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1830, Fenaquistoscopio y zoótropo: Dispositivos mecánicos para visualizar imágenes en movimiento.

1880, Kinetoscope de Thomas Edison: Primer dispositivo para la visualización de películas cortas en movimiento.

1895, Cinematógrafo de Lumière: Cámara y proyector de cine que permite la proyección de películas en una pantalla.

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Las primeras representaciones visuales creadas por los seres humanos, usando pigmentos naturales para pintar en las paredes de cuevas. Ejemplo: Cuevas de Altamira y Lascaux.

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Desarrollo de la escultura y pintura, con enfoque en la perspectiva, proporciones y temas mitológicos.

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Durante la Edad Media, se producen manuscritos decorados con elaboradas ilustraciones, principalmente religiosos, como en la cultura cristiana y musulmana.

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Desarrollo de la escultura, pintura y mosaicos en las civilizaciones griega y romana, enfocados en el realismo, la proporción y la representación mitológica.

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Textos religiosos decorados a mano con ilustraciones. Uso de pergamino y tintas coloridas.

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Surge el perfeccionamiento de las técnicas de pintura al óleo, el uso de la perspectiva y el naturalismo. Los artistas del Renacimiento como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel impulsan nuevas formas de representación visual.

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Innovación en técnicas de pintura al óleo y el grabado, permitiendo mayor realismo y reproducción masiva de imágenes.

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Prensa hace referencia a todas aquellas publicaciones impresas las cuales se diferencian entre sí debido a su periodicidad.

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Primera fotografía permanente (Heliografía): Nicéphore Niépce crea la primera imagen fotográfica permanente usando una cámara oscura y una placa de estaño con betún de Judea. La exposición duró alrededor de 8 horas.

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18 de noviembre de 1787 - 10 de julio de 1851

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Fue el primer procedimiento fotográfico oficialmente anunciado en 1839. Desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre a partir de los experimentos previos de Niépce (anteriores a 1826), fue presentado en la Academia de Ciencias de Francia, en París. Este método permitía capturar imágenes en placas metálicas, y tanto el dispositivo utilizado como las fotografías obtenidas se conocían como daguerrotipos o daguerreotipos.

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18 de noviembre de 1787 - 11 de febrero de 1800

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William Henry Fox Talbot introduce el calotipo, el primer proceso negativo-positivo que permitía hacer múltiples copias de una imagen.

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DALL·E 2024-09-05 19.06.14 - A detailed representation of the calotype process developed by William Henry Fox Talbot in 1841. The image should show an early 19th-century camera se

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Los hermanos Lumière presentan el cinematógrafo, proyectando la primera película pública. Esto marca el inicio del cine como medio visual de entretenimiento y narración.

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Hoy debería ser uno de los días más importantes de la historia de la fotografía. George Eastman patentó el 4 de septiembre de 1888, la primera Kodak. Aquella cámara de fuertes formas geométricas fue la primera que abrió el camino de la fotografía a los aficionados.

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Es aquél en el que no hay sonido sincronizado (especialmente diálogos) y consiste únicamente en imágenes. La era del cine mudo duró desde 1888 hasta 1929. La idea de combinar las imágenes con sonido grabado es casi tan antigua como la cinematografía en sí, pero hasta finales de los años 1920, la mayoría de las películas eran silentes.

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Es una de las primeras películas de ciencia ficción y es famosa por su trama en la que un grupo de astronautas viaja a la luna y regresa a la Tierra. Es una adaptación de la novela de Jules Verne De la Tierra a la Luna y Alrededor de la Luna.

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1 de noviembre de 1879 - 16 de enero de 1936

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Oskar Barnack fue un inventor y fotógrafo alemán que construyó en 1913 la primera cámara fotográfica de 35 mm, posteriormente llamada Ur-Leica, en la fábrica Leitz (Ernst Leitz Optische Werke).

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Proyectores de cine sonoro, Década de 1920

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Proyectores de cine sonoro, Década de 1920

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Introducción de equipos que sincronizan audio y video en la proyección cinematográfica.

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Fotograma de The Dickson Experimental Sound Film, la primera película sonora.

El cine sonoro es aquel en el que la película incorpora sonido sincronizado (es decir, tecnológicamente acoplado) con la imagen. La primera exhibición pública conocida como cine sonoro fue proyectado en París en 1900, décadas antes de que la sincronización confiable entre sonido e imagen se hiciera comercialmente práctica. La primera proyección comercial de películas con sonidos completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva York, en abril de 1927 (El cantante de jazz). En los primeros años después de la introducción del sonido, las películas que incorporaban diálogos sincronizados fueron conocidas como "películas sonoras".

En la década de 1940, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos ayudaron a asegurar la posición del Hollywood como uno de los sistemas culturales/comerciales más potentes del mundo. En Europa (y, en menor grado, en otros lugares) el nuevo desarrollo fue tratado con desconfianza por muchos directores de cine y críticos a los que les preocupaba que, el centrarse en los diálogos, trastornaría la principal virtud estética del cine mudo. En Japón, donde por su tradición cultural se integraba el cine mudo con interpretaciones vocales en directo, las películas sonoras arraigaron con gran lentitud. En India, el sonido fue el elemento transformativo que llevó a la rápida expansión de la industria del cine del país, la más productiva del mundo desde principios de la década de 1960.

La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado es casi tan antigua como el propio concepto de cine. El 27 de febrero de 1888, pocos días después de que el pionero fotográfico Eadweard Muybridge diera una conferencia no muy lejos del laboratorio de Thomas Edison, los dos inventores se reunieron en privado. Muybridge más tarde afirmó que en esta ocasión, seis años antes de la primera exhibición de una película comercial, propuso un esquema para el cine sonoro que combinaría su proyector de imágenes zoopraxiscopio con la tecnología de sonido grabado de Edison.​ No se llegó a ningún acuerdo, pero durante un año Edison se encargó del desarrollo del quinetoscopio, esencialmente un sistema de "visionado rápido", como complemento visual para su cilindro fonográfico. Los dos aparatos fueron refundidos en el kinetófono en 1895, pero el visionado individual de imágenes en movimiento en un armario pasó pronto de moda por los éxitos en la proyección de cine.​ En 1899 apareció un sistema de sonido de cine proyectado conocido como Cinemacrofonógrafo, o Fonorama, basado principalmente en el trabajo que el inventor suizo François Dussaud expuso en París; similar al kinetófono, el sistema requería el uso individual de auriculares.​ Un sistema mejorado basado en el cilindro, Phono-Cinéma-Théâtre, fue desarrollado por Clément-Maurice Gratioulet y Henri Lioret de Francia, permitiendo presentarse cortometrajes de extractos de teatro, ópera y ballet en la Exposición de París de 1900. Estas parecen ser las primeras películas exhibidas públicamente con la proyección tanto de imagen como de sonido grabado.

Sin embargo, dos importantes problemas persistían llevando a las imágenes en movimiento y al sonido grabado a tomar caminos separados durante una generación:

1. Sincronización: Las imágenes y el sonido se grababan y reproducían en aparatos separados, en los cuales era difícil iniciar su funcionamiento y mantener su sincronización.​ Aunque los proyectores de imágenes en movimiento pronto permitieron que el cine se mostrara a audiencias más grandes, la tecnología de audio, antes del desarrollo de la amplificación eléctrica, no podía sobresalir para llenar satisfactoriamente grandes espacios.

2. Fidelidad de la grabación: Los primeros sistemas de cine sonoro producían sonido de muy baja calidad, a no ser que los intérpretes estuvieran colocados directamente en frente de los voluminosos aparatos de grabación (altavoces de trompeta, por lo general), imponiendo serios límites en el tipo de películas que podían crearse con sonido grabado en forma directa.

