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O Abstracionismo, ou arte abstrata, é um estilo artístico moderno das artes visuais que prioriza as formas abstratas em detrimento das figuras que representam algo da nossa própria realidade. Dessa forma, podemos dizer que esse tipo de arte é uma obra “não representacional”, ao contrário…

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O que é Abstracionismo:

Abstracionismo é um movimento artístico vanguardista em que a representação da realidade é feita de maneira desconstruída, com o uso de cores, linhas e formas abstratas.

Também chamado de Arte Abstrata, há registros desta forma de arte desde a pré-história. Mas o conceito de Abstracionismo foi consolidado no início do século XX, com o início do movimento liderado por Wassily Kandinsy.

A chegada do movimento abstracionista rompe de uma vez com toda e qualquer referência concreta. Tudo é abstração nas obras, como se estivessem criando uma realidade paralela, um universo autônomo abstrato em que as linhas, formas e cores não são o que se vê. Esta ideia pode ser sintetizada na frase de Kandinksy, "criar uma obra de arte é criar um mundo".

O movimento abstracionista tem grande influência entre os artistas dos séculos XX e XXI, envolvendo dentro do conceito de Arte Abstrata outras correntes artísticas como o Expressionismo, Cubismo, Dadaísmo, Futurismo, Surrealismo e Neoplasticismo.

Veja também: características do expressionismo e Os Tipos de Arte.

Principais artistas do Abstracionismo

Wassily Kandinsy, Piet Mondrian, Jackson Pollock, Paul Klee e Robert Delaunay.

O artista japonês radicado em São Paulo Manabu Mabe foi o precursor do abstracionismo no Brasil, seguido por Tomie Ohtake, Cicero Dias e Antonio Bandeira.

Características do Abstracionismo:

Representação do mundo desligada da realidade visível

Negação do figurativo e da imitação do mundo

Desconstrução das figuras naturais

Simplificação da forma

Inovação no uso da cor

Rejeição da perspectiva

Oposição à iluminação convencionalmente retratada

Contexto histórico do Abstracionismo

O movimento do abstracionismo surgiu em contraposição à noção de arte e beleza renascentista, ainda vigente na época. No renascimento, o talento do artista era medido pela sua capacidade de reproduzir com a maior verdade possível o mundo à sua volta.

Há autores que também defendem que a popularização da fotografia, no final do século XIX, contribuiu para o surgimento da arte abstrata, já que não era mais preciso que a arte atuasse enquanto uma imitação do mundo.

Os impressionistas do fim do século XIX e começo do século XX, como Monet, que já haviam começado a busca pela representação do universo por outros olhares. A preocupação dos impressionistas era com a luminosidade, muito mais do que a perfeita impressão dos objetos ou pessoas representadas.

No começo do século XX despontam dois estilos que começam a quebrar com a ideia da imitação da natureza, abrindo espaço para o avanço e consolidação da arte abstrata. O Fauvismo de Henri Matisse dedicava-se à simplificação das formas e um apurado estudo de cores. O Dadaísmo de Pablo Picasso e Georges Braque decompunha a perspectiva das cenas e usava de figuras geométricas na representação dos elementos da natureza.

Abstracionismo Informal

Dentro do Abstracionismo, uma vertente identificava-se mais com a transmissão de sentimentos e emoções através da arte. O que ficou conhecido como Abstracionismo Informal, ou Abstracionismo Expressivo, ou ainda Abstracionismo Lírico. Os artistas identificados com este grupo trabalhavam ainda mais sua subjetividade, traduzindo uma forte carga emocional nas obras por meio de cores e formas livremente interpretadas, por instinto. Seu maior representante foi o pintor russo Wassily Kandinsky.

Abstracionismo Geométrico

Enquanto o Abstracionismo informal preocupava-se com a emoção, o foco do Abstracionismo Geométrico era a forma. Os elementos das obras, suas cores e linhas, formavam composições geométricas. O artista que mais se destacou dentro desta vertente foi o holandês Piet Mondrian.

Você pode ter interesse nos significados de Cubismo, Futurismo e Arte abstrata.

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Significado de Abstracionismo (O que é, Conceito e Definição)

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O que é Abstracionismo: Abstracionismo é um movimento artístico vanguardista em que a representação da realidade é feita de maneira desconstruída, com o uso de cores, linhas e formas abstratas. Também chamado de Arte Abstrata, há registros desta forma de arte desde a pré-história.

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A arte abstrata (ou abstracionismo) é aquela que foge a representação de qualquer realidade exterior.

Em outras palavras, o abstracionismo não se debruça sobre um objeto ou cenário, não pretende imitar a natureza, ou tem qualquer intenção de representar o mundo externo.

Resumo e características da Arte abstrata

A arte abstrata, completamente liberta de qualquer obrigatoriedade em representar figuras reconhecíveis, ficou também conhecida como arte não figurativa.

Por ser mais aberto, o abstracionismo permite que o espectador multiplique interpretações possíveis, podendo usar a imaginação como uma ferramenta de compreensão do trabalho.

O foco é no uso das cores, das formas geométricas, disposição gráfica, texturas, arranjo e composição.

Origem do movimento abstracionista

Historicamente, a arte acompanha as transformações da sociedade. No momento em que arte abstrata surge, despontavam novas ideologias políticas, descobertas científicas nos campos da biologia, física e matemática.

Seguindo o fluxo dessas mudanças, os artistas procuraram desenvolver linguagens completamente inovadoras. É nesse contexto que ocorre a chamada arte moderna, da qual as obras abstratas são decorrentes.

Assim, esse tipo de arte nasce na pintura, no princípio do século XX, como uma oposição ao figurativismo. Quando surgiu, era um movimento bastante polêmico e foi rejeitado pela crítica e público, especialmente pela elite.

"Se a expressão pictórica mudou, é porque a vida moderna fez com que fosse necessário."
Fernand Léger

Vertentes do abstracionismo

Costuma-se dividir a arte abstrata em dois grupos: abstracionismo expressivo (também conhecido como lírico ou informal) e abstracionismo geométrico.

O primeiro se inspirou nos movimentos de vanguarda expressionismo e fauvismo, tendo como maior representante o russo Wassily Kandinsky. Esse artista é considerado o primeiro a produzir arte abstrata, realizando diversos trabalhos a partir da experiência sonora e da relação entre a música e as cores.

Já o abstracionismo geométrico teve como principal influência o rigor matemático e foi influenciado pelo cubismo e futurismo. Nomes de destaque nessa vertente são Piet Mondrian e Malevich.

Apesar dessa tentativa de categorização, vale a pena sublinhar que a arte abstrata não se tratou de um grupo homogêneo de artistas produzindo peças semelhantes. Cada artista escolheu percurso e seguiu uma linha particular.

"O artista não precisa falsificar a natureza para criar a sua imagem pictórica; a evocação do assunto e o tratamento inventivo da forma tomaram o lugar da imitação direta."

Artistas e obras do abstracionismo

1. Wassily Kandinsky

O pintor russo Wassily Kandinsky (1866-1944) é considerado o pioneiro da arte abstrata. O trabalho Primeira aquarela abstrata data de 1910 e representou um divisor de águas na pintura.

Kandinsky, que vivia em Munique, foi o primeiro pintor ocidental a conseguir se desvencilhar da obrigatoriedade da pintura representacional. As suas telas eram famosas pelas formas geométricas, composição inovadora e pelo uso intenso das cores. O pintor dizia que se inspirava na liberdade presente na música.

Kandinsky chegou a ser professor da Bauhaus, importante escola alemã de design, arquitetura e arte.

Outra obra emblemática dele é Composição IV ou A Batalha, realizada em 1911, feita também com o intuito de evidenciar os efeitos cromáticos na psiquê das pessoas.

Confira também as principais obras de Wassily Kandinsky que resumem a sua biografia.

2. Kazimir Malevich

Outro grande nome do abstracionismo é o também russo Kazimir Malevich (1878-1935). As obras do pintor procuravam resumir formas e cores a composições mais simples possíveis.

Esse foi um dos primeiros artistas a utilizar formas geométricas puras em seus trabalhos. Malevich é um dos mais representativos artistas do Abstracionismo geométrico, ou suprematismo.

Uma de suas telas mais representativas, e que possui grande importância para a história da arte de maneira geral, é Quadrado Preto (1913).

"Na minha luta desesperada para libertar a arte do lastro deste mundo de objetos, refugiei-me na forma do quadrado".
Kazimir Malevich

3. Piet Mondrian

O holandês Piet Mondrian (1872-1974) também foi um dos grandes nomes do movimento abstrato. Suas telas foram pintadas a partir de cores puras e linhas retas.

O desejo do pintor era obter o máximo de clareza possível e, para isso, procurava que as telas refletissem as leis matemáticas do universo. Não por acaso os padrões da pintura eram sempre regulares, precisos e estáveis.

Grande parte de seus trabalhos são variações sobre as cores primárias, compostas em arranjos com linhas pretas. Uma dessas telas é Composição em vermelho, amarelo e azul, de 1921.

Arte abstrata no Brasil

Desde a década de 1940, a arte abstrata começou a entrar em território brasileiro. Os pioneiros foram Abraham Palatnik (1928), Manabu Mabe (1924-1997) e Luiz Sacilotto (1924-2003).

O momento chave, no entanto, ocorreu em 1951, com a I Bienal de São Paulo. Foi lá que despontaram nomes como Lygia Clark, Helio Oiticica e Alfredo Volpi.

1. Lygia Clark

Lygia Clark (1920-1988) não foi apenas pintora, também atuou como escultora, desenhista, professora de belas artes e psicoterapeuta.

A artista fez parte do neoconcretismo brasileiro. A sua série tridimensional Bichos, de 1960, fez imenso sucesso de público e crítica, pois trazia inovações no campo da não representação, a medida que permitia que a imaginação do público fluísse.

As esculturas eram feitas com material de revestimento de avião e ofereciam múltiplas combinações de acordo com o desejo do espectador.

2. Hélio Oiticica

Hélio Oiticica (1937-1980) pertenceu, assim como Lygia Clark, ao neoconcretismo. Sua produção - composta de muitas telas e instalações - teve influência anarquista.

O artista ficou muito conhecido pelas instalações com cores intensas, uma delas é Penetrável Magic Square nº 5, De Luxe, uma construção feita a partir de uma maquete de 1977, que pode ser encontrada também no Museu de Inhotim.

3. Alfredo Volpi

Alfredo Volpi (1896-1988) é considerado um dos expoentes do movimento modernista brasileiro.

Seu nome está relacionado à arte abstrata devido às suas composições geométricas, ainda que sejam inspiradas em elementos reconhecíveis, as bandeirinhas de festas juninas, e muitas vezes levem no título o nome das bandeirinhas.

