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Escogí el tema de la guerra y las batallas representadas en diversas obras de arte porque me apasiona la narrativa que se desarrolla en los conflictos entre dos fuerzas opuestas a lo largo de la historia. A pesar de los años transcurridos, estas diferencias persisten, y deseo explorar la raíz de estos conflictos para sumergirme más en la historia y comprender cómo se reflejan en el arte. Es impresionante cómo, hasta el día de hoy, considero que las batallas son temas recurrentes en el arte, ya que la humanidad ha sentido la necesidad constante de compartir experiencias.

Además, creo que este enfoque me permitirá reflexionar más profundamente sobre el contexto de las obras y los hechos históricos que han contribuido a cambios significativos. Asimismo, espero identificar aspectos como pensamientos ideológicos, costumbres, vida cotidiana y objetos recurrentes, entre otros.

Al explorar estas representaciones artísticas, podré entender cómo estos aspectos han evolucionado a lo largo de la historia. Las batallas no solo dejan huellas de masacres, sino también lecciones que nos instan a evitar la repetición y nos llevan a cuestionar nuestro papel como miembros de una sociedad para lograr una convivencia pacífica.

La obra "La gran ola de Kanagawa" fue especialmente motivadora para elegir este tema. Esta imagen, que muestra el caos en el mar, revela toda una historia detrás, donde un país completo estuvo oculto al mundo. Siento que, al igual que con esta obra, podré explorar el potencial narrativo de otras piezas artísticas que tenga que describir asi como en el trabajo final.

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Mural con pintura rupestres, 20.000 a.C., Serranía del Chiribiquete, Guaviare-Colombia

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Esta obra se dice que es comparable al descubrimiento de la Capilla Sixtina, con más de 75,000 dibujos en los muros naturales de Chiribiquete, preservados sorprendentemente por más de 22,024 años. Algunos estaban en picos rocosos, revelando que los creadores escalaban árboles para completar el mural, tallando petroglifos en la roca. Los colores, hechos de pigmentos vegetales, fluidos corporales y compuestos minerales, se unían con grasa.

Estas pinturas representan la vida cotidiana, rituales y escenas de caza de comunidades locales. Destaca la representación a escala, alertando sobre animales salvajes. La porción elegida muestra esta escala y armas como arcos y lanzas para cazar enormes criaturas. Los patrones internos, peculiares, coinciden con los usados por comunidades indígenas en la actualidad, creando un legado visual.
La composición de esta obra destaca por una criatura central con prominentes colmillos, abarcando la mayor parte del espacio y midiendo aproximadamente cuatro veces la figura humana. En su interior, se observa un patrón en zigzag. Justo debajo, hay personas armadas con arcos y lanzas, algunas aparentemente derrotadas. Alrededor de la criatura central se encuentran otros animales más pequeños.

Esta elección se basa en la representación efectiva de la batalla entre criaturas, en lugar de enfrentamientos con tribus. Muchas batallas implican rituales de celebración tras vencer a la bestia, ofreciendo una visión de los conflictos de la época y cómo las comunidades los abordaban, plasmados con significado en estas pinturas.

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Busto de Pericles, 440 a.C. Mármol blanco, Krésilas, 59 cm de altura

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Imperio nuevo asirio (883-859 a.c.). Altura, 86´4 centímetros. Alabastro. Kalkhu (actual Nimrud). Museo Británico de Londres.

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Frontispicio del templo de Abu Simbel en el Alto Egipto, aprox. 1264 a.C.

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Laocoonte y sus hijos, 40-30 a.C., Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas, Mármol, Museos Vaticanos.

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Rapto de las sabinas de Jacques-Louis David, 1796–1799, Jacques-Louis David, Óleo sobre lienzo, 385 cm × 522 cm, Museo del Louvre.

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El Coliseo Romano, 188 metros de longitud, 156 metros de ancho y 57 metros de altura. ladrillo y cubierto con travertino se dividía en cinco niveles con una capacidad para más de 50.000 personas.

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Sarcófago dogmático, año 320, Mármol, Relieve, 131 centímetros de alto, Museo Pio Cristiano (Italia).

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Icono de Vladimir, c. 1131 EC en Constantinopla pintura al temple sobre tabla. (Galería Tretyakov, Moscú)

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El icono de la Virgen de Vladimir, una destacada obra del arte bizantino, se remonta al siglo XII y se cree que fue creada en Constantinopla. Esta pintura, típica del arte 2D que predominaba entre los siglos IV y XV, se caracteriza por su abstracción y su enfoque en lo espiritual más que en lo naturalista.