Los cineastas innovadores intentaron luchar con el problema fundamental de sincronización de diferentes maneras; un número creciente de sistemas de imágenes en movimiento dependían de discos gramofónicos, tecnología conocida por el nombre de sonido en disco; a las grabaciones se les llamaba a menudo "discos berlineses" (Berliner Discs), en honor de uno de los principales inventores en el campo, el germano-estadounidense Emile Berliner. Léon Gaumont mostró un sistema que involucraba sincronización mecánica entre un proyector de cine y un plato de tocadiscos en la Exposición Universal de París de 1900. En 1902, su Cronófono, que involucraba una conexión eléctrica que Gaumont había patentado recientemente, fue mostrado en la Sociedad Fotográfica Francesa. Cuatro años más tarde, introdujo el Elgéphone, un sistema de amplificación de aire comprimido basado en el Auxetophone, desarrollado por los inventores británicos Horace Short y Charles Parsons​ y comercializado por la compañía estadounidense Victor Talking Machine. A pesar de las altas expectativas, las innovaciones de sonido de Gaumont tuvieron solo un éxito comercial limitado; aunque se hicieron mejoras, estas aún no solucionaban satisfactoriamente los problemas básicos con el sonido en el cine y eran además caras. Durante algunos años, el Cameraphone del inventor estadounidense E. E. Norton fue el principal competidor del sistema de Gaumont (algunas fuentes difieren en si el Cameraphone estaba basado en disco o en cilindros); al final falló por muchas de las mismas razones que ocurrieron con el Chronophone. A finales de 1910, el movimiento en el cine sonoro se había detenido.​

Las innovaciones continuaron en otros frentes. En 1907, al francés Eugene Lauste -que había trabajado en el laboratorio de Thomas Edison entre 1886 y 1892- se le otorgó la primera patente de tecnología de sonido óptico, involucrando la transformación del sonido en ondas de luz que eran grabadas fotográficamente de forma directa en celuloide. Como describía el historiador Scott Eyman,

"Era un sistema doble, esto es, el sonido estaba en una parte diferente del celuloide que la imagen... En esencia, el sonido se capturaba con un micrófono y se traducía en ondas de luz a través de una válvula de luz, una delgada cinta de metal sensible sobre una diminuta hendidura. El sonido que llegaba a esta cinta se convertiría en luz por la vibración del diafragma, enfocando las ondas de luz resultantes a través de la hendidura, donde sería fotografiado en una parte del celuloide, en una cinta de una décima parte de pulgada de ancho".​

Aunque el sonido óptico finalmente se convertiría en el estándar universal para cine sonoro sincronizado, Lauste nunca explotó con éxito sus innovaciones, que llegaron en efecto a un callejón sin salida. En 1913, Edison introdujo un nuevo aparato de sonido sincronizado basado en cilindros como su sistema de 1895 llamado Kinetophone; en vez de mostrar las películas individualmente en el cuarto del kinetoscope, ahora se proyectaban en una pantalla. El tocadiscos se conectaba por una complicada serie de poleas hasta el proyector de cine, permitiendo -bajo condiciones ideales- la sincronización. Las condiciones, sin embargo, eran raramente ideales, y el nuevo y mejorado Kinetophone fue retirado después de poco más de un año.​

Otras películas sonoras, basadas en una variedad de sistemas, fueron hechas antes de los años 1920, generalmente con intérpretes sincronizando los labios con grabaciones de audio previamente hechas. La tecnología era mucho más adecuada para propósitos comerciales, y durante muchos años los jefes de los principales estudios de cine de Hollywood vieron poco beneficio en producir películas sonoras. Así estas películas fueron relegadas, junto con las películas de color, a un segundo plano.

Un número de desarrollos tecnológicos contribuyeron a hacer el cine sonoro comercialmente viable a finales de la década de 1920. Dos involucraron acercamientos opuestos para la reproducción de sonido sincronizado o playback:

Sonido óptico avanzado

En 1919, al inventor estadounidense Lee De Forest se le otorgaron varias patentes que llevarían a la primera tecnología de sonido óptico con aplicación comercial. En el sistema de De Forest, la pista de sonido era grabada fotográficamente en un lado de la cinta de la película para crear una copia compuesta o "casada". Si se conseguía una correcta sincronización del sonido y la imagen en la grabación, se podía confiar absolutamente en la reproducción. Durante los siguientes cuatro años, mejoró su sistema con la ayuda de material y patentes autorizadas por otro inventor estadounidense en el campo, Theodore Case.​ Entre las muchas filmaciones que hizo De Forest mientras probaba y perfeccionaba su sistema, se ha encontrado en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos una cinta sonora en la que aparece Concha Piquer.​ En la University of Illinois, el ingeniero investigador de origen polaco Joseph Tykociński-Tykociner estuvo trabajando independientemente en un proceso similar. El 9 de junio de 1922, hizo la primera demostración de una película con sonido óptico a los miembros de la American Institute of Electrical Engineers.​ Como con Lauste, el sistema de Tykociner nunca tuvo ventajas comerciales; sin embargo, el de De Forest, pronto lo haría.

El 15 de abril de 1923, en el Teatro Rivoli de la ciudad de Nueva York, se proyectó la primera película comercial con sonido óptico, el estándar futuro: una serie de cortos bajo la bandera de De Forest Phonofilms, acompañando una película muda.​ En junio de ese año, De Forest entró en una batalla legal con un empleado, Freeman Harrison Owens, por el derecho de una de las patentes cruciales de Phonofilm. Aunque De Forest finalmente ganó el caso en los tribunales, Owens es hoy en día reconocido como un innovador central en el campo. Ese mismo año, Lee DeForest presentó también la película Conchita Piquer, con la cantante española del mismo nombre recitando y cantando en español y portugués.​ El año siguiente, el estudio de De Forest estrenó la primera película comercial dramática sonora, la película de dos bobinas Love's Old Sweet Song, dirigida por J. Searle Dawley protagonizada por Una Merkel.​ La especialidad de Phonofilms, no obstante, no eran dramas originales sino documentales de celebridades, actos de música popular y actuaciones de comedia. El Presidente Calvin Coolidge, el cantante de ópera Abbie Mitchell y estrellas de vodevil como Phil Baker, Ben Bernie, Eddie Cantor y Oscar Levant aparecieron en las películas de la firma. Hollywood permaneció receloso, incluso temeroso, de la nueva tecnología. Como el editor de James Quirk puso en marzo de 1924, "Las películas sonoras son perfeccionadas, dice Dr. Lee De Forest. "También lo es el aceite de ricino."​ El proceso de De Forest continuó usándose en 1927 en los Estados Unidos en docenas de cortos de Phonofilms; en el Reino Unido fue usado unos pocos años más para tanto cortometrajes como largometrajes por British Sound Film Productions, una filial de British Talking Pictures, que compró los principales activos de Phonofilm. A finales de 1930, el negocio de Phonofilm sería liquidado.​

En Europa, otros también estaban trabajando en el desarrollo de sonido óptico. El mismo año que De Forest recibió sus primeras patentes en el campo, tres inventores alemanes patentaron el sistema de sonido Tri-Ergon. El 17 de septiembre de 1922, presentaron una proyección pública de producciones con sonido óptico incluyendo una película sonora dramática, Der Brandstifter ( El pirómano) ante una audiencia invitada en el Alhambra Kino de Berlín. En 1923, dos ingenieros daneses, Axel Petersen y Arnold Poulsen, patentaron un sistema en donde el sonido era grabado en tiras de diapositivas separadas funcionando en paralelo con la bobina de imágenes. Gaumont autorizaría y pondría brevemente la tecnología para uso comercial bajo el nombre Cinéphone.​ Fue una competición nacional, sin embargo, lo que llevaría al eclipse de Phonofilms. En septiembre de 1925, el acuerdo de trabajo entre De Forest y Case había fracasado. El julio siguiente, Case se unió a Fox Film, el tercer estudio más grande de Hollywood, para fundar la Fox-Case Corporation. El sistema desarrollado por Case y su ayudante, Earl Sponable, con el nombre de Movietone, se convirtió en la primera tecnología de sonido óptico viable controlada por un estudio cinematográfico de Hollywood. Al año siguiente, Fox compró los derechos en América del Norte del sistema Tri-Ergon, aunque la empresa lo encontró inferior a Movietone y virtualmente imposible de integrar los dos sistemas diferentes para aprovecharlos.​ En 1927, también, Fox retuvo los servicios de Freeman Owens, que tenía una particular habilidad en construir cámaras para películas sonoras sincronizadas.​

