizzati e consultabili online.

Il patrimonio comprende fondi preziosi come il carteggio tra Pietro Giorgi e Giulio Aristide Sartorio, in tutto 38 lettere molte delle quali acquerellate, o come quello di Ugo Ojetti, critico d'arte, giornalista, scrittore, costituito da quasi 6.300 fascicoli relativi ad artisti, politici e letterati. E poi ancora l'esteso e complesso Fondo di Antonio Maraini, artista, studioso, critico d'arte ma soprattutto storico segretario generale della Biennale di Venezia; quello relativo al movimento artistico di Valori Plastici, i cui artisti più rappresentativi sono tutti presenti nelle collezioni dell'Istituto; l'Archivio dei coniugi Del Corso e della loro Galleria L'Obelisco, ricco di foto straordinarie; quello riguardante l'attività lavorativa della gallerista Mara Coccia e quello degli Archivi delle Arti applicate del XX secolo, pregiata documentazione unica nel suo genere.

Ci sono poi cinque Fondi archivistici di altrettanti artisti le cui opere sono presenti nelle collezioni della Galleria: il Fondo di Adolfo De Carolis, costituito da più di 8.000 carte interamente digitalizzate, tra cui un cospicuo carteggio con Gabriele D'Annunzio; una raccolta di documenti di Giuseppe Capogrossi; l'Archivio di Umberto Prencipe; quello di Rolando Monti e infine quello di Camillo Innocenti.

Archivio fotografico e fototeca

L'Archivio fotografico ha un ricco patrimonio di immagini che comprende la documentazione degli allestimenti della Galleria e delle mostre, oltre a una importante serie di lastre fotografiche.

Attualmente, la Fototeca possiede 10.000 stampe fotografiche in bianco e nero, 15.000 diapositive, 60.000 negativi in bianco e nero tra cui 500 lastre in vetro, 6.000 fotocolors, VHS e DVD.

Il laboratorio fotografico è sempre rimasto in attività con un fotografo specializzato che si occupa di documentare tutto ciò che avviene nel museo (opere, mostre, eventi, restauri).

Le stampe sono articolate in sette sezioni: foto di opere di proprietà del museo; foto di opere di artisti acquisite attraverso donazioni e scambi, attualmente presso l'Archivio Bioiconografico; allestimenti di mostre temporanee e allestimenti museali permanenti; documentazione relativa agli interventi di restauro dell'edificio, campagne di catalogazione, foto di documentazione delle attività (inaugurazione di mostre e manifestazioni speciali); VHS, materiale audio, CD, DVD di documentazione o donati da artisti.

Biblioteca

La biblioteca è uno dei servizi offerti dalla Galleria ed esiste fin dall'insediamento nell'edificio di Valle Giulia (1915), quando conservava un nucleo di 2500-3000 volumi. L'odierna consistenza del materiale librario ammonta a circa 79.500 volumi, circa 1500 periodici tra correnti e cessati e una preziosa collezione, composta da circa 40.000 pezzi tra miscellanee ed opuscoli. Un ricco patrimonio di monografie e cataloghi di esposizioni, volumi rari e libri d'artista. Inoltre, da biblioteca d'istituto quale era in origine, si è trasformata con il tempo fino a diventare un luogo di studio accessibile anche a specialisti esterni e studenti.

Oggi, insieme all'Archivio Storico della Biennale di Venezia, la biblioteca della Galleria Nazionale di Roma conserva il più imponente patrimonio italiano di documentazione sull'arte contemporanea.

La struttura architettonica che ospita la biblioteca è stata progettata dall'architetto Costantino Dardi alla fine degli anni Ottanta del secolo scorso, con criteri di estrema funzionalità e ariosità.

In biblioteca sono disponibili i seguenti cataloghi cartacei: Catalogo per autore/titolo, Catalogo per soggetto, Catalogo delle esposizioni in ordine topografico, Catalogo dei periodici; Catalogo topografico.

Dal 1998 la biblioteca fa parte del polo SBN dell'Università di Roma "La Sapienza". Da quella data, le nuove accessioni sono catalogate informaticamente e il catalogo è consultabile on-line, anche attraverso i terminali disponibili in sala di lettura.

Catalogo

Compito istituzionale dell'Ufficio Catalogo della Galleria Nazionale è il coordinamento e la direzione scientifica delle attività di catalogazione del patrimonio storico-artistico del Museo.

L'Ufficio Catalogo inoltre cura la catalogazione e la campagna fotografica di significativi fondi di beni di proprietà di enti pubblici o privati, di collezioni private di rilievo nell'ambito cronologico di competenza della Galleria, secondo le vigenti norme di tutela. Tra le attività principali: elaborazione di progetti di catalogazione sistematica e documentazione fotografica; gestione dell'archivio delle schede cartacee; informatizzazione del catalogo cartaceo e digitalizzazione delle immagini; informazioni all'utente sugli artisti e sulle opere del XIX e XX secolo.

Archivio ufficio catalogo

L'archivio dell'Ufficio Catalogo conserva le schede delle opere di pittura, scultura, disegni, stampe, arti decorative e abiti delle collezioni museali. Consiste in un archivio cartaceo e in un data-base digitale comprendente oltre 9.000 schede, che viene progressivamente incrementato sia mediante l'informatizzazione e aggiornamento delle schede cartacee pregresse sia dalla catalogazione delle nuove acquisizioni.

La catalogazione scientifica del patrimonio artistico della Galleria è iniziata alla fine del 1965 con la direzione di Giorgio de Marchis.

In collaborazione con l'ICCD, l'Ufficio Catalogo della Galleria ha contribuito alla redazione della normativa per la scheda OAC, strumento specialistico per la catalogazione delle opere d'arte contemporanea.

Studi e pubblicazioni

La Galleria Nazionale promuove attività di promozione culturale e offre la possibilità di svolgere all'interno dei propri uffici dei tirocini curriculari volti a sviluppare nuove competenze, teoriche e pratiche, spendibili nel mondo del lavoro.

Il dipartimento pubblicazioni conta su un nucleo di oltre 450 volumi, che compongono il corpus delle pubblicazioni della Galleria, dai primi del Novecento a oggi. Tutti i testi sono consultabili nella Biblioteca d'Istituto.

Si registra un'assoluta prevalenza dei cataloghi delle mostre temporanee. Della massima rilevanza sono i più rari cataloghi-guida o itinerari delle collezioni, che documentano il susseguirsi nel tempo dei vari allestimenti museali.

La Galleria sotto la direzione della giovane Soprintendente Palma Bucarelli intensifica, rispetto alle precedenti direzioni Fleres e Papini, la propria attività espositiva come documentano i relativi cataloghi, aprendo il museo allo scenario di un contemporaneo sempre più internazionale, in un crescendo culminante negli anni '60.

Dal 1981, in concomitanza con l'attribuzione alla Galleria della direzione di quattro musei - la raccolta Manzù di Ardea, aperta al pubblico dal 1981; il Museo Boncompagni Ludovisi per le arti decorative, il costume e la moda dei secoli XIX e XX e il Museo Mario Praz, nati entrambi nel 1995; il Museo Andersen, inaugurato nel 1999 - le pubblicazioni si arricchiscono di un notevole numero di cataloghi di mostre in Italia e all'estero, nonché di guide alle rispettive collezioni. Dal 2015 la gestione dei quattro musei passa al Polo Museale Regionale del Lazio e, di conseguenza, la Biblioteca della Galleria cessa da quel momento di includerne le pubblicazioni tra le proprie.

Dall'istituzione dell'Osservatorio dei visitatori della Galleria traggono origine alcune pubblicazioni relative a indagini svolte sul pubblico.

Un cenno infine alle pubblicazioni online: la più rappresentativa è Belle Arti 131-rivista online della Galleria nazionale d'arte moderna, edita in tre numeri annuali dal 2012 al 2014 e completamente autogestita anche nella grafica editoriale dalla stessa Galleria, che offre una panoramica non tanto su singoli episodi o ricerche di settore, quanto piuttosto sull'interdisciplinarietà esistente tra i vari aspetti della vita museale, in stretta connessione tra pratica e teoria.

Laboratori di conservazione

Il laboratorio di restauro di dipinti e sculture e il laboratorio di restauro di grafica della Galleria Nazionale, nati nel 1976, costituiscono l'unica istituzione museale statale che si occupa operativamente della conservazione e del restauro di opere d'arte moderna e contemporanea. I laboratori si articolano in settori corrispondenti ai materiali costitutivi delle opere d'arte, ed eseguono interventi altamente specialistici. Presso il laboratorio si è costituito un ricco archivio dei restauri effettuati, la cui consultazione è possibile, previa autorizzazione.

Le attività del laboratorio: verifica, manutenzione e restauro delle opere; controllo ambientale espositivo; cantieri operativi e consulenze tecnico-scientifiche; progettazione di interventi di conservazione e restauro; direzione e collaudo dei lavori di restauro; sopralluoghi presso istituzioni statali e altri enti; verifica dello stato conservativo delle opere richieste in prestito; supervisione della movimentazione ed imballaggio delle opere; accompagnamento durante i trasferimenti delle opere; Condition Report delle opere in prestito per mostre temporanee; attività di tutor per stage formativi; pubblicazioni scientifiche e partecipazione a convegni.

Ufficio mostre

L'ufficio, alle dirette dipendenze del Direttore, si occupa di tutte le fasi inerenti la programmazione e l'organizzazione delle mostre ospitate in Galleria Nazionale. Dal 1911 sono state ospitate molte mostre, di cui più di cento solo negli ultimi quindici anni. Nelle quattro fasi di organizzazione di una mostra (progettazione, realizzazione, apertura al pubblico, chiusura) è indispensabile il lavoro dell'Exhibition Coordinator e del Registrar, coordinamento tecnico delle mostre opera in stretta collaborazione con i curatori dell'evento affinché il progetto scientifico elaborato prenda la forma definita.

Ufficio prestiti e registrazione

L'Ufficio prestiti e registrazione gestisce le collezioni permanenti della Galleria Nazionale dal momento dell'entrata delle opere d'arte nell'Istituzione, tramite i diversi tipi di acquisizioni. Gestisce inoltre i prestiti delle opere ad altri enti per mostre ed eventi.

Acquisizioni

La Galleria Nazionale acquisisce permanentemente le sue opere tramite: donazioni, acquisti, lasciti, cessioni. Le offerte in dono, in vendita e in cessione devono essere indirizzate alla Direzione della Galleria.

Prestiti

La Galleria concede in prestito - temporaneo o a lungo termine - le sue opere per mostre ed eventi. Dopo attenta valutazione dei Laboratori di conservazione. I prestiti per l'estero sono sottoposti ad autorizzazione da parte del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo.

Ufficio stampa, comunicazione e relazioni esterne

Compito dell'ufficio stampa è quello di interagire con i media. All'interno della Galleria Nazionale l'ufficio stampa si occupa di organizzare conferenze, comunicati stampa, brochure, depliant informativi e di coordinare campagne pubblicitarie e gestire la comunicazione digitale.

Servizi educativi

Le attività attualmente svolte dai Servizi educativi della Galleria Nazionale s'inseriscono in una lunga tradizione di servizi alla fruizione che il museo ha sviluppato nel corso dei decenni. Già nell'immediato secondo dopoguerra Palma Bucarelli, coadiuvata da Giulio Carlo Argan, ha immaginato questo museo come luogo di ricerca e sperimentazione in stretto contatto con l'Università di Roma.

Attualmente i percorsi di fruizione proposti dalla Galleria si basano su una visione dell'arte intesa come stimolo alla sensibilità e all'intelligenza individuale e collettiva. Disponendo di una ricca collezione di opere d'arte, il personale specializzato interno ed esterno alla Galleria organizza progetti e visite guidate rivolgendosi a tutte le fasce di pubblico, dal bambino all'anziano, dal turista occasionale al pubblico diversamente abile a pazienti affetti da disturbi psicologici e cognitivi. Nei tre ampi locali predisposti all'interno del museo prendono vita i laboratori con attività ludiche che educano e stimolano la creatività dei partecipanti.

La Galleria mette a disposizione del suo pubblico anche attività studiate appositamente con la collaborazione di associazioni di volontariato come Museum con la quale vengono creati percorsi tattili specificamente studiati per permettere a persone non vedenti o ipovedenti di conoscere la collezione del museo; in collaborazione con l'Università Cattolica del Sacro Cuore e il Policlinico A. Gemelli di Roma, inoltre, dal 2011, è nato un progetto rivolto alle persone affette dalla malattia di Alzheimer.

I Servizi educativi offerti dalla Galleria coinvolgono tutte le fasce di età e si rivolgono a tutte le estrazioni sociali avvalendosi di personale altamente specializzato e sensibile alle esigenze di ogni tipo di visitatore.

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La Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma, situata nei pressi di Valle Giulia, con le sue 20.000 opere tra dipinti, disegni, sculture e installazioni, offre un'ampia visuale sull'arte dall'Ottocento fino ai giorni nostri. Si tratta dell'unico museo nazionale dedicato interamente all'arte moderna e contemporanea.

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l'opera le tre età della donna di Klimt

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Articolo sulla biografia e le opere: rosso plastica, cretto G1 e sul concetto di informale

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Alberto Burri (1915-1995) è l'artista italiano, insieme a Lucio Fontana, ad aver dato il maggior contributo italiano al panorama artistico internazionale di questo secondo dopoguerra. La sua ricerca artistica è spaziata dalla pittura alla scultura avendo come unico fine l'indagine sulle qualità espressive della materia.

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Da questo link riuscite a trovare informazioni sulle opere e sugli artisti ma un pò navigando, non è un link diretto. La Galleria Nazionale ha inserito le sue immagini in Google Drive per cui trovate tante informazioni ma facendo un pochino di ricerca.

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La Galleria Nazionale - Google Arts & Culture

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La Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea keeps the complete collection of international and Italian art from the XIX to the XXI century, compos...

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video. Sito dove si trovano anche di opere di Burri

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Il portale di RAI Cultura dedicato all'arte e al design

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Nel 1949 esce il Primo manifesto dello spazialismo. Lucio Fontana, teorico e massimo esponente del movimento artistico italiano, invoca un cambiamento nell'essenza e nella forma dell'arte, il superamento della pittura, della scultura, della poesia. Poco dopo realizza i primi fori nelle tele. È a un passo dai famosi tagli, che compaiono nel 1957 e trovano la propria compiutezza in una serie di opere intitolate "Concetto spaziale. Attese". Sono opere caratterizzate da un unico taglio o da una serie di tagli verticali, netti, decisi, con cui l'artista incide la tela monocroma. È un gesto perentorio. A Fontana interessa il segno gestuale sulla superficie e il suo valore grafico. "Conta l'idea, basta un taglio". Concetto spaziale. Attese della Galleria nazionale d'arte moderna di Roma non è il classico taglio bianco e algido: sono segni irregolari per inclinazione e ampiezza, su una base verde. Ce lo spiega Laura Iamurri dell'Università degli studi Roma Tre.

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Concetto spaziale. Attese, di Lucio Fontana

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Nel 1949 esce il Primo manifesto dello spazialismo. Lucio Fontana, teorico e massimo esponente del movimento artistico italiano, invoca un cambiamento nell'essenza e nella forma dell'arte, il superamento della pittura, della scultura, della poesia. Poco dopo realizza i primi fori nelle tele.

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Descrizione dell'opera

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Il più celebre ready made di Marcel Duchamp è Fontana (Urinoir). Sull'opera sono state avanzate molte interpretazioni e sono stati scritti molti saggi. L'operazione di Duchamp rimane ad oggi una grande provocazione sul ruolo dell'arte e dell'artista.

Marcel Duchamp, Fontana (Urinoir), 1917, ready-made, terracotta bianca ricoperta di smalto e vernice ceramica, 63 x 48 x 35 cm. Parigi, Musée National d'Art Modern, Centre Pompidou

Indice

Descrizione di Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp

L'orinatoio a parete poggia su di un basamento ruotato di 90 gradi. La base è infatti la parte destinata ad essere ancorata al muro. Il manicotto in basso è il foro predisposto per ricevere la mandata dell'acqua. Di lato simmetricamente si notano i sostegni che devono essere fissati al muro. I fori che creano una struttura lineare a 4 e un triangolo a 6 sono invece gli scoli.

Interpretazioni e simbologia di Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp

Per via dell'importanza iconica e il valore di feticcio dell'opera si sono fatte nel tempo molte interpretazioni di Fontana di Marcel Duchamp. L'artista potrebbe aver voluto denigrare l'idea d'arte facendola coincidere con un orinatoio. Si è anche voluto vedere la forma della testa velata di una Madonna rinascimentale nel profilo dell'oggetto rovesciato. In altri casi si sono scomodate altre figure religiose o opere d'arte. Anche la firma è stata oggetto di ipotesi. Al di là della correttezza o meno delle interpretazioni dell'oggetto, Fontana ha influenzato molta della cultura occidentale nella seconda parte del Novecento.

L'analisi dell'opera continua dopo questo avviso!

Scuola 2022-2023

I committenti, le collezioni, la storia espositiva e la collocazione

Marcel Duchamp propose la sua opera alla Society of Independent Artists. L'artista infatti era membro di quella associazione statunitense. Non essendo però ancora famoso Fontana non fu giudicata idonea ad essere esposta e l'artista per protesta si dimise. La prima apparizione documentata di Fontana è una fotografia di Alfred Stieglitz intitolata The exhibit refused by the Independents. La foto fu pubblicata in un articolo di Lewis Norton sul secondo numero di The Blind Man. La rivista fu edita per soli due numeri e venne fondata da Duchamp insieme a Henry Pierre Rocher nel 1917.

La prima replica di Fontana autorizzata da Duchamp fu del 1950 per una mostra tenuta a New York. Nel 1953 e nel 1963 vennero realizzate altre due repliche. Nel 1964 invece lo stesso Duchamp ne commissionò 8. Le copie realizzate in seguito furono ospitate presso diversi musei. Sono visibili presso l'Indiana University Art Museum, il San Francisco Museum of Modern art, il Philadelphia Museum of art, la National Gallery of Canada, il Centre Georges Pompidou, la Tate Modern è la Scottish National Gallery of Modern Art. In particolare la replica di Parigi è la terza e fu realizzata sotto il controllo di Duchamp a cura della galleria Schwarz nel 1963.

L'artista e la società. La storia dell'opera

L'opera originale non fu mai esposta al pubblico ed è perduta. Probabilmente fu gettata dal fotografo che la documentò per l'articolo. L'oggetto che Marcel Duchamp scelse per l'operazione di ready made era un orinatoio poi firmato Richard Mutt e intitolato Fontaine. Divenne quindi un feticcio nel mondo dell'arte ed è una delle opere di rottura più note del ventesimo secolo. Vennero realizzate, a partire dal 1964, sedici versioni del ready made Fontana.

La storia dell'opera non è chiara e non vi sono significativi documenti a riguardo. Di certo è che Marcel Duchamp giunse negli Stati Uniti nel 1915. Divenne in seguito uno dei più importanti artisti legati al Dada. L'idea di creare Fontana, secondo alcune fonti, risale all'acquisto di un orinatoio modello Bedfordshire a New York. Marcel Duchamp una volta giunto nel proprio studio ruotò l'oggetto di 90 gradi e lo firmò con la celebre scritta R. Mutt 1917. Secondo altre versioni Fontana fu realizzato di una collaborazione con un'amica che inviò a Duchamp l'oggetto già trasformato nella sua concezione finale.

Consulta anche l'articolo intitolato: I libri utili alla lettura dell'opera d'arte.

Consulta anche l'articolo intitolato: La scheda per l'analisi dell'opera d'arte.

Lo stile di Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp

La struttura intitolata Fontana di Marcel Duchamp è un ready made. Questa operazione intellettuale consiste nell'esporre in un contesto artistico un oggetto proveniente dalla vita quotidiana. Si tratta quindi di un'operazione concettuale che cambia la destinazione d'uso dell'oggetto. In particolare in Fontana l'oggetto di partenza, un orinatoio, fu anche orientato in modo diverso nello spazio.

La luce sulla scultura

Illuminato dall'alto il ready made assume un aspetto quasi poetico e minimale. La forma è in piena luce e la componente concettuale dell'operazione viene assecondata da una illuminazione razionale e diffusa. I fori di scolo e di mandata disposti in modo simmetrico e in ombra creano effetti grafici come le incisioni presenti alla base.

Interazione con lo spazio

La concavità del ready made Fontana o Urinoir di Marcel Duchamp sembra accogliere lo spazio circostante. Le forme sinuose e prive di spigoli inoltre assecondano uno scambio fluido e senza ostacoli con l'atmosfera che circonda l'oggetto.

La struttura della statua

L'Urinoir trasformato in Fontana possiede una struttura curvilinea e affusolata verso l'alto. Lo sguardo viene prima attratto dai pattern creati dai fori di scolo. Poi scivola lungo il bordo che corre lungo il bacino creando curve morbide e dinamiche. La forte stabilità visiva dipende dalla simmetria dell'oggetto. Sulla verticale centrale infatti si trovano dal basso il foro di mandata e quelli di scolo. Marcel Duchamp ha saputo orientare l'Urinoir in modo da assecondarne una lettura formale ed estetica. Imprimendo una semplice rotazione la funzione originaria dell'oggetto non è più riconoscibile. Il nostro sguardo è quindi invitato ad osservare la qualità delle forme e ad apprezzare il design dell'oggetto.

Approfondimenti. Le influenze nel tempo di Fontana di Marcel Duchamp

Secondo alcuni con questa operazione di ready made Duchamp creò l'arte concettuale separando per sempre l'operazione di produzione di un'opera con il suo valore. Marcel Duchamp sembra interrogarsi sul ruolo dell'artista. Inserendo un oggetto qualsiasi in un contesto artistico ed espositivo l'artista sottolinea quanto sia importante l'idea e la volontà rispetto alla produzione manuale. Se basta porre un oggetto industriale all'interno di un museo per renderlo un'opera d'arte allora non è più importante la sua realizzazione da parte dell'artista.

Consulta la pagina dedicata alla scultura di Marcel Duchamp, Fontana, sul sito del Musée National d'Art Modern, Centre Pompidou di Parigi.

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Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp - ADO Analisi dell'opera

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Il più celebre ready made di Marcel Duchamp è Fontana (Urinoir). Sull'opera sono state avanzate molte interpretazioni e sono stati scritti molti saggi. L'operazione di Duchamp rimane ad oggi una grande provocazione sul ruolo dell'arte e dell'artista. Marcel Duchamp, Fontana (Urinoir), 1917, ready-made, terracotta bianca ricoperta di smalto e vernice ceramica, 63 x 48 x 35 cm.

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articolo generico sull'opera di Giacometti

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Gratis quotazioni di Alberto Giacometti, prezzi, costi, valore, aste, stime, valutazioni, risultati d'asta gratis.
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di Stefania Mattioli

A lberto Giacometti disegna per "vedere chiaro", spinto dall'urgenza di indagare poiché "è come se ci fosse qualcosa che non si vede al primo colpo d'occhio". Lo fa sin da bambino, quando ancora dominava la visione delle cose: "E' fra i 18 e i 19 anni che ho avuto l'impressione di non poter più fare niente, tutto è diventato estraneo, sfuocato".

