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La teoría y la historia del arte nos sirven como brújulas en esta odisea, donde examinamos cómo Latinoamérica, a través de sus expresiones culturales y artísticas, respondieron a las dinámicas de poder y resistencia. En lugar de adoptar una perspectiva eurocéntrica, nuestro enfoque decolonial busca dar voz a las narrativas del Sur. Sin embargo, es importante resaltar que el arte moderno surge en un contexto de diversos escenarios en Europa así como de momentos históricos muy complejos en el mundo, como el inicio de la revolución industrial, el establecimiento del sistema capitalista, la primera guerra mundial y el surgimiento de regímenes totalitarios. Estos eventos históricos formaron el trasfondo de movimientos artísticos como el Expresionismo, Fauvismo, Cubismo, Abstraccionismo, Futurismo, Surrealismo y el Dadaísmo, para aquella época los y las artistas estaban en búsqueda de representar el mundo que estaba viviendo y así expresar nuevas visiones del mundo en un periodo de cambios profundos. Es por tanto, que a partir de esta exploración, no solo observamos el impacto de movimientos artísticos revolucionarios, sino que también desplegamos un recorrido por la historia del arte moderno en Brasil y México, a través de un mapa interactivo.

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A principios del siglo XX, Brasil experimentó un periodo de notable crecimiento, industrialización y progreso. Este impulso se vio potenciado por la llegada masiva de inmigrantes procedentes de diversas partes del mundo, quienes desempeñaron un papel fundamental en la reconstrucción de la fuerza laboral tras la abolición de la esclavitud en 1888. Este contexto, marcado por la efervescencia de la industrialización y la consolidación del capitalismo, también dio lugar a un aumento de los conflictos sociales.

En medio de esta compleja telaraña de eventos, surgió la necesidad imperante de un nuevo lenguaje artístico capaz de reflejar los anhelos contemporáneos y de proyectar esperanzas para el futuro. Este periodo se caracterizó por una época de transformación cultural y social, donde la búsqueda de una identidad nacional y la expresión de las realidades emergentes se convirtieron en temas centrales.

En un intento de capturar las corrientes artísticas vanguardistas y de estar a la vanguardia de los movimientos culturales europeos, algunos artistas brasileños emprendieron viajes a Europa. Allí, se sumergieron en la efervescencia cultural del momento, contagiándose de las vanguardias artísticas y las corrientes innovadoras que predominaban en el continente. Al regresar a Brasil, estos artistas se convirtieron en agentes de cambio, decididos a implementar y adaptar las nuevas corrientes artísticas en el contexto local, marcando así el inicio de una nueva era en la expresión artística brasileña con el evento de la Semana de Arte Moderno.

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La Semana de Arte Moderna o Semana del 22, celebrada en la ciudad de São Paulo en 1922,  se dio dentro de la conmemoración de los 200 años de independencia de Brasil y tuvo lugar en el Teatro Municipal de São Paulo, fue un evento trascendental que marcó un hito en la historia cultural y artística, reuniendo a artistas, escritores y músicos que buscaban transformar y revitalizar la escena cultural del país con 270 obras de arte expuestas. Este espacio fue liderado por “el grupo de cinco” entre ellos estaban Anitta Malfatti, Mario de Andrade, Menotti del Picchia, Oswald de Andrade y Tarsila Do Amaral.

Dentro de los objetivos era la siguiente:

Introducir las corrientes vanguardistas europeas

Establecer un nuevo lenguaje artístico

Romper con las convenciones artísticas y con el academicismo

Desafiar los patrones tradicionales del arte que estaban muy vinculados a los valores del siglo 19

Impacto y Legado:

La Semana de Arte Moderna fue inicialmente recibida con críticas y polémicas, pero su impacto a largo plazo fue significativo.

Marcó el inicio del Modernismo en Brasil y abrió el camino para la exploración de nuevas formas de expresión artística y literaria.

Contribuyó a la consolidación de una identidad artística brasileña única y moderna.

Temas y Elementos Modernos:

Los participantes abordaron temas nacionales, como la exaltación de la cultura popular.

Se introdujeron corrientes como el Cubismo, Futurismo y Expresionismo, influenciando a generaciones posteriores de artistas brasileños.