Advanced sound-on-disc

En paralelo con las mejoras en la tecnología sound-on-film, un número de empresas estaban haciendo progresos con sistemas en donde el sonido de la película era grabado en discos fonográficos. En la tecnología sound-on-disc de la era, un plato fonográfico era conectado por un entrelazado mecánico a un proyector de cine especialmente modificado, permitiendo sincronización. En 1921, el sistema sound-on-disc Photokinema desarrollado por Orlando Kellum fue empleado para añadir secuencias de sonido sincronizado a la fallida película muda Dream Street de D. W. Griffith. Una canción de amor, interpretada por la estrella Ralph Graves, fue grabada, como también lo fue una introducción hablada y una secuencia de efectos sonoros de una multitud. Aparentemente, las escenas de diálogo también fueron grabadas, pero los resultados fueron insatisfactorios y la película que las incorporaba nunca fue estrenada públicamente. El 1 de mayo de 1921, Dream Street fue reestrenada, con la canción de amor añadida, en el teatro Town Hall de la ciudad de Nueva York, calificándola, por azar, como el primer largometraje con una secuencia vocal grabada en directo.​ Sin embargo, debido a que la calidad del sonido era deficiente y a que ningún otro cine contaba con la tecnología para exhibirla con sonido, no tuvo mucho recorrido. El 29 de mayo, "Dream Street" se estrenó en el Shubert Crescent Theatre de Brooklyn junto con un programa de cortometrajes realizados en Photokinema. Sin embargo, no tuvo éxito comercial y la exhibición fue cancelada.

En 1925, Warner Bros., entonces un pequeño estudio de Hollywood, comenzó a experimentar con los sistemas sound-on-disc en los Vitagraph Studios de Nueva York, que había comprado recientemente. La tecnología de Warner Bros., llamada Vitaphone, fue introducida públicamente el 6 de agosto de 1926, con el estreno de la película de casi tres horas ; el primer largometraje en emplear un sistema de sonido sincronizado de cualquier tipo durante toda la película, su banda sonora contenía música y efectos de sonido, pero no diálogo grabado. En otras palabras, había sido pensada y rodada como una película muda. Acompañando a Don Juan, no obstante, había ocho cortos de interpretaciones musicales, la mayoría clásicas, así como una introducción filmada de cuatro minutos por Will H. Hays, presidente de la Motion Picture Association of America, todo con sonido grabado en directo. Estas fueron las verdaderas primeras películas sonoras exhibidas por un estudio de Hollywood.​ Don Juan no sería estrenado de forma general hasta febrero del año siguiente, haciendo de la técnicamente similar The Better 'Ole, presentada por Warner Bros. en octubre de 1926, el primer largometraje con sonido sincronizado durante toda la película para mostrarse a una amplia audiencia. Los hermanos Elisa Cansino y Eduardo Cansino, que formaban la pareja de baile conocida como Dancing Cansinos, fueron los protagonistas del considerado el primer corto sonoro de la historia, La Fiesta. ​

Sound-on-film

Este sistema finalmente tendría éxito, respecto al método sound-on-disc por un número de ventajas técnicas fundamentales:

Sincronización: ningún sistema de entrelazado era completamente fiable, y el sonido podía desincronizarse debido a saltos en el disco o cambios de minutos en la velocidad de la película, requiriendo la supervisión constante y el ajuste manual frecuente.

Edición: los discos no podían ser editados directamente, limitando severamente la capacidad de hacer alteraciones en sus películas acompañantes después de la edición original.

Distribución: los discos fonográficos añadían gastos y complicación extra a la distribución de películas.

Uso y desgaste: el proceso físico de reproducir los discos los degradaba, requiriendo su reemplazo después de aproximadamente veinte proyecciones.

Sin embargo, en los primeros años, sound-on-disc tuvo ventajas sobre el sound-on-film de dos maneras considerables:

Costo de producción y capital: era generalmente menos caro grabar sonido en un disco que en el celuloide y los sistemas de exhibición principales -tocadiscos/entrelazado/proyector- eran más baratos de fabricar que los complejos proyectores que leían los patrones de imagen y sonido requeridos por sound-on-film.

Calidad de audio: los discos de gramófono, los Vitaphone en particular, tenían un rango dinámico superior al de la mayoría de los procesos sound-on-film del tiempo, al menos durante las primeras reproducciones, mientras el sound-on-film tendía a tener una mejor respuesta en frecuencia, esto era superado por una mayor distorsión y ruido.

A medida que la tecnología sound-on-film mejoraba, estas dos desventajas fueron superadas.

El tercer conjunto de innovaciones cruciales marcó un importante paso hacia adelante en tanto la grabación en directo del sonido como su eficaz reproducción:

Grabación y amplificación electrónica de fidelidad

Comenzando en 1922, la rama de investigación de la división manufacturera Western Electric de AT&T comenzó trabajando intensivamente en la tecnología de grabación para tanto sound-on-disc como sound-on-film. En 1925, la empresa introdujo públicamente un sistema de audio electrónico muy mejorado, incluyendo micrófonos de condensador sensibles y grabadores de línea de caucho. En ese mes de mayo, la empresa autorizó al empresario Walter J. Rich explotar el sistema para películas comerciales; fundó Vitagraph, que Warner Bros. adquirió una parte de interés en solo un mes después. En abril de 1926, los hermanos Warner firmaron un contrato con AT&T por el uso exclusivo de su tecnología de sonido para películas para la reapodada operación Vitaphone, llevando a la producción de Don Juan y sus cortos acompañantes durante los siguientes meses. Durante el periodo en que Vitaphone tuvo acceso exclusivo a las patentes, la fidelidad de las grabaciones hechas para las películas de los Warner fue considerablemente superior a esas hechas por los competidores sound-on-film de la empresa. Mientras tanto, Bell Labs -el nuevo nombre para las operaciones de investigación de AT&T- estaba trabajando a un ritmo frenético en tecnología sofisticada de amplificación de sonido que permitiría a las grabaciones ser reproducidas sobre altavoces a un volumen que llenara el teatro. El nuevo sistema de altavoces de bobina móvil fue instalada en el Teatro de Warner en Nueva York a finales de julio y su patente de presentación, para lo que Western Electric llamó el receptor número 555, fue rellenada el 4 de agosto, solo dos días antes del estreno de Don Juan.​

Más tarde en ese mismo año, AT&T/Western Electric creó una división de licencias, Electrical Research Products Inc. (ERPI), para gestionar los derechos de la tecnología de audio de la empresa. Vitaphone seguía teniendo exclusividad legal, pero habiendo faltado en sus pagos de regalías, el control efectivo de los derechos estaba en manos de ERPI. El 31 de diciembre de 1926, los Warner concedieron a Fox-Case una sublicencia por el uso del sistema de Western Electric a cambio de una parte de los ingresos que irían directamente a ERPI.​ Las patentes de los tres negocios eran con licencia cruzada. Ahora estaba disponible una tecnología de grabación y amplificación superior para dos estudios de Hollywood, persiguiendo dos métodos muy diferentes de reproducción de sonido. El nuevo año vería finalmente la aparición del cine sonoro como un medio comercial significativo.