Um exemplo desse tipo de arte abstrata feita por Volpi é Bandeirinhas com Mastro, da década de 60.

Conheça também

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Arte abstrata (abstracionismo): principais obras, artistas e tudo sobre

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A arte abstrata (ou abstracionismo) é aquela que foge a representação de qualquer realidade exterior. Em outras palavras, o abstracionismo não se debruça...

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Abstracionismo e a herança para arte contemporânea

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Nos debruçamos sobre o chamado movimento abstracionista. O desejo da abstração é o abandono completo do figurativo para criar novas pinturas.

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Abstracionismo - Definição

Abstracionismo é uma representação não tendo nenhuma referência a objetos concretos ou exemplos específicos

Expressionismo Abstrato

Emergente na década de 1940 em Nova York e florescente nos anos cinquenta, o Expressionismo Abstrato foi considerada por muitos como a idade de ouro da arte americana.

O movimento foi marcado por seu uso de pinceladas e textura, o acolhimento do acaso e das telas freqüentemente enormes, todos empregados para transmitir emoções fortes através da glorificação do próprio ato de pintar.

Abstracionismo - Período

A arte abstrata é a exclusão de todos os tipos de formas - estruturas que são supostamente para definir objetos, perspectivas e escalas.

Pintores e outros artistas deste período rejeitaram os nomes das formas específicas, aprovadas por anos. Eles substituíram linhas com o local e vertical com o nível.

O Abstracionismo nasceu como resultado de alguns campos já conhecidos da arte: cubismo, futurismo, o expressionismo e as tendências muito semelhantes entre si. Os maiores representantes da abstração começaramm como os criadores dessas três direções.

A pintura abstracionismo nasceu na Rússia no início do século XX. Precursor da abstração na pintura era Wassily Kandinsky.

Abstracionismo - Artes Plásticas

O Abstracionismo foi um movimento das artes plásticas que surgiu no início do século XX, na Alemanha, rompendo com a tradição das escolas renascentistas e abandonando a representação da realidade. Não se importavam com figuras ou temas, mas exaltavam as cores e formas.

O Abstracionismo identifica-se com duas linhas de criação: a abstração informal e a abstração geométrica.

Abstração informal: Segue a criação de formas mais livres e expressa sentimentos, emoções. O artista cria as formas no momento de pintar, livremente, e as linhas e cores expressam suas emoções. Daí se vê manchas e grafismos nestas obras de arte. O pioneiro nesta expressão artística foi o russo Vassili Kandínski (1866-1944).

Devemos citar que a abstração informal gerou outras tendências artísticas tais como: o expressionismo abstrato, nos EUA, e a abstração gestual, na Europa e América Latina.

Abstração geométrica: Segue uma técnica mais dura, sem expressão de sentimentos ou idéias. O artista simplesmente explora as formas geométricas, abandonando a transmissão de pensamentos e sentimentos. Já na abstração geométrica, os méritos do pioneirismo devem ser divididos entre o russo Malevitch (1878-1935) e o holandês Piet Mondrian (1872-1944).

É importante ressaltar que o trabalho do russo Malevitch gerou um movimento derivado da abstração, chamado de suprematismo (autonomia da forma). O destaque fica para a tela Quadrado Negro sobre Fundo Branco.

Quanto ao artista holandês Mondrian, este dedicou-se às telas apenas com linhas horizontais e verticais, ângulos retos e as cores amarela, azul e vermelha, além do preto e do branco. O trabalho de Mondrian influenciou diretamente a arte funcional desenvolvida pela Bauhaus. Da abstração geométrica derivaram o construtivismo, o concretismo e, mais recentemente, o minimalismo.
ESCULTURA
Os escultores abstratos usam a natureza não como tema, mas como fonte de idéias. A natureza serve como ponto de partida para sua criatividade; o resultado final na maioria das vezes não tem semelhança alguma com o original. O que importa para sua obra são as formas e cores, trabalham o volume e a textura.

Artistas abstratos usam concepções matemáticas em suas esculturas, como é o caso de Helaman Ferguson, que descobriu um ponto comum entre a matemática e a arte.

Abstracionismo - Movimento

Movimento abstracionista passou a predominar na época contemporânea a partir do momento em que o artista não se refere mais aos objetos concretos, como retratos, marinhas, flores, relações históricas, literárias ou mitológicas.

Isso aconteceu principalmente porque com a invenção da máquina fotográfica a arte se voltou para a expressão do interior. Os artistas não se preocupavam mais com a representação do assunto, pois o valor está na relação das formas e das cores.

A arte abstrata trabalha com jogos de luz e sombra, ritmo, cor, harmonia, equilíbrio, linha, ponto e formas geométricas. Os estudiosos em arte comumente consideram o pintor russo Wassily Kandinsky (1866-1944) o iniciador da pintura abstrata.
O abstracionismo ao se tornar um movimento mais diversificado se firmou em duas tendências: O abstracionismo informal

Predomínio dos sentimentos e das emoções.
As formas e as cores são criadas mais livremente sugerindo associações com os elementos da natureza

O abstracionismo geométrico: as formas e as cores se compõem de forma a ser apenas a expressão de uma concepção geométrica.

Abstracionismo Geométrico
Nas duas tendências fundamentais, o abstracionismo apresenta subtendências. No informal, as mais importantes são o tachismo e o grafismo; no geométrico o neoplasticismo ou concretismo.
Abstracionismo Informal
Na pintura destacam-se: Francis Picabia, Paul Klee, Piet Mondrian, Malevick e Marcel Duchamp. No Brasil, o abstracionismo instalou-se por volta de 1947 com os pintores Antonio Bandeira e Milton Dacosta.

As formas e cores são criadas impulsivamente, no livre curso da emoção, com absoluto predomínio do sentimento. Em contato com o real ou com a natureza, o pintor informal abstrato expressa uma emoção em lugar de representar uma imagem criada ou composta intelectualmente.

Muitos abstratos, aliás, pintam abstratamente diante da natureza. Apenas evitam imitar, copiar, descrever aspectos da natureza. Procuram, ao contrário, sugerir, evocar, aludir, fixando impressões gerais ou particulares de ritmos da natureza.

Para alguns autores, o abstracionismo informal seria uma revolta do espírito contra a precisão mecânica da vida moderna, contra o culto do racionalismo e da exatidão da civilização industrial. Seria uma espécie de romantismo moderno.

Alguns abstratos puros entendem que, embora não partindo ou não se inspirando na natureza, o artista pode encontrá-la, quando expressa e comunica ritmos de vitalidade. Em defesa do abstracionismo informal também se alega que o quadro figurativo reproduz o mundo exterior; o quadro abstrato, o mundo interior do artista - as linhas e cores adquirem virtudes poéticas, verdadeiramente musicais, porque não representam as qualidades materiais da realidade física, mas as realidades do mundo psíquico do artista.

Quando assume feições luminosas, obtidas por meio de tonalidades delicadas e feéricas, o abstracionismo informal chama-se "abstracionismo lírico"; quando, porém, o sentimento se exaspera e dramatiza, através de tonalidades carregadas, intensas e violentas, chama-se "abstracionismo expressionista".

Os melhores exemplos de abstracionismo informal se encontram em grande parte das obras do próprio Kandinsky, que mais tarde teria uma fase geométrica.

O movimento abstracionista passou a predominar na época contemporânea a partir do momento em que o artista não se refere mais aos objetos concretos, como retratos, marinhas, flores, relações históricas, literárias ou mitológicas.

Isso aconteceu principalmente porque com a invenção da máquina fotográfica a arte se voltou para a expressão do interior. Os artistas não se preocupavam mais com a representação do assunto, pois o valor está na relação das formas e das cores.

A arte abstrata trabalha com jogos de luz e sombra, ritmo, cor, harmonia, equilíbrio, linha, ponto e formas geométricas. Os estudiosos em arte comumente consideram o pintor russo Wassily Kandinsky (1866-1944) o iniciador da pintura abstrata.

Abstracionismo - História

Diferentemente da história da abstração geométrica, a da abstração informal ou lírica no Brasil é bem mais simples e não se fundou em grupos organizados nem em embates teóricos.

A grande influência sobre seu desenvolvimento foi mesmo a Bienal de São Paulo que, desde sua criação, em 1951, e em especial ao longo da década de 60, mostrou as obras dos pintores tachistas, informalistas e gestuais cujas carreiras iam chegando internacionalmente ao apogeu. Mas mesmo antes da Bienal houve, a rigor, dois pioneiros, Cícero Dias e Antônio Bandeira, que no final da década de 40 viviam na Europa e vinham ao Brasil.

Dentro do rótulo abstração informal entra também o expressionismo abstrato, que designa uma arte mais vigorosa, gestual e dramática, cujo ponto máximo é a action painting do norte-americano Jackson Pollock (1912-1956).

No Brasil, nunca se chegou a tal extremo. O mais gestual e dramático de nossos abstracionistas foi o pintor Iberê Camargo. De resto, o gesto - em especial um gesto elegante, com nítido caráter caligráfico - aparece na pintura dos artistas chamados nipo-brasileiros, porque nasceram no Japão, emigraram para o Brasil, mas trouxeram da terra natal uma tradição de arte abstrata, que aqui desenvolveram.

O primeiro dos nipo-brasileiros a se impor, no final da década de 50, foi Manabu Mabe (1924-1997), um ex-lavrador que emigrara aos dez anos.

A pintura de Mabe é grandiloqüente e ornamental, e ele é o mais conhecido dos nipo-brasileiros no exterior. Além de Mabe, se destacaram Tikashi Fukushima (1920), Kazuo Wakabaiashy (1931), Tomie Ohtake (1913) e Flávio Shiró (1928).

Os dois últimos são casos especiais. Tomie nunca chegou a ser exatamente uma pintora informal, embora não usasse, no início, formas geométricas; adotou-as, entretanto, dos anos 70 em diante. Já Flávio Shiró fez uma síntese muito original e altamente dramática entre abstração gestual e figuração, e há fases em que uma ou outra predominam.

Outros pintores abstratos informais de importância e qualidade que devem ser citados: Henrique Boese (1897-1982), nascido na Alemanha; Yolanda Mohályi (1909-1978), nascida na Hungria; Mira Schendel (1918-1989), nascida na Suíça; Wega Nery (1912); Loio Pérsio (1927); Maria Leontina (1917-1984) e Ana Bella Geiger (1933), todos nascidos no Brasil.