Se introdujo una narrativa de crítica social en las obras presentadas durante la Semana. Los artistas abordaron temas relevantes como la desigualdad social, la industrialización y la transformación cultural,

La integración de diversas disciplinas artísticas, incluyendo pintura, escultura, literatura y música, reflejó un enfoque multidisciplinario

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La Sociedade Brasileira de Belas Artes (SBBA)

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La Sociedade Brasileira de Belas Artes (SBBA)

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La SBBA fue fundada en 1917 en Río de Janeiro. En ese momento, Brasil experimentaba cambios sociales, políticos y culturales, y surgía un interés creciente en la modernización del arte y la cultura, por tantom desempeñó un papel crucial en la organización de exposiciones de arte, presentando obras de diversos estilos y corrientes.

Durante el periodo modernista, abrazó las ideas y obras de artistas que desafiaban las convenciones tradicionales y buscaban expresar la identidad artística brasileña contemporánea. Al proporcionar un espacio para exposiciones, la SBBA se convirtió en un punto de encuentro para artistas emergentes y establecidos, permitiendo la interacción y el intercambio de ideas entre la comunidad artística.

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Fundação Bienal de São Paulo - Avenida Pedro Álvares Cabral - Ibirapuera, São Paulo - Estado de São Paulo, Brasil

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Inaugurada en 1951, la Bienal de São Paulo se convirtió en un espacio crucial para la exhibición de arte moderno y contemporáneo. Presentó unas 1854 obras de 730 artistas nacionales e internacionales provenientes de 23 países consolidándose como un evento artístico de relevancia global.

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La SPAM fue fundada en 1932 en un momento en el que Brasil experimentaba cambios políticos y sociales significativos. En 1930, Getúlio Vargas asumió la presidencia, marcando el comienzo de un periodo conocido como la "Era Vargas". Durante este tiempo, hubo un interés creciente en la modernización cultural y artística del país. Varios artistas destacados participaron en las actividades de la SPAM. Entre ellos se encuentran Candido Portinari, Di Cavalcanti, Flávio de Carvalho y otros nombres influyentes del modernismo brasileño.

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Klaxon Brasil - Iluminação Decorativa - Rua Salgado Filho - Pineville, Pinhais - Estado de Paraná, Brasil

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La revista Klaxon contribuyó a consolidar la Semana de Arte Moderna de 1922 como un punto de partida para el modernismo en Brasil. Fomentó el debate y la reflexión sobre la necesidad de ruptura con las convenciones artísticas y literarias establecidas.

La breve existencia de la Revista Klaxon dejó una huella duradera en la historia del modernismo brasileño, y su impacto sigue siendo reconocido como una fuerza catalizadora en la transformación cultural del país.

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El manifiesto fue publicado por primera vez en 1928, en la Revista de Antropofagia escrita por Oswaldo Andrade.

Principales Ideas:

La metáfora central del manifiesto es la "antropofagia", que significa "devorar" en el sentido de asimilar y transformar. Oswald de Andrade propuso que Brasil debería adoptar una actitud "antropofágica" hacia las influencias culturales extranjeras, especialmente europeas. La idea era "devorar" estas influencias y transformarlas en algo auténticamente brasileño.

El manifiesto abogaba por la creación de un arte que reflejara la realidad y las peculiaridades de Brasil, en lugar de imitar acríticamente las tendencias europeas. La propuesta era construir una cultura basada en la asimilación selectiva y creativa de diversas influencias, en lugar de simplemente copiar modelos importados.

Frases Destacadas:

"Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre. Ley del antropófago."

"Toda nuestra reforma será hecha por el hambre. Haremos una poesía ingenua, creyente, sumisa, como conviene a la tradición."

"La escuela tiene que preparar para la revolución y no para la diplomacia."

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El arte contemporáneo en México ha experimentado una fascinante evolución a lo largo del siglo XX, influenciado por eventos históricos, movimientos sociales y una rica tradición artística. El periodo posrevolucionario (1920-1940) marcó el surgimiento de una expresión artística arraigada en el nacionalismo cultural. Muralistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco plasmaron la historia y la identidad mexicanas en murales públicos.