En la composición, se representa a la Virgen María sosteniendo amorosamente a su hijo Jesús en sus brazos. Las cabezas de ambos personajes son notoriamente grandes y redondeadas, mientras que la Virgen, con una nariz delgada y larga, muestra una expresión de compasión y melancolía, con la mirada dirigida hacia adelante. Viste una túnica azul adornada con estrellas y líneas doradas, mientras que Jesús, quien la abraza con ternura, lleva una túnica dorada.

La paleta de colores cálidos, que incluye tonos naranjas, amarillos, cafés y negros, crea una sensación de calidez y luminosidad en la obra. Esta luminosidad se refleja tanto en los rostros de los personajes como en los detalles dorados de sus vestimentas, lo que acentúa su divinidad y su conexión con lo sagrado.

La obra, clasificada como un icono debido a su profundo simbolismo religioso, representa a la Virgen María como la madre de Dios, actuando como mediadora entre la humanidad y la divinidad al alzar a Jesús. Esta representación refleja la devoción hacia la Virgen y Jesús en la tradición cristiana ortodoxa oriental, donde los iconos como este son considerados objetos sagrados que facilitan la conexión espiritual entre los fieles y lo divino.

El contexto histórico en el que se creó este icono fue marcado por conflictos y guerras, como las guerras civiles romanas y las guerras persas-romanas. Sin embargo, a pesar de estos desafíos, la devoción mariana y la producción de iconos como el de la Virgen de Vladimir persistieron como expresiones de fe y esperanza para los fieles.

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Página de Juan el Evangelista de los Evangelios de Lindisfarne (c. 635 d.C.)

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Ábside de San Clemente de Tahull, 1123, pintura, técnica fresco, obra pictórica monumental, 620 x 360 x 180 cm, Museo Nacional de Arte de Cataluña.

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1. La Ábside de San Clemente de Tahull es una pintura que se considera ícono del arte románico y que aún conserva importantes restos visibles. Pertenece a un mural de la iglesia de San Clemente de Tahull en el Valle de Bohí desde 1123, pero fue en 1904 que empezó a tener un valor artístico y patrimonial gracias al redescubrimiento de Lluís Domènech.

2. La obra muestra las visiones bíblicas de Isaías y

Ezequiel del Apocalipsis para mostrar al Cristo del Juicio Final, además la temática es representativa de la época debido a su estilo cristiano y europeo. Esta se divide en cuatro partes principales las cuales muestran a diferentes personajes de la narrativa. En el centro de la imagen se muestra a Jesús, todo lo demás está alrededor de él, lo podemos identificar por los dos dedos levantados de su mano derecha, él es más grande que los demás personajes, tiene colores azules, blancos y rojos en la túnica y parece estar sentado, tiene un libro en su mano izquierda y en sus pies se muestran una especie de heridas. (fondo azul)

Luego se muestra a Moisés con las tablas de la ley y Elías con un ave en los brazos, ambos en la parte superior. En seguida de ellos hay dos hombres con alas cafes, uno a cada lado que tienen ojos en las alas. (fondo azul y amarillo)

En la tercera sección, la cual tiene fondo azul, aparecen dos animales en los extremos, una especie de hiena y toro con alas, y también dos ángeles que sostienen las patas de los animales. (fondo azul)

Y por último en la parte inferior están los discípulos y la Virgen María. (fondo rojo y azul)

3. La pintura se realizó en fresco, las figuras de los cuerpos tienden a ser alargadas y la expresión de los rostros es de enojo y de juzgar. Los colores que se utilizaron son primarios y cabe rescatar que todos los personajes tienen una aureola en la cabeza. La pintura se realizó para ser vista desde el suelo.

4. Fue creada con un propósito devocional, también como enseñanza religiosa sobre escenas sagradas para inspirar a los fieles. Durante este tiempo, la región experimentó un importante crecimiento económico y cultural, especialmente en áreas como la agricultura, el comercio y la influencia de la Iglesia.

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Maestà,1308-1311,	Duccio, pintura al temple sobre tabla, 214 × 412 cm (imagen central), Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo, Siena.

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1. "Maestá" es una pintura al temple sobre tabla del artista Duccio. Es considerada una obra maestra y se realizó para la catedral de Siena en 1311, pero en la actualidad algunas de sus tablas se encuentran repartidas en varios museos. Su nombre tiene relación con el arte cristiano medieval occidental y significa en latín "Majestad de la Virgen María".