Muito importante, dentro do abstracionismo lírico no Brasil, foi também o papel da gravura, que se tornou mais que uma técnica de multiplicação de imagens e conseguiu o status de linguagem. Mestres da gravura abstrata lírica se tornaram Fayga Ostrower (1920), Artur Luís Piza (1928), Rossini Perez (1932), Anna Bella Geiger (1933) - antes de passar à pintura - e Maria Bonomi (1935).

Vários dos artistas citados continuam em franca atividade. Por outro lado, artistas muito jovens realizam hoje uma pintura que oscila entre uma figuração apenas sugerida, e a abstração informal, pelo vigor e quantidade da matéria pictórica, pela presença marcante do gesto e pelo ímpeto expressivo.

Abstracionismo - Abstração

Em geral entende-se como abstração toda a atitude mental que se afasta ou prescinde do mundo objetivo e seus múltiplos aspectos. Refere-se, por extensão, no que tange à obra de arte e ao processo de criação, suas motivações e origens , a toda a forma de expressão que se afasta da imagem figurativa.

Max Perlingeiro, in "Abstração como linguagem: perfil de um acervo" Editora Pinakotheke. SP

Obra figurativa: Nome: Mulher com jarra de água Autor : Johannes Vermeer Data: 1660
Acervo Marquand Colletion of The Metropolitan Museum of Art - N.Y.
No contexto da Arte moderna, o sucesso da chamada arte abstrata foi tão grande que a conceituação a respeito passou a ser feita muitas vezes apressadamente, sem a devida atenção ao significado legítimo de "abstração". Esse conceito se refere à operação de abstrair, que significa, em princípio, retirar, separar ou eliminar certas características ou certos elementos de um todo originalmente integrado. Por meio da operação abstrativa é possível efetuar-se a seleção de determinados aspectos semelhantes - a fim de que a atenção possa melhor concentrar-se neles.

Usando um simbolismo meio simplista, mas de efeito claro e para fins didáticos, podemos comparar a obra figurativa com uma canção com versos. Ao ouvirmos a interpretação do cantor, percebemos com facilidade o que o compositor nos deseja contar. A obra abstrata, por sua vez, pode ser comparada a uma melodia sem versos. E cabe ao ouvinte deixar-se levar pela música e sentir, quase sem nenhuma indicação explícita, a proposta do compositor.

Mas, para entender a arte abstrata em sua complexidade, recomenda-se ampliação do repertório de conhecimentos sobre Arte, visitando exposições, lendo, vendo e, principalmente, visitando a História.

A pintura dentro do fazer artístico, até meados do século XVIII, seguia normas rígidas nas soluções e preocupações dos artistas com a figura.

Tanto assim que as academias ensinavam que havia quatro temas a serem desenvolvidos na pintura: natureza morta, retrato, paisagem e marinha, e um tema denominado alegoria, ou pintura alegórica.

Obra figurativa: Nome Flores e doces Autor: Pedro Alexandrino Data: 1900 Acervo: Pinacoteca do Estado de SP
Na natureza morta, os objetos ou figuras apresentam-se em um ambiente interno afastado da natureza. São representados seres vivos, mas que se sabe inanimados (daí o termo natureza morta, traduzido do francês, e que recebeu em inglês a denominação de still life). Flores e frutos, mesmo que frescas e viçosas, aparecem nas telas repousadas sobre superfícies ou colocadas com esmero em jarros ou vasos de materiais diversos.

Animais de caça e pesca à espera do cozinheiro. Pães, facas e cestos surgem sobre um planejamento calculadamente despojado.

O retrato, quase sempre, colocava o personagem em posturas estudadas, com luzes e sombras perfeitamente controladas e, dependendo da maior ou menor habilidade e sensibilidade do artistaretratista, a personalidade do retratado poderia emergir nas feições e na postura do modelo.

As paisagens são, talvez, as obras figurativas mais apreciadas antes do surgimento das regras acadêmicas e depois da decadência delas. A paisagem situa as pessoas em locais diversos do seu cotidiano, e a nostalgia transmitida pelo estar- não-estar sempre encanta.

O mesmo pode-se dizer das marinhas: rios ou mares revoltos; plácidas areias de uma praia tranqüila; azuis celúreos ou névoas espessas; o brilho e a escuridão das águas profundas.

Obra abstrata Título Estaleiro Velrôme Autor: Lucio Pegoraro Data: 1986 Acervo do autor
A pintura alegórica está ligada ao conhecimento, aos signos, e conta, por meio de símbolos, as passagens, momentos ou políticas ligadas mais diretamente ao tempo e ao espaço onde se desenvolve. Provoca sentimentos e sensações, mas exige erudição.

Portanto, todas essas sensações estão bem claras nas obras figurativas clássicas.

E a pergunta que surge é: Como e por que os artistas abandonaram essas propostas estéticas tão apreciadas, já introjetadas no inconsciente e aceitas de imediato ao primeiro olhar?

A Arte não é estática. O artista é um ser ligado ao passado e ao futuro, um criador, traz em si o espírito do cientista e a perspicácia do pesquisador. Seus interesses estão nos desafios, nas inquietações e no mergulho sem fim no cosmos, no imponderável, no infinito. Interessa-lhe as rupturas e os questionamentos. E, se assim não for, não será um artista. Acomodar-se não é parte do seu ser e, se gosta, luta pela aceitação. Também luta e gosta de sua própria individualidade.

Paradoxos à parte, é isso que move a arte e que a eleva e transforma.

Entendendo o motor contínuo da História e inserido irremediavelmente nele, o artista é impelido sempre a criar. Daí surgem as correntes, as estéticas, as poéticas, os movimentos estéticos. Note-se que não estamos falando de um setor da sociedade que busca o novo pelo novo, o gosto pela novidade apenas para consumila e descartá-la. Pelo contrário, o artista digno dessa classificação - desse nome tão massificado e desgastado - não faz concessões aos desejos do consumidor de arte, não produz aquilo em que não acredita.

Devido a isso temos obras que são marcos importantes na história da arte e outras tantas que foram criadas como cópias mal acabadas e depois descartadas. O grande momento da pintura figurativa ocorreu, seguramente, entre os séculos XVII e XVIII. A perfeição alcançada pelos acadêmicos é tal que ainda encanta os olhos. Mas e o espírito? As emoções?

Não por acaso, as preocupações com os sentimentos e as sensações surgem no final do século XIX.

A busca de conhecimentos mais profundos sobre a psique humana; o comportamento mais livre das imposições sócio-políticas; a valorização do interior, do cerne, daquilo que não está visível, aparente e reconhecido de imediato: isso tudo é relatado pelas novas formas de arte que surgem com o modernismo.

Obra abstrata G. A.4 Autor :Gerard Richter Data : 1984 Acervo: Museu de Arte Moderna - Nova York
Abstrai-se, retira-se o relato que a figura traz e incitase o intelecto e a emoção de buscar novas relações de espaço, tempo, cor, forma.

Dizer que a pintura foi modificada em razão do surgimento da fotografia é simplismo.

Os pintores de ofício perderam seus clientes não em razão da fotografia, mas por não terem muito mais a dizer em seus retratos posados, estudados, em fórmulas repetidas.

Os impressionistas saíram dos ateliês, procuraram a luz natural, criaram um novo modo de pintar, romperam com a academia e, em suas buscas incessantes, mudaram a pintura. Buscavam colocar a figura, a paisagem, o mundo em uma nova organização ditada pelas impressões que estas lhe causavam. Os impressionistas valorizavam os sentimentos dos protagonistas, sejam pessoas, árvores, janelas ou qualquer outra figura

Vicente Van Gogh, Paul Klee, Paul Gauguin, Arp, Munck, Picasso, Braque, Miro e tantos outros.

Quando René Magritte, em 1927, nos diz literalmente em sua obra "isto não é um cachimbo" mas a representação de um cachimbo, coloca a questão da mistificação do figurativo, da representação da realidade, da polissemia da obra de arte, ao lado de outras questões propostas por Kandinski, Chagall, entre outros.

O valor da arte influenciada ou ditada pelas práticas acadêmicas é inegável, mas o movimento de ruptura, denominado Moderno, transformou esse vocábulo em sinônimo de algo inadequado e cheio de bolor. Como o modernismo se impôs de forma total e eficiente, por mais de 100 anos, no momento contemporâneo - pós-moderno - o academismo é visto como o produto de uma época, de um determinado momento e... ponto.

A Arte abstrata descarta a figura conhecida e recoloca o mundo visível na informalidade das formas, cores, linhas, texturas, planos e volumes. O gesto traduz a intenção e sua liberdade libera também a expressão interior transformadora.

As polêmicas que as correntes abstracionistas provocaram já estão aplacadas e descoradas.

A chamada arteabstrata não mais traz choques ou indignação, mas apenas aquilo a que se propõe: reflexão. Neusa Schilaro Scaléa

Fonte: www.mre.gov.br/www.edukbr.com.br

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Abstracionismo, Arte, Abstrata, Pintura, História, Movimento, Escultura, Geométrica, Brasil, Período, Tendências, Definição, Abstracionismo

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Abstracionismo - Transferir como PDF ou ver online gratuitamente

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A atriz Lena Olin (na imagem acima) vai desempenhar o papel da revolucionária artista sueca e pioneira do abstracionismo Hilma af Klint (1862-1944). O filme será escrito e realizado por Lasse Hallström () para a plataforma de streaming nórdica Viaplay.

Klint frequentou a Real Academia de Belas-Artes, centro de educação artística da capital sueca, mas logo se distanciou do seu treino académico para pintar mundos invisíveis, influenciada pelos movimentos espirituais da época. O seu feminismo foi também reconhecido, integrando o grupo artístico " As cinco ", composto por artistas mulheres que acreditavam serem conduzidas por espíritos elevados e que desejavam comunicar através de imagens. Este grupo já experimentava, desde o final do século XIX, estratégias surrealistas que só 30 anos depois ganhariam expressão. Tora Hallström, filha do realizador, será Hilma af Klint na juventude.

Com o nome "Hilma", o projeto é um dos dois que a Viaplay compromete-se a executar anualmente em língua inglesa.

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Vem aí um filme sobre a pioneira do abstracionismo Hilma af Klint - C7nema.net

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A atriz Lena Olin (na imagem acima) vai desempenhar o papel da revolucionária artista sueca e pioneira do abstracionismo Hilma af Klint (1862-1944). O filme será escrito e realizado por Lasse...

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"Suíte Santa Fé" (2010)ː uma pintura abstrata de Bill Barret

A arte abstrata ou abstracionismo é geralmente entendido como uma forma de arte (especialmente nas artes visuais) que não representa objetos próprios da nossa realidade concreta exterior. Ao invés disso, usa as relações formais entre cores, linhas e superfícies para compor a realidade da obra, de uma maneira "não representacional". Surge a partir das experiências das vanguardas europeias, que recusam a herança renascentista das academias de arte, em outras palavras, a estética greco-romana. A expressão também pode ser usada para se referir especificamente à arte produzida no início do século XX por determinados movimentos e escolas que genericamente encaixam-se na arte moderna.