En la década de 1940, la Escuela Mexicana de Pintura consolidó la herencia muralista, aunque artistas como Rufino Tamayo comenzaron a explorar la abstracción y temas universales. La década de 1950 presenció la "ruptura" con las convenciones establecidas, marcando el camino hacia el arte abstracto. Mathias Goeritz y Vicente Rojo lideraron esta transición hacia la abstracción geométrica.

El "Movimiento de la Ruptura" en los años 50 y 60 desafió las normas artísticas y dio lugar a una generación de artistas rebeldes, entre ellos Francisco Zúñiga y José Luis Cuevas. Desde la década de 1960 hasta la actualidad, México ha sido testigo de una diversidad de corrientes y estilos en el arte contemporáneo.

Artistas como Gabriel Orozco y Teresa Margolles han llevado la creatividad mexicana a escenarios internacionales, explorando temas sociales y políticos de manera innovadora. La globalización ha permitido que los artistas mexicanos participen en diálogos artísticos globales, incorporando diversas influencias y tecnologías en sus obras.

En el siglo XXI, el arte contemporáneo en México refleja la complejidad de la sociedad actual. La diversidad de expresiones artísticas, desde instalaciones hasta arte conceptual, captura la esencia cambiante de la identidad mexicana en el contexto mundial.

Este viaje a través de la historia del arte contemporáneo en México destaca su capacidad para adaptarse, desafiar convenciones y contribuir a la conversación global del arte. Cada obra, cada artista, se convierte en un testimonio de la rica tradición artística y la continua evolución de la expresión creativa en México.

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En la Ciudad de México, en 1952, se llevó a cabo un evento trascendental que cambiaría la trayectoria del arte contemporáneo mexicano: la Exposición de la Ruptura. Este acontecimiento marcó un hito crucial para un grupo de artistas que buscaban desafiar las normas establecidas y expresar su creatividad de una manera más individualista y experimental.

Contextualizada en la década de 1950, esta exposición surgió en un momento en el que una nueva generación de artistas empezó a cuestionar las tradiciones artísticas previas, especialmente las arraigadas en los movimientos muralistas y las corrientes posrevolucionarias. Estos jóvenes artistas, como José Luis Cuevas, Alberto Gironella, Francisco Zúñiga y Roger Von Gunten, lideraron la carga hacia una nueva forma de expresión artística.

La Exposición de la Ruptura se convirtió en la plataforma donde estos artistas presentaron sus obras al público y a la crítica. La muestra no solo exhibió cuadros y esculturas, sino que representó una declaración audaz de independencia artística y la voluntad de liberarse de las restricciones creativas convencionales.

Este evento crucial tuvo un impacto significativo en la escena artística mexicana de la época. Marcó el reconocimiento oficial del movimiento de la Ruptura y generó discusiones profundas sobre la dirección del arte contemporáneo en México. La exposición permitió a estos artistas establecer un diálogo directo con el público, críticos de arte y sus colegas, consolidando así la identidad del movimiento.

La Exposición de la Ruptura dejó un legado perdurable. La experimentación formal y la expresión individualista que caracterizaron este movimiento influyeron en generaciones posteriores de artistas en México, moldeando el panorama del arte contemporáneo en el país. Este evento no solo representó un punto de quiebre en la historia del arte mexicano, sino que también allanó el camino para nuevas exploraciones y enfoques creativos en el mundo del arte.

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En México, el movimiento artístico que más se asemeja a un manifiesto es el movimiento muralista, que surgió después de la Revolución Mexicana. Aunque no fue formalmente expresado en un manifiesto único, los artistas muralistas compartieron ideales y objetivos similares que influyeron en sus obras y en el desarrollo del arte en México.

El muralismo mexicano fue impulsado por artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, quienes creían en el poder del arte para influir en la sociedad y expresar la identidad cultural de México. Aunque no redactaron un manifiesto conjunto, sus obras y declaraciones individuales reflejaban principios comunes.

Principales aspectos del movimiento muralista que podrían considerarse como "principios" o "ideas manifiestas":

1. Arte Público y Accesible:

Los muralistas creían en la creación de arte público, accesible para todas las personas, en lugar de limitarse a las élites.

2. Compromiso Social y Político:

Los muralistas abordaron cuestiones sociales y políticas en sus obras, representando la historia y las luchas del pueblo mexicano.