Disegna, dipinge e scolpisce incessantemente da quando è adolescente. Non solo. Giacometti scrive e la ragione è sempre la stessa: capire. Lo fa con disordinata assiduità. I taccuini pieni di annotazioni rivelano la sua natura riflessiva, dedita all'introspezione, ma ci regalano un uomo incline alla parola come mezzo per aprirsi all'altro (Giacometti, Scritti, Abscondita). Ciò per "il piacere di far vibrare le idee". Con naturalezza emozionata racconta di sé e della propria percezione delle cose, dell'innato pessimismo che lo induce a tentare di raggiungere comunque "l'orizzonte inaccessibile", quello dell'esistenza: sebbene la meta sia impossibile, rinunciare a priori "sarebbe una follia".

Impossibile per lui è anche "fare le cose come si vedono"; per questo ad un certo punto del suo cammino (1920-30) abbandona la copia dal vero: "Mi sembrava assurdo correre dietro a una cosa votata in partenza allo scacco totale". Ecco che lavora a memoria, ricostruisce per frammenti quello che già sa, dubbioso sul fatto che il limite fra la memoria, appunto, e l'immaginazione sia assai labile, più di quanto non si pensi.

Dunque il problema della visione non trova adeguata soluzione. Nemmeno con il suo avvicinarsi al Cubismo prima e al Surrealismo poi: "Erano gli artisti ad interessarmi, ma sentivo quelle esperienze come passeggere". Nel "periodo astratto" Giacometti scopre che le possibilità illimitate offerte dall'arte non figurativa erano ben più angoscianti della stessa impossibilità a rappresentare la realtà.

Torna in studio, davanti ai suoi modelli: il fratello Diego - nume tutelare del suo rifugio e custode indulgente delle opere impietosamente destinate all'oblio -, la moglie Annette, sposata nel '49, e gli amici. Per cinquant'anni tenta invano di "fare una testa come la vede", ma non riesce a cogliere l'insieme. Si arrovella sui particolari, incide, scava con la grafite alla ricerca del naso, degli occhi "dove risiede il pensiero". Ed è proprio lo sguardo il suo cruccio: senza di esso la testa somiglia ad uno scheletro, al cranio di un morto, e il "noto diviene l'ignoto".

Copiare significa afferrare il residuo della visione, non è sufficiente per la verità che cerca, per la sua arte che non è mai mero estetismo. Le sue figure, muta presenza, esili ma forti, sono il frutto della sua percezione personale: "Si pensa che io riduca le figure di proposito (...), lo faccio per rimanere fedele al mio modello, per cogliere la somiglianza (...). La testa è una piccola palla e il corpo non è che un bastone"; così gli appare la natura umana nello spazio. Uno spazio, quello intorno all'opera, che è già la scultura stessa.

Giacometti è pervaso da incertezza, insoddisfazione, il suo agire è costantemente un atto critico verso l'arte che ritiene una mania: "E' piuttosto anormale passare il proprio tempo, invece di vivere, a cercare di copiare una testa". Sebbene egli ritenga l'esperienza della creazione una continua scoperta che vale la pena perseguire anche quando "non c'è risultato per gli altri", ne afferma l'inutilità ritenendola "un'attività egoista e inopportuna (...), ogni opera è creata per niente".

Il fallimento e la sua perpetuazione consapevole divengono i capisaldi della poetica di Giacometti, le ossessioni per cui vale la pena vivere. "Il movimento è fatto di immobilità che si succedono"; come fare a rappresentarlo fedelmente? "Ogni scoperta è subito persa, per sempre". E' bello sapere però che "una zolla d'argilla a portata di mano, un po' di gesso, qualche foglio di carta" bastano alla sua felicità.

Che cos'è la realtà? Giacometti non sa dare una risposta: "le cose sottili e allungate" sono più vicine a ciò che sente, ma non per questo sono più vere. Non risponde perché "la scultura è un interrogativo, una domanda" e non può essere mai "finita né perfetta". Si può continuare all'infinito e "nessuna scultura ne spodesta mai un'altra". Dalle sue parole si evince, prepotente e privato, il suo conflitto interiore, quello dello scontento, ma anche una sorta di leggerezza che a tratti emerge come un soffio, ad esempio quando si appresta ad affrontare "una nuova giornata grigia, con buchi, piccole luci, momenti deliziosi, lunga, infinita, varia". Noi siamo quello che facciamo, ci interessiamo a determinate cose perché è nella nostra natura, "come non possiamo scegliere la lunghezza delle nostre gambe non possiamo scegliere il nostro modo di pensare". Giacometti anela ad avere "un'audacia totale di fronte alle cose", vorrebbe "una goccia di coraggio in più" ma si rassegna ad essere come è.

Cimabue è il pittore che gli pare "più vero", è il dettaglio che fa la differenza, "stacca, separa una forma dalle altre". Si incanta dinnanzi alla Marchesa della Solena di Goya, che dice essere "stupenda", tanto che al confronto "David e Ingres sembrano orrendi". Poi a Venezia scopre Tintoretto, un pittore che "resta sempre a distanza come la realtà, l'unico che si avvicina a Bisanzio", e per questo amato "di un amore esclusivo". Già, perché Giacometti riesce a trovare la famigerata "somiglianza" solo nell'arte antica, nella ieraticità egizia. Lì risiede il segreto della visione.

"Braque è morto - annota serafico -. Uscito dal tempo entra nello spazio". E tempo e spazio gli appaiono come d'incanto orizzontali e circolari al punto di "provare a disegnarli" come se tutti gli eventi coesistessero simultaneamente intorno a lui in perfetto sincronismo. Nulla però vale a celare il senso di smarrimento che pervade il suo animo ferito, la sua congenita lacerazione leggera. Egli "rispetta la materia al punto che si offenderebbe se Annette togliesse la polvere dai vetri": una polvere che abita le cose di Giacometti con naturalezza, con ogni probabilità perché allude alla caducità; una polvere che dona alle sue sculture, quasi atte ad accoglierla sulla loro superficie ruvida, colma delle tracce delle sue mani forti e del suo sguardo rugoso.

Nel '65, malato, l'artista si sente in un vicolo cieco: "Non so veramente come ne uscirò". Tuttavia lavora senza tregua, al punto di non riuscire a trovare il tempo per dormire, per bere un caffè. Incapace di staccarsi dall'opera, e forse dalla vita stessa, scrive: "Io sto là dove tutto sta fermo e aspetta (...), uscire dal tempo per essere senza fine". Muore l'11 gennaio del 1966.

NEL FILMATO UN VIAGGIO TRA LE OPERE DI Alberto Giacometti

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Capire Alberto Giacometti in pochi minuti. Autobiografia, quotazioni, video - Stile Arte

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Arte ed esistenzialismo: nei suoi taccuini il celebre scultore riferisce della battaglia personale condotta contro la superficialità della visione. E animato dalla ricerca degli elementi strutturali della vita, scrisse per capire, affermando che "non si vede niente al primo colpo d'occhio". Il conseguente sviluppo di una poetica diretta all'"orizzonte inaccessibile"

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Sentieri ondulati

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Le grandi tele di Jackson Pollock sono la registrazione del suo gesto creativo nello spazio. Sentieri ondulati, come gli altri suoi dipinti, è un dripping, operato facendo sgocciolare il colore dall'alto.

Jackson Pollock, Sentieri ondulati, 1947, olio e vernice a smalto su masonite, cm 114 x 86. Roma, Galleria Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea, Donazione Peggy Guggenheim, 1950

Descrizione. Una grande tela coperta di tracce circolari e sgocciolate

Jackson Pollock Nacque nel 1912 e morì nel 1956. È considerato il primo artista ad avere avuto l'idea esprimere la propria creatività attraverso segni colorati. La tecnica utilizzata per realizzare i suoi dipinti fu, infatti, il dripping. Traducibile come sgocciolamento, questo modo di dipingere fu ispirato, a Jackson Pollock, dalla pittura automatica dei surrealisti. Secondo la sua teoria l'opera d'arte deve nascere da un gesto istintivo. Pollock, quindi, abbandonò qualsiasi principio di progettazione dell'immagine. Così, attraverso il dripping, sulla grande tavola a terra, Pollock fece colare direttamente il colore liquido dall'alto. Utilizzava grandi secchi di colore, lunghe stecche di legno sulle quali ancorare i pennelli per fare sgocciolare il colore. Infine, attraverso una gesticolazione libera e circolare, l'artista creava trame sovrapposte di diversi colori formando le sue composizioni.

Lo stile. Il gesto e il dripping

Sentieri ondulati è una tela rettangolare sulla quale Jackson Pollock colò diverse vernici colorate. Sulla superficie si notano vortici e grovigli di colore che si avvolgono su loro stessi. In alcuni casi vi sono macchie e strisce mentre in altre le colature si allargano a formare delle zone più larghe di colore. La sovrapposizione dei diversi toni ha creato, parzialmente, uno sfondo colorato di colore grigio. Questa tonalità è data dal maggiore uso di questo colore che, in certe parti, risulta chiaramente sovrapposto agli altri. L'elemento fondamentale, importante per Pollock, è la registrazione delle circolarità di colore del suo gesto nell'aria. Nel complesso tutti i lavori di Pollock, come Sentieri ondulati, sono la traccia della sua azione creativa. In Italia la pittura gestuale fu praticata da Emilio Vedova.

Il colore

I colori, pur nella loro disposizione gestuale sono organizzati e armonizzati per ottenere una composizione cromatica determinata. Tra il grigio, che copre gran parte della superficie, emergono macchie di bianco, giallo e nero.

Lo spazio di Sentieri ondulati

La spazialità coincide con la superficie bidimensionale della tavola.

La Composizione nel dipinto Sentieri ondulati

Il dipinto è leggibile con diversi orientamenti nello spazio. L'allestimento prevede l'orientamento in verticale rispetto all'asse maggiore. La composizione, se si osserva attentamente il dipinto, propone una percorso visivo che serpeggia lungo la traccia nera a forma di 8.

Consulta la pagina dedicata al dipinto di Jackson Pollock, Sentieri ondulati, sul sito della Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma.

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Sentieri ondulati di Jackson Pollock - Analisi dell'opera

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Le grandi tele di Jackson Pollock sono la registrazione del suo gesto creativo nello spazio. Sentieri ondulati, come gli altri suoi dipinti, è un dripping, operato facendo sgocciolare il colore dall'alto. Jackson Pollock, Sentieri ondulati, 1947, olio e vernice a smalto su masonite, cm 114 x 86.

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Mimmo Rotella, l'artista che ha inventato i décollages

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Rotella è diventato celebre per aver inventato il décollage, staccando i manifesti pubblicitari dai muri per ri-assemblarli sulla tela...

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Mimmo Rotella mostra a Roma alla Galleria Nazionale 

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Mimmo Rotella mostra a Roma alla Galleria Nazionale 

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La mostra finisce il 10 febbraio 2019 ma l'articolo può essere interessante comunque.

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A cento anni dalla nascita, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma accende i riflettori sulla parabola di Mimmo Rotella. Illustrando le tappe fondamentali della sua carriera.

Una mostra allestita come la piazza di una città, incorniciata da giganteschi manifesti stradali. Questa è l'idea portante dell'antologica di Mimmo Rotella (Catanzaro, 1918 ‒ Milano 2003), Manifesto, curata da Germano Celant e Antonella Soldaini alla Galleria Nazionale, che celebra il centenario della nascita dell'artista con 170 opere, relative alle diverse fasi della ricerca del maestro, protagonista di primo piano dell'arte italiana della seconda metà del Ventesimo secolo. Divisa in sei giganteschi billboard, la mostra si legge come un ciclo di immagini riunite per tipologie, secondo un andamento che scorre in senso orario .Si parte con gli Assemblages, avviati da Rotella nel 1953 insieme ai Décollages (1954-1963) ed è subito capolavoro: da Naturalistico (1953) ‒ il primo intervento di questo genere ‒ a Collage 12 (1954) , da Roma capovolta (1956) a Sul muro (1958), fino a opere più note come Viva America (1963) e Marilyn Monroe (1963), esposta alla Biennale di Venezia nel 1964. Un percorso che parte da una dimensione quasi astratta per procedere via via a un affioramento della struttura iconica dell'opera, concepita in una chiave che l'avvicina alla Pop Art inglese e americana. Con una differenza, sottolineata in catalogo da Tobia Bezzola: Rotella non esercita alcuna critica al messaggio pubblicitario, come Richard Hamilton o Edoardo Paolozzi, ma ne rispetta il dettato, anzi lo amplifica.

PUNTI DI ROTTURA

La tappa successiva sono i Retro d'affiches (1953-1961), la cui componente informale è vicina alla pittura di Alberto Burri, il quale (come ma prima di Rotella) si affidava "agli umori della materia". Le opere più riuscite sono quelle radicali, come 3000 anni avanti Cristo (1954), Velato sotto (1955) o Rosso romano (1956), dove la materia rivela la propria trama, senza la presenza di elementi figurativi riconoscibili che ne disturbino la lettura. La sezione seguente riunisce i Riporti fotografici (1963-1980) e gli Artypos (1966-1974), dove Rotella passa dal manifesto readymade a sperimentazioni realizzate attraverso proiezioni oppure utilizzando manifesti scartati dalle tipografie: i temi scelti vanno dalle immagini di cronaca ( Jacqueline Kennedy, 1963) a temi politici ( Italy's Trail, 1973) fino a poster pubblicitari ( Olio extra, 1966). Decisamente sorprendenti i Blanks (1980-1982): manifesti coperti da veline di carta colorata, che l'artista realizza nell'arco di due anni, dopo essersi trasferito da Parigi a Milano. Gesti estremi che costituiscono, come sottolinea Antonella Soldaini, " un punto di rottura con i vecchi codici di riferimento, con quell'accumulo di significati che lo hanno supportato per decenni".
" È la rappresentazione della fine di un'immagine", spiega l'artista, che soffre perché avverte l'indifferenza del pubblico, abituato al lavoro precedente, davanti ai Blanks. Si tratta invece di una produzione molto innovativa, e uno dei tanti meriti di questa mostra è averne sottolineato la rilevanza, all'interno del percorso pluridecennale di Rotella.

DÉCOLLAGES E NUOVE ICONE

La mostra prosegue con altre due sezioni: la prima riunisce gli Acrilici (1984) e le Sovrapitture (1988-1995), influenzate dal clima di "ritorno alla pittura" degli Anni Ottanta, dove Rotella adotta come supporto il pannello metallico per una serie di opere caratterizzate da interventi pittorici, peraltro non particolarmente felici, su manifesti cinematografici. La conclusione è affidata ai Décollages (1992-2004) e alle Nuove Icone (2003), che costituiscono l'ultima produzione dell'artista, caratterizzata da una ripresa, in chiave nostalgica, di temi e linguaggi degli Anni Sessanta. Una serie di teche i con cataloghi e documenti d'archivio completano la rassegna, che include anche la produzione scultorea polimaterica e le ricerche dell'artista nell'ambito della poesia visiva, con il Manifesto della poesia epistaltica (1949). Particolarmente degno di nota il catalogo, pubblicato da Silvana Editoriale, ricco di contributi scientifici illuminanti.

‒ Ludovico Pratesi

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A cento anni dalla nascita, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma accende i riflettori sulla parabola di Mimmo Rotella. Illustrando le tappe fondamentali della sua carriera. Una mostra allestita come la piazza di una città, incorniciata da giganteschi manifesti stradali.

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ALBERTO GIACOMETTI: 5 COSE DA SAPERE

Alberto Giacometti è l'artista svizzero famoso per le sue sculture filiformi e solitarie.

Artista visionario, Alberto Giacometti ha lasciato un segno importante nell'arte, realizzando opere che indagano l'animo dell'uomo, che l'artista vede come un essere solo e anonimo ma sempre in posizione eretta.

Membro del movimento surrealista da cui poi prenderà le distanze (per saperne di più sui surrealisti leggi il post il Surrealismo: le opere e gli artisti), Giacometti è stato un artista capace di interpretare l'uomo del Novecento e le sue fragilità.
In questo post trovi le 5 cose che devi sapere per conoscere Alberto Giacometti.
Alberto Giacometti: 5 cose da sapere
1. QUANDO NASCE ALBERTO GIACOMETTI

Alberto Giacometti nasce il 10 ottobre 1901 a Stampa, vicino al confine italo-svizzero.
Il padre Giovanni era un famoso pittore esponente delpost-impressionismo svizzero che trasferisce l'amore e la passione per l'arte ai suoi figli e anche ad Alberto che, dopo il diploma alla Scuola di arti e di mestieri di Ginevra, si trasferisce a Parigi nel 1922 per studiare con lo scultore Émile-Antoine Bourdelle (un allievo di Rodin).

2. ALBERTO GIACOMETTI E IL SURREALISMO

Alberto Giacometti comincia a prendere coscienza dell' impossibilità di riprodurre la realtà così come la percepisce, un tema che diventerà centrale nella sua arte.

Nel 1928 aderisce al Surrealismo ma la sua continua insoddisfazione lo porta a prendere le distanze dal movimento finché verrà espulso dal movimento nel 1935.

3. LO STILE DI GIACOMETTI

Dopo l'allontanamento dal Surrealismo Alberto Giacometti non espone per oltre dieci anni, ma continua a lavorare ed è in questo periodo (tra il 1936 e il 1940) che realizza le sculture che sono già un anticipazione del suo stile maturo.
Questi pezzi sono caratterizzati dalla presenza di un unico soggetto isolato nello spazio, e basati su modelli che Giacometti conosceva personalmente, come il fratello Diego, l'amica e artista Isabelle Rawsthorne e la sorella Ottilia.
Giacometti è anche perfettamente inserito nella comunità intellettuale europea e avrà un rapporto d'amicizia tormentato con Pablo Picasso.
LEGGI ANCHE - Pablo Picasso: 5 cose da sapere

Le sue sculture sono sottili come la carta perché continuava a scolpire finché non diventavano come le aveva immaginate: un traguardo che si rivelava spesso irraggiungibile.

4. IL SUCCESSO E LA CRISI

Durante la seconda guerra mondiale, Giacometti lascia Parigi e si trasferisce a Ginevra, dove incontra la sua futura moglie, Annette Arm, nel 1943.
Tornato a Parigi nel 1945, l'artista comincia a scolpire la sua personale visione del mondo realizzando le sue famose figure allungate, nel 1946 e 1947.
In questo periodo nascono le lunghe figure filiformi di donna, forme fragili e dai contorni frantumati, dove lo spazio circostante sembra corrodere le figure.

Tra il 1948 e il 1956 la sua fama si afferma in tutto il mondo.
Espone a Londra, Parigi, Zurigo e Basilea e nel 1953 esordisce nella scenografia teatrale, disegnando l'unico albero della pièce "Aspettando Godot" dell'amico Samuel Beckett.

Nel 1956, Giacometti attraversa una crisi artistica, innescata dalla sua ossessione per Isaku Yanaihara, un filosofo giapponese che aveva posato per lui.
La crisi dura due anni, finché Giacometti non incontra Yvonne Poiraudeau, la prostituta conosciuta come Caroline.
Questo incontro segna l'inizio dell'ultimo periodo artistico di Giacometti, quello degli "ultimi ritratti".

5. QUANDO MUORE GIACOMETTI

Dal 1958 al 1960 A lberto Giacometti dipinge circa trenta ritratti di Caroline.
Nel 1964 a posare per lui è lo scrittore e mercante d'arte americano James Lord, vicenda raccontata nel filmFinal Portrait: il film su Alberto Giacometti che descrive perfettamente il suo tormento interiore e il suo stile.

La sua opera finale è la serie di 150 litografie di tutti i luoghi in cui aveva vissuto.
Alberto Giacometti muore nel 1966, lasciando un numero infinito di quadri incompiuti nel suo studio.
LEGGI ANCHE - Film da vedere assolutamente: i grandi artisti raccontati dal cinema
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Alberto Giacometti è l'artista svizzero famoso per le sue sculture filiformi e solitarie. Artista visionario, Alberto Giacometti ha lasciato un segno importante nell'arte, realizzando opere che indagano l'animo dell'uomo, che l'artista vede come un essere solo e anonimo ma sempre in posizione eretta.

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Sito della Fondazione con alcune informazioni anche su 32 metri quadri di mare

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Fondazione Museo Pino Pascali | Polignano a Mare (BA) - ITALY

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OPERE GIOVANILI Pino Pascali, Treno Fin dagli anni dell'Accademia di Belle Arti, a Roma, sotto la guida di Toti Scialoya, Pascali studia Pollock, Gorky, De Kooning i padri dell'espressionismo astratto americano.

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Articolo molto lungo su Vedova e Capogrossi

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Articolo molto lungo su Vedova e Capogrossi

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Può andare bene per capire le correnti artistiche che ha attraversato Vedova e alcune sue opere. Le opere proposte sono moltissime, ci si concentri solo sul Ciclo della protesta e sul rapporto tra Vedova e Pollock analizzato in un paragrafo del testo. Purtroppo non tutte le opere citate sono presenti,mancano molte immagini. Capogrossi va analizzato solo il periodo informale e non il periodo figurativo anche se si può, ovviamente fare un confronto.

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L'ARTE INFORMALE. EMILIO VEDOVA E GIUSEPPE CAPOGROSSI.

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CLICCANDO ALLA VOSTRA SINISTRA "CLASSIC" POTRETE CAMBIARE L'IMPOSTAZIONE DELLA HOME PAGE. VI CONSIGLIO DI SCEGLIERE L'OPZIONE "MOSAIC"!! ...

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Articolo uscito in occasione di una mostra a Tor Bella Monaca, dove era esposta anche l'opera; bisogna cercare un pochino le informazione nel primo paragrafo e nell'ultimo, eliminando tutto ciò che fa esplicito riferimento alla mostra.

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pubblicato martedì 26 marzo 2002
Lo Spazio per l'Arte Contemporanea di Tor Bella Monaca, giunto al terzo appuntamento dopo l'intervento di Giacinto Cerone nel 1999 e di David Tremlett lo scorso anno, presenta Spoglia d'oro su spine d'acacia di Giuseppe Penone.
Un muro di trentasei metri quadri riempie la parete dello spazio espositivo. Una membrana vibrante, tattile, allusiva, lirica. La pelle dell'artista, la sua impronta, si fa oggetto, monumento. Penone ha impresso la traccia della sua bocca, l'ha ingrandita e disegnata su trenta tele, ha velato le tele di seta, ha voluto ricoprire il disegno di spine d'acacia, ha collocato a fior di labbra una lamina d'oro che reca l'impronta delle sue dita.
Si scatena una serie di rimandi e associazioni nel solo atto di elencare i materiali e le suggestioni che compongono l'opera. Così la pelle è una mappa, l'impronta è linguaggio, l'oro è luce, le parole sono spine, e le spine sono terminazione nervosa, di nuovo pelle, limen, soglia, diaframma – attraversabile, permeabile - tra esterno ed interno, tra individuo e mondo, tra uomo e natura. Le tensioni tra materiali si trasformano in tensione simbolica. La percezione muta avanzando verso l'opera, al mutare del punto di vista. Spoglia d'oro su spine d'acacia non si esaurisce in un colpo d'occhio. Chiede una riflessione, un secondo sguardo, un nuovo incontro.
Penone non ha voluto realizzare uno specific site project, ma un'opera autonoma, a cui tornare, nata ed elaborata all'interno dello spazio espositivo, trasformato in studio durante la fase esecutiva, e la cui esistenza è però pensabile in qualunque altro spazio.
E si impone allora un parallelo tra l'opera presentata e l'operazione curata da Daniela Lancioni con il progetto Tor Bella in Opera, che ha dato vita ad uno degli spazi culturali più intelligenti e validi di Roma, già attivo dall'inizio degli anni novanta grazie all'impegno e all'attività dell'associazione Beat '72. Uno spazio che realmente interpreta l'idea di arte fuori centro, intervenendo senza ipocrisie in un contesto urbano periferico con proposte difficili, con autori di alto profilo, senza pretese di evangelizzazione.
Si fa cultura quando si ha coscienza che via Nazionale e Tor Bella Monaca sono luoghi di una città in cui è possibile presentare interventi identici, proponendo una reale osmosi tra centro e periferia. Allora acquista ancora più valore la proposta di Penone, il cui intervento è in continuità con temi e forme sviluppate nell'arco della sua ricerca artistica, nata nel contesto dell'Arte Povera, e in relazione alle sue proposte più recenti presentate al Musée d'Orsay, alla Fujikawa Gallery di Osaka, al Musée des Beaux Arts di Nantes.