2. La obra representa una escena religiosa de la Virgen María cargando en sus brazos al niño Jesús. La pintura se divide en tres partes. En el centro está la virgen y el niño Jesús, los cuales son más grandes que los demás personajes. La virgen tiene una túnica azul que la cubre de la cabeza a los pies, tiene la mirada inclinada, también lleva una túnica roja y blanca, la mirada se dirige al horizonte. El niño Jesús tiene una túnica rosada y blanca, tiene una mano en el pecho y otra en la cadera, tiene cabello rubio y rizado y su mirada se dirige al frente, además lleva una aureola en la cabeza. Él representa divinidad y salvación.

En la parte superior hay 10 ángeles, todos con túnicas de diferentes colores y solo se ven de la cadera para arriba. En sus manos tienen objetos y otros levantan una de sus manos. Muestran reverencia y adoración.

En la parte inferior hay 29 santos con aureolas en sus cabezas. La mayoría de ellos observa a la virgen y al niño Jesús, otros se observan entre sí o miran al frente.

3. La obra se realizó en un retablo de madera. Se empezó haciendo un dibujo preliminar y se cubrió el fondo con oro fino para mostrar la divinidad de los personajes principales. Luego se añadieron las capas de pintura y finalmente se hicieron los detalles con pinceles finos. En la pintura resaltan los colores primarios como el azul, rojo y verde, así como el color dorado. Las figuras son un poco alargadas y las cabezas son redondas, la expresión de los rostros es tranquila, aunque en algunas caras de los santos se refleja duda, enojo o tristeza.

4. Esta escena es una de las más comunes en el arte sacro medieval y renacentista, simbolizaba la realeza y la divinidad de la Virgen María y de Jesucristo. Se creía que rezar frente a la imagen podía brindar protección e intervención de la virgen y su hijo Jesús. La obra podía ser vista por toda la congregación durante los servicios religiosos y también servía como herramienta de enseñanza y adoración.

5. En ambas obras no se enfocan en detallar las facciones de los cuerpos debido a que en estas épocas lo que se buscaba era representar un tema sagrado de la manera mas emotiva. Empezaron a contemplar la naturaleza para aprender de ella y hacer aspectos mas convincentes mas no realistas.

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La batalla de Constantino contra Majencio de Piero della Francesca (1415-1492),fresco, 42,1 x 35,7 cm

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Los proverbios holandeses, 1559, Óleo sobre madera - Gemäldegalerie, Berlín, Alemania, Museo de Historia del Arte de Viena 

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"Los Proverbios Holandeses" o "El Mundo al Revés" es una pintura al óleo sobre madera creada por el artista Bruegel. Representa diversas escenas de la vida cotidiana en un pueblo, donde se llevan a cabo una variedad de rituales supersticiosos. Las acciones de los aldeanos ilustran aproximadamente 120 proverbios holandeses distintos, todos relacionados con las peculiaridades del comportamiento humano. La temática principal de esta obra es la representación de la naturaleza humana, utilizando los proverbios como medio para transmitir mensajes moralizantes y críticas sociales. Bruegel ha representado escenas complejas y detalladas, con una gran cantidad de figuras humanas y elementos simbólicos dispuestos en un paisaje amplio y variado. Utilizó pinceladas hábiles y precisas para capturar la diversidad de expresiones y acciones humanas, así como para crear una sensación de movimiento. La obra logra profundidad gracias al lago y las montañas en el fondo, mientras que las casas y las personas en primer plano crean un efecto de cercanía. La luz en el cuadro ilumina toda la composición por igual, sin evidenciar direcciones específicas, y no se observan sombras en los cuerpos. Aunque las expresiones faciales de las personas no se detallan completamente, se pueden inferir emociones como confusión, ira, locura, frustración y desconcierto a través de las expresiones corporales y acciones de cada individuo. Los colores son opacos, predominando una gama de tonos cafés, con toques destacados de azules, rojos y amarillos en la vestimenta de los personajes. La composición de la obra es triangular, con el mayor peso visual en la base inferior. En la parte inferior hay varias escenas peculiares, como el hombre que abraza una columna, la mujer que manipula un cuerpo, el hombre que se pega con el muro, un hombre metido en una bola, un hombre inconsciente en una mesa, el hombre que observa como otro hombre tiene un animal encima del cuerpo. Por otro lado en la parte superior se observan personas saliendo por las ventanas de las casas, una pelea en la terraza de una de ellas, un hombre cazando, otro extendiendo una capa negra y un incendio por la parte del bosque, entre otras escenas. El propósito original de la pintura era transmitir mensajes moralizantes y críticas sociales a través de una visión satírica de la sociedad. Estaba dirigida al público en general, aunque especialmente a aquellos familiarizados con los proverbios y fue creada en un contexto cultural y social del siglo XVI en los Países Bajos, donde se desarrolló la pintura.