No início do século XX, antes que os artistas atingissem a abstração absoluta, o termo também foi usado para se referir a escolas como o cubismo e o futurismo que, ainda que fossem representativas e figurativas, buscavam sintetizar os elementos da realidade natural, resultando em obras que fugiam à simples imitação daquilo que era "concreto".

O abstracionismo divide-se em duas tendências:

O abstracionismo lírico, abstracionismo expressivo ou ainda abstracionismo informal inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição para construir uma arte imaginária ligada a uma "necessidade interior". Foi influenciado pelo expressionismo, mais propriamente pelo movimento O Cavaleiro Azul.

As formas orgânicas e as cores vibrantes são patentes nessa vertente.

O artista russo radicado na Alemanha Wassily Kandinsky inaugura o abstracionismo no Ocidente com sua Primeira Aquarela Abstrata, de 1910. Kandinsky advoga o uso de formas abstratas como meio de atingir uma transcendência não através das formas reconhecíveis da realidade observável, como faz a arte tradicional acadêmica, mas através dos elementos puros da arte visual, como as linhas, as cores, as formas geométricas - o círculo, o quadrado, o triângulo - os pontos, etc. O artista faz analogias com a composição musical, que é uma arte abstrata por definição, para atingir a abstração na arte visual. Por isso, seus quadros são os primeiros a possuírem títulos que remetem à música - composição, ritmo, etc.

O abstracionismo geométrico, ao contrário do abstracionismo lírico, foca na racionalização que depende da análise intelectual e científica. Foi influenciado pelo cubismo e pelo futurismo.

Arte pré-histórica

Muito da arte das culturas iniciais - sinais e marcas em cerâmica e tecidos, inscrições e pinturas em rochas - usou formas simples, geométricas e lineares que poderiam ter um propósito decorativo ou simbólico. É nesse nível de linguagem visual que a arte abstrata se comunica. Se pode apreciar a beleza da caligrafia chinesa ou da caligrafia islâmica sem ser capaz de lê-la.

Arte oriental

Na pintura chinesa, a abstração pode ser encontrada desde o pintor da dinastia Tang Wang Mo (王墨), que se acredita ter inventado o estilo de pintura da tinta esparramada. Embora nenhuma de suas pinturas tenha sido preservada, seu estilo é claramente visto em algumas pinturas da dinastia Sung. O pintor zen Liang Kai (梁楷, c. 1140-1210) aplicou o estilo à pintura figurativa em sua obra "Imortal em tinta esparramada", na qual a representação acurada é sacrificada para enfatizar a espontaneidade ligada à mente não racional do iluminado. Um pintor da dinastia Sung tardia chamado Yu Jian, adepto do budismo tiantai, criou uma série de paisagens de tinta esparramada que inspirariam muitos pintores zens japoneses. Suas pinturas mostram montanhas com densa névoa nas quais o formato dos objetos é dificilmente visível e extremamente simplificado. Esse tipo de pintura foi continuado por Sesshū Tōyō nos seus últimos anos.

Outro exemplo de abstração na pintura chinesa é visto no Círculo Cósmico, de Zhu Derun. No lado esquerdo dessa pintura, existe um pinheiro em terreno rochoso, e seus ramos estão atados a videiras que se estendem de uma maneira desordenada no lado direito da pintura, no qual um círculo perfeito (provavelmente feito com a ajuda de um compasso) flutua no vazio. A pintura é um reflexo da metafísica taoista, na qual caos e realidade são estágios complementares do curso regular da natureza.

No Japão da era Tokugawa, alguns monges pintores zens criaram o ensō, um círculo que representa a iluminação absoluta. Usualmente feito com uma única pincelada brusca espontânea, se tornou o paradigma da estética minimalista que guiou parte da pintura zen.

O patrocínio da Igreja Católica diminuiu, e o patrocínio privado passou a sustentar os artistas. Três movimentos artísticos que contribuíram para o desenvolvimento da arte abstrata foram o romantismo, o impressionismo e o expressionismo. A independência artística dos artistas avançou durante o século XIX. Pode ser discernido um "interesse objetivo no que é visto" nas pinturas de John Constable, William Turner, Jean-Baptiste Camille Corot e, a partir deles, nas pinturas dos impressionistas, que continuaram as pinturas en plein air da escola de Barbizon.

Os primeiros indícios de uma nova arte foram dadas por James McNeill Whistler, que, em sua pintura "Noturno em preto e dourado - o foguete cadente" (1872), colocou maior ênfase na sensação visual do que na representação de objetos.

Os pintores expressionistas exploraram o uso arrojado da superfície da tinta, desenhando distorções e exageros, e cor intensa. Os expressionistas produziram pinturas carregadas de emoção que eram reações à experiência contemporânea, ao impressionismo e a outras tendências conservadores da pintura do final do século XIX. Os expressionistas mudaram drasticamente a ênfase da pintura em favor de retratos psicológicos. Embora artistas como Edvard Munch e James Ensor apresentassem influências principalmente do pós-impressionismo, eles foram instrumentais para o advento do abstracionismo no século XX. Paul Cézanne começou como um impressionista, mas seu objetivo - criar uma construção lógica da realidade baseada na visão de um único ponto, com cor modulada em áreas planas - se tornou a base de uma nova arte visual, posteriormente transformada no cubismo por Georges Braque e Pablo Picasso.

Adicionalmente, no final do século XIX, na Europa Oriental, o misticismo e a filosofia religiosa do modernismo inicial, como expressos pela teósofa Helena Blavatsky, tiveram um profundo impacto em artistas geométricos pioneiros como Hilma af Klint e Wassily Kandinsky. O ensino místico de George Ivanovich Gurdjieff e P. D. Uspenski também teve uma influência importante nas formações iniciais do estilo geométrico abstrato de Piet Mondrian e seus colegas no início do século XX.

O pós-impressionismo, como praticado por Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh e Paul Cézanne, teve um enorme impacto na arte do século XX e levou ao advento da abstração do século XX. A herança de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin e Seurat foi essencial para o desenvolvimento da arte moderna. No começo do século XX, Henri Matisse e vários outros jovens artistas, incluindo os pré-cubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck, revolucionaram o mundo artístico de Paris com pinturas de paisagens e figuras "selvagens", multicoloridas e expressivas que os críticos chamaram de fovismo. Com seu expressivo uso da cor e seu desenho livre e imaginativo, Henri Matisse chega muito perto da abstração pura em "Janela francesa em Collioure" (1914), "Vista de Nossa Senhora" (1914) e "A cortina amarela" (1915). A linguagem crua da cor desenvolvida pelos fauves influenciou diretamente outro pioneiro da abstração, Wassily Kandinsky.

O cubismo se tornou, junto com o fovismo, o movimento artístico que abriu a porta para o abstracionismo no século XX. Pablo Picasso fez suas primeiras pinturas cubistas baseado na ideia de Cézanne de que toda representação da natureza pode ser reduzida a três sólidosː cubo, esfera e cone. Com a pintura As senhoritas de Avinhão (1907), Picasso, dramaticamente, criou uma pintura nova e radical, mostrando uma cena crua e primitiva de bordel com cinco prostitutas, mulheres pintadas violentamente, reminiscentes da máscaras tribais africanas e suas próprias invenções cubistas. O cubismo analítico foi inventado conjuntamente por Pablo Picasso e Georges Braque, aproximadamente entre 1908 e 1912. O cubismo analítico, a primeira clara manifestação do cubismo, foi seguida pelo cubismo sintético, praticado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e outros na década de 1920. O cubismo sintético se caracterizou pela introdução de diferentes texturas, superfícies, elementos de colagem, papel colado e uma grande variedade de temas. Artistas de colagem como Kurt Schwitters, Man Ray e outros que seguiram a pista do cubismo foram importantes para o desenvolvimento do dadaísmo.

O poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publicou o Manifesto Futurista em 1909, que, posteriormente, influenciou artistas como Carlo Carrà em "Pintura de sons, ruídos e aromas", e Umberto Boccioni em "Trem em movimento" (1911), rumo a um passo posterior da abstração que influenciaria profundamente, junto com o cubismo, movimentos artísticos por toda a Europa.

Durante o Salão da Seção de Ouro de 1912, onde František Kupka exibiu a pintura abstrata Amorpha, Fugue en deux couleurs (1912), o poeta Guillaume Apollinaire nomeou, como orfismo, o trabalho de vários artistas, incluindo Robert Delaunay. Ele o definiu comoː "a arte de pintar novas estruturas a partir de elementos que não foram emprestados da esfera visual, mas foram criados inteiramente pelo artista... é uma arte pura.".

A partir da virada do século, as conexões culturais entre os artistas das grandes cidades da Europa se tornaram extremamente ativas conforme estes se esforçavam em criar uma forma de arte à altura das altas aspirações do modernismo. Através de livros, exibições e manifestos, as ideias circularam, se tornando a base para diversas formas de abstração. O seguinte trecho de "O mundo para trás" ilustra um pouco da troca de ideias no períodoː

O conhecimento de David Burliuk sobre os movimentos de arte moderna devia ser extremamente atualizado, porque a segunda exposição Valete de Diamantes, que aconteceu em janeiro de 1912 (em Moscou), incluiu não apenas pinturas procedentes de Munique, mas também alguns membros do grupo alemão A Ponte, enquanto, de Paris, vieram trabalhos de Robert Delaunay, Henri Matisse e Fernand Léger, bem como de Picasso. Durante a primavera, David Burliuk deu duas palestras sobre cubismo e planejou uma publicação polêmica, que seria financiada pelo Valete de Diamantes. Ele viajou para o estrangeiro em maio e voltou determinado a rivalizar com o almanaque O cavaleiro azul, que havia emergido das impressoras quando ele estava na Alemanha.

De 1909 a 1913, muitos trabalhos experimentais em busca dessa "arte pura" foram criados por vários artistasː Francis Picabia pintou "Borracha" (c. 1909), "A fonte", "Danças na fonte" e "A procissão, Sevilha" (1912); Wassily Kandinsky pintou "Sem título (primeira aquarela abstrata)" (1910), "Improvisação 21A", "Impressão" e "Imagem com um círculo" (1911); František Kupka pintou as obras orfistas, "Discos de Newton (estudo para fuga em duas cores)" e "Amorfa, fuga em duas cores" (1912); Robert Delaunay pintou uma série intitulada "Janelas simultâneas e formas circulares. Sol nº 2" (1912-13); Léopold Survage criou "Ritmo colorido (estudo para o filme) (1913); Piet Mondrian pintou "Mesa nº 1" e "Composição nº 11" (1913).