Il lavoro è stato articolato in due momenti, una fase progettuale ed esecutiva, a cui hanno attivamente partecipato un gruppo di studenti della Facoltà di Scienze Umanistiche dell'Università di Roma La Sapienza, coordinati dall'artista che ha voluto interpretare lo spazio come studio, e il momento espositivo in cui l'opera funziona come monumento, autonomo rispetto ai vincoli dello spazio dato. Il Centro per l'Arte Contemporanea continuerà la sua attività con un ciclo di incontri sull'opera e sull'attività di Giuseppe Penone realizzato all'interno del ciclo Racconti d'Artista. Dieci artisti raccontano i loro segni sul muro, e con i laboratori didattici a cura della cooperativa Informa d'Arte. A testimonianza del fatto che la cultura è dialogo e confronto, che l'arte vive dell'incontro tra autore e fruitore.
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Spazio per l'arte contemporanea Tor Bella Monaca
Via Fernando Conti, senza numero civico, 0648941230, merc_gio 13-19 ven_sab 11-19
Catalogo con testi di Silvia Bodini, Daniela Lancioni, Claudio Zambianchi, intervista all'artista a cura degli studenti universitari, nota biografica a cura di Federica Guida, un testo della cooperativa Informadarte.

Come arrivare con i mezzi pubblici:
* 105 da Piazzale dei Cinquecento scendere alla penultima fermata di via Casilina all1altezza di Grotte Celoni
a piedi via di Tor Bella Monaca via Parasacchi via Aspertini via Fernando Conti (10 minuti di cammino)
oppure 058 scendere via Aspertini di fronte al centro commerciale incrocio con via Fernando Conti
* Trenino Laziali scendere al capolinea (via di Torrenova) e prendere lo 058.
* Metro fino ad Anagnina prendere il 20 Express scendere al capolinea in viale Duilio Cambellotti di fronte a una grande Chiesa (Arch. Spadolini) percorrere a piedi via Balbiani il primo incrocio è via Fernando Conti.

Come arrivare con la macchina:
Tangenziale Est uscita 3 Roma Sud - Prenestina- Casilina ecc.2 G.R.A. uscita n. 17 Tor Bella
Monaca. Percorrere via di Tor Bella Monaca, dopo la grande chiesa che si incontra sulla destra (Arch. Spadolini) seconda traversa a destra: via Parasacchi, percorrerla fino all'incrocio con via Aspertini, girare a destra e nuovamente la prima a destra è via Fernando Conti. Arte Povera in collezione, a Rivoli
cecilia canziani
mostra vista il 17 marzo

[exibart]

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fino al 17.viii.2002 - giuseppe penone - spoglia doro su spine dacacia  - roma

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fino al 17.VIII.2002 - Giuseppe Penone - Spoglia d'oro su spine d'acacia - Roma, Tor Bella Monaca

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pubblicato martedì 26 marzo 2002 Lo Spazio per l'Arte Contemporanea di Tor Bella Monaca, giunto al terzo appuntamento dopo l'intervento di Giacinto Cerone nel 1999 e di David Tremlett lo scorso anno, presenta Spoglia d'oro su spine d'acacia di Giuseppe Penone. Un muro di trentasei metri quadri riempie la parete dello spazio espositivo.

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Emilio vedova crocifissione, ciclo della protesta n.4

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Emilio vedova crocifissione, ciclo della protesta n.4

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Articolo molto breve come punto di partenza per approfondire l'opera.

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Veneziano, dal disegno dal vero passò all' astrattismo informale, quasi senza soluzione di continuità.

Quando nel 1956 Palma Bucarelli, alla direzione della Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, acquistò l'opera di Emilio Vedova Crocefissione contemporanea non mancarono le polemiche. L'opera veniva giudicata da più parti blasfema, già nel nome. Ma questo non impedì che fosse esposta alla Biennale di Venezia e che la Bucarelli scrivesse: "Mi parve (..) una delle migliori espressioni dell'arte, drammaticamente intensa e umana, di questo artista e che fosse opportuno assicurarla alle nostre raccolte".

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Veneziano, dal disegno dal vero passò all' astrattismo informale, quasi senza soluzione di continuità. Quando nel 1956 Palma Bucarelli, alla direzione della Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, acquistò l'opera di Emilio Vedova Crocefissione contemporanea non mancarono le polemiche. L'opera veniva giudicata da più parti blasfema, già nel nome.

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La battaglia di Custoza

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Giovanni Fattori
DESCRIZIONE:
Alla più vasta delle sue numerose tele di soggetto militare, dedicata al disastroso insuccesso di Custoza del 24 giugno 1866, Fattori lavorò dal 1876 al 1880 (non andò a documentarsi sul luogo come era avvenuto per la battaglia di Magenta, ma l'accuratezza delle ricerche è testimoniata dai disegni preparatori conservati nel Museo Civico di Livorno), in un vasto ambiente messogli a disposizione nell'Accademia di Belle Arti di Firenze, per interessamento del Ministero della Pubblica Istruzione. Onorato dalla vista di re Umberto I nel 1878, Fattori presentava infine il dipinto all'Esposizione Nazionale di Torino del 1880, senza troppo successo: "è impossibile sognare i nostri bellissimi artiglieri più brutti, più sciatti, meno soldati nella tenuta [...] sono trasparenti, essi e le loro divise; i fanti del quadrato, cavalli, cavalieri, armi ed armati, tutto è scialbo, diafano, scolorito, fragile, inconsistente come le spoglie secche delle cicale" recensiva Chirtani, che trovandovi alcuni brani - quali il paesaggio - meglio riusciti, concludeva: "questi pezzi più consistenti fanno parere ancor più svanite le larve dei combattenti" (Chirtani 1880 a, p. 87). Similmente Filippi si doleva che tutte le "belle cose" militari, uniformi, attrezzi e divise, fossero come "affogate nella più strana falsità di colore, bigio, violaceo, azzurrognolo, da far venire il mal di mare" (Filippi 1880, pp. 112-113). Esposto nuovamente a Roma nel 1883, il dipinto venne in quell'occasione acquistato per la costituenda Galleria d'Arte Moderna grazie all'interessamento del ministro Ferdinando Martini. In un momento storico tanto drammatico per il giovane Regno d'Italia "in considerazione della crescente importanza della pittura di battaglie e del significato tributatele dalla politica culturale dello Stato [...] nella consapevolezza delle particolari difficoltà che il nuovo soggetto presentava" (Hansmann 2005, p. 243), pur non del tutto compresa nelle sue rivoluzionarie novità formali, nella scabra essenzialità della pittura, carica di pathos proprio perché volutamente priva di facili attrattive, l'opera di Fattori otteneva così un riconoscimento pubblico carico di significato. "Proprio in quella dimensione popolare, scarna e quasi schematica che definiva la grande tela di Custoza, [Fattori] riproponeva una più articolata o per lo meno apparentemente più complessa definizione 'nazionale' del quadro realista" (Monti 1987, p. 60).

LE OPERE

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Giovanni Fattori DESCRIZIONE: Alla più vasta delle sue numerose tele di soggetto militare, dedicata al disastroso insuccesso di Custoza del 24 giugno 1866, Fattori lavorò dal 1876 al 1880 (non andò a documentarsi sul luogo come era avvenuto per la battaglia di Magenta, ma l'accuratezza delle ricerche è testimoniata dai disegni preparatori conservati nel Museo Civico di Livorno), in un vasto ambiente messogli a disposizione nell'Accademia di Belle Arti di Firenze, per interessamento del Ministero della Pubblica Istruzione.

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Mappe in genrale

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Firenze, culla del Rinascimento e delle Grandi Lettere, si riscopre in chiave contemporanea in uno dei luoghi simbolo della città: Palazzo Vecchio. Qui, fino al 22 novembre, saranno esposte nel Salone del Cinquecento due mappe monumentali di Alighiero Boetti (Torino, 16 dicembre 1940 - Roma, 24 aprile 1994), in occasione del Summit Mondiale dei Sindaci, tenutosi dal 5 all'8 novembre.
Intitolato Unityindiversity, il Summit appena conclusosi ha focalizzato la propria attenzione su temi caldi come il dialogo tra i popoli, la centralità dell'arte e della cultura nella costruzione della pace e la difesa delle antiche civiltà e delle tradizioni nella globalizzazione. Tutti temi che ritroviamo anche nelle mappe di Boetti, realizzate negli anni Settanta e Ottanta ma quanto mai attuali.

Boetti, uno dei massimi esponenti del movimento dell'Arte Povera, realizzò questi arazzi con una tecnica e una concezione molto particolare. Vennero infatti ricamati su cotone da abili donne afghane, a cui l'artista torinese commissionava le varie parti che avrebbero poi dato vita all'opera nella sua totalità. Le due mappe in questione riproducono il cambiamento epocale avvenuto a fine anni Ottanta con la Perestojka, una ricostruzione voluta da Michail Gorbačëv che portò poi gradualmente alla caduta dell'Urss e alla nascita della Russia (1991). Non solo un cambiamento nei confini tra Stati, ma una radicale trasformazione che andò a toccare il delicato equilibrio politico del mondo occidentale.

Le mappe di Boetti rappresentano un planisfero politico, in cui ogni territorio è ricamato con i colori e i simboli della relativa bandiera: un coloratissimo collage che esprime la varietà e la ricchezza culturale del mondo, che si esplicita in una enorme mescolanza di diverse tradizioni, lingue, religioni e culture.
La bellezza di questi arazzi, oltre che nella loro raffinata realizzazione, risiede nell' immediatezza con cui essi riescono a comunicare una serie di messaggi all'osservatore, in maniera chiara e di forte impatto. Ma la bellezza nasce anche dalla diversità e dai diversi colori che si mescolano e si uniscono per dar vita a un'opera d'arte.

Nelle mappe di Boetti i colori sono simbolo di diversità non solo geopolitica, ma anche culturale, e tracciano a vista d'occhio un netto confine tra uno Stato e l'altro. Quello che sembrano suggerirci, però, è che non si tratta di una linea indelebile, né tantomeno immodificabile (l'ex Unione Sovietica lo testimonia bene). Questa diversità la ritroviamo anche nel colore di pelle dei popoli che vivono nei vari Paesi del mondo: bianchi, neri, gialli e marroni, che si mescolano per dare vita a nuove tonalità.
Ma come nelle mappe di Boetti le singole parti diverse servono per realizzare l'opera d'arte nel suo insieme, così nel mondo popolazioni ed etnie diverse sono fondamentali perché si possa formare un'unica grande opera d'arte: quella del genere umano.

La ricchezza culturale del nostro mondo è qualcosa di unico e irriproducibile, che si tramanda da secoli grazie a uomini e donne che la proteggono e la condividono. Con la globalizzazione il rischio di perdere tutto questo si fa ogni giorno più forte e più vicino; ma la consapevolezza delle conseguenze che questo avrebbe per tutti noi sta pian piano prendendo piede, si sta diffondendo nelle nuove generazioni e l'unica speranza è che esse si dimostrino più responsabili dei loro predecessori.

Ma perché difendere tutto questo? La risposta è molto semplice.

Le mappe di Boetti risplendono grazie alla diversità che esprimono. Mentre una mappa del mondo grigia e uniforme non la guarderebbe nessuno.
Alessia Sanzogni per 9ArtCorsoComo9

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Le mappe di Alighiero Boetti: quando la diversità diventa arte

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Firenze, culla del Rinascimento e delle Grandi Lettere, si riscopre in chiave contemporanea in uno dei luoghi simbolo della città: Palazzo Vecchio. Qui, fino al 22 novembre, saranno esposte nel Salone del Cinquecento due mappe monumentali di Alighiero Boetti (Torino, 16 dicembre 1940 - Roma, 24 aprile 1994), in occasione del Summit Mondiale dei Sindaci, tenutosi dal 5 all'8 novembre.

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Brevissimo post su Ceroli

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Mario Ceroli, L'ultima cena, 1965
In mostra personale a La Tartaruga nel 1966, l'opera viene acquistata al prezzo di 600.000 lire nello stesso anno, insieme ad altre di giovani artisti del periodo...

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Sito su Ceroli in generale ma che offre spunti sull'opera interessanti (da leggere tutto per trovarli....)

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Mario Ceroli scultore e scenografo italiano nasce a Castel Frentano il 17 Maggio del 1938. Nel 1957 sperimenta l'uso del legno, prevalentemente tronchi di albero trapassati da chiodi, con cui nel 1958 vince il premio per la giovane scultura italiana. Alla fine degli anni Cinquanta, il legno diventa il suo materiale espressivo prediletto.

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Sito base per l'opera

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Una fotografia dell'opera fu tuttavia pubblicata sulla rivista "The Blind Man", edita dallo stesso Duchamp, il quale, fingendo di difendere l'ignoto autore dell'opera, scrisse: "Non è importante se Mr. Mutt abbia fatto Fontana con le sue mani o no. Egli l'ha SCELTA.

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The Art Post Blog | Blog di Arte, mostre e artisti

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UNA FONTANA; DUCHAMP E LA RIVOLUZIONE DELL'ARTE CONTEMPORANEA

Il nome di Marcel Duchamp è legato principalmente ready-made nell'arte, in altre parole alla sua invenzione di prendere un oggetto qualsiasi, creato per un uso specifico e renderlo un'opera d'arte.
Duchamp è una di quelle personalità che avrebbero rivoluzionato facilmente qualsiasi cosa. Fu un pittore versatile (oltre che ottimo giocatore di scacchi) e fu esponente di spicco del dadaismo e del surrealismo, ma fu soprattutto l'ideatore del ready-made.

"Fontana" è uno dei primi oggetti ready-made prodotto dalla mente di Marcel Duchamp nel 1917 ( la Ruota di bicicletta fu il primo nel 1913) e ci dice che l'occhio può leggere in diversi modi un oggetto, a seconda di come lo si usa.

Un orinatoio (perchè di questo si tratta!) che di per sé è un oggetto banale, viene ruotato di novanta gradi, rendendolo di fatto inservibile all'uso per il quale è stato originariamente ideato.
Inoltre Duchamp applica la scritta "R.Mutt 1917" e la mostra al consiglio della Society of Independent Artists, senza mai esporre l'opera in pubblico, anzi la fontana di Duchamp pare che venne gettata nella spazzatura come la maggior parte dei suoi ready-made.

La rivoluzionaria invenzione di Duchamp però sarà destinata a travolgere l'arte, che da questo momento in poi non si preoccuperà più di mostrare l'abilità tecnica e non richiede necessariamente ad una rappresentazione di essere immediatamente comprensibile.
L'occhio, secondo Duchamp,è guidato dall'intenzione della mente, che può andare oltre l'utilità dell'oggetto e trasformarlo in un simbolo.

Da questo momento in poi l'arte inizia a disorientare lo spettatore, pone domande, non offre risposte e chi osserva ha bisogno di una mediazione, di una guida per comprendere l'idea che sta alla base di una creazione artistica.

Il '900 è il secolo breve e anche il più complesso, perché tutto si complica e l'artista deve interpretare la realtà con metodi nuovi.
Il ready-made apre quindi le porte alle infinite possibilità che la creatività può offrire.
Questa è l'arte contemporanea, questo è ciò che rappresenta e voi come vi sentite davanti all'arte di oggi.
Riuscite a comprenderla, avete un artista che amate?

Attendo di leggervi nei commenti, ma prima vi dico che i miei artisti contemporanei preferiti sono Damien Hirst e Keith Haring, e le loro opere arrivano in Italia nel 2017 con due mostre grandiose.

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Una Fontana, Duchamp e la rivoluzione dell'arte

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Il nome di Marcel Duchamp è legato principalmente ready-made nell'arte, in altre parole alla sua invenzione di prendere un oggetto qualsiasi, creato per un uso specifico e renderlo un'opera d'arte. Duchamp è una di quelle personalità che avrebbero rivoluzionato facilmente qualsiasi cosa.

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Il più celebre ready made di Marcel Duchamp è Fontana (Urinoir). Sull'opera sono state avanzate molte interpretazioni e sono stati scritti molti saggi. L'operazione di Duchamp rimane ad oggi una grande provocazione sul ruolo dell'arte e dell'artista.

Marcel Duchamp, Fontana (Urinoir), 1917, ready-made, terracotta bianca ricoperta di smalto e vernice ceramica, 63 x 48 x 35 cm. Parigi, Musée National d'Art Modern, Centre Pompidou

Indice

Descrizione di Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp

L'orinatoio a parete poggia su di un basamento ruotato di 90 gradi. La base è infatti la parte destinata ad essere ancorata al muro. Il manicotto in basso è il foro predisposto per ricevere la mandata dell'acqua. Di lato simmetricamente si notano i sostegni che devono essere fissati al muro. I fori che creano una struttura lineare a 4 e un triangolo a 6 sono invece gli scoli.

Interpretazioni e simbologia di Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp

Per via dell'importanza iconica e il valore di feticcio dell'opera si sono fatte nel tempo molte interpretazioni di Fontana di Marcel Duchamp. L'artista potrebbe aver voluto denigrare l'idea d'arte facendola coincidere con un orinatoio. Si è anche voluto vedere la forma della testa velata di una Madonna rinascimentale nel profilo dell'oggetto rovesciato. In altri casi si sono scomodate altre figure religiose o opere d'arte. Anche la firma è stata oggetto di ipotesi. Al di là della correttezza o meno delle interpretazioni dell'oggetto, Fontana ha influenzato molta della cultura occidentale nella seconda parte del Novecento.

L'analisi dell'opera continua dopo questo avviso!

Scuola 2022-2023

I committenti, le collezioni, la storia espositiva e la collocazione

Marcel Duchamp propose la sua opera alla Society of Independent Artists. L'artista infatti era membro di quella associazione statunitense. Non essendo però ancora famoso Fontana non fu giudicata idonea ad essere esposta e l'artista per protesta si dimise. La prima apparizione documentata di Fontana è una fotografia di Alfred Stieglitz intitolata The exhibit refused by the Independents. La foto fu pubblicata in un articolo di Lewis Norton sul secondo numero di The Blind Man. La rivista fu edita per soli due numeri e venne fondata da Duchamp insieme a Henry Pierre Rocher nel 1917.

La prima replica di Fontana autorizzata da Duchamp fu del 1950 per una mostra tenuta a New York. Nel 1953 e nel 1963 vennero realizzate altre due repliche. Nel 1964 invece lo stesso Duchamp ne commissionò 8. Le copie realizzate in seguito furono ospitate presso diversi musei. Sono visibili presso l'Indiana University Art Museum, il San Francisco Museum of Modern art, il Philadelphia Museum of art, la National Gallery of Canada, il Centre Georges Pompidou, la Tate Modern è la Scottish National Gallery of Modern Art. In particolare la replica di Parigi è la terza e fu realizzata sotto il controllo di Duchamp a cura della galleria Schwarz nel 1963.

L'artista e la società. La storia dell'opera

L'opera originale non fu mai esposta al pubblico ed è perduta. Probabilmente fu gettata dal fotografo che la documentò per l'articolo. L'oggetto che Marcel Duchamp scelse per l'operazione di ready made era un orinatoio poi firmato Richard Mutt e intitolato Fontaine. Divenne quindi un feticcio nel mondo dell'arte ed è una delle opere di rottura più note del ventesimo secolo. Vennero realizzate, a partire dal 1964, sedici versioni del ready made Fontana.

La storia dell'opera non è chiara e non vi sono significativi documenti a riguardo. Di certo è che Marcel Duchamp giunse negli Stati Uniti nel 1915. Divenne in seguito uno dei più importanti artisti legati al Dada. L'idea di creare Fontana, secondo alcune fonti, risale all'acquisto di un orinatoio modello Bedfordshire a New York. Marcel Duchamp una volta giunto nel proprio studio ruotò l'oggetto di 90 gradi e lo firmò con la celebre scritta R. Mutt 1917. Secondo altre versioni Fontana fu realizzato di una collaborazione con un'amica che inviò a Duchamp l'oggetto già trasformato nella sua concezione finale.

Consulta anche l'articolo intitolato: I libri utili alla lettura dell'opera d'arte.

Consulta anche l'articolo intitolato: La scheda per l'analisi dell'opera d'arte.

Lo stile di Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp

La struttura intitolata Fontana di Marcel Duchamp è un ready made. Questa operazione intellettuale consiste nell'esporre in un contesto artistico un oggetto proveniente dalla vita quotidiana. Si tratta quindi di un'operazione concettuale che cambia la destinazione d'uso dell'oggetto. In particolare in Fontana l'oggetto di partenza, un orinatoio, fu anche orientato in modo diverso nello spazio.

La luce sulla scultura

Illuminato dall'alto il ready made assume un aspetto quasi poetico e minimale. La forma è in piena luce e la componente concettuale dell'operazione viene assecondata da una illuminazione razionale e diffusa. I fori di scolo e di mandata disposti in modo simmetrico e in ombra creano effetti grafici come le incisioni presenti alla base.

Interazione con lo spazio

La concavità del ready made Fontana o Urinoir di Marcel Duchamp sembra accogliere lo spazio circostante. Le forme sinuose e prive di spigoli inoltre assecondano uno scambio fluido e senza ostacoli con l'atmosfera che circonda l'oggetto.

La struttura della statua

L'Urinoir trasformato in Fontana possiede una struttura curvilinea e affusolata verso l'alto. Lo sguardo viene prima attratto dai pattern creati dai fori di scolo. Poi scivola lungo il bordo che corre lungo il bacino creando curve morbide e dinamiche. La forte stabilità visiva dipende dalla simmetria dell'oggetto. Sulla verticale centrale infatti si trovano dal basso il foro di mandata e quelli di scolo. Marcel Duchamp ha saputo orientare l'Urinoir in modo da assecondarne una lettura formale ed estetica. Imprimendo una semplice rotazione la funzione originaria dell'oggetto non è più riconoscibile. Il nostro sguardo è quindi invitato ad osservare la qualità delle forme e ad apprezzare il design dell'oggetto.