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La Batalla de Pavía, 1525, pintor flamenco del siglo xvi.

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Beeldenstorm, 1786, Jacobus Buys,, dibujo en papel y tinta,149 mm × 90 mm Ámsterdam: Rijksmuseum.

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“La intervención de las Sabinas,” 1799, Jacques-Louis David, Óleo sobre lienzo, 385 cm × 522 cm, Museo del Louvre.

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"La intervención de las Sabinas" es una obra del pintor francés Jacques-Louis David, pintada en 1799. Esta pintura retrata un episodio legendario de la historia romana en el que los romanos, bajo el liderazgo de Rómulo, secuestran a las mujeres sabinas para aumentar la población de Roma.

La temática de la obra gira en torno al conflicto y la reconciliación. El momento representado en la pintura es crucial, ya que muestra el momento en que las mujeres sabinas, que habían sido secuestradas por los romanos, interrumpen una batalla entre sus padres y sus esposos romanos para evitar más derramamiento de sangre. A través de gestos de valentía y sacrificio, las mujeres sabinas logran reconciliar a los dos grupos y establecer la paz.

La pintura está hecha con óleo sobre lienzo, con pinceladas suaves y detalladas. Se nota un buen manejo de las sombras y las proporciones de los cuerpos, así como detalles meticulosos en las telas de los personajes. La diferencia en el peso de las armas y los edificios del fondo contribuye a la profundidad de la obra. La luz, diagonal de izquierda a derecha y proveniente de arriba, se enfoca en los personajes de primer plano. Los colores predominantes son marrones, blancos, rojos, azules y dorados.

Las expresiones faciales de los personajes transmiten emociones intensas como furia, desesperación, ferocidad, miedo y súplica. La composición enfatiza el plano horizontal y la escena se desarrolla en la parte inferior del cuadro. Se observa a la izquierda a un hombre con armadura y desnudo, con una mujer tomándole la pierna mientras sostiene a un niño. En el centro, una mujer con un velo blanco y los brazos extendidos separa a dos hombres, con tres niños a sus pies y otras tres mujeres a su lado. A la derecha, otro hombre con armadura y un caballo. Detrás de ellos, hay más personas luchando, aunque no están tan detalladas.

La obra está diseñada para ser vista desde abajo, lo que enfatiza su monumentalidad y permite al espectador sumergirse en la intensidad del conflicto representado.

"La intervención de las Sabinas" fue creada como una pintura monumental con un propósito narrativo e histórico. Su propósito original era conmemorar y representar un episodio legendario de la historia romana. Estaba destinada al público en general, ya que fue encargada por el gobierno francés y exhibida en el Salón del Imperio en el Louvre, un espacio público dedicado a glorificar la historia y el poder del imperio francés.

El rapto de las mujeres sabinas, como consecuencia de la guerra y la conquista, ofrece una reflexión sobre los horrores de la guerra y la posibilidad de encontrar reconciliación y paz incluso en los momentos más oscuros de la historia.

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La libertad guiando al pueblo, 1830, Eugène Delacroix, Óleo sobre lienzo, 260cm × 325cm, Museo del Louvre, París.

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"La Libertad guiando al pueblo" es una obra maestra del arte francés creada por el pintor Eugène Delacroix en 1830. Esta pintura, también conocida como "La Liberté guidant le peuple" en francés, tiene una temática profundamente política y patriótica, y se ha convertido en un símbolo icónico de la Revolución Francesa de 1830 y de los ideales de libertad, igualdad y fraternidad.

La pintura representa una escena de la Revolución de Julio de 1830 en Francia, en la que el pueblo francés se levantó contra el régimen monárquico de Carlos X. En el centro de la composición, una figura alegórica de la Libertad personificada avanza con determinación, llevando en su mano derecha la bandera tricolor de Francia y en su mano izquierda un fusil. La composición está llena de simbolismo y emoción, con una variedad de expresiones en los rostros de los personajes que van desde la muerte hasta la ferocidad y el poder.

La pintura está realizada con una mezcla de colores vibrantes, destacando principalmente el azul, el rojo y el blanco, que son los colores de la bandera francesa. El fondo de la obra es más difuso, lo que resalta la acción en primer plano y crea una sensación de profundidad en la escena. La composición se organiza en torno a un triángulo formado por la figura central de la Libertad, los dos hombres a su lado y los cuerpos caídos en la parte inferior, lo que enfatiza la importancia de estos personajes en la narrativa de la obra.

