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Villa-Lobos - Bachianas Brasileiras Nº 2 - IV. Tocata (O trenzinho do caipira) . Minczuk

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Artistas de rua falam sobre a Semana de Arte Moderna | CNN PRIME TIME

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Publicado no primeiro número da Revista Antropofagia, datado de 1º de maio de 1928, começa dizendo: "Só a antropofagia nos une. Socialmente. Economicamente. Filosoficamente". E termina: "Em Piratininga, Ano 374 da Deglutição do Bispo Sardinha".

No mesmo tom do Manifesto da Poesia Pau Brasil, Oswald de Andrade rebela-se "contra a verdade dos povos missionários" e mostra-se a favor da "transformação permanente do totem em tabu - absorção do inimigo sacro". Pau Brasil propõe uma arte de exportação, visualiza a urbs moderna, futurista e a tecnologia. Antropofagia quer "estar em comunicação direta com o solo", visualiza o grande vazio brasileiro, quer fazer uma leitura crítica do importado.

O Manifesto Antropofágico propunha basicamente 'devorar' a cultura e as técnicas importadas e provocar sua reelaboração com autonomia, transformando o produto importado em exportável. Buscava a importação de novidades europeias, com objetivo de movimentar o pensamento, depois, antropofagicamente, isto é, criticamente, devorar estas novidades e influências à medida que os modernistas redescobrem a realidade brasileira.

O nome do manifesto recuperava a crença indígena: os índios antropófagos comiam o inimigo, supondo que assim estavam assimilando suas qualidades.

A ideia do manifesto surgiu quando Tarsila do Amaral para presentear, o então marido, Oswald de Andrade, deu-lhe como presente de aniversário a tela Abaporu (aba = homem; poru = que come).

Em 1928, Tarsila do Amaral pintou o "Abaporu" como presente de aniversário ao escritor Oswald de Andrade, seu marido na época. O nome da obra foi conferido por ele e pelo poeta Raul Bopp, que indagou a Oswald ao ver o quadro: "Vamos fazer um movimento em torno desse quadro?".

O portenho Eduardo Costantini protagonizou em 1995 o arremate da obra de arte "Abaporu", tela realizada por Tarsila do Amaral que hoje está exposta no MALBA (Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires), fundado por ele.

Em março de 2011, a tela "Abaporu" foi emprestada pelo MALBA para integrar a exposição "Mulheres, Artistas e Brasileiras", realizada no Salão Oeste do Palácio do Planalto, em Brasília, que reuniu 80 obras do século 20, pertencentes a 49 artistas mulheres do Brasil. Esta iniciativa consistiu em uma homenagem ao mês da mulher.

A proposta do curador da Bienal de São Paulo, em 1998 era que cada uma das três mostras propostas ("Roteiros", "Representações Nacionais" e "Núcleo Histórico") orbitasse em torno do conceito de antropofagia. O resultado obtido foi extremamente positivo, transformando, segundo os críticos, a 24ª Bienal na mais ousada conceitualmente. Os curadores responsáveis pela escolha dos artistas dos 53 países foram estimulados a trabalhar a partir do eixo conceitual da antropofagia, de forma que as salas pudessem dialogar entre si e com o público. A mostra "Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros" (assim mesmo, com a palavra repetida sete vezes como no Manifesto Antropofágico, de Oswald de Andrade) dividiu o mundo em sete grandes regiões. Instados a debater o conceito proposto, curadores e artistas procuraram responder à problematização da antropofagia e do canibalismo estético com uma mostra densa. Antropofagia : movimento em que interferências culturais externas interagem com a nossas tradições, resultando em algo novo e ousado.

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Publicado no primeiro número da Revista Antropofagia, datado de 1º de maio de 1928, começa dizendo: "Só a antropofagia nos une. Socialmente. Economicamente. Filosoficamente". E termina: "Em Piratininga, Ano 374 da Deglutição do Bispo Sardinha".

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Semana de 22 – Bem mais que o modernoso: #4 - Modernismo: pra quem e por quem?

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Semana de 22: história e legado | Ivan Marques, Flávia Toni e Ana Paula Cavalcanti Simioni

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Foto: Artistas da Semana de Arte Moderna de 1922 / Alma Preta

Neste ano, comemora-se o centenário da Semana de Arte Moderna de 1922, que representa o marco zero do modernismo no Brasil. Contudo, o movimento modernista não é considerado inclusivo, pois não representou a negritude brasileira, tampouco a comunidade indígena.

O ano de 1922 foi bastante simbólico, pois era o primeiro centenário da independência do Brasil, e o país passava por uma série de mudanças sociais, políticas e econômicas. Após 34 anos da abolição da escravatura, o evento de arte moderna era protagonizado pela elite branca - principalmente filhos de ex-senhores de engenho ou cafeicultores.