En febrero de 1927, fue firmado un acuerdo por cinco importantes productoras de Hollywood -las llamadas Dos Grandes, Paramount y MGM, así como First National (una vez en el ranking de la industria junto con Fox, pero ahora en declive), la de medio tamaño Universal, y la pequeña pero prestigiosa Producers Distributing Corporation (PDC) de Cecil B. DeMille - para seleccionar colectivamente solo un proveedor para la conversión de sonido. El grupo de las cinco entonces se puso cómodo y esperó para ver que tipo de resultados proponían los precursores. En mayo, Warner Bros. revendió sus derechos de exclusividad a ERPI (junto con la sublicencia Fox-Case) y firmó un nuevo contrato de regalía similar al de Fox para el uso de la tecnología de Western Electric. A medida que Fox y los Warner avanzaron con el cine sonoro en diferentes direcciones, tanto tecnológicamente como comercialmente -Fox con noticiarios y después dramas musicales, los Warner con películas habladas- también lo hizo ERPI, que buscó hacerse con el mercado firmando con cinco importantes aliados.

Todas las películas sonoras del año 1927 se aprovecharon de las celebridades preexistentes. El 20 de mayo de 1927, en el Teatro Roxy de Nueva York, Fox Movietone presentó una película sonora del despegue del célebre vuelo a París de Charles Lindbergh, grabado más temprano ese mismo día. En junio, un noticiario sonoro de Fox se muestra presentando su bienvenida de vuelta a Nueva York y Washington, D. C. Estas fueron las dos películas sonoras más aclamadas hasta la fecha.​ También en mayo, Fox estrenó la primera película de Hollywood de ficción con diálogo sincronizado: el corto They're Coming to Get Me, protagonizado por el cómico Chic Sale.​ Después de reestrenar unos pocos éxitos de películas mudas, como El séptimo cielo, con música grabada, Fox sacó su primera película original Movietone el 23 de septiembre: , por el aclamado director alemán F. W. Murnau. Como con Don Juan, la banda sonora de la película estaba compuesta de música y efectos de sonido (incluyendo, en un par de escenas llenas de gente, conversaciones no específicas). Luego, el 6 de octubre de 1927, se estrenó El cantante de jazz de Warner Bros. Fue un gran éxito en taquilla para el estudio de tamaño medio, ganando un total de 2,6 millones de dólares en los Estados Unidos y en el extranjero, casi un millón de dólares más que el anterior récord para una película de los Warner.​ Producida con el sistema Vitaphone, la mayor parte de la película no contiene audio grabado en directo, dependiendo, como Amanecer y Don Juan, en su música y efectos sonoros. Cuando la estrella de la película, Al Jolson, canta, no obstante, la película cambia a sonido grabado en el plató, incluyendo tanto sus interpretaciones musicales como dos escenas con discurso improvisado-uno del personaje de Jolson, Jakie Rabinowitz (Jack Robin), dirigiéndose a la audiencia de un cabaré; el otro un intercambio de opiniones entre él y su madre. Aunque el éxito de El cantante de jazz fue debido en gran parte a Jolson, ya establecido como una de las más grandes estrellas musicales de Estados Unidos, y su uso limitado de sonido sincronizada apenas se calificaba como una innovadora película sonora (sino como la "primera"), los considerables beneficios fueron prueba suficiente para la industria de que valía la pena invertir en la tecnología.

El desarrollo del cine sonoro comercial había avanzado a rachas antes de El cantante de jazz, y el éxito de la película no cambió las cosas de la noche a la mañana. No fue hasta mayo de 1928 que los cuatro principales reacios (PDC había abandonado la alianza) -junto con United Artists y otros- firmaron con ERPI para la conversión de las instalaciones de producción y los teatros para el cine sonoro. Inicialmente, todos los teatros cableados por ERPI fueron hechos compatibles con Vitaphone; la mayoría estaban equipados para proyectar bobinas Movietone también.​ Incluso con el acceso a ambas tecnologías, no obstante, la mayoría de las empresas de Hollywood continuaron siendo lentas para producir películas habladas propias. Ningún estudio aparte de Warner Bros. estrenaron ni una película con partes sonoras hasta que el pequeño Film Booking Offices of America (FBO) estrenó Perfect Crime el 17 de junio de 1928, ocho meses después de El cantante de jazz.​ FBO había caído bajo el control efectivo de un competidor de Western Electric, la división RCA de General Electric, que estaba buscando comercializar su nuevo sistema sound-on-film, Photophone. A diferencia del Movietone de Fox-Case y el Phonofilm de De Forest, que eran sistemas de densidad variable, Photophone era un sistema de área variable -un refinamiento en la manera que la señal de audio era inscrito en el celuloide que se convertiría finalmente en la regla-. (En ambos sistemas, una lámpara especialmente diseñada, la exposición de cual con el celuloide es determinada por la entrada de audio, es usada para grabar el sonido fotográficamente como una serie de líneas minúsculas. En un proceso de densidad variable, las líneas son de oscuridad variable; en un proceso de área variable, las líneas son de anchura variable). Para octubre, la alianza FBO-RCA llevaría a la creación de un nuevo e importante estudio de Hollywood, RKO Pictures.

Mientras tanto, Warner Bros. había estrenado tres películas habladas más en la primavera, todas rentables, pero no al nivel de El cantante de jazz: en marzo apareció The Tenderloin; fue nombrada por los Warner como la primera película en donde los personajes pronunciaban sus partes, aunque solo 15 de sus 88 minutos tenían diálogo. En abril le siguió Glorious Betsy y The Lion and the Mouse (31 minutos de diálogo) en mayo.​ El 6 de julio de 1928 se estrenó la primera película completamente hablada, Lights of New York. La película costó a Warner Bros. solo 23 000 de dólares para producirse, pero ganó 1,2 millones de dólares, una tasa récord de rendimiento superando el 5000 %. En septiembre, el estudio estrenó otra película con partes habladas con Al Jolson, The Singing Fool, que dobló con creces el récord de beneficios de El cantante de jazz para una película de los Warner.​ Este segundo éxito de pantalla de Jolson demostró la capacidad de una película musical de transformar una canción en un éxito nacional: el siguiente verano, el número de Jolson "Sonny Boy" se había anotado unas ventas de 2 millones de discos y 1,25 millones de partituras.​ En septiembre de 1928 se estrenó Dinner Time de Paul Terry que fue uno de los primeras dibujos animados producidos con sonido sincronizado. Después de ver esto, Walt Disney decidió hacer uno de sus cortos de Mickey Mouse, Steamboat Willie, también con sonido.

A lo largo de 1928, a medida que Warner Bros. comenzó a recoger grandes beneficios debido a la popularidad de sus películas sonoras, los otros estudios aceleraron el ritmo de su conversión a la nueva tecnología. Paramount, el líder de la industria, sacó su primera película hablada a finales de septiembre, Beggars of Life; aunque tenía solo unas pocas líneas de diálogo, demostró el reconocimiento del estudio del poder del nuevo medio. Interference, la primera película completamente hablada de Paramount, debutó en noviembre. Las expectativas cambiaron rápidamente, y la "moda" de 1927 se convirtió en un procedimiento estándar para 1929. En febrero de 1929, dieciséis meses después del debut de El cantante de jazz, Columbia Pictures fue el último de los ocho estudios que serían conocidos como "grandes" durante la Edad de Oro de Hollywood en estrenar su primera película con partes habladas, Lone Wolf's Daughter.​ La mayoría de los cines estadounidenses, especialmente fuera de áreas urbanas, no estaban aún equipados para el sonido y los estudios no estaban completamente convencidos del interés universal de las películas habladas -a mediados de los años 1930, la mayoría de las películas de Hollywood eran producidas en versiones duales, tanto muda como sonora.​ Aunque pocos en la industria lo predijeron, el cine mudo como un medio comercial viable en los Estados Unidos sería pronto algo más que un recuerdo. La última película mayoritaria completamente muda sacada por uno de los estudios grandes de Hollywood fue el western Points West de Hoot Gibson, estrenado por Universal Pictures en agosto de 1929.​ Un mes antes, la primera película completamente en color y completamente hablada se había estrenado públicamente: On with the Show! de Warner Bros.