En la parte izquierda de la composición se destacan tres hombres, uno de ellos tiene una espada y tiene puesto un sombrero pequeño y de lado, el hombre en la parte inferior tiene un sombrero un poco extraño y en la mano una espada y en la otra una piedra, y el tercer hombre lleva un traje elegante y tiene un fusil en la mano. En la parte inferior hay dos hombres muertos, uno de ellos está casi desnudo y el otro tiene un traje de militar. En la parte del centro está un hombre inclinado mirando a la libertad, su ropa tiene una pañoleta en la cabeza. Luego está la libertad con un brazo extendido hacia arriba cargando la bandera de Francia, ella tiene el pecho descubierto y está vestida con una túnica. Al lado derecho está un niño con dos armas además de un bolso cruzado.

"La Libertad guiando al pueblo" fue creada como una obra de arte con el propósito específico de conmemorar y celebrar la Revolución de Julio de 1830 en Francia, transmitiendo un mensaje político y patriótico de libertad y justicia. La pintura estaba dirigida al público en general, especialmente a los ciudadanos franceses que participaron en la revuelta o que apoyaron sus ideales. Fue exhibida por primera vez en el Salón de París en 1831, donde fue recibida con entusiasmo y se convirtió en un símbolo de la Revolución.

Esta obra está estrechamente relacionada con la guerra debido al contexto en el que fue creada, durante un período de enfrentamientos armados entre los revolucionarios y las fuerzas leales al rey. Se convierte así en un símbolo poderoso de resistencia y lucha por la libertad en tiempos de conflicto.

Las similitudes entre estas dos obras son notables. Ambas representan conflictos significativos: uno, el rapto en "La intervención de las Sabinas", y el otro, la revolución en "La Libertad guiando al pueblo". En ambas pinturas, se vislumbra una esperanza de paz y reconciliación, una búsqueda de solución al problema político que enfrentan. En un caso, es la lucha por la libertad y la justicia, mientras que en el otro es un intento de poner fin a la guerra entre dos grupos de romanos. Además, ambas obras destacan por su énfasis horizontal en la composición, la presencia de armas, la representación de personas desnudas y los gestos de miedo en los rostros de los personajes, todo ello acompañado de un llamamiento a hacer lo correcto en tiempos de conflicto y crisis.

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 L'Épisode de la Commune, 1871, Édouard Manet, Óleo sobre lienzo, 47 cm × 66 cm, Impresionismo, colección privada.

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Guernica ,1937 ,Pablo Picasso, óleo sobre lienzo de lino y yuta 3.49 m x 7.77 m, Cubismo, Surrealismo,  Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

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"Guernica" es una pintura al óleo creada por el artista Pablo Picasso, quien utilizó el estilo cubista, característico de su obra, para representar de manera fragmentada y desarticulada la destrucción y el caos causados por la guerra. La obra está compuesta por una serie de figuras humanas y animales en agonía que ocupan todo el espacio de la pintura. Entre estas figuras se encuentran una mujer gritando con su hijo muerto en brazos, un soldado caído, un toro, un caballo herido y otros personajes que expresan dolor y desesperación. La técnica que utiliza Picasso se basa más en el uso de bloques de color que en la combinación de colores para crear contraste ya que las figuras tienden a ser abstractas. También hay trazos delgados y finos con el pincel que delinean los rostros y las formas de esta obra. La luz se refleja en los colores claros de los rostros de las figuras, mientras que las sombras se crean con triángulos negros debajo de las figuras. La obra emplea una paleta monocromática que intensifica el horror representado. Los cuerpos en la pintura están fragmentados, la escena es caótica y llena de movimiento. Los sujetos llenan todo el espacio y se complementan entre sí. El gran tamaño de la obra es imponente y obliga al espectador a retroceder para apreciar la totalidad de la composición. Con esta obra, Picasso quiso denunciar los horrores de la guerra y el sufrimiento de los inocentes. La obra fue encargada por el Gobierno Republicano de España para ser exhibida en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937. Su propósito era atraer la atención mundial hacia los acontecimientos en España y generar apoyo para la causa republicana. Fue exhibida por primera vez en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París en 1937. "Guernica" fue concebida para ser vista públicamente y muestra la influencia del cubismo, un movimiento cofundado por Picasso. La obra refleja el entorno político tumultuoso en el que vivió Picasso, lo que lo llevó a crear piezas con fuertes mensajes políticos y sociales.

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Diosa de las serpientes de Cnosos 1.600 a.C