3. Nacionalismo y Mexicanidad:

Se fomentó un sentido de nacionalismo cultural, destacando la importancia de la historia y la cultura mexicana en el arte.

4. Colaboración y Comunidad:

Los muralistas a menudo trabajaban en colaboración y veían el arte como una forma de servicio a la comunidad.

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Av. P.º de la Reforma 439, Cuauhtémoc, 06500 Ciudad de México, CDMX, México

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Fundada en 1935 por Inés Amor y María Izquierdo, la Galería de Arte Mexicano (GAM) se erige como uno de los pilares fundamentales en la promoción del arte mexicano moderno y contemporáneo. La galería ha desempeñado un papel crucial en la consolidación de movimientos artísticos y en la introducción de nuevos talentos a lo largo de los años.

Con una rica historia, la GAM ha representado y exhibido obras de algunos de los artistas más destacados de México. Desde los muralistas icónicos como Diego Rivera, Rufino Tamayo y David Alfaro Siqueiros, hasta artistas contemporáneos como Francisco Zúñiga, la galería ha sido testigo y protagonista de la evolución del arte en México.

La Galería de Arte Mexicano ha mantenido un enfoque distintivo en el arte moderno y contemporáneo, contribuyendo significativamente al diálogo cultural tanto a nivel nacional como internacional. Su programación diversa abarca diversas disciplinas artísticas, desde pintura y escultura hasta nuevas formas de expresión contemporánea, reflejando la pluralidad y vitalidad del panorama artístico mexicano.

Además de su compromiso con artistas mexicanos, la GAM ha jugado un papel crucial en la promoción de un diálogo global sobre el arte, colaborando con talentos internacionales. La galería ha sido un espacio vibrante que no solo exhibe obras excepcionales, sino que también ha servido como punto de encuentro para la comunidad artística, intelectual y el público en general.

Es importante tener en cuenta que la información sobre ubicaciones y eventos puede cambiar con el tiempo, y se recomienda verificar la información más reciente a través de fuentes confiables o el sitio web oficial de la Galería de Arte Mexicano.

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Paseo de la Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec I Sección, Ciudad de México, CDMX, México

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Inaugurado en 1964 y ubicado en el corazón del Bosque de Chapultepec en la Ciudad de México, el Museo de Arte Moderno (MAM) se erige como un bastión cultural, proporcionando a los visitantes una ventana a la riqueza del arte moderno y contemporáneo, el MAM ofrece una experiencia única para los amantes del arte.

El museo alberga una extensa colección que abarca diversas formas de expresión artística. Desde pinturas y esculturas hasta fotografías y videoarte, el MAM proporciona una inmersión en la creatividad y la innovación artística tanto de artistas mexicanos como internacionales.

Más allá de su colección permanente, el museo se destaca por sus exhibiciones temporales que presentan obras de artistas contemporáneos. Estas muestras dinámicas mantienen al MAM en la vanguardia de la escena artística, ofreciendo a los visitantes la oportunidad de descubrir nuevas voces y perspectivas.

El compromiso del MAM va más allá de las galerías, ya que organiza eventos, conferencias y programas educativos que buscan involucrar activamente al público. Talleres y actividades culturales fomentan la interacción y la comprensión más profunda del arte contemporáneo.

Es esencial tener en cuenta que los detalles, incluyendo la dirección y la programación, pueden cambiar con el tiempo. Para obtener la información más actualizada y planificar tu visita, te recomendaría verificar la dirección y los eventos a través de fuentes confiables o el sitio web oficial del Museo de Arte Moderno.

El MAM no solo es un espacio de exhibición, sino un faro cultural que ilumina la diversidad y la evolución del arte en México y más allá. Un destino imprescindible para aquellos que buscan sumergirse en la riqueza del arte contemporáneo en uno de los entornos más icónicos de la Ciudad de México.

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En el corazón de Guadalajara, Expo Guadalajara se alza como un epicentro cultural y comercial de gran versatilidad. Este dinámico centro de exposiciones ha acogido eventos que van desde ferias comerciales de renombre internacional hasta destacadas exhibiciones de arte contemporáneo, demostrando su capacidad única para adaptarse a una amplia gama de necesidades.