El cantante de jazz tuvo su estreno sonoro europeo en el Piccadilly Theatre de Londres el 27 de septiembre de 1928.​ Según el historiador de cine Rachael Low, "Muchos en la industria se dieron cuenta de una vez que el cambio a la producción con sonido era inevitable."​ El 16 de enero de 1929, se estrenó la primera película europea con una interpretación vocal sincronizada y música grabada: la producción alemana Ich küsse Ihre Hand, Madame ( Beso tu mano, Madame).​ Una película sin diálogos que contiene solo unos pocos minutos de canto por la estrella Richard Tauber, puede pensarse como la combinación del Viejo Mundo de Dream Street y Don Juan. La película fue hecha con el sistema sound-on-film controlado por la firma germano-holandesa Tobis, herederos corporativos del negocio Tri-Ergon. Con un ojo hacia dominar el emergente mercado europeo de cine sonoro, Tobis entró en un pacto con su principal competidor, Klangfilm, una filial de Allgemeine Elektrizitäts Gesellschaft (AEG). A principios de 1929, los dos negocios comenzaron a comercializar juntos sus tecnologías de grabación y reproducción. A medida que ERPI comenzó a cablear cines alrededor de Europa, Tobis-Klangfilm reclamó que el sistema de Western Electric infringía las patentes de Tri-Ergon, paralizando la introducción de la tecnología estadounidense en muchos lugares. Así como RCA había entrado en el negocio del cine para maximizar el valor de su sistema de grabación, Tobis también estableció sus propias casas de producción, llevadas por la alemana Tobis Filmkunst.

A lo largo de 1929, la mayoría de los principales países europeos creadores de películas comenzaron a unirse a Hollywood en la conversión hacia el sonido. Muchas de las películas habladas europeas que crearon moda estuvieron rodadas en el extranjero con estudios arrendados de las empresas de producción mientras las suyas estaban siendo convertidas o mientras comercializaban deliberadamente mercados que hablaban diferentes idiomas. Uno de las primeras películas dramáticas habladas de Europa fue creada en un tipo diferente de opción sobre la creación de películas multinacionales: The Crimson Circle fue una coproducción entre la empresa Efzet-Film del director Friedrich Zelnik y British Sound Film Productions (BSFP). En 1928, la película había sido estrenada como la película muda Der Rote Kreis en Alemania, donde fue rodada; El diálogo inglés fue aparentemente doblado mucho más tarde usando el proceso Phonofilm de De Forest controlado por la compañía matriz de BSFP. Se le dio un estreno comercial británico en marzo de 1929, ya que era una película con partes habladas hecha completamente en el Reino Unido: The Clue of the New Pin, un producción de British Lion usando el sistema Photophone británico sound-on-disc. En mayo, Black Waters, se estrenó comercialmente una producción de British and Dominions Film Corporation que se promocionó como la primera película completamente hablada en el Reino Unido; había sido rodada completamente en Hollywood con un sistema sound-on-film de Western Electric. Ninguna de estas películas tuvo mucho impacto.​ La primera película dramática hablada europea que tuvo éxito fue la completamente británica . Dirigida por Alfred Hitchcock con veintinueve años, la película tuvo su debut en Londres el 21 de junio de 1929. Originalmente rodada como película muda, Blackmail fue parcialmente rodada de nuevo para incluir secuencias de diálogo, junto con música y efectos de sonido, antes de su estreno. Una producción de British International Pictures (BIP), fue grabada en RCA Photophone con General Electric habiendo comprado una parte de AEG para obtener acceso a los mercados de Tobis-Klangfilm. Blackmail tuvo un éxito considerable; la reacción de las críticas también fue positiva-el célebre cascarrabias Hugh Castle, por ejemplo, dijo sobre ella que "quizá es la mezcla más inteligente de sonido y silencio que hemos visto hasta ahora."​

El 23 de agosto, la industria cinematográfica austríaca sacó una película sonora: Geschichten aus der Steiermark ( Historias de Estiria), una producción de Eagle Film-Ottoton Film.​ El 30 de septiembre, se estrenó la primera película hablada dramática hecha completamente en alemán, Das Land ohne Frauen ( La tierra sin mujeres). Una producción de Tobis Filmkunst, una cuarta parte de la película contenía diálogos, que fueron estrictamente segregados de los efectos especiales y la música. La respuesta estuvo por debajo de lo esperado.​ La primera película hablada de Suecia, Konstgjorda Svensson ( Svensson artificial), se estrenó el 14 de octubre. Ocho días más tarde, Aubert Franco-Film sacó Le Collier de la reine ( El collar de la Reina), rodada en el estudio de Epinay cerca de París. Concebida como una película muda, se le dio una música grabada en Tobis y una única secuencia hablada -la primera escena de diálogos en una película francesa-. El 31 de octubre, Les Trois masques ( Las tres máscaras) debutó; una película Pathé-Natan, es generalmente considerada como una de las primeras películas habladas francesas, aunque fue rodada, como Blackmail, en el Elstree studio, a las afueras de Londres. La empresa de producción contrató a RCA Photophone y Gran Bretaña tenía entonces la instalación más cercana con el sistema. La película hablada La Route est belle ( La ruta es bella) de Braunberger-Richebé, también rodada en Elstree, le siguió pocas semanas después.​ Antes de que los estudios de París estuviera completamente equipados para el sonido-un proceso que se extendió bien en 1930-un número de otras tempranas películas habladas francesas se rodaban en Alemania.​ La primera película completamente hablada alemana, Atlantik ( Atlántico), se estrenó en Berlín el 28 de octubre. Aunque era otra película hecha en Elstree, fue algo menos alemana de corazón que Les Trois masques y La Route est belle francesas; una producción BIP con un escenarista británico y un director alemán, fue también rodada en inglés como Atlantic.​ La producción enteramente alemana Dich hab ich geliebt ( Porque te amé) de Aafa-Film abrió tres semanas y media más tarde. No fue la "primera película hablada de Alemania", como el marketing denía, pero fue la primera en estrenarse en los Estados Unidos.​

Se estrena el 7 de enero de 1930 la primera película sonora de España, Fútbol, amor y toros, dirigida por Florián Rey y seguida 4 días después por El misterio de la Puerta del Sol, dirigida por Francisco Elías Riquelme, cuyo rodaje inicio entre octubre y noviembre de 1929. En 1930, se estrenaron las primeras películas habladas polacas, usando sistemas sound-on-disc: Moralność pani Dulskiej ( La moralidad de Mrs. Dulska) en marzo y la película completamente hablada Niebezpieczny romans ( Peligrosas aventuras amorosas) en octubre.​ En Italia, cuya industria había sido vibrante se había convertido en moribunda a finales de los años 1920, la primera película hablada, La Canzone dell'amore ( La canción del amor), también salió en octubre; en dos años, el cine italiano estaría disfrutando de un resurgimiento.​ La primera película hablada en checo debutó también en 1930, Tonka Sibenice.​ Varios países europeos con menores posiciones en el campo también produjeron su primera película hablada-Bélgica (en francés), Dinamarca, Grecia y Rumanía.​ La robusta industria cinematográfica de la Unión Soviética sacó sus primeras películas sonoras en 1931: la película de no ficción Entuziazm de Dziga Vertov, con una banda sonora experimental y sin diálogos, fue estrenada en la primavera.​ En el otoño, el drama Putyovka v zhizn de Nikolai Ekk, se estrenó como la primera película hablada del país.