Quadro 'Operários', de Tarsila do Amaral | Créditos: Reprodução/ Acervo Artístico-Cultural dos Palácios do Governo

Os trabalhos, que mostravam temas brasileiros baseados, sobretudo no folclore "nativo" e nas "lendas rurais", era algo que, nos dias de hoje, facilmente seria interpretado como apropriação cultural e apagamento negro. Nas pinturas, as minorias eram retratadas, mas na prática, artistas negros e indígenas não estavam incluídos no seleto grupo. É o que explica a artista da Exposição Recostura - obras de mulheres negras adaptadas com bordados, no Theatro Municipal - Chris Tigra.

"O problema é que apesar dessa vontade de romper paradigmas - e, de fato, rompeu com alguns e trouxe frescor - o modernismo não deu conta de olhar pra fora de si e, nesse sentido, comeu a si mesmo, autoantropofágico. Ou seja, não houve 'Semana de Arte Moderna' pra negros, indígenas e outros corpos não brancos", comenta a artista.

Por mais que o objetivo da Semana de Arte Moderna de 1922 fosse repensar de maneira crítica o tradicionalismo cultural daquele tempo, então associado às correntes literárias e artísticas européias, Chris acredita que houve incoerência no evento.

Fachada do Theatro Municipal de São Paulo, com a exposição "Recostura", de Chris Tigra | Créditos: Yannick Falisse

Participaram nomes como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Plínio Salgado, Anita Malfatti, Heitor Villa-Lobos e Di Cavalcanti. O Movimento Antropofágico, surgido, com a publicação do "Manifesto da Poesia Pau-Brasil" de Oswald de Andrade, por exemplo, acreditava na "devoração", "digestão" e "deglutição" das influências estrangeiras que subsequentemente seriam vomitadas pelos artistas com as cores, a fim de retratar fielmente a "essência brasileira".

A diretora geral do Theatro Municipal de São Paulo, Andrea Caruso Saturnino, avalia que na Semana de Arte Moderna de 1922, artistas e intelectuais negros brasileiros que, àquela altura, já gozavam de relativo reconhecimento - como os irmãos Timótheo, Artur e João -, não estiveram presentes no evento devido ao contexto histórico que ele estava inserido.

"Os primeiros anos da República foram marcados por uma intensificação da desigualdade racial que marca o Brasil até hoje, e que parte dos intelectuais e artistas de 1922 eram integrantes ou vinculados ao ideário das classes dominantes. Mesmo as propostas mais inovadoras, dificilmente conseguiram romper com sua origem de classe", ressalta a diretora.
Oportunidade, reparação e olhar crítico
"Hoje parece que vivemos na era da reparação publicitária. O acesso ainda é restrito, mas existe, e sempre há um interesse bizarro por trás: o de cumprir 'representatividade' para se proteger de possíveis críticas. A representatividade não é uma coisa bonita, temos que falar de proporcionalidade, aí a gente começa a conversar", ressalta Chris Tigra.

A artista avalia que os espaços voltados à arte são criados a partir de um pensamento de classe burguesa, branca. Segundo ela, o sistema é estruturalmente viciado. Já a diretora geral Andrea afirma que para reparar o apagamento negro nas artes, é preciso, antes de tudo, dar espaço real para artistas negros e indígenas nas programações artísticas na cidade.

"O que falta é acesso, tanto dos artistas em espaços considerados de 'prestígio' como da população negra a esses espaços", avalia.

Contudo, para Chris Tigra, o movimento modernista evidenciado na Semana de Arte de 1922 conseguiu, mesmo que a passos pequenos, trazer algo novo dentro das limitações do contexto em que o evento estava inserido. Para a população negra, Chris recomenda que o marco seja observado com um olhar crítico.

"O principal é reconhecer que a Semana foi como foi, reconhecendo as mazelas e que essas lacunas dizem muito sobre a construção desse Brasil. Compreender o passado para atuar no presente e intervir no futuro é a onda. Tudo que aconteceu lá atrás na nossa história tem a ver com o que vivemos hoje, essa desigualdade toda. Reconhecer para mover, deslocar, criar um mundo novo que não repita os mesmos erros" finaliza a artista.

'A conta não fecha: jovens negros precisam se desdobrar para pagar despesas mensais'

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Onde estavam os negros na Semana de Arte Moderna de 1922?

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Neste ano, comemora-se o centenário da Semana de Arte Moderna de 1922, que representa o marco zero do modernismo no Brasil. Contudo, o movimento modernista não é considerado inclusivo, pois não representou a negritude brasileira, tampouco a comunidade indígena.

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Entenda o legado social da Semana de Arte Moderna de 1922 | CNN PRIME TIME

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O MELHOR vídeo sobre a SEMANA DE ARTE MODERNA que você verá!