Approfondimenti. Le influenze nel tempo di Fontana di Marcel Duchamp

Secondo alcuni con questa operazione di ready made Duchamp creò l'arte concettuale separando per sempre l'operazione di produzione di un'opera con il suo valore. Marcel Duchamp sembra interrogarsi sul ruolo dell'artista. Inserendo un oggetto qualsiasi in un contesto artistico ed espositivo l'artista sottolinea quanto sia importante l'idea e la volontà rispetto alla produzione manuale. Se basta porre un oggetto industriale all'interno di un museo per renderlo un'opera d'arte allora non è più importante la sua realizzazione da parte dell'artista.

Consulta la pagina dedicata alla scultura di Marcel Duchamp, Fontana, sul sito del Musée National d'Art Modern, Centre Pompidou di Parigi.

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Fontana (Urinoir) di Marcel Duchamp - ADO Analisi dell'opera

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Il più celebre ready made di Marcel Duchamp è Fontana (Urinoir). Sull'opera sono state avanzate molte interpretazioni e sono stati scritti molti saggi. L'operazione di Duchamp rimane ad oggi una grande provocazione sul ruolo dell'arte e dell'artista. Marcel Duchamp, Fontana (Urinoir), 1917, ready-made, terracotta bianca ricoperta di smalto e vernice ceramica, 63 x 48 x 35 cm.

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Introduce il concetto di ready made rettificato

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Storicamente, il primo "ready-made" prodotto da Duchamp è stato "ruota di bicicletta". Egli, nel suo studio a Parigi, decise di montare una ruota di bicicletta su uno sgabello. L'operazione non aveva alcuna finalità precisa, e probabilmente non fu realizzata per essere esposta. Di fatto, egli aveva creato il suo primo ready-made "rettificato".

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Giacomo balla, La pazza e Villa Borghese

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Giacomo balla, La pazza e Villa Borghese

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Sito in generale sulle pèrime opere di Balla, si cita la pazza e Villa Borghese

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"Boccioni aveva scoperto Balla, da poco tornato da Parigi, e tutto penetrato dalle idee dell'impressionismo. Fu Giacomo Balla, divenuto nostro maestro, che ci iniziò alla nuova tecnica moderna del Divisionismo[...] era un uomo di assoluta serietà, profondo riflessivo e pittore nel più ampio senso della parola. Sull'esempio di pittori francesi aveva un amore esclusivo della natura, a cui domandava tutta l'ispirazione fino all'eccesso... Balla dipingeva con colori separati e contrastanti, come i pittori francesi, la sua qualità pittorica era di prim'ordine, genuina, con qualche analogia con la materia e la qualità di un Pissarro. Fu una tale fortuna per noi incontrare un tale uomo, la cui direzione decise forse tutta la nostra carriera".

È Severini a parlare, quel Gino Severini che insieme ad Umberto Boccioni, agli inizi del nuovo secolo, giovani e insoddisfatti studenti dell'Accademia, saranno assidui frequentatori dello studio romano del pittore Giacomo Balla, avanguardista nella capitale della nuova tecnica del Divisionismo.

Giacomo Balla nasce a Torino il 18 luglio 1871, e già da adolescente dimostra una forte predilezione per l'arte, ma anche per la musica, avvicinandosi allo studio del violino. Nel frattempo il padre, chimico industriale e dilettante fotografo, gli trasmette la passione per la fotografia, iniziandolo ad una tecnica che sarà fondamentale per la sua pittura.

Dopo gli studi superiori, frequenta (anche se per pochi mesi) l' Accademia Albertina, dove studia prospettiva, anatomia e composizione geometrica.

Il passo successivo lo porta a lavorare come assistente in un importante studio di fotografia, quello di Oreste Bertieri, dove ha la possibilità di incrociarsi con personaggi dell'aristocrazia e alta borghesia torinese, scrittori e artisti, tra i quali Pellizza da Volpedo.

Sarà proprio quest'ultimo ad esercitare un'influenza profonda nell'arte di Giacomo Balla tra gli ultimi anni dell'ottocento e i primissimi del novecento, aprendolo alla lezione divisionista.

Nel 1895 si trasferisce a Roma (dove morirà nel 1958). Nella capitale, Giacomo Balla si interessa a soggetti imbevuti di socialismo umanitario mostrando una decisa attenzione nei confronti degli emarginati e degli oppressi, degli esclusi, verso i quali sente di dover fare qualcosa, una denuncia sociale attraverso il messaggio artistico.

Tale mondo umano troverà spazio nella realizzazione di tele del "ciclo dei viventi": Il mendicante (1902) la cui figura di intensa pietà è colta nella chiesa di Santa Maria in Cosmedin, Il contadino (l'ortolano) 1903, I malati (1903), povere cavie degli esperimenti delle cure elettriche, dove le apparecchiature simili a sbarre danno il senso di condizione di prigionia; e in ultimo La pazza (1905) ritratto di Matilde Garbini, sua vicina di casa, malata di mente, il cui volto disperato porta il segno della pazzia e dell'alienazione.

L'attenzione però sarà data anche al paesaggio urbano, alle belle vedute romane, come nel caso del "Parco dei Daini a Villa Borghese", nonché ai problemi legati all'industrializzazione delle periferie, al tema delle case in costruzione, alternando a questi anche una produzione di ritratti ufficiali.

La giornata dell'operaio (1904), è un'opera concepita a Milano (dove si era trasferito), visione simultanea di un edificio in costruzione al mattino, sulla sinistra, con gli operai in attesa di iniziare il lavoro e a destra visto di sera, alla luce di un lampione, quando il lavoro si è da poco concluso.

La tecnica divisionista si accompagnava a Giacomo Balla a uno studio scrupolosamente oggettivo della ripresa dal vero, con un inusuale libertà di tagli prospettici quasi come l'inquadratura di una macchina fotografica, colta a cogliere il valore d'istantanea della natura.

Salutando (1908) è la veduta di due donne che salutano dalle scale con inclusa la riproduzione in primo piano della rampa superiore. La tessitura pittorica di estrema raffinatezza e la straordinaria sensibilità della luce, simula meravigliosamente la sensazione del movimento appena interrotto o in corso, dando l'idea del tempo.

L'approfondimento dello studio delle vibrazioni luminose, la ricerca della registrazione ottica della realtà e il senso del dinamismo lo condurranno al Futurismo, con l'adesione al Manifesto dei pittori futuristi del 1910 e nel 1915 alla firma con Depero del Manifesto della Ricostruzione futurista dell'Universo; perseguendo pur sempre una propria libera interpretazione del linguaggio astratto contraddistinto da sperimentalismo e originalità.

Nel 1937, però, lascia per sempre l'avanguardia e ritorna alla pittura realista, lavorando prima della sua morte a stretto contatto con le figlie, Luce e Elica, entrambe pittrici.
Marina Borrelli
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Giacomo Balla: la realtà vibrante del Divisionismo - laCOOLtura

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"Boccioni aveva scoperto Balla, da poco tornato da Parigi, e tutto penetrato dalle idee dell'impressionismo. Fu Giacomo Balla, divenuto nostro maestro, che ci iniziò alla nuova tecnica moderna del Divisionismo[...] era un uomo di assoluta serietà, profondo riflessivo e pittore nel più ampio senso della parola.

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Quante storie - Street Art a Tor Marancia - 16/11/2017 - video - RaiPlay

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Il progetto Big City Life trasforma il quartiere Tor Marancia di Roma nel primo museo di arte contemporanea condominiale.

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Quante storie - Street Art a Tor Marancia - 16/11/2017 - video - RaiPlay

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Il progetto Big City Life trasforma il quartiere Tor Marancia di Roma nel primo museo di arte contemporanea condominiale.

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articolo e link al sito ufficiale dell'artista

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Proseguono i lavori per Big City Life all'interno del quartiere di Tor Marancia a Roma, tra gli ospiti troviamo Danilo Bucchi. L'artista italiano ha da poco terminano di dipingere una delle grandi facciate, portando in dote, tutto il particolare immaginario.
Con un numero incredibile di artisti, il progetto sviluppato dalla 999Gallery, ha completamente cambiato l'assetto ed il panorama del quartiere capitolino, chiamando alcuni dei nomi noti della scena Italiana e proponendo un bel mix di protagonisti internazionali. In questo senso la scelta di Danilo Bucchi va in controtendenza, l'autore infatti si confronta per la prima volta (?) con lo spazio urbano, calando il proprio immaginario in un contesto differente e certamente più impattante rispetto a cui é abituato. Il risultato finale, diciamolo subito, funziona. Partendo dalle personali riflessioni sull'essere umano, le figure dell'interprete, così come la crudezza del suo tratto, impattano la superficie di lavoro, facendo emergere un immagine finale altamente catartica.
Lavorando attraverso differenti tecniche e medium, l'approccio stilistico di Danilo Bucchi eredita tutta la volontà dell'interprete di tratteggiare un personale spaccato sull'uomo. La figura dell'essere umano diviene protagonista indiscussa, al tempo stesso, viene plasmata e commutata nella forma e nell'aspetto dalle riflessioni dell'interprete. I corpi divengono esili, sottili, i volti cadenzati da una silhouette non uniforme, quasi dei mostri, ideale rappresentazione della deriva moderna. Questi personaggi rappresentano quindi una ideale rappresentazione dell'uomo, delle sue fragilità, delle sue sfaccettature e di come queste, filtrate attraverso l'immaginario dell'artista, vadano a commutare l'aspetto esteriore.
A fare da ideale propellente per una raffigurazione così spessa, troviamo un tratto che paga la sua influenza ad una rimarcata gestualità. Lavorando unicamente attraverso un segno nero, ruvido e spesso, l'interprete attraverso le sue linee e l'intersecarsi delle stesse, tratteggia la fisionomia dei suoi soggetti.
Per il progetto, Danilo Bucchi va quindi a raccogliere tutto la propria ricerca andando a dipingere, su un fondo bianco, il volto ed il corpo di uno dei suoi tipici soggetti. L'elevata essenzialità del tratto proposto e sopratutto, la particolare fisionomia del volto, garantiscono qui l'impatto e la profondità tipica delle produzioni dell'autore.
In attesa di scoprire nuovi aggiornamenti sull'artista e sul progetto capitolino, qui tutti i precedenti, vi lasciamo ad una ricca serie di scatti con tutti i dettagli di quest'ultima pittura, dateci un occhiata, siamo certi che non mancherete di apprezzare.

Pics by The Artist

Proseguono i lavori per Big City Life all'interno del quartiere di Tor Marancia a Roma, tra gli ospiti troviamo Danilo Bucchi. L'artista italiano ha da poco terminano di dipingere una delle grandi facciate, portando in dote, tutto il particolare immaginario.
Con un numero incredibile di artisti, il progetto sviluppato dalla 999Gallery, ha completamente cambiato l'assetto ed il panorama del quartiere capitolino, chiamando alcuni dei nomi noti della scena Italiana e proponendo un bel mix di protagonisti internazionali. In questo senso la scelta di Danilo Bucchi va in controtendenza, l'autore infatti si confronta per la prima volta (?) con lo spazio urbano, calando il proprio immaginario in un contesto differente e certamente più impattante rispetto a cui é abituato. Il risultato finale, diciamolo subito, funziona. Partendo dalle personali riflessioni sull'essere umano, le figure dell'interprete, così come la crudezza del suo tratto, impattano la superficie di lavoro, facendo emergere un immagine finale altamente catartica.
Lavorando attraverso differenti tecniche e medium, l'approccio stilistico di Danilo Bucchi eredita tutta la volontà dell'interprete di tratteggiare un personale spaccato sull'uomo. La figura dell'essere umano diviene protagonista indiscussa, al tempo stesso, viene plasmata e commutata nella forma e nell'aspetto dalle riflessioni dell'interprete. I corpi divengono esili, sottili, i volti cadenzati da una silhouette non uniforme, quasi dei mostri, ideale rappresentazione della deriva moderna. Questi personaggi rappresentano quindi una ideale rappresentazione dell'uomo, delle sue fragilità, delle sue sfaccettature e di come queste, filtrate attraverso l'immaginario dell'artista, vadano a commutare l'aspetto esteriore.
A fare da ideale propellente per una raffigurazione così spessa, troviamo un tratto che paga la sua influenza ad una rimarcata gestualità. Lavorando unicamente attraverso un segno nero, ruvido e spesso, l'interprete attraverso le sue linee e l'intersecarsi delle stesse, tratteggia la fisionomia dei suoi soggetti.
Per il progetto, Danilo Bucchi va quindi a raccogliere tutto la propria ricerca andando a dipingere, su un fondo bianco, il volto ed il corpo di uno dei suoi tipici soggetti. L'elevata essenzialità del tratto proposto e sopratutto, la particolare fisionomia del volto, garantiscono qui l'impatto e la profondità tipica delle produzioni dell'autore.
In attesa di scoprire nuovi aggiornamenti sull'artista e sul progetto capitolino, qui tutti i precedenti, vi lasciamo ad una ricca serie di scatti con tutti i dettagli di quest'ultima pittura, dateci un occhiata, siamo certi che non mancherete di apprezzare.

Pics by The Artist

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Danilo Bucchi - New Mural in Tor Marancia, Rome - Gorgo Magazine

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Proseguono i lavori per Big City Life all'interno del quartiere di Tor Marancia a Roma, tra gli ospiti troviamo Danilo Bucchi. L'artista italiano ha da poco terminano di dipingere una delle grandi facciate, portando in dote, tutto il particolare immaginario.

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il video ufficiale

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Presentazione in power poiint di alcune opere di Big City life, ralizzata con le immagini del 4DL. Non ci sono tutte le opere...se siete fortunati trovate la vostra!!!!

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Sito realizzato dalla GAlleria 999 Contemporary sul suo progetto

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Il Progetto Big City Life, che ha portato alla realizzazione di 22 opere murali sulle facciate degli edifici di proprietà Ater nel lotto 1 di Tor Marancia a Roma, è stato selezionato all'interno dei progetti del Padiglione Italia alla 15° Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia che ha per tema "Taking Care - Progettare per il bene comune", la cui inaugurazione si terrà il 27 maggio.

Big city life è nato nel 2014 grazie a un Protocollo d'Intesa fra l'Ater del Comune di Roma, l'Associazione Culturale 999 e il Municipio VIII e ha coinvolto, con un approccio partecipato, gli abitanti del quartiere di Tor Marancia. Il protocollo è stato pensato con la convinzione che l'arte pubblica possa essere un elemento integrante della rigenerazione dell'edilizia residenziale pubblica e della crescita culturale del suo tessuto sociale.

Ater ha messo a disposizione dell'Associazione Culturale 999 le facciate di 11 edifici di sua proprietà del lotto 1 di Tor Marancia dove 22 artisti provenienti da dieci Paesi diversi hanno realizzato le loro opere, trasformando il quartiere nel primo museo condominiale al mondo visitato da migliaia di visitatori.

"Siamo estremamente orgogliosi dell'inclusione di Big city life - Tor Marancia tra i progetti di eccellenza in mostra alla Biennale di Venezia" hanno dichiarato Giovanni Tamburino Commissario straordinario e Franco Mazzetto Direttore generale di Ater Roma.

Il progetto é stato finanziato da 999Contemporary (56%), Fondazione Roma Museo (26%) e Roma Capitale (18%) attraverso la vittoria del bando pubblico Roma Creativa
info@999contemporary.com

EN // Big City Life is now complete, all Tor Marancia available walls have been painted, in the last months four brand new walls was added to this world's unique collection by four amazing artists in their first wallpainting in the eternal city. And we have a book about the whole project published by Castelvecchi! So, we wait for you all this monday, 6 pm at Teatro Piccolo Eliseo to meet project creators Stefano & Francesca from 999Contemporary, Emmanuele F. M. Emanuele from Fondazione Roma, Giovanna Marinelli form city municipality, Tor Marancia neighbors and Mr Kelvra, Lek & Sowat, Diamond, Danilo Bucchi for a talk and a book signing session. But also Seth and Brad Downey left us some signed copies... Come to grab yours!!

IT // Big City Life Tormarancia è completato, tutti i muri del lotto 1 sono stati dipinti, negli ultimi mesi quattro nuove opere si sono aggiunte a questa collezione unica al mondo, dono al quartiere e alla città di quattro artisti straordinari per la prima volta al lavoro nella città eterna. Presentiamo in anteprima anche il libro edito da Castelvecchi che racconta il progetto e cataloga le opere di questo museo pubblico permanente, gratuito e aperto 24 ore su 24. Vi aspettiamo lunedì alle 18.30 al Piccolo Eliseo dove incontrerete Stefano & Francesca di 999Contemporary, Emmanuele F.M. Emanuele di Fondazione Roma, Giovanna Marinelli assessore alla Cultura di Roma Capitale, i ragazzi di Tor Marancia e poi Mr Klevra, Lek & Sowat, Diamond e Danilo Bucchi per raccontarvi l'esperienza e firmare i libri. Attenzione però, anche Brad Downey e Seth ci hanno lasciato qualche copia firmata. Chi prima arriva se le prende.

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Il Progetto Big City Life, che ha portato alla realizzazione di 22 opere murali sulle facciate degli edifici di proprietà Ater nel lotto 1 di Tor Marancia a Roma, è stato selezionato all'interno dei progetti del Padiglione Italia alla 15° Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia che ha per tema "Taking Care - Progettare per il bene comune", la cui inaugurazione si terrà il 27 maggio.

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Articolo da leggere

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Alexandre Farto aka VHILS è lo street artist portoghese noto per realizzare i suoi grandi ritratti e interventi urban, scavando i muri degli edifici.

Alexandre Farto a.k.a. è uno street artist portoghese che vive e lavora a Londra.

Assieme a , , , Conor Harrington, Word 2 Madre, NeckFace, , appartiene alla nuova generazione di urban artists, talenti capaci di reinterpretare l'aspetto delle metropoli contemporanee, di utilizzarne il volto per sperimentare nuove forme creative, denunciandone spesso la natura alienante e omologante.

Le sue opere sono ambiziose, complesse e poetiche. Il vandalismo come forma d'arte, la distruzione come forma di creazione. Pannelli pubblicitari strappati, tessuti scorticati, muri scrostati e grattati, usati come tela e colore allo stesso tempo. Scalpelli, martelli e acidi usati come pennelli. Il risultato è una serie di immagini forti ed espressive. Volti e sguardi appena abbozzati ma incredibilmente realistici.

Come per ogni opera d'arte creata per sottrazione di materiale, è vertiginoso pensare che il lavoro è già contenuto all'interno del materiale e che l'artista non fa' altro che rivelarlo.

" I try focusing on the act of destruction to create; this is a notion I first came across in Graffiti, and it has been very influential in my work. I believe we are all formed of different sets of layers: personal, social, cultural, historical and so on. Our social system is the product of this same process of layers, and I believe that by removing and exposing some of these layers, in fact by destroying them, we might be able to reach something purer, something of what we used to be and have forgotten all about. This is obviously in a symbolical sense. So I like to see it as a kind of archaeological work of dissecting the layers of history and time and exposing something which lies beneath all the noise, the clutter, the dirt, searching for an essence which has been lost somewhere along the way. "

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La street art di Alexandre Farto aka VHILS | Collater.al

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Alexandre Farto aka VHILS è lo street artist portoghese noto per realizzare i suoi grandi ritratti e interventi urban, scavando i muri degli edifici. Alexandre Farto a.k.a. è uno street artist portoghese che vive e lavora a Londra.

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tecnica esplosiva!!!!!!!

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Explosive Wall Art by Street Artist Vhils

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biografia ..per iniziare

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Alberonero was born in Lodi in 1991. At the age of fifteen he began to experiment with graffiti developing a personal, brutal and childlike style of painting. In 2013 he graduated in Interior Design at the Milan Polytechnic. Since 2012 he has studied the perception of color, interested in the emotional possibilities given by tonal combinations.

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molte immagini dei suoi lavori e qualche info

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Alberonero - Italian Abstract Street Artist

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Street artist italiano che ricopre muri e fogli di quadrati colorati che passano da una gamma cromatica all'altra creando scale di tonalità.

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articolo da leggere

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È noto come Vhils, ma il suo vero nome è Alexandre Farto. In uno pseudonimo di sole cinque lettere è racchiusa la genialità di un giovane street artist portoghese che sta letteralmente conquistando il globo. Classe 1987 e attualmente residente a Londra, Vhils appartiene alla generazione di quegli urban artists che hanno contribuito a dare un nuovo volto alle metropoli del nostro tempo.
Una forma d'arte urbana che si svolge in luoghi pubblici degradati e che si manifesta spesso e volentieri su muri scrostati o su edifici pubblici in stato di abbandono o dissestati. È nel contesto di una realtà spesso povera e trascurata che l'arte di Vhils trova una sua efficace manifestazione.
A rendere l'attività artistica di Vhils fortemente suggestiva e stupefacente è, indubbiamente, la tecnica da lui utilizzata, nota come "Scratching the surface" che tradotta in italiano significa letteralmente "Graffiando la superficie". Un muro che viene scrostato o grattato diventa così il suo supporto e scalpelli, martelli e acidi diventano i suoi pennelli. La superficie viene sapientemente scolpita e il suo meticoloso lavoro dà origine a immagini sorprendenti ed emozionanti.
I soggetti di cui si avvale sono esclusivamente volti, talvolta soltanto abbozzati, di personaggi noti, ma anche di comuni cittadini. Volti che hanno abilmente catturato l'attenzione dell'artista tanto da trovare una loro dimora oltre che nella sua mente, anche sulle pareti esterne di vertiginosi palazzi segnati dall'azione del tempo.
Segni del suo passaggio si posso ammirare in tutto il mondo: a Londra, Parigi, Las Vegas, Mosca, Rio de Janeiro e anche in Italia, dove se ne contano ben due. Ed è proprio il nostro paese ad ospitare quello che oggigiorno è considerato il murales più grande al mondo.

Per contemplarlo occorre recarsi a sud della penisola italiana, più precisamente in Sicilia, nel porto della splendida città di Catania. Dimensioni da capogiro caratterizzano il murales, basti pensare che raggiunge l'altezza di un edificio di 10 piani e la larghezza di un campo da calcio. Il protagonista è il volto di un uomo che volge il suo sguardo verso l'Egitto, la Giordania, la Siria, la Turchia e il Libano, luogo in cui troverà dimora un altro volto scolpito dallo street artist portoghese che, a sua volta, volgerà lo sguardo verso l'Italia. Un gioco di sguardi rivolti verso quel mare, il Mediterraneo, che nei secoli ha messo in contatto e ospitato l'incontro di diverse culture. Un murales che, inoltre, mette in luce l'emergenza umanitaria che l'Europa, l'Italia in primis, si trova a fronteggiare con migranti che fuggono dal loro paese natìo in cerca di salvezza e speranza. Per vedere un'altra gigantografia incisa da Vhils bisogna spostarci a nord, a Torino.

Un edificio del capoluogo piemontese ospita così il volto di un comune uomo anziano dagli occhi chiari incontrato casualmente per strada dall'artista stesso.
Tra i volti noti sapientemente scolpiti da Vhils degno di nota è quello situato a Berlino e che vede come protagonista la cancelliera Angela Merkel (2011).

Raffigurata con ben tre occhi, il terzo che funge da occhio della provvidenza e relativo all'ultima crisi dell'Euro.
Suggestivi e coinvolgenti, inoltre, risultano anche le figure umane che compaiono a Rio de Janeiro (2012) e a Barcellona, più precisamente a Girona (2012).