En la mayor parte de Europa, la conversión de los lugares de exhibición se quedó bien atrás de la capacidad de producción, requiriendo que las películas habladas fueran producidas en paralelo con versiones mudas o simplemente presentadas sin sonido en muchos lugares. Mientras el ritmo de la conversión era relativamente rápido en Gran Bretaña -con más del 60% de los cines equipados para el sonido a finales de 1930, similar a la cifra de Estados Unidos- en Francia, en cambio, más de la mitad de los cines a escala nacional seguían proyectando cine mudo para finales de 1932.​ Según el erudito Colin G. Crisp, "La inquietud de resucitar el flujo de películas mudas fue frecuentemente expresado en la prensa industrial [francesa], y una gran parte de la industria seguía viendo el cine mudo como una perspectiva artística y comercial viable hasta alrededor de 1935."​ La situación fue particularmente grave en la Unión Soviética; por la primavera de 1933, menos de uno de cada cien proyectores de cine en el país estaban equipados para el sonido.​

Durante los años 1920 y 1930, Japón fue uno de los dos más grandes productores de cine en el mundo, junto con los Estados Unidos. Aunque la industria del cine del país estaba entre las primeras en producir tanto las películas sonoras como las películas habladas, la conversión completa al sonido avanzó mucho más lentamente que en Occidente. Parece que la primera película japonesa sonora, Reimai, fue hecha en 1926 con el sistema Phonofilm de De Forest.​ Usando el sistema sound-on-disc de Minatoki, el importante estudio Nikkatsu produjo un par de películas habladas en 1929: Taii no musume y Furusato, la última dirigida por Mizoguchi Kenji. El estudio rival Shochiku comenzó la producción exitosa de películas habladas sound-on-film en 1931 usando un proceso de densidad variable llamado Tsuchibashi.​ Dos años después, no obstante, más del 80% de las películas hechas en el país continuaban siendo mudas. Dos de los principales directores del país, Ozu Yasujiro y Naruse Mikio, no hicieron su primeras películas sonoras hasta 1935. Para 1938, más de un tercio de las películas producidas en Japón eran rodadas sin diálogo.​

La popularidad duradera del medio mudo en el cine japonés se debía en gran parte a la tradición del , un narrador en directo que interpretaba como acompañamiento a la proyección de la película. Como el director Kurosawa Akira describió más tarde, el benshi "no solo contaba el argumento de las películas, también realzaba el contenido emocional interpretando las voces y los efectos de sonido y proporcionando descripciones evocadoras de los eventos e imágenes en la pantalla. Los narradores más populares era estrellas por sí solas, únicos responsables del patrocinio de un cine particular."​ El historiador de cine Mariann Lewinsky expone,

El final del cine mudo en Occidente y en Japón fue impuesto por la industria y el mercado, no por ninguna necesidad interna o evolución natural... El cine mudo era una forma completamente madura y sumamente agradable. No le faltaba nada, al menos en Japón, donde había siempre la voz humana haciendo los diálogos y la narración. Las películas sonoras no eran mejores, sólo más económicas. Como propietario del cine ya no tenías que pagar un salario a los músicos y al benshi. Y un buen benshi era una estrella lo que exigía un pago de estrella.​

De la misma manera, la viabilidad del sistema benshi facilitó una transición gradual al sonido-permitiendo a los estudios dispersar los costes capitales de la conversión y el tiempo de sus directores y equipo técnico para familiarizarse con la nueva tecnología.​

La película en idioma mandarín Genu hong mudan, protagonizada por Butterfly Wu, se estrenó en 1930 como la primera película sonora de China. En febrero de ese mismo año, la producción fue aparentemente completada con una versión sonora de The Devil's Playground, calificándola discutiblemente como la primera película hablada australiana; sin embargo, la proyección de prensa de mayo de la ganadora del premio Commonwealth Film Contest Fellers es la primera exhibición pública verificable de una película hablada australiana.​ En septiembre de 1930, una canción interpretada por la estrella india Sulochana, extraída de la película muda Madhuri (1928), fue estrenada como un corto con sonido sincronizado, convirtiéndolo en una mini Dream Street asiática.​ El año siguiente, Ardeshir Irani dirigió la primera película hablada india, the hindi-urdu , y produjo Kalidas, principalmente en tamil con algo de telugú. El año 1931 también vio la primera película en idioma bengalí, Jamai Sasthi, y la primera película completamente hablada en telugú, Bhakta Prahlada.​ En 1932, Ayodhyecha Raja se convirtió en la primera película que sería estrenada en idioma maratí (aunque Sant Tukaram fue la primera que pasó por el proceso oficial de censura); la primera película en idioma guyaratí, Narsimha Mehta, y la completamente hablada en tamil, Kalava, debutaron también. El año siguiente, Ardeshir Iraní produjo la primera película hablada en idioma persa, Dukhtar-e-loor.​ También en 1933, se produjeron las primeras películas en idioma cantonés en Hong Kong- Sha zai dongfang y Liang xing; en dos años, la industria de cine local se había convertido completamente en sonora.​ En Corea, donde los byeonsa tenían un papel y un estatus similar al de los benshi japoneses, en 1935 se convirtió en el último país con una industria del cine significativa en producir su primera película hablada: Chunhyang-Jeon. Esta está basada en un cuento popular del siglo XVII del cual se han hecho hasta catorce versiones en películas hasta hoy en día.​

En 1929, el actor y director cubano René Cardona filma en los Estados Unidos los primeros talkies o películas habladas, completamente en español, Sombras Habaneras (1929), con actores de varios países de habla hispana. En el periodo que va de 1929 a 1931, se filman en Estados Unidos varios talkies en español, sobresaliendo, entre ellas las películas (1929) actuada por Carmen Guerrero filmada en locaciones de Tehuantepec (México) y las playas de Malibú, California, Estados Unidos por el actor y director Guillermo Calles o Guillermo "Indio" Calles, (1929) cortometraje de coproducción mexicano-estadounidense con la actuación de Emilio Fernández, Sombras de Gloria (1929) producida y actuada por Jose Bohr, la actriz y soprano cubana Carolina Segrera protagoniza el cortometraje sonoro en idioma español The Cuban Nightingale (1929) y después, se filma Charros, gauchos y manolas (1930), del director de orquesta catalán Xavier Cugat con las actuaciones de la actriz mexicana Delia Magaña y el actor argentino Paul Ellis. Thus is life (1930) (en Hispanoamérica "Así es la Vida") con la actriz Delia Magaña, The Cat Creeps ("La Voluntad del Muerto", en Hispanoamérica ) (1930) y (1931) con la actriz mexicana Lupita Tovar y las películas Don Juan diplomático(1931) y El proceso de Mary Dugan(1931), con la actriz mexicana Celia Montalván. El actor y cantante Carlos Gardel actuaría en películas filmadas en Joinville-le-Pont, Francia con la empresa americana Paramount: Las luces de Buenos Aires (1931), (1932), el cortometraje La casa es seria (1932), Melodía de arrabal (1932) y las películas realizadas junto a dicho artista en Long Island Nueva York: Cuesta abajo (1934), El tango en Broadway (1934), El día que me quieras (1935) y (1935) y Cazadores de estrellas (1934) realizada en Hollywood, California. El Director de orquesta cubano Don Azpiazu musicalizó la película (1932) protagonizada por Gardel. Posteriormente filma en Nueva York, al lado del cantante cubano Antonio Machín, los cortometrajes sonoros Don Azpiazu and his cuban ensemble (1933) y Don Azpiazu the Rhumba (1933), en el sistema Movietone