E a pesquisa continuouː os desenhos raionistas de Natalia Goncharova e Mikhail Larionov usavam linhas como raios de luz para fazer uma construção. Kazimir Malevich completou seu primeiro trabalho completamente abstrato, o suprematista "Quadrado preto" (1915). Liubov Popova, também do grupo suprematista, criou as "Construções arquitetônicas" e as "Construções de força espacial" (1916-1921). Piet Mondrian desenvolvia sua linguagem abstrata, de linhas verticais e horizontais com retângulos coloridos, entre 1915 e 1919. O neoplasticismo foi a estética que Mondrian, Theo van Doesburg e outros do grupo De Stijl usaram para tentar moldar o ambiente do futuro.

Vanguarda russa

Muitos artistas abstratos da Rússia se tornaram construtivistas acreditando que a arte não era mais uma coisa remota, mas sim a própria vida. O artista precisava se tornar um técnico, aprendendo a usar as ferramentas e os materiais da produção moderna. "Arte na vidaǃ" era o lema de Vladimir Tatlin e de todos os futuros construtivistas. Varvara Stepanova, Alexandre Exter e outros abandonaram a pintura de cavalete e direcionaram suas energias para o design de teatros e os trabalhos gráficos. Do outro lado, estavam Kazimir Malevich, Anton Pevsner e Naum Gabo. Eles argumentaram que a arte é, essencialmente, uma atividade espiritual, que cria o lugar do homem no mundo, mas não organiza a vida num sentido prático, materialista. Muitos dos que eram hostis à ideia de produção materialista da arte deixaram a Rússia. Anton Pevsner foi para a França. Gabo foi primeiro para Berlim, depois para a Inglaterra, e finalmente para os Estados Unidos. Kandinsky estudou em Moscou, depois foi para a Bauhaus. Em meados da década de 1920, o período revolucionário (1917-1921), quando os artistas estavam livres para experimentar, havia acabado. Na década de 1930, só o realismo socialista era permitido.

A , em Weimar, na Alemanha, foi fundada em 1919 por Walter Gropius. A filosofia subjacente ao programa de ensino era a unidade de todas as artes visuais e plásticas, da arquitetura e pintura à tecelagem e aos vitrais. A filosofia surgiu a partir das ideias do movimento artes e ofícios, na Inglaterra, e da Associação Alemã de Artesãos. Entre os professores, estavam Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers e László Moholy-Nagy. Em 1925, a escola se mudou para Dessau. Em 1932, conforme o Partido Nacional-Socialista dos Trabalhadores Alemães conquistou o poder, a Bauhaus foi fechada. Em 1937, uma exibição de " arte degenerada" continha todos os tipos de arte de vanguarda desaprovados pelo partido nazista. Então, começou o êxodoː não apenas da Bauhaus, mas de toda a Europa em geralː para Paris, Londres e Estados Unidos. Paul Klee foi para a Suíça mas muitos dos artistas da Bauhaus foram para os Estados Unidos.

Abstração em Paris e Londres

Durante a década de 1930, Paris abrigou artistas da Rússia, Alemanha, Países Baixos e outros países europeus afetados pela subida ao poder do totalitarismo. Sophie Taeuber-Arp e Hans Arp colaboraram em pinturas e esculturas usando formas geométricas/orgânicas. A polonesa Katarzyna Kobro, à escultura, ideias baseadas na matemática. Os muitos tipos de abstração, agora muito próximos, levaram a tentativas dos artistas de analisar os vários grupamentos conceituais e estéticos. Uma exibição de 46 membros do grupo "Círculo e quadrado" organizada por Joaquín Torres García e assistida por Michel Seuphor continha trabalhos de neoplasticistas e abstracionistas como Kandinsky, Anton Pevsner e Kurt Schwitters. Criticada por Theo van Doesburg por ser muito indefinida, este publicou, no jornal "Arte concreta", um manifesto definindo uma arte abstrata na qual apenas a linha, cor e superfície são a realidade concreta.

"Abstração-criação", fundado em 1931 como um grupo mais aberto, se tornou um ponto de referência para os artistas abstratos, conforme a situação política piorou em 1935, e muitos artistas se reagruparam, principalmente em Londres. A primeira exibição de arte britânica abstrata aconteceu na Inglaterra em 1935. No ano seguinte, a exibição mais internacional "Abstrato e concreto" foi organizada por Nicolete Gray, incluindo trabalhos de Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth e Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson e Gabo se transferiram para o grupo de St Ives (Cornualha) para continuar seu trabalho "construtivista".

Estados Unidosː meados do século

Durante a subida ao poder dos nazistas na década de 1930, muitos artistas deixaram a Europa e foram para os Estados Unidos. No início da década de 1940, os principais movimentos de arte moderna, expressionismo, cubismo, abstração, surrealismo e dadaísmo estavam representados em Nova Iorqueː Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst e André Breton eram apenas alguns dos europeus exilados que chegaram em Nova Iorque. As ricas influências culturais trazidas pelos artistas europeus foram assimiladas e utilizadas por pintores locais novaiorquinos. O clima de liberdade em Nova Iorque permitiu que todas essas influências florescessem. As galerias de arte que focaram inicialmente na arte da Europa começaram a notar a comunidade artística local e o trabalho de artistas estadunidenses mais jovens que começavam a amadurecer. Alguns artistas deste período se tornaram claramente abstratos no seu período maduro. Durante este período, a pintura "Composição nº 10" (1939-1942), de Piet Mondrian, caracterizada por cores primárias, fundo branco e grade de linhas pretas, definiu claramente sua abordagem ao mesmo tempo radical e clássica do retângulo e da arte abstrata em geral. Alguns artistas do período desafiaram categorizações, como Georgia O'Keeffe, que, embora uma abstracionista modernista, era uma artista independente, pois pintava formas altamente abstratas sem se juntar a nenhum grupo específico do período.

Eventualmente, artistas estadunidenses que estavam trabalhando em uma grande diversidade de estilos começaram a unir-se em coesos grupos estilísticos. O mais conhecido grupo de artistas estadunidenses se tornou conhecido como expressionismo abstrato e escola de Nova Iorque. Na cidade de Nova Iorque, havia uma atmosfera que encorajava a discussão, e havia oportunidades de aprendizagem e crescimento. Os artistas e professores John D. Graham e Hans Hofmann se tornaram importantes elos de ligação entre os recém-chegados modernistas europeus e os artistas estadunidenses. Mark Rothko, nascido na Rússia, começou com imagens fortemente surrealistas que, posteriormente, se dissolveram nas suas poderosas composições coloridas do começo da década de 1950. O gestualismo e o próprio ato de pintar se tornaram de importância capital para Jackson Pollock, Robert Motherwell e Franz Kline. Enquanto isso, durante a década de 1940, o trabalho figurativo de Arshile Gorky e Willem de Kooning se transformou em abstração. A cidade de Nova Iorque se tornou o centro, e artistas do mundo inteiro gravitavam ao redor.

Desenvolvimentos posteriores

Arte digital, , abstração geométrica, minimalismo, abstração lírica, op art, expressionismo abstrato, color field, monocromia, assemblagem, neodadaísmo, pintura em telas formatadas, foram algumas das direções que a arte abstrata tomou na segunda metade do século XX.

Nos Estados Unidos, a "arte como objeto", conforme vista na escultura minimalista de Donald Judd e nas pinturas de Frank Stella, é vista hoje como uma nova transformação. Outros exemplos incluem a abstração lírica e o uso sensual da cor vistos nos trabalhos de pintores tão diversos como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler e Joan Mitchell.

Um dos primeiros artistas abstracionistas brasileiros foi Alfredo Volpi. Entre os artistas mais importantes brasileiros, destacam-se Abraham Palatnik, Ivan Serpa, Loio-Pérsio, Luiz Sacilotto, Antônio Bandeira, Manabu Mabe, Tomie Ohtake, Lygia Clark, Willys de Castro, Waldemar Cordeiro, entre outros artistas.

Uma explicação sócio-histórica que foi oferecida para a crescente prevalência do abstrato na arte moderna - uma explicação ligada ao nome de Theodor W. Adorno - é que tal abstração é uma resposta a, e um reflexo de, uma crescente abstração das relações sociais na sociedade industrial.

Fredric Jameson, de modo similar, vê a abstração modernista como uma função do poder abstrato do dinheiro, igualando todas as coisas em função do seu valor de troca. O conteúdo social da arte abstrata é, então, precisamente, a natureza abstrata da existência social - formalidades legais, impersonalização burocrática, informação/poder - no mundo da modernidade tardia.

Pós-junguianos, em contraste, veriam as teorias quânticas, com sua desintegração das ideias convencionais sobre forma e matéria, como marcando o divórcio entre o concreto e o abstrato na arte moderna.

Conforme a arte visual se torna mais abstrata, ela adquire algumas características da músicaː passa a ser uma forma artística que usa elementos abstratos de som e divisões de tempo. Wassily Kandinsky, que também era músico amador, foi inspirado pela possibilidade de marcas e cor associativa "ressoando na alma". Essa ideia havia sido apresentada por Charles Baudelaire ː a de que os nossos sentidos respondem a variados estímulos e, num nível estético mais profundo, eles estão interconectados.

Próximo a isso, existe a ideia de que a arte possui uma dimensão espiritual e pode transcender a experiência cotidiana, alcançando um plano espiritual. A Sociedade Teosófica popularizou a sabedoria antiga de livros sagrados da Índia e China nos primeiros anos do século XX. Neste contexto, Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint e outros artistas que trabalhavam no sentido de um "estado sem objetos" se interessaram pelo oculto como uma forma de criar um objeto "interno". Os formatos universais e atemporais encontrados na geometria (círculo, quadrado e retângulo) se tornaram elementos espaciais na arte abstrata; eles são, como a cor, sistemas fundamentais que existem sob a realidade visível.

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Referências

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Arte abstrata - Wikipédia, a enciclopédia livre

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A arte abstrata ou abstracionismo é geralmente entendido como uma forma de arte (especialmente nas artes visuais) que não representa objetos próprios da nossa realidade concreta exterior. Ao invés disso, usa as relações formais entre cores, linhas e superfícies para compor a realidade da obra, de uma maneira "não representacional".

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Abstrato, abstratividade e abstracionismo - Ciberdúvidas da Língua Portuguesa

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Tudo, aqui, à volta da língua portuguesa - o idioma oficial de Angola, Brasil, Cabo Verde, Guiné-Bissau, Moçambique, Portugal, São Tomé e Príncipe e Timor-Leste.