Lo street artist Vhils riesce così ad aprire un'enorme finestra sul mondo e sull'umanità scolpendo timori ed incertezze che segnano il volto degli uomini e la loro esistenza. Un ingegnoso lavoro a colpi di scalpello che va così a fissare sulle pareti esterne dei palazzi problematiche universali, nonché un chiaro invito a riflettere su tematiche tanto attuali quanto complesse.
Per saperne di più visitare il sito dell'artista: www.vhils.com

Immagini tratte da:
barbarapicci.com immagine catania 2
www.collateral catania.it
torino notte www.widewalls.ch
stick2target-com-merkel_1
spagna instagrafite.com 2012
instagrafite.com rio de janeiro

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Lo street artist Vhils: uno sguardo sulla contemporaneità

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È noto come Vhils, ma il suo vero nome è Alexandre Farto. In uno pseudonimo di sole cinque lettere è racchiusa la genialità di un giovane street artist portoghese che sta letteralmente conquistando il globo. Classe 1987 e attualmente residente a Londra, Vhils appartiene alla generazione di quegli urban artists che hanno contribuito a dare un nuovo volto alle metropoli del nostro tempo.

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Altra intervista

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Alberonero è il giovane artista Italiano che porta i pixel nella vita reale.
Buoni propositi per il nuovo anno: portare più divertimento, ispirazioni, arte e artisti a queste pagine virtuali che voi conoscete come Uncovered. Iniziamo quindi con un nome noto della art scene milanese, Luca Boffi, che forse avete già sentito col moniker di Alberonero. Lui è l'uomo dietro quei grandi murales fatti di colori semplici, di quadratoni puliti e incastrati alla perfezione in griglie di bellezza mozzafiato. I suoi lavori sono sparsi un po' ovunque nel mondo, dalla Sicilia al Brasile. E non potremmo essere più felici di averlo con noi. Abbiamo parlato di creatività, abitudini, ispirazioni, e...no, non vi diciamo altro, se non "buona lettura"... Ciao!
Ciao Luca, racconteresti agli amici di Uncovered chi sei e come è nato il progetto Alberonero?
Alberonero è un progetto nato nel 2009 sulle Alpi trentine del Lagorai. A Lodi dipingevo già da qualche anno, di notte in solitudine facevo graffiti, stencil e poesie. Unendo il percorso in strada agli studi al Politecnico di Milano è nata una percezione dello spazio completamente nuova, differente. Rifiutando qualsiasi disegno su muro e utilizzando il quadrato come "non" forma, nel 2012 inizia il percorso di studio ed interazione del colore. Dal 2013 lavoro alla costruzione di architetture e installazioni nel paesaggio, tributi alla natura dalle caratteristiche brutali e soprannaturali. Amo la contemplazione, la ripetizione, l'invisibile e la spiritualità di ciò che l'occhio vede e non vede della vita quotidiana.

E parlando di vita quotidiana e abitudini, quali sono le tue?
Sveglia presto e subito al lavoro. Ritengo il mattino il momento migliore per mettermi a produrre, mi sento fresco ed ispirato. Necessito di spazi silenziosi e di intimità, il luogo che preferisco è la campagna. Al contrario, la mia vita è fatta da tempo di progetti in collaborazione, di molti amici e tanta condivisione.

Troviamo i tuoi lavori sui muri delle citta, in campagne sconfinate ma anche in galleria Come è fatto lo spazio di lavoro di un'artista itinerante come te?
Il mio spazio di lavoro attuale si trova nelle campagne del modenese, in Emilia, ed è una vecchia stalla dove precedentemente viveva un cavallo. In mezzo al nulla, in compagnia di gatti e natura, mi concentro al meglio con lo scopo di evolvere il mio progetto artistico verso la percezione di ciò che ci circonda.

Dove trovi ispirazione e cosa influenza maggiormente il tuo lavoro?
Sono laureato in Design degli Interni, i miei grandi riferimenti derivano dal mondo della progettazione industriale e dello spazio dove l'uomo abita. Mi interesso di colore, architettura e natura. La scuola del Bauhaus, Klee e Albers in primis, sono le mie più grandi ispirazioni in pittura. Altri da citare: Malevich, Rothko e Sol Lewitt. Traggo ispirazione da ciò che vedo tutti i giorni: le città, i palazzi ed i riflessi invisibili che esistono tra le architetture e le persone che le vivono. Mi ritaglio sempre momenti per stare nella natura, una delle mie più grandi passioni è camminare nei boschi e per le montagne, il nickname Alberonero deriva da questo.

Come hai sviluppato lo stile ben definito che ti contraddistingue? Hai avuto periodi blu o rosa che ti va di condividere?
Il blu per me è significato di infinito, tranquillità e pace. Difficilmente mi sento così, mi definisco una persona sempre in movimento, sia fisico che mentale. Cerco nel prossimo la tranquillità, forse anche nell'arte che esprimo voglio evidenziare questa ricerca. Il mio lavoro, soprattutto in pittura, è figlio di un'azione robotica, analizzando il numero di colori che riesco a riportare su un edificio. Lo sforzo fisico è notevole e porta chi lo conduce ad uno stato zen nei confronti di tutto il resto. Il blu, insieme al verde, è il colore che l'occhio vede in maggior quantità, è abituato a coglierne le sfumature, per questo risulta più semplice e piacevole in chi lo osserva. Il blu è la mia metafora del cielo, e spesso nei progetti architettonici realizzati nel paesaggio ho usato superfici riflettenti come specchi e ceramiche per riportare il cielo a terra, dove siamo noi con l'intenzione di avvicinarci ad esso, la sensazione è bellissima per chi la vive e percepisce.

Il rosa per me è significato di intimità, amore ed infanzia. Mi piace usarlo, esalta particolari giocosi e femminili essendo il colore più sexy. Prima di dipingere geometrie regolari ho fatto un periodo intenso e molto significativo a lavorare su forme infantili e ludiche come giocattoli, parchi giochi e gonfiabili. L'arte che realizzano e ciò che percepiscono i bambini è da sempre una delle colonne portanti del mio lavoro, una delle mie più grandi ispirazioni.

Vediamo nel tuo lavoro una enorme interazione tra generi. Uno studio del colore contemporaneo, spesso tipico del digitale, applicato al media più vecchio di tutti i tempi: l'architettura. Come descriveresti il tuo approccio a vecchio e nuovo?
Amo i contrasti e le emozioni che essi generano. Il pixel è il simbolo dell'era in cui viviamo, e quando iniziai a dipingere i quadrati sul muro non ricordo altra gente che lo facesse in maniera così rigida ed ossessiva. Era il pretesto per non rappresentare nulla, mi permetteva solo di mettere in sequenza due colori molto vicini tra loro ma in due spazi differenti ben delineati, volevo che la mia arte fosse comprensibile e intuibile a tutti, non ho mai pensato ad una decorazione. Ho sempre disegnato questi pixel mescolando i colori attraverso una sensazione personale definita da schemi matematici che creavo sul momento, cercando sempre una poesia, senza mai utilizzare colori già realizzati a livello industriale.

Da tempo ciò che mi soddisfa maggiormente è la costruzione: continuo a studiare ed indagare ciò che ci circonda e spesso ciò che giace nell'invisibile, e che ci emoziona. Ricerco la percezione del colore nei luoghi della natura, senza modificare ciò che esiste ma alterandone la forma, così da realizzare opere super-naturali e sensoriali. Da sempre utilizzo materiali poveri e familiari all'uomo per esaltare i contrasti rispetto al mio lavoro elegante e raffinato; mi piace il cemento, il ferro, le lamiere e i mattoni.

Last but not least: un consiglio per tutti i creativi là fuori?
Non sono bravo a dare i consigli, penso che la cosa migliore per ognuno sia studiare e analizzare quello che si sente intorno e tradurlo in una visione personale.

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Alberonero e la devozione ai colori viventi - Wood'd

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Buoni propositi per il nuovo anno: portare più divertimento, ispirazioni, arte e artisti a queste pagine virtuali che voi conoscete come Uncovered. Iniziamo quindi con un nome noto della art scene milanese, Luca Boffi, che forse avete già sentito col moniker di Alberonero.

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Intervista interessante

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La rigidità del minimalismo, la ripetizione delle figure geometriche e le variazioni cromatiche: sono questi i tasselli fondamentali sui quali si sviluppa il lavoro dello street artist Alberonero. L'abbiamo incontrato e intervistato per farci raccontare il suo processo creativo e la sua visione artistica.
Come ti sei avvicinato alla street art?
All'età di quindici anni mi ritrovavo nel garage di casa mia ad immaginare. Uscivo la notte per le vie di Lodi e cercavo uno sfogo ai miei pensieri attraverso lettere e stencil. La Street Art non è mai stata nei miei piani: è un movimento che si è evoluto in parallelo alla mia crescita.
Quali sono gli elementi che non devono mancare ad un luogo per essere scelto?
Nato e cresciuto in mezzo alle campagne piene di nebbia, amo il cemento e il Brutalismo della Pianura Padana. Da molti anni vado a dipingere in posti abbandonati, e questi restano i luoghi che prediligo per un dialogo intenso e diretto con la mia pittura.
Raccontaci il tuo processo creativo.
Creare una mia personale visione della realtà è una cosa che mi ha sempre affascinato. L'incipit nasce studiando l'interazione dei colori e le loro relazioni con ciò che mi circonda. Lavoro esaltando il bidimensionale, legando la formazione di strada ad una lettura architettonica e ponendo il colore come punto centrale della mia indagine. L'analisi del contesto si muove verso una rilettura dello spazio in chiave di colore, definendone una nuova estetica attraverso lo studio di quelle emozioni che generano i colori all'interno di uno scenario urbano e non. Alla base delle tue opere ci sono variazioni cromatiche e ripetizioni geometriche: come nasce quest'idea? Questa scelta nasconde dei significati? L'idea nasce dalla sensazione, dal fiuto dell'emozione dietro l'angolo. Lo studio del colore lo ritengo infinito ed infinita la sua potenza nelle visioni di ciascuno di noi. Il colore inizialmente era un pretesto per non aggiungere nulla al preesistente, semplicemente mi attraeva bucare il costruito con una singola cromia. A seconda dell'ordine e dei calcoli matematici interni alla composizione, si creano energie differenti percepibili su diversi livelli emozionali.
L'essere architetto influenza il tuo lato artistico?
Alcune delle materie che ho studiato al Politecnico di Milano mi hanno dato le basi per uno schema progettuale ben preciso. Ad esempio "Scienze dei Materiali dell'Architettura", piuttosto che "Statica" o "Wood Design", sono studi che mi capita di applicare per lo sviluppo di sculture e installazioni. Le fondamenta del disegno architettonico si intrecciano con quelle del disegno dei miei lavori, legate dalle stesse filosofie costruttive.
Se avessi carta bianca, quale palazzo, monumento o piazza ti piacerebbe trasformare?
Non saprei da dove partire. Come cercavo di spiegare in precedenza prediligo costruzioni abbandonate: ruderi sparsi in mezzo alla campagna o fabbriche inserite nel contesto urbano. Non amo le nuove pitture su resti antichi o edifici tradizionali. Penso che alcune volte sia giusto perdersi tra le superfici, attendere sapendo che quelle giuste prima o poi arriveranno. La capacità del mio lavoro deve concentrarsi su quel limite invisibile per riuscire ad esaltarne la percezione, deformandone l'aspetto, ma senza abbattere il valore del preesistente. Stabilire un dialogo con ciò che già c'è e con il suo contesto lo ritengo sempre un obiettivo da raggiungere.
C'è una tipologia di street art che non ti piace?
Molta, soprattutto quella figurativa. Le facce sui palazzi non mi sono mai piaciute. Il percorso di ricerca che sto affrontando, ormai da quasi cinque anni solo sul colore, è iniziato proprio da un rifiuto di un determinato tipo di cose che vedevo sempre più frequentemente in giro.
Ti interessano altre forme d'arte?
Sì, in generale prediligo l'arte che lavora nello spazio. Ho molti riferimenti nella land art, nell'arte partecipativa, nell'arte povera, guardo con attenzione installazioni e sculture. Trovo ispirazione in elementi della storia del design e architetture, materie molto vicine. I quadri non mi sono mai piaciuti particolarmente: dipingere su tela mi annoia.
In futuro ti piacerebbe cimentarti in altri ambiti artistici? A cosa stai lavorando attualmente?
Sicuramente. Sto cercando di allargare sempre di più la visione del mio lavoro, prendendo punti di vista e tecniche differenti. La materia è grande e la ricerca lunga; credo che con il tempo tutto si possa evolvere in direzioni diverse. Mi piacerebbe costruire spazi e percezioni.
Progetti per il futuro?
Durante questi giorni sto lavorando a Casalpusterlengo vicino alla mia città d'origine. Sto realizzando la ristrutturazione delle facciate di uno studio di architettura interno al paese. È molto interessante potersi confrontare con professionisti più grandi attraverso le mie opere. In parallelo sto disegnando degli schizzi di progetto per una scultura urbana che dovrà essere pronta a metà del mese prossimo a Verona.

Tanti, speriamo il tempo basti. Sicuramente portare in giro con me i colori per il mondo.

Commenti

commenti

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Street art, intervista ad Alberonero | Thesignofcolor

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La rigidità del minimalismo, la ripetizione delle figure geometriche e le variazioni cromatiche: sono questi i tasselli fondamentali sui quali si sviluppa il lavoro dello street artist Alberonero. L'abbiamo incontrato e intervistato per farci raccontare il suo processo creativo e la sua visione artistica. Come ti sei avvicinato alla street art?

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in inglese, Vihls si racconta

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Fornisce numeri e informazioni importanti per chi prepara la storia del posto

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Roma: con ‘Big City Life’ Tor Marancia diventa un museo a cielo aperto...

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Appunti tratti da una visita guidata sui diversi artisti e sul progetto. Ognuno può andare a cercare le informazioni sul proprio artista ed integrarle con quelle già trovate. Alcuni brani sono in inglese altri in francese. Anche chi si occupa della storia del quartiere deve leggere questo post. iNDICATIVAMENTE l'ordine con il quale sono messi i vari autori sarà l'ordine di esposizione.

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Questionario da sottoporre il giorno della visita a passanti e abitanti

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Questionario da sottoporre il giorno della visita a passanti e abitanti

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Questo è il breve questionario che è stato preparato dagli studenti della 4CL; se ritenete di voler aggiungere qualche domanda non esitate a farlo entro domenica così che lunedì 1 aprile si possa avere il questionario completo.

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Elenco delle opere che ciascuna classe dovrà preparare

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sito ufficiale

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Palazzo Massimo - Museo Nazionale Romano

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Infine, il piano interrato è dedicato al Medagliere del Museo Nazionale Romano , con un percorso scandito dalle tappe salienti della storia economica del nostro Paese. Il lusso e l'oreficeria sono documentati da sfarzosi corredi funerari, come quello della Bambina di Grottarossa, esposto accanto alla piccola mummia.

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Le opere più interessanti, gli imperdibili

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Gli imperdibili - Museo Nazionale Romano

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Statua di Augusto, punto di partenza

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La statua di Augusto di via Labicana è un ritratto dell' Imperatore Augusto a figura intera, a tutto tondo, in marmo, alta 207 cm. Deve il suo nome alla zona dove venne scavata alle pendici del colle Oppio, in via Labicana appunto. L'imperatore è ritratto a capo coperto nelle vesti di pontefice massimo.

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Sito dove trovate tantissime informazioni sul mondo degli antichi  romani...veramente di tutto....

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" Fecero tutto il Centro Storico, da Piazza Venezia a Piazza del Popolo, e poi a Via Veneto, Villa Borghese, e poi di nuovo indietro Piazza Navona, e il Gianicolo, e San Pietro! Useppe non aveva mai conosciuto quei quartieri, che in un ciclone risplendente correvano addosso alla motocicletta di Nino, come a una sonda spaziale lanciata attraverso i pianeti. A voltare gli occhi in alto, si vedevano statue volare con le ali distese fra le cupole e le terrazze, e trascinare i ponti in corsa con le tuniche bianche al vento. E alberi e bandiere giostrare. E personaggi mai visti, sempre di marmo bianco, in forma d'uomo e di donna e d'animale, portare i palazzi, giocare con l'acqua, suonare trombe d'acqua, correre e cavalcare dentro alle fontane e appresso alle colonne ..."

(Elsa Morante, La Storia)
IL TEMPIO NEL CENTRO STORICO DI ROMA
Il centro storico di Roma è stato riconosciuto, sin dal 1980, Patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO. Esso comprende 14,308 km² di superficie del territorio comunale, quasi la somma della superficie dei 22 rioni (15,4659 km²) che lo compongono racchiusi all'interno delle Mura aureliane (a sinistra del Tevere) e gianicolensi (a destra del fiume), con la sola esclusione di una parte dei rioni Borgo e Prati.

Nell'intera città storica, che fa riferimento ad un territorio più vasto rispetto al centro storico, si riconosce il valore di oltre 25.000 punti di interesse ambientale e archeologico censiti dalla Carta per la Qualità: in virtù di ciò Roma risulta la città con più monumenti al mondo.

Marco Aurelio Antonino Augusto, ovvero Marcus Aurelius Antoninus Augustus, nelle epigrafi: IMP·CAES·M·AVREL·ANTONINVS·AVG , nacque a Roma il 26 aprile 121 - e morì a Sirmio o a Vindobona, 17 marzo 180. Conosciuto come Marco Aurelio, è stato un imperatore, filosofo e scrittore romano. Su indicazione dell'imperatore Adriano, fu adottato nel 138 dal futuro suocero e zio acquisito Antonino Pio che lo nominò suo erede al trono.

Il tempio è posto in Campo Marzio a Roma, presso l'attuale Piazza Colonna e la Colonna di Marco Aurelio. Secondo l'archeologo Filippo Coarelli, già docente di Storia romana e Antichità greche e romane all'Università di Perugia, nonchè allievo di R. B. Bandinelli, e François Chausson, storico e prof. di storia romana all'Univ. Paris Sorbonne, specialista in corte imperiale e storiografia romana, l'epigrafe CIL VI, 1585 dedicata a Faustina Minore, rivela la data dell'edificazione tra fine 175, morte di Faustina, e il 180, morte di Marco.
BIBLIO

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" Fecero tutto il Centro Storico, da Piazza Venezia a Piazza del Popolo, e poi a Via Veneto, Villa Borghese, e poi di nuovo indietro Piazza Navona, e il Gianicolo, e San Pietro! Useppe non aveva mai conosciuto quei quartieri, che in un ciclone risplendente correvano addosso alla motocicletta di Nino, come a una sonda spaziale lanciata attraverso i pianeti.

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Tutta la biografia e tutto ciò che volete sapere su Augusto; articolo molto lungo dal quale si possono estrarre molte informazioni.

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OTTAVIANO AUGUSTO - OCTAVIANUS AUGUSTUS | romanoimpero.com

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In principio i re governarono la città di Roma; poi Lucio Bruto istituì il regime di libertà e il consolato. La dittatura era una carica temporanea; la potestà dei decemviri non durava più di un biennio, ne a lungo fu in vigore il potere consolare dei tribuni militari.

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Ermafrodito dormiente (Museo nazionale romano) - Wikipedia

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L'Ermafrodito dormiente è una scultura romana in marmo (lunga 148 cm) datata al II secolo a.C., oggi conservata al Museo nazionale romano di palazzo Massimo di Roma.

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Video che spiega tutta la stanza; non è facile, è dettagliato ma si possono prendere tante informazioni, tantissime interessanti

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Spiegazione di tutta la Villa; si possono scegliere solo le informazioni importanti o anche per guardare le immagini

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DOMUS LIVIAE DRUSILLAE - VILLA DI LIVIA | romanoimpero.com

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A Prima Porta, da via della Villa di Livia, coincidente con l'antica via Flaminia, si raggiungeva la Villa di Livia detta ad gallinas albas. Trattasi della villa di Livia Drusilla, moglie dell'imperatore Augusto, villa citata da Plinio, Svetonio e CassioDione, il sito dove fu fra l'atro rinvenuta la celebre statua di Augusto loricato.

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Video che racconta la villa di LIvia e racconta anche chi era Livia. Interessante

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per iniziare si può guardare wikipedia....

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La Casa della Farnesina è una costruzione signorile antica di Roma, collocata in Trastevere, in parte sotto i giardini di villa Farnesina (dalla quale prende il nome). La casa ha una complessa planimetria e straordinarie pitture parietali.

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Articolo lungo che tratta anche dei cubicola..da cercare scorrendo

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Nell'allestimento museale a Palazzo Massimo le decorazioni asportate sono state ricomposte all'interno di stanze ricostruite nelle dimensioni originarie.

Si è cercato di ricreare, per quanto possibile, la stessa sequenza degli ambienti che si potevano scorgere all'epoca, percorrendo il lungo criptoportico fino al giardino, dove si affacciavano il triclinio invernale e due cubicoli dalle pareti rosso cinabro, per poi raggiungere, attraverso un altro corridoio, un terzo cubicolo.

Tra le stanze della casa c'è una grande sala decorata con pitture a sfondo nero, in campi divisi da esili colonnine dipinte.

In basso uno zoccolo è ornato con motivi a meandro.

Particolarmente interessante è il fregio con scene egiziane, incentrate probabilmente sul tema del saggio giudice, che sembrano illustrare un testo letterario che non ci è noto, forse un popolare romanzo alessandrino.

In generale le scene sono composte da una prima parte, dove si vede l'insorgere della controversia, e una seconda dove si vede il giudizio vero e proprio.

Il fondo monocromatico e la funzione puramente decorativa dell'esile intelaiatura architettonica colloca queste pitture nel "terzo stile pompeiano", con le pareti concepite unitariamente invece che come pretesto per i giochi prospettici. La stesura poi "a macchie", molto ricercata, ha i suoi modelli
nell'ambiente egiziano del I secolo a.c.

Nella sala nera è conservato pure una parte del pregiato pavimento musivo a tessere bianche e meandri geometrici.

IL CUBICOLO B

Il cosiddetto cubicolo "B" ha una parete di fondo con pitture ben conservate. Una firma sulla parete reca il nome di uno dei pittori dell'atelier che realizzarono la decorazione, Seleukos, nome di origine siriaca.

La parete è tripartita verticalmente, secondo uno schema consueto, ma non ha alcune prospettiva illusionistica tipica del II stile.

La parte centrale presenta infatti un'edicola dipinta con un quadro, che non allude a un paesaggio retrostante.

In basso è dipinto uno zoccolo e i pannelli sono a sfondo rosso; in lato la parte centrale è decorata da timpano, mentre quelle laterali sporgono con due corpi dove si aprono nicchie e edicolette.

In lato al centro presenta uno sfondo scuro sul quale si stagliano esili vittorie alate e un colonnato prospettico appena accennato.

La scena nel quadro centrale è un episodio dell'infanzia di Dioniso, tratto da un originale greco del IV secolo a.c., mentre due quadretti laterali, sorretto da genietti femminili alati, hanno sfondo bianco e scene di gineceo disegnate in uno stile arcaizzante, ripreso da originali del V secolo a.c.

Colpisce l'elemento eclettico della decorazioni: grandi superfici di colore e intelaiatura architettonica esile tipica del III stile, decorazioni accessorie neoattiche (genietti, vittorie, acroterii, racemi...) e quadri classici riprodotti in grande dimensione. Lo stile classicista delle pitture le datano al 30-20 a.c.

