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Agustín Ibarrola (1930-2023) nace el 18 de agosto de 1930 en Bilbao, en el seno de una familia obrera. Muy pronto ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao y ya en 1948 celebra su primera exposición individual. A raíz de esta muestra en la capital vizcaína, se traslada a Madrid e ingresa en el taller de Daniel Vázquez Díaz. Desde muy joven se interesa por aunar la tradición pictórica vasca con las corrientes de vanguardia del Arte Contemporáneo.

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Inicia los años 80 siendo profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, aunque cinco años después es cesado, teóricamente, por carecer de titulación. En 1987 el Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de Madrid organizan una gran exposición antológica que se repite poco después en Bilbao y Zaragoza.

En 1993 recibe la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes junto a los integrantes del Equipo 57.

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Los troncos del bosque de Oma, cercanos a las cuevas prehistóricas de Santimamiñe y a su actual residencia, se convierten en el soporte de una de las aventuras estéticas más reconocidas de su carrera. “Bosque de Oma (Bizkaia)” - (1982-1991).

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5 curiosidades sobre el proceso de creación de la obra

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5 curiosidades sobre el proceso de creación de la obra

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1. Agustín Ibarrola es un artista plástico español conocido por sus murales y esculturas, pero su obra más emblemática es el "Bosque de Oma".

2. En el "Bosque de Oma", Ibarrola pintó los troncos de los árboles con patrones geométricos y colores vivos, creando una interacción única entre la naturaleza y el arte.

3. El "Bosque de Oma" está ubicado en la provincia de Bizkaia, España, y se ha convertido en un lugar donde la naturaleza y la pintura se fusionan, transformando el entorno natural.

4. Para crear su obra, Ibarrola utilizó la técnica de la pintura sobre árboles, algo innovador en su época, que no solo se percibe de cerca, sino también desde una distancia o desde ciertos ángulos.

5. La obra del "Bosque de Oma" refleja la relación entre el ser humano, la naturaleza y el arte, invitando a los visitantes a una experiencia visual inmersiva y dinámica.

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"Cuando pinto árboles no me atrevo a decir que estoy haciendo pintura o escultura u otra cosa; digo que es un tratamiento espacial en un espacio físico tridimensional con relaciones rítmicas bidimensionales. Yo admito que hay un pluralismo inmenso de significados dentro de ciertos principios válidos; unos principios podrán ser muy importantes y otros menos, según para quién".

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La pintura ha de ser algo que se independice totalmente del orden establecido por la naturaleza, con sus coloraciones y climas dominantes. Incorporada la pintura, la naturaleza adquiere otras atmósferas y el paisaje se transforma, pero para ello hace falta que se vea el instrumento mental del hombre. Si se trazan unas líneas gruesas deben aparecer en su condición de líneas, con capacidad de estructurar una forma o lo que sea.

De lo contrario, se confunden con la naturaleza. Las pinceladas de color deben ser muy precisas y contrastadas con los fondos y con los colores que entre los pinos transluce la vegetación. Si no es así pierde identidad la presencia misma de la pintura y además, se devalúa el sentido de lo que se está haciendo.

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La primera pintura que realicé en el bosque fue una raya blanca.

–¿Por qué una raya blanca?

Porque al encontrarme con un espacio que no es un plano, ni una sucesión de planos más o menos articulados, fui viendo la necesidad de que lo primero que tenía que dominar eran las relaciones entre los conceptos espaciales t ridimensionales y bidimensionales. Entonces hice una raya, haciendo una inversión de la perspectiva renacentista.

Esta perspectiva nos indica que según se van alejando las cosas van disminuyendo de tamaño e incluso se van fundiendo con la luz en los lugares más alejados de tu punto de mira. Yo invierto esa ley colocando los términos más grandes detrás y los más pequeños delante, para verlos todos en un mismo plano y con una sensación de continuidad-.

El rigor en la aplicación de las leyes físicas y geométricas no tiene por qué suponer una limitación de la expresión. Al contrario, pienso que es un enriquecimiento.