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Abstracionismo, também conhecido como arte abstrata é o nome dado ao movimento artístico vanguardista que não representa os objetos próprios da realidade concreta exterior, mas que utiliza as relações formais cores, linhas e formas abstratas.

O movimento é fruto de uma rejeição da herança renascentista presente nas academias de arte. Por ora, a arte abstrata sempre existiu. Entretanto, utiliza-se a expressão para nomear a produção artística realizada no século XX, e que foi produzida por determinados movimentos e escolas que se encontram inseridas na arte moderna.

O Abstracionismo foi liderado pelo artista plástico russo Wassily Kandinsy (1866 - 1944) que, por meio do tudo que é abstração, buscou-se alcançar a transcendência. Ele fez analogia com a composição musical que é definida como uma arte abstrata, o silêncio para se alcançar a abstração na arte visual. Deste modo, seus quadros são os primeiros a registrar em títulos a ligação entre a composição e ritmo.

O termo Abstracionismo foi bastante empregado para se referir às escolas como futurismo. Quando o movimento, surge ele rompe de uma vez por todas com qualquer tipo de referência concreta as obras.

Observa-se que há uma espécie de criação de certa realidade paralela ou um universo abstrato autônomo em que as linhas, cores e formas não são exatamente aquilo que se vê. Tal ideia é mais bem sintetizada na frase do próprio Kandinksy "ao criar uma obra de arte é criar um mundo".

Principais artistas do Abstracionismo

O Abstracionismo exerceu grande influência entre os artistas do século XX e XXI, já que envolve dentro do conceito de arte abstrata outras importantes correntes artísticas, como é o caso do Neo Dadaísmo, Surrealismo e Expressionismo.

Os artistas que mais se destacam neste movimento são os seguintes:

Wassily Kandinsky

Piet Mondrian (1872 - 1944)

Jackson Pollock (1912 - 1956)

Paul Klee (1879 - 1940)

Robert Delaunay (1885 - 1941)

Abstracionismo no Brasil

O Abstracionismo no Brasil teve excelentes artistas como seus representantes. Considera-se como o seu precursor no país o artista japonês Manabu Mabe (1924 - 1997) que se radicou em São Paulo.

Ele foi seguido por outros importantes artistas como Tomie Ohtake (1913 - 2015), o pernambucano Cicero Dias (1907 - 2003), o cearense Antônio Bandeira (1922 - 1967), o italiano Alfredo Volpi (1896 - 1988), o potiguar Abraham Palatnik, o carioca Ivan Serpa (1923 - 1973), o paulista Loio-Pérsio (1927 -2004), o paulista Luiz Sacilotto (1924 - 2003), o mineiro Willys de Castro (1926 - 1988), a carioca Lygia Clark (1920 -1988) e o italiano Waldemar Cordeiro (1925 - 1973).

Características do Abstracionismo

As principais características presentes nas obras abstracionistas são as seguintes:

Arte não representacional;

Utilização de formas simples, linhas e cores;

Oposição ao modelo de arte renascentista, naturalista e a figurativa;

Arte de caráter subjetivo e destituída de conteúdo;

Trabalho com sentimentos, intuições e conceitos;

Estímulo às interpretações por parte do observador.

Contexto Histórico do Abstracionismo

O movimento abstracionista surgiu como uma contraposição à noção de arte e beleza, bastante presente na época do Renascimento. O talento do artista é medido pela sua capacidade de reproduzir com a maior verdade possível o mundo à sua volta, proporcionando uma nova perspectiva.

Existem estudiosos que afirmam que a popularização da fotografia no final do século XIX acabou contribuindo para que a arte abstrata mostrasse que a arte não precisava mais atuar como uma imitação do mundo.

Durante o impressionismo ocorrido entre o final do século XIX e começo do século XX, os artistas buscavam uma representação do universo com olhares diferentes. Entretanto, os impressionistas se preocupavam bastante com a luminosidade, o que se sobressaia a perfeita impressão dos objetos ou mesmo das pessoas representadas.

Já no começo do século XX, dois estilos começam se despontar com intuito de quebrar a ideia de imitação da natureza possibilitando assim o avanço e consolidação da arte. São eles: o Fauvismo do artista francês Henri Matisse (1869 - 1954), que se dedicava a simplificação das formas e um estudo de cores mais apurado; e o Dadaísmo do pintor espanhol Pablo Picasso (1881 - 1973) que fazia a decomposição da perspectiva de cenas com o emprego das figuras geométricas que representam os elementos da natureza.

Abstracionismo Informal

Também conhecido como Abstracionismo Expressivo ou Lírico é uma vertente do Abstracionismo que procura transmitir os sentimentos e emoções por meio da arte. Trabalha-se mais a subjetividade com a tradução nas obras de forte carga emocional através do emprego de cores e interpretações livres de formas quase por um instinto. Este movimento teve como seu maior expoente o artista russo Wassily Kandinsky.

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Abstracionismo, também conhecido como arte abstrata é o nome dado ao movimento artístico vanguardista que não representa os objetos próprios da realidade concreta exterior, mas que utiliza as relações formais cores, linhas e formas abstratas. O movimento é fruto de uma rejeição da herança renascentista presente nas academias de arte.

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A arte abstrata ou abstracionismo é geralmente entendido como uma forma de arte que não representa objetos próprios da nossa realidade concreta exterior. Ao invés disso, usa as relações formais entre cores, linhas e superfícies para compor a realidade da obra, de uma maneira "não representacional".

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O abstracionismo ou arte abstrata é visto pelos versados em arte como uma maneira artística em que os objetos não são representados pela forma que possuem em nosso mundo real concreto. Para fazer as suas representações o abstracionismo se vale de relações formais que existem entre linhas, cores e superfícies. Com esses artifícios são construídas obras de arte não representacionais.

O surgimento do abstracionismo se deu a partir de experiências de vanguarda da Europa que não queriam ter que seguir o caminho dos renascentistas, basicamente rejeitavam a estética greco-romana. A palavra abstracionismo também pode ser uma referência aos trabalhos artísticos de algumas escolas e movimentos do começo do século XX que de maneira genérica são inclusos na arte moderna.

O abstracionismo pode ser dividido em duas tendências principais que são o abstracionismo lírico (também chamado de expressivo ou informal) e o abstracionismo geométrico. A seguir vamos falar um pouco mais sobre o abstracionismo e sua forma diferente de fazer representações.

Uso do Termo

Nos primeiros anos do século XX os artistas ainda não haviam chegado a abstração completa e dessa forma o termo era usado para se referir ao trabalho empreendido pelos cubistas e futuristas. Mesmo que as obras desses artistas fossem de alguma forma figurativas tinham como principal objetivo fazer uma síntese da realidade natural o que resultou em obras que fugiam da ideia de simplesmente fazer uma imitação da realidade.

Tendência do Abstracionismo Lírico

A tendência do abstracionismo lírico que também era chamado de expressivo ou informal se inspirava no inconsciente e no instinto além da intuição com o objetivo de fazer uma construção artística. Um dos objetivos era transparecer através da arte imaginária uma necessidade interior.

A sua influência mais relevante foi o expressionismo mais particularmente o movimento O Cavaleiro Azul. Dentre as suas características mais marcantes estão as formas orgânicas assim como o uso de cores vibrantes.

Os Artistas do Abstracionismo

O abstracionismo teve a sua inauguração, por assim dizer, pelo artista russo Wassily Kandinsky que se encontrava radicado na Alemanha através da sua primeira aquarela abstrata que data de 1910. Para Kandinsky o uso das formas abstratas ajudava a atingir tal transcendência que se tornava possível representar algo sem usar as suas formas facilmente reconhecíveis como acontece na arte tradicional e acadêmica.

A ideia de Kandinsky e de outros artistas do abstracionismo era fazer uso dos elementos puros da ate visual como cores, formas geométricas e linhas. Para tentar explicar a sua arte Kandinsky gostava de fazer uma analogia com a composição de uma música que por premissa é uma arte abstrata. Exatamente por isso que os quadros de Kandinsky são os primeiros a ter títulos que fazem menção a música como ritmo, composição entre outros.

Tendência do Abstracionismo Geométrico

Diferentemente da tendência do abstracionismo lírico, o geométrico, tem foco na racionalização que tem dependência de verificações científicas e intelectuais. Tem grande influência do futurismo e do cubismo.

Abstracionismo no Brasil

Em nosso país um dos primeiros artistas a ser considerado abstracionista foi Alfredo Volpi. Tem ainda outros artistas brasileiros que se destacam nesse setor como Loio-Pérsio, Abraham Palatnik, Tomie Ohtake, Antônio Bandeira, Waldemar Cordeiro, Ivan Serpa, Lygia Clark entre outros.

Reações Contrárias

No surgimento da arte abstrata no começo do século XX houve alguma polêmica e reações indignadas. As formas que não representavam algo propriamente chocaram os europeus que consideraram a arte de grande mau gosto e a rotularam de estranha. Essa arte chegou para romper com o tradicionalismo que estava sempre atrás de uma representação da realidade tal qual ela é, não se buscava mais representar a perfeição da natureza.

O Estilo

Essa arte trabalha com inúmeros conceitos e com os sentimentos das pessoas que estavam diante das obras e as diversas interpretações que elas geram. Uma obra de ate pode ser entendida, vista, sentida e compreendida de várias maneiras. Talvez essa seja uma das características mais interessantes do abstracionismo.

Abstracionismo Pós-Guerra

Tanto na Europa como nos Estados Unidos foi possível observar diversos desdobramentos após a Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Podemos citar como um exemplo o tachismo europeu que tinha associação à abstração lírica que se apresentava como uma tentativa de supera a maneira ultrapassada como se trabalhava com o realismo e com os formalismos geométricos.

Nas obras de Hans Hartung (1904) e Pierre Soulages (1919) podemos observar um grande apoio no gesto enquanto que as obras de Jean Fautrier (1898-1964) e Jean Dubuffet (1901-1985) a pesquisa está mais focada na matéria da mesma maneira que nas obras de Alberto Burri (1915-1995) e Antoni Tàpies (1923-2012).

Pollock e Kooning

Nos Estados Unidos a abstração ganha mais destaque com os trabalhos de Jackson Pollock (1912-1956) e Willem de Kooning (1904-1997). Esses artistas deixaram para trás os conceitos de composição e abstração lírica. Um jeito diferente e novo de pensar o abstracionismo.

O Novo Abstrato

Podemos observar nesse novo abstrato o uso de grandes áreas com cor não modulada de Barnett Newman (1905-1970) e Mark Rotkho (1903-1970) além das pinturas que se valiam de cores planas e usavam contornos marcados como nas obras de Ellsworth Kelly (1923) e Kenneth Noland (1924).