El cine sonoro en Argentina

Ya desde 1907 existieron intentos de realizar películas sonoras en la Argentina. Ese año, Eugenio Py junto con Enrique Lepage, hicieron experimentos usando fonógrafos de cilindro como fuente sonora. Aunque no sería hasta con la primera exhibición de un filme sonoro en Buenos Aires -siendo también la primera proyección de este tipo en América del Sur- a mediados de 1929, en que los cineastas argentinos vieron el potencial del cine sonoro en desmedro del entonces predominante cine mudo, tanto realizando filmes nuevos, o con la sonorización de filmes ya exhibidos. El primer filme sonoro sudamericano fue el cortometraje Mosaico Criollo (1929), realizado por el director Roberto Guidi quién usó el sistema Vitaphone siendo un éxito menor, pero que atrajo bastante atención por parte del público, después se filma el cortometraje El adiós del unitario, del director argentino Edmo Cominetti interpretada por la actriz Nedda Francy y estrenada en 1931. También se filma en Argentina el primer largometraje sonoro Muñequitas Porteñas (1931) un melodrama filmado usando el sistema Vitaphone, y dirigido por José Agustín "El Negro" Ferreyra, Ferreyra ya había dado acompañamiento musical a las películas La canción del gaucho (1930) y El cantar de mi ciudad (1930). La primera serie de 10 cortometrajes con sonido óptico ( Añoranzas, Canchero, El carretero (con Arturo de Nava), Enfundá la mandolina, Mano a mano (con Celedonio Flores), Padrino pelao, Rosas de otoño (con Francisco Canaro), Tengo miedo, Viejo smoking y Yira... yira (con su creador, Enrique Santos Discépolo) con las actuaciones de Carlos Gardel que fueron filmados entre el 23 de octubre y el 3 de noviembre de 1930 por el director argentino Eduardo Morera bajo el sistema óptico Phonofilm y estrenados el 3 de mayo de 1931 en el cine Astral, sito en la Corrientes 1641 de Buenos Aires, bajo el rubro de "Variedad musical"y la primera película animada con sonido de Latinoamérica (Peludópolis, hecha en 1931 por Quirino Cristiani). Ya para 1933 la industria argentina abandonó el cine mudo, tras la fundación de los estudios Argentina Sono Film y Lumiton y el gran éxito de los primeros largometrajes nacionales que incorporan el sonido óptico: (1933) y Los tres berretines (1933) .​

El cine sonoro en México

Entre 1927 y 1929, en Los Ángeles, California, el director Joselito Rodríguez desarrolla su propio equipo de sonido óptico. El 15 de septiembre de 1929 estrena su cortometraje con sonido óptico Himno Nacional de México en el cine Electric de la ciudad de Los Ángeles, después filma Sangre Mexicana(1929) con diálogos de la actriz Celia Montalván mediante el sistema óptico RCA Photophone y estrenada en los cines en mayo de 1931.Posteriormente, Joselito Rodríguez filma Fletonatiuh, Santos y Lee I y II (1930), La famosa Banda de Música de la Policía de México (1930) y sonoriza mediante su sistema óptico la serie americana The Indians are Coming (1930; R: Henry MacRae; producida por Adventure y distribuida por Universal Pictures). En México se filma el largometraje sonoroEl águila y el nopal (1929) del director Miguel Contreras Torres, mientras que el fundador del Partido Fascista de México, el político Gustavo Sáenz de Sicilia filma ,en diciembre de 1928, la película La Boda de Rosario(1929) , estrenada primero silente en febrero de 1929 y reestrenada sonorizada el 27 de abril de 1929 en el Teatro Iris acompañada de discos fonográficos con las actuaciones del actor y cantante cubano Juan José Martínez Casado y de la actriz Consuelo Frank. El Director de cine silente José Manuel Ramos filma su primer cortometraje sonoro (1929). La noche del 26 de abril de 1929 en el Teatro Imperial de la Ciudad de México, la Columbia Pictures estrena Submarine / Submarino de F. Capra (1928) la primera cinta sincronizada con ruidos incidentales que se conoce en el país. Casi un mes después, el 23 de mayo de 1929, con The Singing Fool / La última canción de L. Bacon (1929), la Warner da a conocer el vitáfono en el Cine Olimpia Distrito Federal.Posteriormente, Miguel Contreras Torres filmaría Protesta y toma de posesión del presidente, ingeniero Pascual Ortiz Rubio (1930) el mes de febrero, en la Ciudad de México y Soñadores de gloria (1930), en los Estados Unidos, con las actrices Medea de Novara y Emma Roldán, el director Salvador Pruneda filma Abismos ò Náufragos de la Vida(1930).Carlos o Charles Amador dirige el cortometraje El Inocente(1929) y el largometraje Terrible pesadilla (1930).La película Los hijos del destino(1930) actuada por Juan José Martínez Casado y dirigida por Luis Lezama. El Director Gabriel Soria filma la serie de 5 cortometrajes sonoros Revista Excelsior (1930) y meses más tarde, se filma la primera película mexicana totalmente hablada, Más fuerte que el deber(1930) , de Rafael J. Sevilla.En 1931 el director Alberto Méndez Bernal filma Contrabando ,con las actuaciones del actor español Ramón Pereda y Virginia Zuri. Sin embargo, la poca preparación de los proyeccionistas con la adecuada sincronización de diálogos y canciones con las imágenes en el sistema sonoro de discos Vitaphone significó que casi todas fueran un rotundo fracaso en su exhibición pública.

La primera película sonora mexicana en tener éxito fue (1931) (Exhibida en los cines en marzo de 1932) la cual utilizó el proceso de sistema óptico RCA Photophone actuada por Lupita Tovar. Durante este tiempo el cine mexicano se consolidó con filmes como Una vida por otra(1932), El compadre Mendoza (1933), El prisionero 13 (1933) con el actor Alfredo del Diestro, La calandria(1933), El fantasma del convento(1934), Vámonos con Pancho Villa (1935) y Las mujeres mandan(1937), dirigidas por Fernando de Fuentes; Un espectador impertinente (1932), (1932), La Mujer del Puerto(1934), (1935), Así es mi Tierra(1937) y Águila o Sol(1937)--las dos últimas con Mario Moreno "Cantinflas", todas ellas dirigidas dirigidas por Arcady Boytler y La sangre manda (1933), ¿Quién mató a Eva?(1934),Sueño de amor(1935) Luponini de Chicago (también conocida como El gran Luponini, Luponini o El manos sangrientas)(1935) y (1936) que aborda el tema del narcotráfico y las adicciones, dirigidas con el cantante y actor chileno José Bohr. El Director español Juan Orol filma Madre querida(1935),¿Mujeres sin alma, venganza suprema? (1935),Honrarás a tus padres (1936), El calvario de una esposa (1936) yEterna Mártir (1937) con un rotundo éxito de taquilla .​

La comedia ranchera

Es un género de nacimiento temprano derivado de la sonorización de los filmes. En 1936, Fernando de Fuentes dirige Allá en el Rancho Grande, la cual alcanza un éxito comercial sin precedentes en el cine mexicano. Plantea las bases para el desarrollo de los arquetipos de lo mexicano que posteriormente convertirían al género en uno de los más socorridos a nivel nacional. La característica más importante de las comedias rancheras radica en que, gracias a la sonorización cinematográfica, podían incluirse varios números musicales, canciones interpretadas por los protagonistas e insertadas en la trama de una forma diferente a la utilizada en el cine musical hollywoodense, más acostumbrado a los grandes números musicales con coreografías majestuosas.​

El cine sonoro en el resto de América

Debido a la carencia de tradición cinematográfica, el resto de Latinoamérica tuvo adoptó el sonido de forma tadía.