Con instalaciones diseñadas para flexibilidad, Expo Guadalajara ha emergido como un punto focal tanto a nivel regional como nacional. Su enfoque en el arte contemporáneo se destaca al proporcionar una plataforma para artistas locales e internacionales, contribuyendo significativamente al panorama cultural de la región.

La centralidad y accesibilidad de Expo Guadalajara la convierten en un imán para eventos de importancia, no solo para el ámbito artístico, sino también para el desarrollo económico. Su ubicación estratégica y servicios integrales, desde estacionamiento hasta áreas de descanso, facilitan la realización de eventos de diversos tipos, desde conciertos hasta presentaciones corporativas.

La contribución de Expo Guadalajara va más allá de su impacto cultural. Este espacio versátil juega un papel esencial en el tejido de la comunidad, impulsando negocios y promoviendo el desarrollo económico tanto a nivel local como nacional.

Expo Guadalajara emerge como un eje crucial para el desarrollo integral de Jalisco y México. Su versatilidad, centralidad geográfica y contribución integral la consolidan como un actor clave en la promoción de la cultura, los negocios y el desarrollo económico de la región.

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Entijuanarte es un festival que se ha consolidado como una de las principales plataformas culturales en la región noroeste de México. Su objetivo es fomentar la diversidad artística y ofrecer un espacio para la exhibición y apreciación de diversas disciplinas creativas.

El festival abarca una amplia gama de expresiones artísticas, incluyendo artes visuales, música, danza, literatura, teatro y más. El enfoque en el arte contemporáneo destaca la relevancia y la influencia de las prácticas artísticas actuales. Entijuanarte ha servido como un punto de encuentro para artistas locales e internacionales, proporcionando oportunidades para la colaboración, el intercambio cultural y la exposición de diversas perspectivas artísticas.

Secciones del Festival:

Artes Visuales: Exposiciones de artistas plásticos y visuales, incluyendo pintura, escultura, fotografía, instalaciones y arte digital.

Música: Presentaciones en vivo de artistas locales e internacionales de diversos géneros musicales.

Teatro y Danza: Espectáculos teatrales y de danza contemporánea.

Literatura: Actividades relacionadas con la literatura, como presentaciones de libros y charlas con autores.

Talleres y Actividades Educativas: Ofrecen oportunidades de participación directa del público.

Entijuanarte ha contribuido significativamente al desarrollo cultural de Tijuana y ha ayudado a posicionar a la ciudad como un importante centro artístico y cultural en la frontera entre México y Estados Unidos.

La inclusión de artistas locales destaca el talento emergente en la región, mientras que la participación de artistas internacionales aporta una dimensión global al festival.

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Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)

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Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)

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Es una institución cultural ubicada en la ciudad de Monterrey, en el estado de Nuevo León, México. Fundado en 1991, el MARCO ha desempeñado un papel crucial en la promoción y exhibición del arte contemporáneo en la región norte de México. Diseñado por el renombrado arquitecto Ricardo Legorreta, el edificio en sí mismo es una obra de arte moderna, distinguido por su estilo arquitectónico audaz y vibrante.

Aunque el MARCO no alberga una colección permanente, su compromiso con la promoción del arte contemporáneo se manifiesta a través de exhibiciones temporales rotativas. Estas presentan una ecléctica mezcla de expresiones artísticas, desde pintura y escultura hasta videoarte, fotografía e instalaciones, proporcionando a los visitantes una inmersión constante en la vanguardia creativa.

El museo no se limita a ser un espacio de contemplación; también actúa como un centro educativo y cultural. Programas educativos dinámicos, que incluyen visitas escolares, conferencias y talleres, buscan estimular la apreciación del arte contemporáneo en todas las edades. Además, eventos especiales, como presentaciones de libros y performances, añaden capas de interactividad y participación a la experiencia cultural.

El MARCO ha contribuido significativamente a consolidar la posición de Monterrey como un epicentro cultural en el norte de México. Su influencia se extiende más allá de las fronteras regionales, participando en redes culturales y colaborando con instituciones artísticas a nivel nacional e internacional.

Las instalaciones del museo, modernas y funcionales, incluyen salas de exhibición, espacios para eventos y conferencias, una tienda de souvenirs y un café. Además, como parte de su compromiso con la accesibilidad cultural, el MARCO ofrece entrada gratuita los domingos, fomentando un acceso más amplio a la experiencia artística contemporánea.