Outra vertente desse novo abstracionismo é o minimalismo de Donald Judd (1928) que também pode ser visto nas obras de Ronald Bladen (1918-1988) e Tony Smith (1912-1980). Eles são resultantes da vertente da arte abstrata dos Estados Unidos que tem ligação Ad Reinhardt (1913-1967) e outros nomes como Jasper Johns (1930) e Frank Stella (1936). Eles voltaram suas pesquisas para a geometria novamente seguindo num sentido oposto a aquele da exuberância do romantismo presente no expressionismo abstrato.

Mensagens

Embora muitas pessoas pensem que a arte abstrata não passa nenhuma mensagem temos que ressaltar que as construções e pinturas tem sim algum significado e passam alguma ideia. Basta olhar as obras com atenção e pensar no que você sente, pois na verdade esse é um dos objetivos, ou seja, despertar os sentimentos do observador em relação a aquela temática que nem sempre está explícita. Uma arte que guarda segredos próprios em sua composição.

O estilo de arte chamado abstracionismo ou arte abstrata é aquele em que se pinta objetos da realidade concreta e exterior, usa-se cores de maneira mais formal e muitas linhas e superfície para que a obra seja formada. Iniciou no século XX e vários pintores passaram a fazer suas obras baseadas nesse estilo. As obras abstratas na verdade não descrevem e nem representam absolutamente nada, pois na maioria das vezes o pintor parte de um ponto real transformando-os em cores e por esse motivo elas se torna abstratas.

O abstracionismo pode ser lírico que é quando o pintor se baseia nos instintos, no inconsciente e também na intuição para fazer suas obras e com isso fazem uma arte imaginária e pode ser geométrico que é quando o pintor faz suas obras focado na analise intelectual e cientifica sendo uma obra mais racional. Abaixo estão algumas fotos de obras abstratas para que todos possa saber exatamente como elas são pintadas.

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O abstracionismo ou arte abstrata é visto pelos versados em arte como uma maneira artística em que os objetos não são representados pela forma que possuem em

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Quem foi o Mestre do Abstracionismo Lírico Manuel Cargaleiro?

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Manuel Cargaleiro (1927), é um dos últimos pintores que integrou a conhecida escola de Paris e o movimento abstracionismo lírico. As suas obras encontram-se em vários locais do mundo, tendo em Portugal uma obra pública na estação do colégio militar mas também em Paris. Em Itália alimentou uma ligação especial à cidade italiana de Vietri Sul Mare, atualmente sede da Fondazione Museo Artistico Industriale Manuel Cargaleiro. Continua até ao presente a trabalhar arduamente, ainda em Paris. Conheça o mestre do abstracionismo lírico neste artigo.

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Wassily Kandinsky

Kandinsky, cerca de 1913

Nascimento

16 de dezembro de 1866
Moscou, Império Russo

Morte

13 de dezembro de 1944 (77 anos) Neuilly-sur-Seine, França

Residência

Moscovo, Neuilly-sur-Seine, Odessa, Munique

Sepultamento

Neuilly-sur-Seine New Communal Cemetery

Nacionalidade

russo
alemão
francês

Cidadania

Império Russo, República Socialista Federativa Soviética da Rússia, União Soviética, França, Alemanha

Etnia

russos

Cônjuge

Anna Chimyakina

Nina Kandinsky

Alma mater

Página oficial

Wassily Kandinsky Website

Assinatura

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Wassily Wassilyevich Kandinsky, em russo: Василий Кандинский ( Moscou, 16 de dezembro de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de dezembro de 1944), foi um artista plástico russo, professor da Bauhaus e introdutor da abstração no campo das artes visuais. Apesar da origem russa, adquiriu a nacionalidade alemã em 1928 e a francesa em 1939.

A Kandinsky é normalmente creditado o pioneirismo na arte abstrata. Nascido em Moscou, passou boa parte da infância em Odessa, onde se formou na Grekov Odessa Art school. Bem sucedido na carreira do Direito, lhe ofereceram a cadeira de direito romano na Universidade de Tartu, hoje na Estônia. Começou seus estudos sobre arte com cerca de 30 anos de idade.

Em 1896, ele se estabeleceu em Munique, depois de estudar em uma escola privada e enfim conseguir se matricular na Academia de Belas Artes de Munique. Retornou a Moscou em 1914, após a eclosão da Primeira Guerra Mundial. Com a Revolução Russa, Kandinsky tornou-se um membro da administração cultural de Anatoly Lunacharsky e ajudou a criar o Museu da Cultura da Pintura. Quando seu estilo e modo de pensar bateram de frente com o materialismo argumentativo da sociedade soviética, Kandinsky aproveitou as oportunidades que surgiam na Alemanha, e retornou ao país em 1920.

Lecionou arte e arquitetura na tradicional escola de design, Bauhaus, de 1922 até o fechamento ordenado pelos nazistas em 1933. De lá, ele foi para a França, onde viveu até o fim da vida, tornando-se cidadão francês em 1939, produzindo grande parte de sua vasta obra. Morreu em Neuilly-sur-Seine, em 1944, aos 77 anos.

Kandinsky nasceu na cidade de Moscou em 16 de dezembro de 1866 (4 de dezembro no calendário juliano, então em vigor na Rússia) Era filho de Lidia Ticheeva e Vasily Silvestrovich Kandinsky, um comerciante de chá. Uma de suas bisavós era uma Princesa Gantimurova, linhagem descendente do general Manchu Gantimur ou Gantömör, da Mongólia. Foi tio do filósofo Alexandre Kojève (1902-1968).

Seus pais também eram músicos, assim a arte esteve presente em sua vida desde o início. Quando Kandinsky tinha cerca de 5 anos, o casal se separou, e ele se mudou para Odessa, hoje na Ucrânia, para morar com uma tia. Na casa dela aprendeu a tocar piano e violoncelo, além de estudar desenho com um professor particular. Ainda que amasse a pintura e desejasse continuar estudando arte, cedeu aos desejos da família e foi estudar Direito, na Universidade de Moscou, em 1886. Formou-se com honras e ganhou uma bolsa de estudos na área da etnografia.

Em 1889, como parte de um grupo de estudo etnográfico, viajou para a região de Vologda para estudar sua jurisprudência e religião criminais tradicionais. Muitos de seus primeiros trabalhos apresentam essa inspiração na arquitetura local, as cores das casas e das igrejas, o brilho das cores. Poucos anos mais tarde, ele ligaria a pintura com a composição musical, o que acabou lhe conferindo notoriedade.

"

A cor é o teclado, os olhos são as teclas, a alma é o piano com muitas cordas. O artista é a mão que toca, tocando uma tecla ou outra, para causar vibrações na alma.

"

Em 1892, casou-se com sua prima Anna Chimyakina e assumiu um cargo na Faculdade de Direito de Moscou, gerenciando trabalhos de impressão de arte ao mesmo tempo. Em 1896, com 30 anos, Kandinsky abriu mão da carreira promissora no direito e se matriculou na Academia de Belas Artes de Munique. Como não tinha conseguido passar inicialmente no exame de admissão, começou a ter aulas por conta própria. No mesmo ano, antes de sair de Moscou, Kandinsky visitou uma exposição com obras de Monet, ficando impressionado com o estilo do pintor.

A faculdade de artes costumava ser vista como um desafio quase insuperável para muitos, mas não para Kandinsky. Neste período, ele começa a se formar não apenas como pintor, mas também como um teórico das artes. Suas pinturas começam a se multiplicar. Primeiro as paisagens e cidades que usou como inspiração, usando de formas reconhecíveis e pinceladas variadas. Na maioria delas, não se via formas humanas, talvez com exceção de Sunday, Old Russia (1904), onde se vê coloridas figuras humanas, tanto nobres quando camponeses, junto ao muro da cidade. Nestas primeiras telas, é possível ver as influências do fauvismo e do pontilhismo e como Kandinsky se valia das cores de maneira subjetiva. Em maio de 1901, Kandinsky foi um dos fundadores da Sociedade Artística Phalanx e lecionou na escola fundada pouco tempo depois pela sociedade.

No verão de 1902, Kandinsky convidou sua aluna, Gabriele Münter, para ter aulas de pintura em um curso de verão nos Alpes, ao sul de Munique e um relacionamento amoroso com ela começou a partir daí. Gabriele Münter, que viria a ser sua companheira até 1917. Kandinsky separou-se de Anya Chimiakin em 1916. De 1906 a 1908, Kandinsky viajou pela Europa até se estabelecer na região da Baviera, na pequena cidade de Murnau.

Na década de 1910, Kandinsky desenvolveu seus primeiros estudos não figurativos - sendo por isso considerado o primeiro pintor ocidental a produzir uma tela abstrata. Algumas das suas obras dessa época, a exemplo de "Murnau - Jardim 1" ( 1910) e "Grüngasse em Murnau" ( 1909), mostram a influência dos verões que Kandinsky passava em Murnau, notando-se um crescente abstracionismo nas suas paisagens. Outra influência nas suas pinturas foi a música do compositor Arnold Schönberg, com quem Kandinsky manteve correspondência entre 1911 e 1914.

Quando explode a Primeira Guerra Mundial, Kandinsky é forçado a abandonar a Alemanha, partindo para a Suíça, acompanhado por Gabriele Münter em 3 de agosto de 1914, esperando que o conflito terminasse rapidamente. Quando isso não se concretizou, o artista voltou à Rússia, separando-se de Gabriele Münter, em 16 de novembro do mesmo ano. Aproveitando uma exposição em Estocolmo em 1916, Kandinsky permanece na Suécia, onde conhece a sua terceira companheira, a jovem russa Nina Andreievskaya (depois Nina Kandinsky), com quem se casou em 11 de fevereiro de 1917.

Com o advento da Revolução Russa, em 1917, ele volta à Rússia, interessado e esperançoso com os rumos do país. Com o fim da censura czarista, os artistas de vários segmentos viram as artes florescendo neste momento pós-revolução. Tornou-se um membro ativo da administração cultural de Anatoly Lunacharsky e ajudou a criar o Instituto de Cultura Artística, em Moscou, do qual foi o primeiro diretor. De 1918 a 1921, foi ativo na política cultural russa e colaborou para uma reforma nos museus e na educação artística. Pintou pouco neste período, devotado ao magistério.

Porém, por discordar da política cultural oficial que passa a orientar a produção artística russa e pelo choque de sua arte com a corrente vigente naquele momento na Rússia, Kandinsky retorna à Alemanha em 1921. No mesmo ano, foi convidado por Walter Gropius para lecionar na Bauhaus.