LE PITTURE DI GIARDINO

Sempre nella Casa della Farnesina sono stati rinvenuti alcuni frammenti di pitture di giardino di poco posteriori a quelli famosissimi di Livia.

Nel 40-20 a.c., nella Villa di Livia a Prima Porta a Roma, venne scoperto nel 1863 un ninfeo sotterraneo ricco di splendidi affreschi raffiguranti scene di giardino.

Di stile simile dovevano essere gli affreschi della Casa di Agrippa in cui si ritrovano due fontane marmoree a forma di vaso, di forma simile a quelle classiche greche.

Le fontane accolgono un tranquillo zampillo d'acqua e si stagliano sopra il verde di un giardino ornato e diviso da incannucciate di bambù molto simili a quelle dei più sofisticati giardini moderni.

L'effetto scenografico era di riposare in una stanza immaginando, con l'aiuto delle pareti affrescate, di giacere in mezzo ad un rigoglioso giardino, pieno di piante fiori e uccellini.

I cubicoli "B", "D" ed "E" erano coperti da volte a botte coperte da stucchi, oggi giustamente staccati e conservati al Museo delle Terme.

La decorazione è organizzata in zone piccole e grandi di forma quadrata, rettangolare e a meandri, coi bordi composti da leggeri kymatia.

I riquadri minori presentano motivi di carattere arcaicista o grottesco, con Vittorie alate, amorini, grifi, Arimaspi (cioè ciclopi), candelabri, girali.

I riquadri maggiori sono invece decorati da paesaggi idilliaci (cubicoli "B", "D" e angoli dell'"E"), scene dionisiache (angoli dei cubicoli "B" e "D") e scene del mito di Fetonte (centro del cubicolo "E").

Nel "D" è particolarmente rappresentativo il pannello centrale con la scena di iniziazione dionisiaca, con un sileno nell'atto di compiere la "mystica vannus" alla presenza di un fanciullo col capo coperto, l'iniziato, di una donna patrocinante e di un inserviente.

Sembra si trattasse dell'iniziazione di Cesarione, il figlio di Cesare e Cleopatra.

Lo sfondo è essenziale, con un platano (albero dionisiaco), un pilastro (a sinistra) e una quinta con tendaggi (a destra).

Si assiste in queste scene a tendenze in atto anche in pittura quali l'assottigliamento degli elementi e la rarefazione della composizione.

Particolarmente curata è la disposizione simmetrica e la resa dei dettagli nonostante il bassissimo rilievo, che testimonia il livello raggiunto nell'età augustea in questo tipo di decorazione.

Viene da pensare che al tempo di Augusto la zona dove si trova la casa di Vipsanio era piuttosto lontano dal centro della città. Non dimentichiamo che il quartiere trasteverino era al di fuori della Roma che contava, tanto che poi rimase fuori pure delle mura aureliane

Come mai allora una casa così lussuosa si trovava nel quartiere transtiberino, un quartiere povero, con strade sporche, e soprattutto esposta alle inondazioni del Tevere, nonchè isolata dal centro della città?

Molti se lo sono chiesto e hanno portato alcune risposte.

Si dice che la costruzione di una casa in una tale zona malsana era un modo chiaro per mostrare la ricchezza del proprietario, perché la costruzione non richiedeva cure continue e costose per

per preservare la funzionalità e la bellezza.

Ma non ci convince, Vipsanio era ricchissimo e poteva ben permettersi una villa al centro dell'urbe e pure il suo mantenimento.

Per altri la casa fu costruita in una località così isolata per sfuggire al rumore e i pettegolezzi della città e di essere al sicuro da occhi indiscreti, così come dalla vita politica frenetica.

La casa è stata costruita secondo il gusto più squisito di quel tempo e decorata dai migliori artisti

Era piena di portici, esedre, palestre, e cabine e coperto con dipinti, stucchi, e

terracotta della più grande finezza.

Macrobio ha riportato in un commento che il futuro imperatore Augusto diceva che aveva due figlie amate da affrontare-la Repubblica e Julia.

All'età di quattordici nel 25 ac, Julia era sposato fuori ad un cugino che aveva tre anni più di lei, Marcus

Il marito di Julia era il nipote prediletto e successore designato di Augusto, ma morì solo due anni

Poi, nel 21 a.c., Julia-che aveva 18 anni, sposato Agrippa, l'amico più fidato di Augusto. Agrippa veniva da una famiglia di rango modesto ma divenne importante e potente sotto Augusto.

Il matrimonio era stato quindi un passo necessario per imbrigliare il potere del generale.

Come racconta, nel tentativo di renderlo consapevole della delicatezza della situazione, il suo consigliere, Mecenate, disse ad Augusto, " Hai fatto Agrippa così grande che dovrebbe diventare tuo genero o essere ucciso. "

Iulia era una tipina che amava la mondanità, ma amò, nonostante la differenza di età, Vipsanio Agrippa e per lui poteva ben seguirlo nella casa che lui preferiva.

E la casa che Vipsanio preferiva era quella sul Tevere da cui poteva rapidamente essere condotto a mare per controllare o guidare la sua potente flotta di Miseno che aveva già condotto in tante battaglie.

Vipsanio era uomo di guerra, per giunta di modeste origini, non amava la mondanità ma amava la vita del generale, e soprattutto amava il mare. Dovendo vivere a Roma si accontentò del Tevere, un po' come fece Cesare una volta tornato in patria a godersi la pace e la sua Cleopatra nei famosi Horti Cesariani sulla riva del fiume.

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CASA DELLA FARNESINA ( Villa Vipsanio Agrippa) | romanoimpero.com

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Nell'allestimento museale a Palazzo Massimo le decorazioni asportate sono state ricomposte all'interno di stanze ricostruite nelle dimensioni originarie. Si è cercato di ricreare, per quanto possibile, la stessa sequenza degli ambienti che si potevano scorgere all'epoca, percorrendo il lungo criptoportico fino al giardino, dove si affacciavano il triclinio invernale e due cubicoli dalle pareti rosso cinabro, per poi raggiungere, attraverso un altro corridoio, un terzo cubicolo.

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da vedere anche per le immagini del ritrovamento

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La statua in bronzo del Pugile delle Terme chiamata anche Pugile in Riposo o Pugile del Quirinale è probabilmente la statua esposta a Roma più conosciuta e apprezzata dai turisti statunitensi, soprattutto quelli provenienti da New York e da Los Angeles, dove è stata ospitata per quattro anni con grande clamore mediatico. Molti dei visitatori italiani e romani non ne conoscono neppure l'esistenza e ne sarebbero orgogliosi se ne apprendessero la storia e l'impegno dei nostri avi per portarla integra fino ai giorni nostri.

Innanzitutto dove è possibile visitare questo magnifico pugile? La statua si trova a Palazzo Massimo, Museo Nazionale Romano di incomparabile ricchezza espositiva (tra i più visitati di Roma), sito in largo Peretti 2, cioè in piazza dei Cinquecento alla sinistra dell'uscita della Stazione Termini. Il Pugile delle Terme è accolto in una delle prime sale del percorso di pianterreno, nella medesima sala che propone un'altra statua di bronzo, il Principe ellenistico, non correlato sul piano stilistico e storico ma semplicemente per la vicinanza dell'area di ritrovo. Entrambe le opere d'arte, infatti, vennero trovate nel febbraio del 1885 su un versante del Quirinale, uno dei sette coli di Roma, alle spalle della chiesa e del relativo convento di San Silvestro in occasione della costruzione del Teatro Drammatico Nazionale in via Nazionale (fabbricato demolito nel 1929).

Palazzo Massimo è facilmente raggiungibile con treni e metropolitana perché si trova a ridosso della Stazione Termini (puoi cercare qui una sistemazione turistica) e via Giolitti.

Le statue, probabilmente, facevano parte dei decori delle Terme di Costantino ma c'è una particolarità che colpì gli archeologi dell'epoca e che caratterizza tuttora la vicenda storica del Pugile: la statua, ritrovata tra il secondo e il terzo muro di fondazione dell'antico edificio, era alla profondità di 6 metri sotto il livello della piattaforma. Tutta intorno la terra era smossa e setacciata. La figura era sistemata con cura, seduta su un capitello di pietra. Insomma, non era finita sotto terra per caso ma c'era stata collocata dagli antichi romani perché sfuggisse alle razzie delle invasioni barbariche.

Dove prendere casa a ridosso di Palazzo Massimo per visitare il Museo Nazionale Romano in tutta tranquillità ed accuratezza.

" Le circostanze dello spettacolare ritrovamento apparvero da subito riconducibili ad un occultamento intenzionale tuttavia restano ancora oggi aperti gli interrogativi sull'originaria collocazione a Roma delle due sculture greche e sulle motivazioni che ne hanno determinato il seppellimento" scrive delle due opere d'arte il Ministero dei Beni e delle Attività culturali.

Di sicuro la fortuna ed il fascino maggiore sono toccate alla statua del Pugile in Riposo e questo probabilmente per la testimonianza storica che porta fino ai giorni nostri della noble art, la boxe. Il soggetto è un boxeur seduto, colto probabilmente in un momento di riposo dopo un durissimo incontro. Le sue mani sono protette da quelli che erano i guantoni dell'epoca, i cesti (dal latino: ), introdotti nella pratica pugilistica dal IV secolo a.C. Le protezioni erano realizzate con fasce di cuoio tenute insieme da borchie metalliche: quattro dita erano infilate in un pesante anello ed il pollice restava libero. Le braccia del pugile sono appoggiate sulle gambe e lo scatto della testa che si volta verso destra conferisce dinamismo realistico all'opera. Il dettaglio degli inserti in rame, sulla spalla destra, sull'avambraccio, sui guanti e sulla coscia, a rappresentare gocce di sangue colate dalle ferite nell'atto del volgersi della testa, sono la testimonianza di un artista attento al realismo dell'azione.

Si tratta di un uomo maturo, con barba e pettinatura curate, che presenta i segni del tempo e dei numerosi incontri passati: il naso con il setto nasale fratturato ne è un segno emblematico così come le tumefazioni sulle orecchie, note anche come orecchie a cavolfiore.

La felice collocazione della statua consente di poterle girare intorno a distanza ravvicinata e poter gustare ogni dettaglio. Piuttosto sarebbe auspicabile una sua messa in sicurezza contro eventuali atti vandalici da parte di malintenzionati.

La realizzazione della statua è stata attribuita allo scultore greco Lisippo o ad allievi della sua scuola. La datazione è intorno al IV secolo a.C.

Il fascino del Pugile delle Terme o del Pugile in riposo presso i turisti soprattutto statunitensi è dato dalla prestigiosa tourneè compiuta dalla statua dal 2013 al 2016 in Usa con grande clamore dei media americani. Dal 2013 l'opera è stata esposta al Metropolitan Museum di New York e dal 2015 al Getty Museum di Los Angeles, eventi accompagnati entrambi da performance culturali italiane. Lo scrittore statunitense Thom Jones ha pubblicato una serie di racconti dal titolo "Il pugile a riposo" ispirati dalla statua e tradotti in tutto il mondo, contribuendone ad accrescerne la popolarità.

A due passi da Palazzo Massimo è in attività una guest house che ripropone nella pavimentazione, nelle immagini sulle pareti e nello stile, l'ambientazione antico romana. E' tra le più richieste dal mercato e si chiama Roma Centrale Fidelis 2. La puoi affittare su questo sito.

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Il Pugile delle Terme o Pugile in Riposo statua tra le più ammirate di Roma - Visitare Roma

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La statua in bronzo del Pugile delle Terme chiamata anche Pugile in Riposo o Pugile del Quirinale è probabilmente la statua esposta a Roma più conosciuta e apprezzata dai turisti statunitensi, soprattutto quelli provenienti da New York e da Los Angeles, dove è stata ospitata per quattro anni con grande clamore mediatico.

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semplice articolo che tocca più argomenti (da guardare)

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Continua il viaggio nel mondo della pittura romana attraverso le principali opere: dopo aver visto la pittura nell'età repubblicana, vediamo oggi le principali opere della prima età imperiale, dalla dinastia giulio-claudia a quella flavia.
Parete del tablino della Casa di Livia (Roma). L'inizio dell'Impero comportò, nelle fasi immediatamente successive al sistema repubblicano, una graduale immissione in campo artistico di elementi pittorici nuovi: ai "vecchi" elementi, come gli atri ad ortostati con mensole (già visti nella Villa dei Misteri a Pompei) se ne affiancano altri innovativi come le figurette disposte su candelabri o anche altre che rivisitano la concezione decorativa di determinati ambienti come il tablino. È il caso proprio del tablino che esporremo di seguito.

La parete si presenta decorata come una scenografia teatrale, delimitata in alto dal cielo e ai lati dalla quinta che poggia su un podio, preceduta da due colonne centrali che tripartiscono la parete e che sorreggono una cornice. Altre colonne in secondo piano servono a rendere chiara la prospettiva architettonica. Al centro della parete vi è un'edicola contenente un quadro raffigurante il mito di Io e Argo (copia di età classica); ai vertici alti della quinta, su una cornice, poggiano poi due quadretti più piccoli che si rifanno sia tematicamente che figurativamente al repertorio ellenistico. A lato della quinta vi è poi una finta porta da cui si scorge una prospettiva di città, molto complessa e allo stesso tempo non congruente alle strutture rappresentate. Non mancano però differenze rispetto al cosiddetto II Stile già visto: l'attenzione sugli scorci di edifici e città si attesta solo agli elementi il primo piano (cromaticamente preminenti) ma soprattutto sulle minuziose decorazioni della stessa scenografia, come candelabri, acroteri e cornici. L'elemento del quadro centrale infine verrà ripreso con sempre più frequenza nell'ambito artistico dell'età imperiale.

Fregio di III Stile della "Sala Nera" (C) della Casa della Farnesina (Roma). Questa decorazione si contraddistingue soprattutto per il grande utilizzo del nero sul fondo, che dà il nome all'intera sala. La ricchezza di particolari - tipica del III Stile - è enorme: delle sottili colonne ripartiscono la parete e sono sormontate da cariatidi con festoni; un fregio poi rappresenta episodi incentrati sulla figura del giudice e sul tema del giudizio, ripartite tra episodi di controversia e scene giudiziarie. Qual è la differenza principale del III Stile: vi è un nuovo gusto artistico nell'arte romana che concepisce le grandi pareti non più come pretesto per rappresentare giochi prospettici, ma come un'unica unità. La provenienza di questa concezione artistica "anti-convenzionale" è da ricercare nell'ambiente egiziano.

Parete del Cubicolo (B) della Casa della Farnesina (Roma). Nel cosiddetto cubicolo B, le cui pitture sono collocabili cronologicamente tra il 30 e il 20 a.C., è da notare soprattutto la scomparsa di ogni prospettiva. La parete mostra la consueta tripartizione dello spazio; in basso vi è una zoccolatura, al centro un'edicola con nicchie su sfondo rosso ed arco scemo (o a sesto ribassato, inferiore ai 45°, ndr). Il quadro centrale si rifà ad un episodio dell'infanzia di Dioniso (originale di IV secolo a.C.) che anticipa - di livello - una parete a fondo scuro su cui vi sono rappresentate Vittorie filiformi. I quadri laterali, sorretti da geni femminili alati, rappresentano disegni a fondo bianco con scene di gineceo che si rifanno ad uno stile arcaico (ed effettivamente le stesse scene sono ispirate ad originali di V secolo a.C.). Il gusto neoattico è chiaro e riconoscibile dalle decorazioni (cariatidi, vittorie, genii, acroteri), dalla riproposizione di quadri classici, ma anche per l'essenzialità architettonica che si limita a pochi elementi (colonne, architravi e cornici).

Ninfeo sotterraneo della Villa di Livia (Roma). Una serie di affreschi raffiguranti un giardino tra una staccionata di canne provengono dalla grande sala sotterranea della Villa di Livia ad gallinas albas. Il soggetto, il giardino, si rifà al paradeisos di età ellenistica, curato e ordinato, verdeggiante, ricco di specie faunistiche e floreali rare, e cielo di sfondo azzurro. Questo genere decorativo lo si ritrova con una certa frequenza sia in ambito romano che greco-orientale e potrebbe rifarsi alle scenografie ellenistiche del dramma satiresco che corrispondono alle descrizioni fornite da Vitruvio. La cronologia delle pitture in questione della Villa di Livia è tradizionalmente attribuita al periodo intorno al 20-10 a.C., anche se potrebbe essere ascritta - ma non comprovata - all'età claudia.

Parete di III Stile del tablino della Casa di M. Lucrezio Frontone (Pompei). Questa parete rappresenta la fase intermedia-tarda dello stile ornamentale, il "terzo" appunto. Il podio è unitario e continuo, ed include al suo interno quadretti e raffigurazioni di animali; la zona centrale è incentrata su tre grandi "paraventi" al cui interno vi sono un quadro a tema mitologico dionisiaco e due raffiguranti ville marittime (laterali). Nonostante la ricchezza di particolari, vi sono elementi che riprendono la tradizione scenografica del II Stile: ai lati dei "paraventi" vi sono due prospettive di colonnato circolare, così come nell'intero registro superiore vi è una scenografia architettonica arricchita di elementi particolaristici e miniati, che preludono ai fasti di quello che sarà il IV Stile. La cronologia fissata è per l'epoca di Claudio (40-50 d.C) quando dopo un periodo augusto-tiberiano di modelli classici si tornarono ad utilizzare modelli ellenistici.

Decorazione della Sala 85 della Domus Aurea (Roma). La parete di questa sala, opera del pittore Famullus, torna, a differenza delle precedenti in III Stile, torna ad essere ornata con pilastri ionici, a cui sono affiancati un complesso sistema di prospettive e padiglioni disposti su tre piani e distinti per piani dalla differenza cromatica (rosso in primo piano, tinte calde nei piani successivi) e alcune statue monumentali dipinte nella parte inferiore della parete. Si torna dunque ad un utilizzo di modelli scenografici in resa illusionistica ed inventiva - caratteristica di IV Stile - che include comunque anche gli elementi sovrabbondanti del III Stile.

Cubicolo della Casa di Pinario Ceriale (Pompei). L'uso di decorare le pareti con decorazioni più "sobrie" rimane nel mondo della pittura romana, e questo affresco ne è un chiaro esempio. Queste due correnti - severa-classica e barocca coesisteranno per tutta l'età flavia, così come erano già coesistite in età neroniana, come dimostrato dalla differenziazione stilistica di più ambienti appartenenti alla stessa casa.

Quadretto di IV Stile (Ercolano). La scenografia di questo frammento di parte alta di una parete raffigura un'edicola centrale sostenuta da due colonne e fiancheggiata da altrettante aperture laterali; in secondo piano vi è un timpano spezzato che poggia su quattro alte colonne; sullo sfondo un colonnato a due piani con una mensola centrale sulla quale vi è posto un tripode delfico. La struttura centrale sembra, come la testa (maschera teatrale) sul suo margine superiore, sembrano essere incorniciate in alto da un sipario che pende da un arco scemo. Da notare l'efficace resa prospettica del decoratore (che giunge persino a rendere una prospettiva curva, tipica del I secolo d.C. nell'arte romana), oltre agli innumerevoli particolari, accanto all'utilizzo raffinato dei colori.
[X] Articoli correlati: Storia della pittura romana [1]: Età Repubblicana | I colori dell'Antichità / Porpora, Bisso, Rosso Pompeiano

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Storia della pittura romana [2]: Prima Età Imperiale - Storia Romana e Bizantina

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Continua il viaggio nel mondo della pittura romana attraverso le principali opere: dopo aver visto la pittura nell'età repubblicana, vediamo oggi le principali opere della prima età imperiale, dalla dinastia giulio-claudia a quella flavia. Parete del tablino della Casa di Livia (Roma).

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Articolo che presenta una curiosità oltre alle informazioni sulla statua

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La Fanciulla di Anzio, perseguitata dai temporali

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La misteriosa Fanciulla, però, sembra essere perseguitata dal maltempo. Mentre era esposta al Colosseo nella mostra "Il rito segreto", nella notte tra il 2 e il 3 agosto scorsi, durante un temporale violento come quello che l'aveva fatta ritrovare, un colpo di vento ne ha provocato la caduta.

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brevissimo articolo per cominciare

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Skuola.net - Portale per Studenti: Materiali, Appunti e Notizie

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L' influsso di Lisippo e della sua ricerca di una ponderazione instabile della figura umana fu molto forte in età ellenistica, come rivela la Fanciulla di Anzio, una statua del III secolo a.C. che ritrae una giovane donna colta in movimento. La figura, appoggiata sulla gamba sinistra, si volge verso il braccio sinistro, in parte perduto, che regge un vassoio; voltandosi, la gamba destra rimane di lato, mentre il viso segue con concentrazione l'azione che compie il braccio. Il movimento ha fatto però scivolare sulla spalla destra il chitone, caratterizzato da fitte pieghe, mentre il mantello, legato due volte intorno ai fianchi, resta fermo; la pettinatura riproduce un'acconciatura provvisoria, realizzata per impedire che i lunghi capelli ricadano sul viso. La giovane è intenta nel comportamento di un rito, che doveva svolgersi usando gli oggetti posti sul vassoio, dove si riconoscono la base di un incensiere, un ramo d'alloro o d'ulivo e un rotolo semiaperto. La presenza dell' alloro potrebbe alludere ad Apollo oppure a Dioniso, mentre il rotolo fa pensare a un contesto di iniziazione al culto divino.

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Recensioni

Recensione di Agro99 - 11-07-2016

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L' influsso di Lisippo e della sua ricerca di una ponderazione instabile della figura umana fu molto forte in età ellenistica, come rivela la Fanciulla di Anzio, una statua del III secolo a.C. che ritrae una giovane donna colta in movimento.

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da leggere e scegliere le informazioni

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La statua bronzea del Pugile in riposo , conosciuta anche come Pugile delle Terme o Pugile del Quirinale , è una scultura greca alta 128 c m, datata alla seconda metà del IV secolo a.C. e attribuita a Lisippo o alla sua immediata cerchia; rinvenuta a Roma alle pendici del Quirinale nel 1885, è conservata al Museo nazionale romano (inv.

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semplice ma da leggere

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semplice, tanto per cominciare

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Skuola.net - Portale per Studenti: Materiali, Appunti e Notizie

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Nella scultura ellenistica convivono stili diversi, che consentono di ritrarre la figura umana in molti modi: le immagini idealizzate, che costituiscono l'eredità della tradizione classica, coesistono con quelle realistiche, con la caricatura e con la deformazione. L' idealizzazione del ritratto nella scultura ellenistica fu riservata prevalentemente agli atleti e ai sovrani. Entrambe le categorie, del resto erano raffigurate nude, come gli eroi, e i loro volti erano trasformati in quelli di uomini eternamente nel fiore degli anni. Il Principe ellenistico, risalente alla prima metà del II secolo a.C., raffigura un giovane uomo stante, nudo e appoggiato a una lancia tenuta nella mano sinistra, mentre la destra è posta sul gluteo, in posizione di riposo. La composizione è equilibrata e gioca sul parallelo tra la gamba sinistra arretrata e il braccio destro abbassato. Il viso ha la barba corta tipica del generale in guerra; il corpo nudo è reso drammaticamente esasperando la muscolatura con un effetto di chiaroscuro quasi pittorico. Il personaggio ritratto si presentava come un generale vincitore che attribuiva la propria vitoria alla protezione di Ercole.