En conjunto, el MARCO se destaca como un faro cultural, proyectando la vitalidad del arte contemporáneo en la región norte de México y brindando a la comunidad y a los visitantes un espacio dinámico para la exploración y la apreciación de la creatividad en constante evolución.

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La Bienal FEMSA en Monterrey, Nuevo León, se erige como una destacada celebración del arte contemporáneo, organizada por Grupo FEMSA cada dos años. Este evento, arraigado en el compromiso de la empresa con la cultura y el arte, se presenta como una plataforma dinámica para artistas emergentes y establecidos, tanto nacionales como internacionales.

Ubicada estratégicamente en Monterrey, la bienal amplía el alcance del arte contemporáneo a diversas regiones de México. Cada edición, cuidadosamente curada, aborda temáticas actuales y refleja la diversidad de expresiones artísticas contemporáneas, desde pintura y escultura hasta formas más experimentales y tecnológicas.

La participación de artistas de renombre contribuye a la riqueza de la bienal, consolidando a Monterrey como un centro cultural clave. Más allá de la exposición central, la bienal puede incluir eventos paralelos, como charlas y talleres, fomentando el diálogo y la participación del público en torno al arte contemporáneo.

En resumen, la Bienal FEMSA emerge como un punto de convergencia para la expresión artística contemporánea, nutriendo la escena cultural de Monterrey y contribuyendo a la vitalidad y diversidad del panorama artístico en México.

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1. Muralismo y Compromiso Social: El muralismo mexicano, liderado por artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, destacó por su fuerte compromiso social. Utilizaron el arte como una herramienta para expresar y promover las ideas revolucionarias y la identidad nacional.

2. Fusión de Tradición y Modernidad: A diferencia de algunas vanguardias europeas que buscaban romper totalmente con la tradición, los muralistas mexicanos intentaron integrar elementos de la cultura precolombina con las ideas modernas. Esto se reflejó en la fusión de estilos y temas en sus obras.

3. Arte Didáctico y Monumental: Los muralistas mexicanos abogaron por un arte monumental y didáctico, destinado a las masas. Creían en la capacidad del arte para educar y movilizar a la sociedad, y sus obras a menudo representaban temas históricos y sociales.

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1. Compromiso Social vs. Reinterpretación Cultural: Mientras que el muralismo en México se centró en el compromiso social y político, la Antropofagia en Brasil se destacó por su enfoque en la reinterpretación cultural y la fusión de influencias.

2. Identidad Nacional: Ambos movimientos compartieron un interés en la construcción de una identidad nacional a través del arte, ya sea destacando la herencia indígena y popular en México o buscando una expresión cultural única en Brasil.

3. Diálogo con Vanguardias Internacionales: A pesar de sus enfoques distintivos, tanto México como Brasil estuvieron conectados con las vanguardias internacionales, y experimentaron movimientos artísticos modernos ricos y diversos que reflejaron sus contextos históricos, políticos y culturales. Los artistas buscaron un equilibrio entre las influencias globales y las expresiones locales.

4. México destacó con el movimiento muralista, mientras que Brasil, a través del modernismo y sus sucesivas corrientes, exploró la síntesis de influencias culturales diversas. Ambos países contribuyeron de manera significativa al panorama global del arte moderno, dejando un legado artístico impactante y variado.

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1. Antropofagia y Reinterpretación Cultural: El movimiento de la Antropofagia en Brasil, encabezado por Oswald de Andrade y respaldado por artistas como Tarsila do Amaral, abogó por la "devoración" de la cultura europea para crear algo nuevo y auténticamente brasileño. Fue una reinterpretación cultural única.

2. Síntesis Dialéctica y Rechazo de Dicotomías: Oswald de Andrade propuso una síntesis dialéctica que superara las dicotomías entre lo nacional y lo cosmopolita. Este enfoque buscaba incorporar elementos extranjeros en la creación artística brasileña sin perder la identidad propia.

3. Influencia de Vanguardias Europeas: A pesar de la orientación nacionalista, artistas como Tarsila do Amaral incorporaron influencias de vanguardias europeas, como el cubismo, en sus obras. Esto reflejó una conexión entre la modernidad brasileña y las corrientes artísticas internacionales.