Em maio de 1922, esteve no Congresso Internacional de Artistas Progressistas, em Düsseldorf. Na Bauhaus, lecionou desenho básico para os calouros e teoria avançada para os veteranos. Deu aulas de pintura e uma oficina na qual falou de sua teoria das corres com elementos de psicologia.

O desenvolvimento de seus trabalhos sobre o estudo de formas, particularmente sobre pontos e formas de linhas, levou à publicação de seu segundo livro teórico ( Point and Line to Plane) em 1926. Seus estudos dos efeitos das forças nas linhas retas, levando aos tons contrastantes das linhas curvas e angulares, coincidiram com a pesquisa dos psicólogos da Gestalt, cujo trabalho também foi discutido na Bauhaus. Os elementos geométricos assumiram uma importância cada vez maior no ensino e na pintura - particularmente no círculo, semicírculo, ângulo, linhas retas e curvas. Este período foi intensamente produtivo para Kandinsky.

Kandinsky foi um dos Die Blaue Vier (Quatro Azuis), formado em 1923 com Paul Klee, Lyonel Feininger e Alexej von Jawlensky, que lecionou e expôs obras nos Estados Unidos, em 1924. O avanço da extrema-direita na Alemanha, com a ascensão do Nazismo, começou a influenciar nos trabalhos da Bauhaus. Muitos professores foram obrigados a deixar seus cargos e sair do país. Sua arte foi confiscada pelos nazistas e exposta na infame exposição de "Arte Degenerada", de 1937, sendo depois destruída. Em 1933, a Bauhaus é fechada pelos nazistas e Kandinsky seguiu para a França, onde se estabeleceu em Paris.

Morando em um apartamento em Paris, Kandinsky pintava em um estúdio na sua sala de estar. Formas biomórficas com contornos flexíveis e não geométricos aparecem em suas pinturas neste período, formas que sugerem organismos microscópicos, mas que expressam a vida interior do artista. Kandinsky usou composições de cores originais, evocando a arte popular eslava. Ocasionalmente, também misturava areia com tinta para dar uma textura granular e rústica às suas pinturas.

Este é um período que apresenta uma síntese entre os trabalhos anteriores de Kandinsky, onde usou todos os materiais, enriquecendo-os. De 1936 a 1939, pintou suas duas maiores composições, telas altamente elaboradas. Composição IX possui diagonais poderosas e altamente contrastadas, cuja forma central dá a impressão de um embrião no útero. Pequenos quadrados de cores e faixas coloridas destacam-se contra o fundo preto da 'Composição X' como fragmentos de estrela (ou filamentos solares), enquanto enigmáticos hieróglifos com tons pastel cobrem um grande marrom massa que parece flutuar no canto superior esquerdo da tela. No trabalho de Kandinsky, algumas características são óbvias, enquanto certos toques são mais discretos e velados; eles se revelam apenas progressivamente para aqueles que aprofundam sua conexão com o trabalho dele.

Últimos anos

Sua produção artística na França é intensa. Esteve em contato com vários artistas da época, fazendo parte do chamado "trio sagrado" da abstração, junto de Piet Mondrian e Kasimir Malevich. Em 1939, Kandinsky ganha a cidadania francesa. Viver na França não era fácil. Suas telas vendiam pouco e Kandinsky logo ficou deprimido. Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial, o casal decidiu não deixar Paris. A ocupação da cidade pelos nazistas não afetou o trabalho de Kandinsky, que passeava e escrevia diariamente até julho de 1944. Com Nina, Kandinsky teve um filho, Vsevolod Kandinsky, nascido em 1917 e falecido em 1920 devido a uma infecção e à desnutrição.

Em 13 de dezembro de 1944, no último dia da Batalha de Metz, Kandinsky teve um acidente vascular cerebral, e morreu em Neuilly-sur-Seine, aos 77 anos. Ele foi sepultado no Cimetière ancien de Neuilly-sur-Seine. Nina se recusou a vender as telas do marido e permaneceu em Paris com o fim da guerra. Vendeu algumas telas para vários museus e organizou várias exposições sobre a vida e obra de Kandinsky. Em 1973, publicou um livro de memórias, Kandinsky and me. Por volta dessa época, mudou-se para um chalé na Suíça e em 2 de setembro de 1980, sua casa foi assaltada, onde levaram todas as joias. Nina Kandinsky foi morta na ação e os assassinos nunca foram pegos.

A criação de Kandinsky de trabalhos puramente abstratos seguiu um longo período de intenso desenvolvimento e amadurecimento do pensamento teórico baseado nas suas experiências pessoais artísticas. Chamou a esta devoção como beleza interior, fervor de espírito e uma necessidade funda de desejo espiritual, que foi o aspecto principal da sua arte.

Kandinsky aprendeu através de diversos recursos durante a sua juventude em Moscovo. Mais tarde na sua vida ele seria lembrado como sendo fascinado e estimulado pela cor como uma criança. O fascínio pelo simbolismo e psicologia da cor continuaram durante o seu crescimento, apesar de parecer nunca ter estudado arte. Em "Looks on the Past" ele relata que as casas e as igrejas eram decoradas com cores tão brilhantes que, uma vez lá dentro, teve a impressão de se estar a mover dentro de uma tela pintada. A experiência e o seu estudo sobre a arte do povo na região, em particular o uso de cores brilhantes sobre fundo negro, refletiu-se nos seus trabalhos mais recentes. Anos mais tarde, ele relacionou o ato de pintar para criar música na maneira que mais tarde viesse a ser mais reconhecido e escreveu "As cores são a chave, os olhos o machado, a alma é o piano com as cordas".

Ele foi similarmente influenciado durante este período pela ópera de Richard Wagner com a qual ele sentiu que quebrou os limites da música e da melodia além do lirismo tradicional.

Kandinsky foi igualmente espiritualmente influenciado por Helena Petrovna Blavatsky ( 1831- 1891), o mais importante exponente da Teosofia nos tempos modernos. A teoria teosófica solicitou que a criação é uma proporção geométrica, começando num único ponto. O aspecto criativo das formas é expressado por uma série descendente de círculos, triângulos e quadrados. Os livros de Kandinsky ecoam estes princípios básicos teosóficos.

As pinturas de Kandinsky do período em que fez parte do grupo Der Blaue Reiter ("O cavaleiro Azul") ( 1911-1914), foram compostas por massas coloridas largas e bastante expressivas, avaliadas independentemente a partir de formas e linhas que já não serviam para delimitá-las. Estas seriam sobrepostas numa forma bastante livre para formar pinturas duma força extraordinária.

A influência da música foi bastante importante no nascimento da arte abstrata, como sendo abstrata por natureza, este não tenta representar o mundo exterior mas antes para expressar, numa maneira imediata, os sentimentos interiores da alma humana. Kandinsky às vezes usava termos musicais para designar o seu trabalho; ele chamou a muitas das suas pinturas espontâneas "Improvisações", e "Composições" a outras muito mais elaboradas e trabalhadas em comprimento, um termo que ressoou nele como um orador.

Além da pintura Kandinsky desenvolveu a sua opinião como um teórico da arte. De facto, a influência de Kandinsky na história da arte do ocidente talvez resulte mais dos seus trabalhos teóricos do que propriamente das suas pinturas.

Ao mesmo tempo que escrevia "Do espiritual na Arte", Kandinsky escreveu o Almanaque do Cavaleiro Azul, que serviram tanto como defesa e promoção da arte abstracta, assim como uma prova de que todas as formas de arte eram igualmente capazes de alcançar o nível da espiritualidade. Ele acreditava que a cor podia ser usada numa pintura como uma coisa autónoma e distanciada de uma discrição visual de um objecto ou de uma qualquer forma.

Escreveu poemas, que seguem o mesmo raciocínio desta fase.

Em Paris, Kandinsky estava bastante isolado, uma vez que a pintura abstracta - particularmente a pintura abstracta geométrica - não foi reconhecida, sendo as dos movimentos mais apreciados o Impressionismo e o Cubismo. Kandinsky viveu num pequeno apartamento e criou o seu trabalho num estúdio construído na sua sala de estar. Formas biomórficas com flexibilidade e contornos não geométricos apareceram nas suas pinturas; formas que sugerem organismos externamente microscópicos mas que expressam sempre a vida interior do artista. Ele usou a cor puras nas suas composições que evocavam a arte popular de Slavonic e que era similar a preciosos trabalhos de marca-de-água. Nas suas obras, ocasionalmente misturava também areia para dar a textura de granulado aos quadros.

Este período correspondeu, de facto, a uma vasta síntese do seu trabalho anterior, no quando ele usa todos os elementos, e até os enriquece. Em 1936 e 1939 ele pinta as suas duas últimas grandes composições; Lonas particularmente elaboradas e lentamente rasgadas que ele não produziu por muitos anos. Composição IX é uma pintura com umas diagonais poderosas de alto contraste e cuja forma central da a impressão de um embrião humano no ventre.

Os pequenos quadrados de cores e as faixas coloridas parecem projectar contra o fundo preto da Composição X, como fragmentos de estrelas ou filamentos, enquanto hieróglifos com tons de pastel obrem o grande plano marrom, que parece flutuar no canto esquerdo superior da lona.

No trabalho de Kandinsky, algumas características são óbvias, enquanto certos toques são mais discretos e velados; isto servia para dizer que eles se revelavam só progressivamente àqueles que fazem um esforço para aprofundar a sua conexão com o seu trabalho. Pretendeu que as suas formas fossem subtilmente harmonizadas e colocadas, para ressoar com a própria alma do observador.

Kandinsky também escreveu poemas brilhantes, abstratos, que fazem referência a cores e linhas, tais quais surgiam na percepção do artista. Sendo eminentemente vanguardistas, no entanto, seus poemas diferem de tudo quanto foi produzido por qualquer "ismo" em literatura ou poeta vanguardista conhecido, inclusive do trabalho poético de outros artistas predominantemente plásticos, tais como Picasso e Hans Arp, que tenderam a aderir, na escrita, a alguma vanguarda poética conhecida, como o Surrealismo.

Referências

Ligações externas

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Wassily Kandinsky - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Wassily Kandinsky Kandinsky, cerca de 1913 Nascimento 16 de dezembro de 1866 Moscou, Império Russo Morte 13 de dezembro de 1944 (77 anos) Neuilly-sur-Seine, França Residência Moscovo, Neuilly-sur-Seine, Odessa, Munique Sepultamento Neuilly-sur-Seine New Communal Cemetery Nacionalidade russo alemão francês Cidadania Império Russo, República Socialista Federativa Soviética da Rússia, União Soviética,

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O que é o ABSTRACIONISMO? | Vídeo Aula de Artes