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Recensioni

Recensione di Stefano0802 - 09-07-2016

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Nella scultura ellenistica convivono stili diversi, che consentono di ritrarre la figura umana in molti modi: le immagini idealizzate, che costituiscono l'eredità della tradizione classica, coesistono con quelle realistiche, con la caricatura e con la deformazione. L' idealizzazione del ritratto nella scultura ellenistica fu riservata prevalentemente agli atleti e ai sovrani.

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solo per vederla in 3D

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Autore: Sconosciuto
Cronologia: Romano Repubblicana
Datazione: 180 - 160 a.C.
Tipologia: Bronzo
Luogo di ritrovamento: Pendici del Quirinale a Roma (Roma)
Luogo di conservazione: Museo Nazionale Romano di Palazzo Massimo a Roma (Roma)
Dimensioni: H. 204 cm

Il Principe ellenistico è una statua in bronzo conservata presso il Palazzo Massimo alle Terme. Fu ritrovata, insieme al Pugilatore in riposo, su un versante del Quirinale, probabilmente nei resti delle Terme di Costantino nel 1885, durante i lavori di costruzione del Teatro Nazionale; le due sculture, che a quanto pare furono seppellite in antichità con cura, non sono comunque correlate tra loro, appartenendo a due periodi differenti di esecuzione.Rappresenta un giovane nudo, con un lieve velo di barba, in posa eroica; è appoggiato enfaticamente con la mano sinistra su una lunga asta, sul modello dell' Eracle del greco Lisippo. Il soggetto è di difficile attribuzione. Taluni ritengono che sia il ritratto di un principe ellenistico ( Attalo II), altri di un generale romano, Quinto Cecilio Metello Macedonico.

La scultura fu realizzata in bronzo con la tecnica detta " a cera persa". Gli occhi, ora perduti, erano inseriti separatamente. Probabilmente recava sul capo una corona o un diadema che si è perduto.

Metodo di acquisizione: Image-based - Rilevatore: L. Christiansen - Copyright: Museo Nazionale Romano di Palazzo Massimo a Roma (Roma)

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Principe Ellenistico - 3D Virtual Museum

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Autore: Sconosciuto Cronologia: Romano Repubblicana Datazione: 180 - 160 a.C. Tipologia: Bronzo Luogo di ritrovamento: Pendici del Quirinale a Roma (Roma) Luogo di conservazione: Museo Nazionale Romano di Palazzo Massimo a Roma (Roma) Dimensioni: H. 204 cm Il Principe ellenistico è una statua in bronzo conservata presso il Palazzo Massimo alle Terme.

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Il Principe Ellenistico è una statua in bronzo appartenente alla collezione del Palazzo Massimo. Il Principe impugna nella mano sinistra un asta moderna su cui si appoggia e che serve a sostituire la lancia originaria, mentre il braccio destro e appogiato sul gluteo destro e cio fa dedurre che il personaggio è in posizione di riposo. La testa fa notare ,per via dei particolari, che la scultura dovrebbe essere un ritratto del sogetto e non una scultura onoraria. Un'altra caratteristica della testa è il netto contrasto per via delle piccole dimensioni rispetto al resto del corpo. Nella zona dell'ombellico sono incise delle lettere (L.VI.P.L.XXIIX) che sono servite per catalogare la scultura nell'età repubblicana, mentre il monogramma MAR inciso sulla coscia destra non ha ancora un significato definito. Il Principe è rapresentato in nudità eroica e la struttura della statua è molto simile a quella dell'Alessandro con lancia di Lisippo. L'ipotesi iniziale era quella che la statua rappresentasse Attalo II , abile stratega e generale, nonchè re di Pergamo, ma interpretazioni più recenti, che si basano anche sui dettagli del volto del soggetto, indentificano un personaggio romano che ha avuto rapporti con il mondo ellenistico ed ha deciso di farsi ritrarre in nudità eroica come un principe. I caratteri della statua fanno pensare che sia stata scolpita nella metà del II secolo a.C. Questa scultura, insieme al pugilatore, è sicuramente una delle sculture in bronzo più rare di quell'epoca

Articolo di, Paolo F.

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Il Principe Ellenistico è una statua in bronzo appartenente alla collezione del Palazzo Massimo. Il Principe impugna nella mano sinistra un asta moderna su cui si appoggia e che serve a sostituire la lancia originaria, mentre il braccio destro e appogiato sul gluteo destro e cio fa dedurre che il personaggio è in posizione di riposo.

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varie opere del Museo raccontate in maniera semplice. Da guardare tutti!

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Aperto: 09.00 - 19.45 dal martedì alla domenica

Molti, immagino, tra scrittori, giornali e blog hanno scritto e scrivono ancora sul museo nazionale di palazzo Massimo sede di uno dei musei più pregni di pezzi unici provenienti da tutte le aree di Roma e provincia, e di storia antica al mondo.

Torno sempre volentieri a vedere le sale di questo museo incastonato nella movimentata e anch'essa storica piazza dei cinquecento. Luogo quindi facile da raggiungere dai turisti che una volta usciti dalla Stazione Termini possono subito assaggiare il pezzo più succulento della grande storia di Roma e Italiana.

Il Palazzo Massimo alle Terme è la principale delle quattro sedi del Museo nazionale romano, assieme alla sede originaria delle Terme di Diocleziano, a Palazzo Altemps e alla Crypta Balbi.

Il pianterreno ospita capolavori dell'arte romana, dalla tarda età repubblicana all'epoca della dinastia Giulio-Claudia. E qui, ci troviamo di fronte a una grandissima statua di divinità femminile seduta, davanti alla quale tutte le volte mi perdo.

Questa statua di età augustea, restaurata come Minerva, proviene dalle pendici dell'Aventino ed è composta da numerose tipologie di marmi colorati antichi. Secondo recenti studi sembra però che la statua raffigurasse Magna Mater-Cibele, un'antica divinità anatolica, considerando l'antico progenitore Enea, che proteggeva i Romani.

Nelle sale di piano terra si conserva, in modo quasi intatto, una grandissima quantità di serie di ritratti, anonimi e della classe dirigente, in marmo e in bronzo.

Stranamente al contrario di quello che si possa pensare io, ma come anche altri visitatori, tendiamo a soffermarci su tutti loro.

Guardando avidamente ogni ruga e capello scolpito siamo portati a, insieme ad un pò di fantasia, a fare un tuffo nell'antico e ad immaginare come dovevano essere fisicamente gente comune e le "very important person" in epoca romana; cercando anche una qualunque somiglianza con noi gente del 2000.

Tra di loro difatti non potevano mancare, numerosi visi di Cesare, Augusto e di molti altri imperatori.

Ma cominciamo con il salire .

Al primo piano entriamo in quello che era il culto religioso dei romani e in alcune nicchie ci sono le statue delle più importanti divinità della religione romano-greca di provenienza dalle ville laziali: Giove, Apollo, Dionisio e Atena.

Insieme ai capolavori della statuaria romana, dall'età dei Flavi alla tarda antichità, in un grande salone sono esposte alcune importanti opere sulla scultura "ideale", utilizzata come fantastico e prezioso arredo di ville dell'aristocrazia romana, come l'Afrodite accovacciata, il famoso Discobolo e alcuni originali greci tra cui la Fanciulla di Anzio.

Ma qui in questo primo piano c'è anche una delle statue più belle, controverse, studiate e ammirate nello stesso tempo dagli storici : l'Ermafrodito Dormiente.

L ' Ermafrodito dormiente, rappresenta un bellissimo giovane, che giacendo su un fianco, dorme sul proprio mantello, con la testa appoggiata sul braccio destro che fa da cuscino.

La statua va guardata in ogni suo lato e occorre girargli intorno lentamente per coglierne realmente la sua essenza. La veduta posteriore, con i glutei in primo piano in modo provocante, suggerisce la bellezza di un corpo femminile.

La parte anteriore mostra invece l'organo sessuale maschile eretto, che mostrano la vera identità dell'Ermafrodito.

Il poeta latino Publio Ovidio Nasone narra che Ermafrodito, bellissimo figlio di Ermes e Afrodit,e venne trasformato in un essere androgino dalla doppia identità sessuale, a causa dell'unione soprannaturale con la ninfa Salmace.

"Avvinti nel tenace amplesso, non erano più due ma un corpo doppio che non poteva essere definito né maschio né femmina"

Il secondo piano ospita gli splendidi affreschi del ninfeo sotterraneo della villa di Livia " ad Gallinas Albas", località presso Prima Porta, appartenuta a Livia Drusilla, imperatrice moglie di Augusto

Questi riproducono un giardino con alberi da frutto e uccelli sui quattro lati.

Nelle altre sale c'è una serie di mosaici, parietali e pavimentali, megalografie tardo-imperiali, i pannelli con pompa circensis e "il rapito dalle Ninfe" provenienti dalla cosiddetta basilica di Giunio Basso; gli affreschi provenienti dal porto fluviale di San Paolo e la sezione degli affreschi ritrovati nei locali ipogei della "villa o casa della Farnesina".

Finalmente possiamo passare al piano interrato dove c'è la cosa che più attrae di questo museo.

In questo piano vi si conserva la cosiddetta mummia di Grottarossa perché ritrovata, il 5 febbraio 1964, a Grottarossa (a nord di Roma), all'undicesimo chilometro della via Cassia, all'interno di un sarcofago assieme al suo corredo funerario durante gli scavi per le fondamenta di una costruzione.

Leggenda vuole che fu ritrovata grazie ad una fiaccola ancora accesa vicino al corpo della bimba che comparve solo per un attimo agli occhi degli scopritori prima che l'aria entrata dallo scavo, la riducesse in polvere.

Tenuta in una teca a temperatura e umidità controllate, illuminata con luce attenuata e depurata delle radiazioni dannose, per garantirne la conservazione, essa rappresenta l'unica mummia di età romana mai rinvenuta.

La bambina romana era probabilmente originaria dell'Italia centrale in quanto nel suo dna sono state ritrovate tracce di origini italiche.

Il corpo fu mummificato, senza asportare cervello e le viscere e utilizzando bende di lino impregnate di sostanze odorose e resinose: pratica ovviamente diffusa in Egitto ma mai attestata a Roma.

La fanciulla, secondo le analisi effettuate, doveva aver avuto diverse infezioni e pare soffrisse di carenze nutrizionali con una avanzata osteoporosi, ma a causarne la morte fu una fibrosi pleurica bilaterale causata molto probabilmente dalla tubercolosi.

Anche se malnutrita, la bambina faceva, sicuramente parte di una famiglia romana, convertita al culto della dea egizia Iside, benestante e agiata.

Il corpo della bambina era avvolto, infatti, in una tunica di seta ed era ornato da una collana in oro e zaffiri. Aveva due orecchini di filo d'oro e un anello con castone aureo.

Accanto al corpo fu trovata anche una bambola in avorio con braccia e gambe articolate alta circa 16 centimetri: antesignana della moderna Barbie. Probabilmente il suo giocattolo preferito o secondo l'uso indicava che la piccola fosse morta vergine.

Inoltre, furono ritrovati alcuni vasetti di ambra rossa, piccoli amuleti ed un minuto busto femminile, sempre di ambra.

Guardare questa mummia fa sicuramente effetto, non tanto per come è perfettamente conservata ma per la sua giovane età.

Il suo ritrovamento infatti ha aperto la strada a tanti studi confermandone altri : cominciando dai Commerci romani sicuramente con il baltico, lo sri lanka e la cina e malattie di cui spesso ci si ammalava.

Ecco quindi, proprio qui in Italia uno dei più grandi tesori di dati scientifici e umani su un epoca così lontana.

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Museo nazionale romano di palazzo Massimo

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Aperto: 09.00 - 19.45 dal martedì alla domenica Molti, immagino, tra scrittori, giornali e blog hanno scritto e scrivono ancora sul museo nazionale di palazzo Massimo sede di uno dei musei più pregni di pezzi unici provenienti da tutte le aree di Roma e provincia, e di storia antica al mondo.

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Wikipedia per cominciare

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Statua di generale da Tivoli - Wikipedia

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La statua del Generale da Tivoli, è una scultura romana in marmo (h. 118 cm) datata tra il 90 ed il 70 a.C., oggi conservata al Museo nazionale romano di palazzo Massimo di Roma.

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Info generali e semplici

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Tivoli - Santuario d'Ercole Vincitore: storia, informazioni e foto del quarto polo turistico della città di Tivoli.

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Ciò nonostante, il Museo delle Navi Romane è ancora di estremo interesse per i numerosi pezzi archeologici che conserva.

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PAdlet per la 3C per prepaprare la visita al ghetto ebraico

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PAdlet per la 3C per prepaprare la visita al ghetto ebraico

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Ognuno di voi ha un'opera da studiare e ripetere il giorno della visita guidata.
Per tutti è a disposizione il sito ufficiale del Museo Nazionale Romano per tutte le informazioni di carattere generale ma anche per le singole opere.
Guardate prima il sito del Museo e poi l'altro o gli altri siti consigliati che servono per approfondire il soggetto. Non avrete molto tempo al Museo ma faremo delle simulazioni in classe: preparate un talk di almeno 5 minuti.

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Questionario per abitanti, turisti del Ghetto

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Questionario per abitanti, turisti del Ghetto

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gli ebrei a Roma nel Novecento e il 16 ottobre 1943 in breve

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ebrei a Roma nel 1900 e il 16 ottobre 1943

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Wikipedia, si possono scaricare delle immagini riguardo la pianta del portico e la sua posizione nella Roma dell'epoca

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Il Portico di Ottavia ( porticus Octaviae) è un complesso monumentale di Roma antica, edificato nella zona del Circo Flaminio in epoca augustea. L'insieme monumentale sostituiva il portico di Metello ( porticus Metelli), del II secolo a.C., ed era costituito da un recinto porticato che circondava i templi di Giunone Regina e di Giove Statore.

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Ottimo sito ma le immagini non si possono scaricare, magari si possono fare degli screen e mostrarle...

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" Fu fabbricato da Ottaviano Augusto un magnifico Portico in onore d'Ottavia sua Sorella, il quale consisteva in lunghe gallerie sostenute da doppie colonne, con cui cinse il suddetto Tempio di Giunone Regina, e quello d'Apollo.

Gli avanzi, che ora ci restano di questo portico, sono quelli, che formavano il suo ingresso principale, il quale, come anche ora si riconosce, aveva due facciate consimili, una dalla parte di fuori, e l'altra al di dentro, ciascuna ornata di quattro colonne, e di due pilastri Corintj, che sostenevano un cornicione, che girava all'intorno, e che, come apparisce anche al presente, terminava con un frontone. Questa fabbrica essendosi incendiata, fu ristaurata dagli Imperadori Settimio Severo, e Caracalla."

Per quanto si deduce da Vellejo Patercolo di cui sopra, sembra che questi due templi coi loro portici peristili, siano stati edificati da Metello Macedonio. Davanti ai due templi si ergevano le statue equestri che Metello trasportò dalla Macedonia.

Il Portico di Ottavia (porticus Octaviae) è un complesso monumentale di Roma antica, edificato nella zona del Circo Flaminio in epoca augustea.

E' l'unico conservato dei grandi portici che limitavano, sul lato settentrionale, la piazza del Circo Flaminio, insieme al Portico di Ottavio e al Portico di Filippo. Esso fu preceduto sullo stesso luogo da un edificio più antico, il Porticus Metelli, portico di Metello, iniziato da Q. Cecilio Metello Macedonico nel 146, dopo la sua vittoria e il trionfo sullo pseudo-Andrisco, inaugurato probabilmente nel 131 a.c.

Il portico era costituito da un recinto porticato che circondava i templi di Giunone Regina e di Giove Statore. I resti attualmente visibili appartengono ad una radicale ricostruzione dell'epoca di Settimio Severo.

1462, febbr. PORTICVS OCTAVIAE.

" Fino dal 21 giugno 1461 si ricorda un pagamento fatto " a frate antonio. da gaeta per spese di certe corde et tragle pe lo desegno de lo edifitio pe tirar colonne " ed un secondo in data 10 luglio al med. " frate antonio da gaeta pe cóperare legname p decto edifitio ". Ecco dunque scoperto il nome dell'ingegnere, dell' emulo di Aristotile di Fioravante da Bologna, cui era stato affidato l'incarico di calare a basso mercè 1' aiuto di incastellature ( " edifitio di legname per tirare colonne grosse ") le colonne che fiancheggiavano i propilei sulla fronte dei portici d'Ottavia."

" Pio II - Il colonnato orientale dei portici d'Ottavia, il Trullo, e tanti altri edifizii furono da lui sacri- ficati per la costruzione del pulpito, distrutto alla sua volta da Paolo V."

" Il Maestro (Ficoroni) ha pubblicato nel Cracas, una lettera dell'Amaduzzi all'abate Visconti, con la quale richiede notizie circa la sorte toccata alle sculture della villa (Villa Medicea in monte Sancti Valentini extra portam flaminiam):

" La statua di Giunone che il Boissairdo accenna come già esistente nel portico di Ottavia, e che riporta incisa in rame"

Il portico serviva a riparare gli spettatori del teatro di Marcello in caso d'intemperie, e, come narra Plinio, vi erano pure la Scuola e la Curia di Ottavia. Nella lapide dell'antica Pianta di Roma la Scuola, di forma semicircolare, sta nella parte posteriore dei due templi.
Le due figure quadrangolari segnate nella parte semicircolare, dovrebbero essere la Curia e la Libreria, che da Plutarco e da Dione si dice edificata da Ottavia in onore di Marcello, ed andata a fuoco sotto Tito.

Nel 179 a.c. il censore Marco Emilio Lepido dedicò il tempio di Giunone Regina, dedicato nel 179 dal censore M. Emilio Lepido, probabilmente un tempio di tipo italico, su alto podio, la cui statua della Dea, come riferisce Plinio, era opera dello scultore Timarchide.

Nel 143 a.c. Quinto Cecilio Metello Macedonico, dopo aver celebrato un trionfo nel 146 a.c. sulla Macedonia, fece erigere un tempio dedicato a Giove Statore, il primo in Roma integralmente in marmo, su progetto dell'architetto greco Ermodoro di Salamina.

Il tempio venne dedicato entro il 131 a.c., anno in cui Metello rivestiva la carica di censore.

Il tempio viene descritto da Vitruvio come un vero periptero di tipo greco, il primo edificio sacro costruito interamente in marmo a Roma. Alla costruzione sono legati i nomi di Sauro e Batraco, probabilmente gli scultori incaricati della sua decorazione, che avrebbero lasciato come firma la rappresentazione di una lucertola (saurus) e di una rana (batrachus).

Contemporaneamente venne probabilmente ricostruito anche il precedente tempio di Giunone Regina e i due edifici vennero inseriti nel "portico di Metello" (porticus Metelli), un recinto con portici sui quattro lati (quelli laterali a due navate), ornato da opere d'arte greche. Anche statue delle due divinità furono affidate a scultori greci, Polycles e Dionysios.

Tra queste era celebre la turma Alexandri, ossia le 24 statue equestri dei compagni di Alessandro Magno morti nella battaglia del Granico, opera di Lisippo, che Metello aveva asportato come bottino di guerra da Dion, in Macedonia.

Vi era inoltre esposta la statua in bronzo di Cornelia, madre dei Gracchi, celebre per essere stata la prima statua femminile esposta in pubblico a Roma.

Le statue di culto dei due templi furono eseguite dagli scultori Dioniso e Policle, figli di Timarchide (la testa della statua di Giunone è forse riconoscibile nella cosiddetta "Giunone Albani" dei Musei Capitolini).

Il rifacimento di età augustea ebbe inizio nel 33 a.c., dedicato alla sorella dell'imperatore, Ottavia Turina minore, moglie di Gaio Claudio Marcello e di Marco Antonio, una dimostrazione pubblica di affetto e di stima. Descritta da Plutarco come un "tesoro di donna", nonchè "bella, austera e intelligente", Ottavia di certo fu molto amata dal fratello, che del resto amava le donne severe ma intelligenti, come del resto era sua moglie Livia.

La pianta severiana mostra, posteriormente ai templi, un edificio absidato: è questa la Curia Octaviae allora inserita, insieme alla biblioteca omonima, nel complesso, che dovette essere ampliato verso nord raggiungendo così le dimensioni attuali.

A questa regione l'Imperatore Augusto dette il nome di Circo Flaminio e, tra il 33 e il 27 a.c., restaurò tutto il complesso grazie al bottino della vittoria sulla Dalmazia dedicando il portico all'amata sorella.
Quest'area faceva già parte del percorso dei cortei trionfali che celebravano la vittoria, con l'imperatore in armi, l'esercito, i prigionieri e i trofei conquistati.

Infatti nel corso del tempo erano sorti qui vari templi importanti, tutti costruiti dagli imperatori vittoriosi per sciogliere i voti fatti o per ringraziare gli Dei, ma pure per ingraziarsi il popolo. Il Circo Flaminio, da cui partivano appunto i cortei trionfali, era già sede di diversi templi, edificati dai trionfatori, ma fu probabilmente il primo complesso monumentale di templi racchiusi da lussuosi portici.

Tra il 27 e il 23 a.c. si ebbe una ricostruzione del complesso monumentale, pagata col bottino della vittoria sulla Dalmazia da Ottaviano, che lo dedicò a nome della sorella Ottavia (porticus Octaviae). I templi furono probabilmente rimaneggiati e nuovamente dedicati.

A questa fase dovrebbe appartenere un'esedra, visibile alle spalle dei due templi su un frammento della Forma Urbis Severiana, forse identificabile con la curia Octaviae, luogo di riunione del Senato.

Nell'80 il complesso subì danni in seguito ad un incendio e venne probabilmente restaurato da Domiziano. Nel 203 il portico e probabilmente anche i templi, vennero ricostruiti, probabilmente con la stessa pianta, e nuovamente dedicati da Settimio Severo e Caracalla, il Porticus Severi, dopo le distruzioni dovute all'incendio del 191 d.c..

Nel 442 subì un altro terremoto, per cui due delle colonne del propileo di ingresso vennero sostituite dall'arcata tuttora esistente. Intorno al 770 a partire dal propileo di ingresso venne edificata la chiesa di San Paolo in summo circo, poi Sant'Angelo in Pescheria, tuttora esistente.

I due templi mostrano una pianta diversa: quello di Giunone, a sinistra, è un prostilo esastilo, a sei colonne, mentre quello di Giove è un periptero, privo cioè di colonne sul lato posteriore. il Portico fu restaurato dopo l'incendio dell'80, e poi ancora sotto Settimio Severo, in seguito all'incendio del 191. I resti attualmente visibili appartengono a questo restauro.

Il portico era un passaggio monumentale dall'aspetto maestoso. Era largo ben 119 m e lungo 132, tutto rivestito di marmo candido, e al suo interno custodiva numerose opere d'arte. Ne restano il propileo d'ingresso e del tratto di portico alla sua destra, fino all'estremo angolo meridionale. Lo scavo di quest'ultima parte ha riportato alla luce il pavimento antico, da cui emerge che l'edificio sorgeva su un basso podio colonnato.