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La definición de una forma se hace muchas veces con el color. No hay que tener temor a que con los colores planos se empobrezca la imagen. Eso ocurre en un lienzo, donde lo ves todo en un plano y no interviene la atmósfera real creada por la presencia tridimensional del aire. En el aire hay lluvias o nieblas e incluso puede estar circulando el sol. Las coloraciones que produce el sol en la naturaleza varían la luz y producen un fuerte impacto sobre las personas que están mirando un paisaje.

Si a la llegada al bosque se ve un tema, y al regreso se vuelve a ver el mismo tema, las impresiones son distintas. La luz ha cambiado y se ha introducido como un elemento de la naturaleza dentro de la pintura. No es la pintura la que tiene que entrar dentro de la naturaleza, sino la naturaleza la que amalgama y llena de matices la pintura.

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El "Bosque de Oma" es una original experiencia artística que reflexiona sobre el espacio y las reglas del Arte, dentro de la magia que siempre esconde el bosque. Hay muchas maneras de mirar, tantas como personas, pero para no perderse entre los colores y las formas, a la hora de seguir el recorrido señalado en el mapa hay que tener en cuenta que los temas se pueden agrupar en tres grandes apartados:

1. Las referencias al lenguaje artístico y a los movimientos dentro del Arte que han planteado cambios en la plasmación del espacio plástico. Así la primera pintura realizada en el bosque, La raya blanca, es una inversión de la perspectiva renacentista ya que para ver la línea en un solo plano lo más lejano tiene que ser más grande que los más cercano.

Otros temas como el Puntillismo (referencia al Impresionismo tardío), Cuadrados rojo y amarillo (homenaje a Malevich y al constructivismo ruso), Diagonales de colores (recreación del movimiento Minimal partir de la repetición insistente de las diagonales), el Círculo, La forma curvilínea amarilla, El homenaje al Greco y en general las composiciones abstractas, estarían dentro de este apartado.

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2. Las referencias a la Naturaleza (El Arco Iris de Naiel, El Rayo), al elemento totémico (Figuras de pájaros y animales) y al mundo de las leyendas unidas al bosque (La mirada de Basajaun, Los ojos…) están plasmadas en elementos figurativos, a partir de los principios estéticos que aparecen en las formas abstractas del apartado anterior. De hecho, El rayo, no deja de ser una raya blanca quebrada.

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3. La representación de las figuras humanas (La marcha de la humanidad), reflejo de la iconografía de Agustín Ibarrola, aparecen diseminadas por distintas partes del bosque, formando conjuntos compactos o intercaladas entre distintos temas.

Antes de adentrarnos en el bosque, debemos recordar que somos nosotros los que tenemos que jugar a construir y destruir las formas, según el punto de observación que elijamos ante cada composición artística. Las formas y los colores pintados sobre el soporte cilíndrico de los pinos crean un «muralismo tridimensional» que juega a recrear composiciones planas en tres dimensiones. Para ello el artista ha partido de la relación volumen-plano, cóncavo-convexo, negativo-positivo, es decir de la relación de los distintos elementos que componen el espacio que son la base de su obra escultórica y pictórica.

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Extracto del texto titulado «Ibarrola,en 57 pinceladas» de J. A. Vela del Campo (Catálogo «Agustín Ibarrola. Arte y Naturaleza. Círculo de Bellas Artes, Madrid, Noviembre 1999.)

Link a la página web de la Fundación Agustín Ibarrola: https://www.agustinibarrola.com/actividad-artistica/arte-y-naturaleza/el-bosque-de-oma/

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o  Artista y obra elegida: Agustín Ibarrola y su proyecto “Bosque de Oma”.

o  Selección del tema: arte y naturaleza.

o  Disciplina tridimensional: escultura.

o  Técnica tridimensional: modelado (técnica aditiva).

o  Material: arcilla.

o  Título de mi Proyecto de Creación: “Un lugar para soñar”.

o Temporalización: 5 sesiones de 45 minutos cada una (2 sesiones por semana).

o Evaluación: global, continua y formativa. La observación directa y sistemática constituirá la técnica principal del proceso de evaluación y contribuirá a la mejora del proceso de enseñanza y de aprendizaje. Valoraremos el proceso creativo (interacción con el material, creatividad, trabajo en equipo…) y el resultado final (realización de la escultura).