La parte meglio conservata è il grande propileo che sporge internamente ed esternamente al portico, costituito lateralmente da due muri in mattoni, allora rivestiti in marmo, in cui si aprono i grandi archi in corrispondenza del portico. Delle decorazioni rimangono solo pochi resti e alcune parti del monumento, dei capitelli e un architrave, ancora visibili nei muri delle case che lo circondano.

Nella ricostruzione il portico venne ampliato verso sud-ovest e vi furono aggiunti l'ingresso monumentale sporgente al centro del lato verso il Circo Flaminio e forse il portico esterno, che tuttavia potrebbe essere già stato presente nella fase metelliana.

L'ingresso aveva due facciate uguali e simmetriche, esterna e interna, con quattro colonne tra due pilastri a capitelli corinzi figurati, con un'aquila al posto del fiore dell'abaco. I resti del porticato esterno, chiuso sul fondo da un muro, comprendono fusti di marmo cipollino e di granito grigio alternati, con capitelli corinzi.

Le due facciate del portico erano precedute da quattro gigantesche colonne corinzie, inquadrate tra le ante, anch'esse corinzie, costituite dalle testate dei muri laterali. Rimangono in piedi due colonne esterne (quelle di destra sono state sostituite nel medioevo da un arcone, in corrispondenza della chiesa di Sant'Angelo in Pescheria) e tre di quelle interne.

Sull'architrave della facciata fu incisa la seguente iscrizione, del 203 d.c., che ricorda il restauro di Settimio Severo e Caracalla:
"L'imperatore Cesare Augusto Lucio Settimio Severo Pio Pertinace Arabico Adiabenico, Partico Massimo, nella sua undicesima potestà tribunizia, salutato undici volte imperatore, console per la terza volta, padre della patria e l'imperatore Cesare Augusto Marco Aurelio Antonino Pio Felice, nella sua sesta potestà tribunizia, console e proconsole, hanno restaurato dai danni di un incendio"

Sui fianchi l'ingresso presenta pareti in laterizio, in origine rivestite da lastre in marmo bianco, con arcate che mettevano in comunicazione il propileo con i portici esterni. Anche i pilastri e l'intradosso dell'arcata erano rivestiti di lastre di marmo. Sui fianchi gira la trabeazione della facciata, che viene più oltre sostituita da elementi in tufo destinati ad essere ricoperti in stucco. La copertura presentava tegole e antefisse di marmo.

Portico della fase metelliana (II secolo a.c.)

A questa fase del portico appartengono forse i resti della grande sostruzione in blocchi di tufo di Monteverde, su cui venne successivamente ricostruito il complesso augusteo, ancora visibile sul lato sud-orientale. Il portico, privo in quest'epoca di un propileo di accesso sporgente, presentava già forse un colonnato esterno sulla facciata rivolta verso il Circo Flaminio. A questa facciata si accedeva dalla quota del circo salendo delle scalinate.

Tempio di Giunone Regina

Alcuni resti della ricostruzione del tempio, di epoca severiana sono visibili nelle case circostanti, tra cui due colonne con capitelli compositi e un frammento di architrave in travertino.

Durante il medioevo il propileo, situato nel rione di Sant'Angelo, ha ospitato il mercato del pesce (Forum piscium o di "Pescheria Vecchia" da cui Sant'Angelo in Pescheria). È ancora visibile una lapide di questo periodo con l'iscrizione:
"CAPITA PISCIUM HOC MARMOREO SCHEMATE LONGITUDINE MAJORUM USQUE AD PRIMAS PINNAS INCLUSIVE CONSERVATORIBUS DANTO" (le teste dei pesci più lunghi di questa lapide, pinne comprese, devono essere date ai conservatori).
Il mercato del pesce fu spostato dal Portico d'Ottavia a piazza S. Teodoro nel 1885, dopo l'unità d'Italia.

Di tutta la monumentale Piazza del Circo Flaminio, sono attualmente visibili solo i resti dell'ingresso centrale sul lato verso il Circo Flaminio, nella ricostruzione severiana.

Altri ingressi simili dovevano essere presenti al centro degli altri tre lati. Attualmente la mancanza del tetto mostra il lato interno del frontone, con numerosi blocchi di reimpiego della fase precedente: l'utilizzo di marmo pentelico per alcuni dei blocchi, come nel Foro di Nerva di Domiziano, ha fatto pensare che gli elementi provengano dal restauro di epoca flavia.

I timpani sono stati costruiti in gran parte con materiale reimpiegato, probabilmente del vecchio edificio, soprattutto sul rovescio dei frontoni, non visibile in antico in quanto coperto da soffitto ligneo.

Dei due templi che erano al centro dell'edificio, solo di quello di Giunone restano alcune parti.

LA VENERE DE MEDICI

Vacca:
" La famosa Venere de Medici, la quale ora non si trova più in Roma per licenza di Innocenzo XI, si dice che fosse trovata in Pescaria al portico di Ottavia. Bartoli, Mem. 108. Io credo questa notizia né vera né probabile: in ogni caso il simulacro fu esportato non al tempo di Innocenzo XI (1676-1689), ma nel settembre del 1570, come apparisce da un brano di lettera del cardinale Ferdinando in Lettere pittoriche, tomo III, n. 100, p. 177."
Secondo alcuni la Venere ornava Villa Adriana, secondo altri proveniva dal Portico d'Ottavia, non improbabile, visto che Venere era vista come la progenitrice della Gens Iulia, di anche Ottaviano faceva parte. La statua, probabilmente copia della Afrodite cnidia di Prassitele, risale al I sec. a.c..

ULTIMI SCAVI

Scavi effettuati nell'area compresa tra via delle Sette Sale e Santa Lucia in Selce (mensa facoltà d'Ingegneria) hanno fatto rinvenire notevoli resti della porticus, a conferma dell'orientamento della pianta dell'edificio delineata nella Forma Urbis severiana, con tratti del lastricato marmoreo della piazza e vari ambienti sostruttivi. La zona nel 5°-6° secolo fu occupata da un sepolcreto. Nel corso degli stessi lavori sono venute in luce strutture pertinenti all'abside occidentale delle Terme di Traiano.

Demolito un piccolo muro ch'era addossato al fianco orientale della chiesa di s. Martino, si è trovato tra i materiali di fabbrica un frammento di stele marmorea, che conserva:
L * PLoTÌvs"
piOSCORVS
ET * SIBI
Per i lavori di prolungamento della via Giovanni Lanza verso la Subura sono stati recuperati alcuni mattoni inscritti. Un tegolone intiero, di m. 0,(30 X 0,00, porta il noto bollo dell'età dioclozianea : o OPP S R F DOM
In altri tre frammenti di mattoni sono impressi i sigilli:
a) o OP DOL EX P M AVRELI ANTO
NINI AVG N PORT LIC
Vitti. ria.
b) o GAVI/c. . HAMIL . PLATAN * SVC
c) o \L . LVRIVS PROCVL/

FECIT

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" Fu fabbricato da Ottaviano Augusto un magnifico Portico in onore d'Ottavia sua Sorella, il quale consisteva in lunghe gallerie sostenute da doppie colonne, con cui cinse il suddetto Tempio di Giunone Regina, e quello d'Apollo.

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PIAZZA MATTEI e la fontana delle tartarughe

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Storia del ghetto - il mercato del pesce e sant'angelo in pescheria

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Storia del ghetto - il mercato del pesce e sant'angelo in pescheria

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Durante l’epoca repubblicana i censori impedirono la costruzione di teatri stabili poiché la severità del costume romano vedeva negli

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STORIA DEL GHETTO - GLI EBREI A ROMA - PERIODO ROMANO

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STORIA DEL GHETTO - GLI EBREI A ROMA - PERIODO ROMANO

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in questo padlet avete i documenti per il Ghetto ebraico

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in questo padlet avete i documenti per il Ghetto ebraico

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Qui il link migliore per cercare informazioni sulle case, i monumenti, le fontane, le vie del ghetto

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Roma Segreta, per conoscere monumenti famosi ma anche luoghi che nascondono leggende e misteri poco conosciuti.

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Come si prepara una visita guidata e compiti da fare per il 1 aprile

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Come si prepara una visita guidata e compiti da fare per il 1 aprile

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Preparare una visita guidata può sembrare semplice ma non basta solo studiare l'argomento.... è necessario avere tutte le informazioni affinchè non emergano difficoltà. Averte come compito da effettuare per il 1 aprile la prenotazione fittizia ad uno dei seguneti siti: Palazzo Massimo; le Terme di Caracalla, la mostra di Andy Warhol al Vittoriano.Dovete sapere quanto costa il biglietto per le scuole, quali sono le modalità di prenotazione, gli orari disponibili, la differenza di costo tra una visita guidata fatta dal Museo stesso per il vostro gruppo e una visita fatta senza guida; se è necessario avere gli auricolari, la durata della visita e tutto ciò che vi sembra utile

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Immagini ricostruttive del teatro Marcello e pianta

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Immagini ricostruttive del teatro Marcello e pianta

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Chi porta il teatro MArcello può/deve stampare l'immagine.

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Il teatro Marcello immagini ricostruttive e pianta

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INFORMAZIONI SUL TEATRO, E I DUE TEMPLI DI FRONTE, ANCHE TROPPO DETTAGLIATE

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L'edificio, iniziato da Giulio Cesare e terminato da Augusto, occupò una parte del lato curvo del "Circo Flaminio", costruito, quest'ultimo, nel 221 a.C. da C.Flaminius Nepos e che si estendeva nella zona compresa tra il Teatro di Marcello, il Tevere, piazza B.Cairoli e via del Portico di Ottavia. Il "Circo Flaminio" sin dall'inizio fu un monumento legato alla plebe (qui si svolgevano i "Concilia plebis") e tutt'intorno ad esso si andarono addensando una serie di portici e di edifici templari, alcuni dei quali duplicazioni di quelli già esistenti nella zona, tipicamente plebea, dell' Aventino e del Foro Boario. Nel corso del I secolo d.C. fu trasformato in una grande piazza lastricata, senza perdere però le sue funzioni e la sua importanza, tanto che il suo nome fu assegnato alla " IX regio augustea, Circus Flaminius". I lavori per la costruzione del Teatro di Marcello erano già terminati nel 17 a.C. quando l'edificio fu utilizzato per i giochi secolari, ma la dedica avvenne solo nel 13 a.C., a Marcello, figlio di Ottavia, sorella di Augusto, ma anche marito della sua unica figlia, Giulia.

1 Particolare delle arcate

Nipote e genero dunque, e forse prescelto anche per la successione ma morto prematuramente. Fu il giorno dell'inaugurazione che si verificò l'incidente popolarmente noto: mentre gli attori si presentavano sulla scena, la "sella curulis", sulla quale era seduto l'imperatore, si ruppe, provocando un bel capitombolo dell'augusto personaggio. Tra l'ansia dei senatori e del popolo, Augusto si rialzò sorridente e con un gesto della mano ordinò che si riprendesse la rappresentazione. La facciata esterna della cavea, tutta in travertino (nella foto 1), era costituita, in origine, da 41 arcate inquadrate da 42 pilastri. L'altezza originaria era di metri 32,60 circa (quella conservata è poco più di 20). Sulle chiavi dei fornici vi erano grandi maschere teatrali in marmo. Si è calcolato che la cavea potesse contenere circa 15.000 spettatori. La scena, che doveva essere monumentale e riccamente ornata, era affiancata da due aule con absidi (di quella di sinistra rimangono ancora in piedi un pilastro ed una colonna) ed aveva, nella parte posteriore, una grande esedra. In esso si tennero non solo spettacoli teatrali ma, come dettava la moda del tempo, gare di poesia e musicali. Nella Roma cristiana, soppressi gli spettacoli teatrali, anche il teatro cadde in abbandono e divenne, come molti altri monumenti antichi, cava di materiale edilizio (si narra che venne utilizzato anche per restaurare ponte Cestio). Molto del materiale demolito crollò sullo spazio antistante la riva del Tevere formando un'altura da cui è nato il toponimo di Monte Savello.

2 Case dei Savelli

Nel XIII secolo i Fabi edificarono sulle rovine del teatro un palazzo, passato poi ai Pierleoni, ai Savelli ed infine agli Orsini: nella foto 2 possiamo vedere le case di proprietà dei Savelli ancora esistenti alle spalle del Teatro di Marcello, in via del Portico di Ottavia. In alcune fotografie d'epoca possiamo notare che le arcate inferiori del teatro divennero sede di botteghe di artigiani, in prevalenza "macellarii". Negli anni 1926-1932, nel meritevole progetto di rivalutare il Teatro, vennero demolite le abitazioni costruite intorno e dentro le arcate ma, soprattutto, vennero demolite abitazioni e chiese medioevali, colpevoli di nascondere il teatro stesso agli occhi dei cittadini, "gran parte dei quali ne ignorava perfino l'esistenza". Sparirono così "via della Bufola", "l'arco dei Saponari", "vicolo della Campana", "Monte Caprino", "via Tor de' Specchi", "S.Maria in Vincis", una chiesa medioevale rifatta nel Seicento, "S.Andrea de Vincis" rifatta nel Settecento, "S.Nicola de' Funari" con begli stucchi settecenteschi, ma soprattutto l'antica "piazza Montanara" (nella foto 3), uno degli ambienti popolari più famosi di Roma, dove un tempo sostavano gli scrivani pubblici e si davano convegno i contadini provenienti dalla campagna.

3 Piazza Montanara

La piazza, che prendeva il nome dalle preesistenti proprietà di una nobile famiglia Montanari, aveva una forma irregolare: la parte alta, dinanzi al Teatro di Marcello, aveva come fondale un blocco triangolare di edifici, dai quali poi la piazza si allungava, allargandosi, verso la chiesa di S.Nicola in Carcere, dalla quale era divisa soltanto da un modesto edificio. Qui, al centro della parte bassa della piazza, si trovava una graziosa fontana cinquecentesca a stelo con doppio bacile, opera di Giacomo Della Porta, trasferita poi nella piazza di S.Simeone. Durante la risistemazione del Teatro tornarono alla luce i "Templi di Apollo Sosiano" e "di Bellona", antistanti il Teatro di Marcello. Il "Tempio di Apollo Sosiano" (cosiddetto perché ricostruito interamente da Gaio Sosio nel 34 a.C.) fu costruito nel 431 a.C., in seguito ad una pestilenza e perciò dedicato ad "Apollo Medico", poi demolito ed arretrato in occasione della costruzione del Teatro. Il podio, costruito in calcestruzzo e blocchi di tufo e travertino, misurava m 21,32 x 40 e sosteneva il tempio pseudoperiptero, ovvero caratterizzato da 7 semicolonne addossate ai muri esterni della cella, con il pronao costituito da 6 colonne sulla fronte e 3 sui lati.

4 Colonne del Tempio di Apollo

Sul podio del tempio poggiano oggi le tre magnifiche colonne corinzie (nella foto 4), rialzate dopo lo scavo, alte complessivamente poco più di 14 metri, con scanalature più grandi e più piccole alternate e sormontate dall'architrave con un fregio ad intreccio di rami d'ulivo e bucrani (nella foto 5).

5 Particolare del fregio

Il frontone era decorato con una scena di "Amazzonomachia" ("lotta dei Greci e delle Amazzoni") con statue di marmo pario, forse provenienti da un tempio greco di Eretria, databili al V secolo a.C.: nove di queste statue, tra le quali compaiono "Atena", "Ercole", "Teseo" ed "Amazzoni a cavallo", sono conservate nella sede della Centrale Montemartini su via Ostiense. L'interno della cella, articolato in una doppia fila di edicole riccamente ornate da colonnine di marmo policromo e timpani triangolari e lunati inquadrati da colonne di marmo africano e capitelli corinzi, era un vero e proprio museo, pieno di opere d'arte che i Romani avevano portato dalla Grecia nel II secolo a.C.: pitture di Aristide Tebano, statue di Philiscos di Rodi, "l'Apollo con la cetra" di Timarchides ed una statua di "Apollo Saettante", che, nonostante rifacimenti in età imperiale, rivela ancora la sua origine greca, databile alla metà del V secolo a.C. Nel tempio si svolgevano spesso riunioni del Senato, come nel vicino santuario di Bellona. Questo, costruito da Appio Claudio Cieco nel 296 a.C., mantenne le strutture del podio e quelle del portico: qui si svolgeva il rito della "lancia insanguinata", scagliata sopra la "columna bellica" in occasione della dichiarazione di guerra.

> Vedi Cartoline di Roma

Nella sezione Roma nell'Arte vedi:
Piazza Montanara di G.Vasi
Teatro di Marcello di L.Rossini
38-Teatro di Marcello di E.Du Peràc

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L'edificio, iniziato da Giulio Cesare e terminato da Augusto, occupò una parte del lato curvo del "Circo Flaminio", costruito, quest'ultimo, nel 221 a.C. da C.Flaminius Nepos e che si estendeva nella zona compresa tra il Teatro di Marcello, il Tevere, piazza B.Cairoli e via del Portico di Ottavia.

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STORIA DEL GHETTO -ISTITUZIONE DEL GHETTO A ROMA

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STORIA DEL GHETTO -ISTITUZIONE DEL GHETTO A ROMA

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il 16 ottobre 1943; interessante e completo

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Blog di Viaggi. Cammini tra natura, arte e storia | Passaggi Lenti

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16 ottobre 1943. Era un sabato mattina, un sabato di guerra. Ma era anche il giorno del riposo per la numerosa comunità ebraica romana. Era lo shabbat e lo era per tutte quelle famiglie riunite in quel fazzoletto di terra divenuto ghetto di Roma nel 1555 per volere di papa Paolo IV. Intere generazioni di ebrei si erano succedute nel corso dei secoli ed avevano attraversato ed accompagnato le vicende romane e nazionali. Ma quello era anche il terzo giorno della festa di Succòt, celebrazione che ricorda gli anni passati dagli Ebrei nel deserto del Sinai, subito dopo la liberazione dalla schiavitù egiziana. Succòt significa tenda, cioè nomadismo, precarietà e raccoglie la memoria atavica dei giacigli di fortuna utilizzati dal popolo ebraico prima di raggiungere la Terra Promessa.

16 OTTOBRE 1943, IL GIORNO DEL RASTRELLAMENTO

Quella mattina del 16 ottobre 1943 i termini 'shabbat' e 'succòt' rimandavano al viaggio in una unica direzione, quella verso Auschwitz, senza giacigli e senza il ritorno verso la propria terra. Il cielo non prometteva nulla di buono. Il tempo era piovoso e già verso le quattro della notte il quartiere ebraico era stato cinto da numerosi mezzi militari tedeschi che si erano appostati lungo le vie di accesso del ghetto.

Il capitano Theo Dannacker, chiamato a Roma da Eichmann nei giorni precedenti, aveva passato ore a studiare attentamente la mappa della città ed aveva disegnato dei cerchi concentrici sui quartieri e sulle strade abitate dagli ebrei. Ventisei zone in tutto. E per svolgere al meglio quel lavoro certosino si era affidato al censimento eseguito nel 1938 dall'Ufficio Demografia e Razza, presieduto dal Prefetto Le Pera. Dannacker aveva segnato la lista degli ebrei ed aveva individuato sulla cartina le zone di Roma in cui questi vivevano.

Poco più di un centinaio di SS della Judenoperation, addette al rastrellamento del ghetto di Roma, quella mattina iniziò l'operazione alle 5.15. E non erano bastati i cinquanta chili di oro raccolti dalla comunità ebraica e consegnati ai Tedeschi un mese prima.

Quelli erano stati solo un diversivo, l'antipasto di un'azione supportata dall'idea di sterminio e cancellazione. Avevano chiesto di versare quel quantitativo d'oro entro 36 ore per scongiurare la deportazione di duecento ebrei.

Eppure, nonostante la pesatura avvenuta in Via Tasso, i Tedeschi quel giorno di ottobre decidono di rastrellare il quartiere ebraico romano. Bussano alle porte, le aprono, le sfondano mostrando un biglietto bilingue in cui si impone a quelle famiglie di lasciare le abitazioni in venti minuti. Devono preparare le valigie, prendere delle provviste per otto giorni e chiudere a chiave le case. Come se poi avessero il beneficio e la possibilità di rivederle. Magari al ritorno.

Nel piazzale di Portico d'Ottavia vengono radunate più di mille persone, alcune strappate al sonno, con i figli ancora attaccati alle madri. Sui camion grigi vengono caricate tutte quelle famiglie, a spinta, con violenza, mentre una donna sconvolta e piangendo grida: 'Povera carne innocente'[1].

DAL GHETTO DI ROMA AD AUSCHWITZ

Alle 14 l'operazione è conclusa. Dei 1259 ebrei condotti nel Collegio Militare di rimasti nelle mani dei Via della Lungara ne rimangono 1022. Alcuni di essi, di razza mista o cristiana, vengono liberati. Gli altri, Tedeschi, vengono stipati sui 18 vagoni del treno piombato che parte dalla stazione Tiburtina. Quattro giorni dopo, il 22, arriveranno a destinazione. Quella finale. 'Alle aussteigen' (Tutti fuori) ripetevano ai sopravvissuti che scendevano dal treno avvolti dalla luce irreale del campo di sterminio, mentre i loro correligionari con gli abiti a righe e la stella di David rimuovevano dai vagoni i corpi di chi non era riuscito a sostenere quel viaggio di quattro giorni.

Al campo il dottor Mengele provvede da subito a selezionare gli abili al lavoro dal resto degli ebrei. I due gruppi vengono divisi: gli inabili vengono trasportati sui camion per raggiungere i 'campi di permanenza', gli altri devono dirigersi verso i campi di lavoro a piedi. Ma, se stanchi, possono usufruire anche loro degli autocarri. Così salgono su quei mezzi altre 250 persone, portando il numero a 839.

La loro destinazione non è il campo e non sono le baracche; li attende un destino comune che si chiama camere a gas. E tra loro c'è Sergio Pace, abile al lavoro ma salito sul camion per rimanere insieme ai suoi genitori. C'è la giovane donna cattolica, dichiaratasi ebrea, per non abbandonare un bambino orfano affidato a lei. C'è il figlio di Marcella Perugia, nato appena il 17 ottobre. E ci sono altri 206 bambini che hanno terminato la loro vita lì.

A ritornare saranno soltanto in diciassette, tra cui una donna: Settimia Spizzichino, 24 anni, 30 chili.

[1] Coen F. 16 ottobre 1943 Giuntina, pag. 69

Leggi anche:Celeste Di Porto, storia della delatrice nel ghetto di RomaGhetto di Roma. Paolo IV e il serraglio degli ebrei Pedalando nella Memoria. Molto più che una biciclettata

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16 ottobre 1943. Era un sabato mattina, un sabato di guerra. Ma era anche il giorno del riposo per la numerosa comunità ebraica romana. Era lo shabbat e lo era per tutte quelle famiglie riunite in quel fazzoletto di terra divenuto ghetto di Roma nel 1555 per volere di papa Paolo IV.

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da approfondire

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Memorie d'inciampo a Roma, le Stolpersteine

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Passeggiando per le vie di Roma ci si può imbattere in un sampietrino davvero particolare: una targa in ottone lucente ricopre il blocchetto del lastricato tipico del centro storico di Roma. Spicca tra tutti gli altri creando un "inciampo" metaforico nella nostra mente, un inciampo nella memoria, nella storia, camminando per Roma.