Chile fue el tercer país en América Latina en tener cine sonoro con la primera exhibición en abril de 1930 en el teatro Victoria de Santiago.​ filmándose poco después las películas La calle del ensueño (1929), actuada por la actriz mexicana Amparito Arozamena y estrenada en 1930 con efectos sonoros y música, y (1933), totalmente hablada y estrenada en 1934, ambas de Jorge Délano. Durante este periodo Venezuela también realizó sus primeras sonoras: La Venus de Nacár (1931) dirigida por Efraín Gómez y estrenada en 1932 en el Teatro Maracay y (1938), esta última siendo la primera película venezolana con sonido óptico.​ El primer filme de Colombia realizado con sonido ópticoPereira es la que invita a su gran carnaval (1936) producido por la Casa Filmadora Venus en la ciudad de Medellìn y Los Primeros ensayos del cine parlante nacional (1937) con el sistema sonoro óptico Crono Fotófono, importado por los Hermanos Acevedo, ambos filmes, solo con un carácter marginal y experimental. La primera película sonora boliviana fueHacia la gloria(1932) estrenada en 1933, sonorizada con el sistema Vitaphone, producida por Mario Camacho, José Jiménez y Raúl Durán y dirigida por el escritor, pintor y paisajista Arturo Borda, le seguirían películas sonoras como La Campaña del Chaco(1933) e Historia de la decadencia aymará (1933). En Ecuador la empresa Sono Filmes produce la película Guayaquil de mis amores(1930), dirigida por Francisco Diumenjo. Posteriormente, La divina canción(1931) e(1931) realizadas por el director chileno Alberto Santana, las cuales incluyen canciones y sonidos incidentales. Pero es la película Se conocieron en Guayaquil (1949) la primera considerada sonora de Ecuador, también filmada por Alberto Santana. La primera película sonora peruana fue (1934) que también dirigió Alberto Santana, ambientada en el mundo del boxeo, previamente a esto, se había sonorizado el documental La manifestación patriótica del 28 de mayo de 1933 (1933), y se inicia el corto periodo de auge de producción del llamado cine criollo. El primer largometraje documental sonoro en Paraguay, titulado En el infierno del Chaco (1932), implementaba una banda de efectos sonoros y ruidos ambientales, dirigida por el fotógrafo argentino Roque Funes. En 1933 se filmó el primer largometraje documental con sonido óptico "La tierra de Guarán" en los campos de batalla de la guerra con Bolivia. En 1937 se filmó la primera película argumental paraguaya,Tierra de promisión como una coproducción paraguayo-argentina, en 35 milímetros, con sonido, dirigida por el alemán James Bauer, con guion y música del compositor paraguayo Remberto Giménez. En Uruguay, la cintaEl pequeño héroe del Arroyo de Oro(1929) fue realizada como silente y que después seria sonorizada en el año 1933 para su reestreno con algunos diálogos y la primera película sonora uruguaya, totalmente hablada, que fue Dos destinos (1935) estrenada en los cines en 1936, a las que siguieron (1938), Soltero soy feliz(1938) dirigida por Juan Carlos Patrón, y Radio Candelario (1939) dirigida por el escritor español Rafael Abellá. La película cubanaLa Virgen de la Caridad (1930) protagonizada por Miguel Santosy dirigida por Ramón Peón incorporó algunos sonidos incidentales,Maracas y bongó (1932) es un cortometraje que incorpora sonido óptico coproducido por los cineastas Max Tosquella y Arturo "Musie" del Barrio. En 1937 se filma el primer largometraje sonoro cubano, La serpiente roja, del director español Juan Orol producida por Ernesto Caparrós con los actores Pituka de Foronda y Aníbal de Mar. En 1938, se filma la película sonora , también dirigida por Orol, con la actriz y cantante puertorriqueña María Antonieta Pons, aunque no sería estrenada hasta 1942. En 1938 se filman El Romance del Palmar (1938) dirigida por Ramón Peón con la actuación de la cantante Rita Montaner y Ahora Seremos Felices con las actrices Pituka de Foronda, Mapy Cortés y los actores Gustavo Rojo y Rubén Rojo. En 1939 se filma A Dangerous Adventure (originalmente Una Aventura Peligrosa) también dirigida por Ramón Peón y actuada por Rosita Fornés y Aníbal de Mar. La película brasileñaAcabaram-se os Otários estrenada en los cines el 2 de septiembre de 1929, es el primer intento de incorporar algunas canciones con el sistema de discos Vitaphone al igual que en (1930) estrenada en 1931, de Mario Peixoto que no fue bien recibida por el público; pero, eventualmente, fue vista como una obra maestra, junto con Ganga Bruta (1933) de Humberto Mauro filmada entre 1931 y 1932 y que transcurrido el año 1932 logra incorporar efectos sonoros como fondo musical y algunos breves diálogos en el sistema óptico Movietone y que encuentra un rechazo entre los grupos más conservadores de la sociedad brasileña. Con las cintasA Voz do Carnaval (1933) de Adhemar Gonzaga y Humberto Mauro.Alô! Alô! Brasil (1935) y Alô! Alô! Carnaval (1936) del cineasta Luiz de Barros y la cinta de carnaval Tereré Não Resolve (1938) y Banana da Terra (1939) dirigida por Ruy Costa , cintas en las que actuaba la actriz Carmen Miranda. Así ,se incorpora plenamente el sonido en el cine brasileño. En Honduras, el cineasta José Bohr filma la película con sonido óptico (1937) y se filman documentales sonoros a lo largo de los años 40`s , pero es hasta la filmación de Mi amigo Ángel(1962) que se oficializa la industria fílmica en esa Nación. En Repùblica Dominicana ,desde 1930, se incorporan efectos sonoros a los documentales dedicados al dictador Trujillo. Pero es en 1963 ,cuando el dramaturgo Franklin Domínguez rueda su largometraje ,en donde denuncia los horrores del régimen de Trujillo y crea una filmografía no oficial. La primera película sonora filmada en Canadá es The Crimson Paradise(1933) Dirigida por Robert F. Hill con las actuaciones de Nick Stuart y estrenada en los Estados Unidos de América con el título de Fighting Playboy(1933).

Se dice que la primera película sonora en idioma español se hizo en los Estados Unidos de América, cuatro años antes que " The Jazz Singer" (1927) (El Cantante de Jazz), que se considera como el primer largometraje sonoro de la historia del cine. En efecto, se ha encontrado en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos una cinta que demuestra que en 1923 se rodaron una serie de cortometrajes que fueron presentados el 15 de abril en el Teatro Rivoli de la ciudad de Nueva York. En él, aparece uno de once minutos de duración dirigido por el estadounidense Lee DeForest y protagonizado por la actriz y cantante española, Conchita Piquer. En el filme, la cupletista canta una Copla andaluza y una Jota Aragonesa en español y un Fado en portugués, lo que la convierte también en la primera película cinta en lengua portuguesa con sonido.​

Entre octubre y noviembre de 1929, se rodó el primer largometraje de la historia del cine sonoro español. Se trata de Fútbol, amor y toros, película dirigida por Florián Rey. El 7 de enero de 1930 se estrenó en Madrid en el Teatro de la Zarzuela.​ Esta película tuvo mucho éxito y recibió numerosos aplausos al final de la proyección. Se proyectó la película en otras ciudades como Barcelona, Zaragoza y Logroño.

Por otro lado, el mismo año se estrenó otra película sonora en España cuyo rodaje se hizo aproximadamente en las mismas fechas. Se trata de El misterio de la Puerta del Sol una película dirigida por Francisco Elías.​ Esta película nació a raíz del encuentro entre el director y Lee DeForest. Elías, al volver a España, decidió producir una película sonora. La película trata de dos litonistas que se enteran del próximo rodaje en Madrid, su ciudad, de una película de Hollywood. Deciden llamar la atención cometiendo un asesinato.​ Esta comedia se estrenó el 11 de enero de 1930 en el Coliseo Castilla de Burgos ya que ni en Madrid ni en Barcelona se aceptó proyectarla. Esta película a diferencia de la anterior fue un completo fracaso. Las salas de proyección no estaban preparadas para el Phonofilm y el productor perdió una enorme suma de dinero, cosa que le hizo abandonar el mundo del cine para siempre.

Después de eso, la película quedó olvidada hasta que en 1981, la nieta del productor de la película, Feliciando Vitores, sacó la película durante una reunión de conservación en el Ateneo de Madrid. Ramón Rubio, presente en la reunión explica:

"Cuando me dijo que se trataba de "El misterio de la Puerta del Sol" comencé a llamarla insistentemente. Le propuse hacer un documento ante notario para que al menos nosotros conserváramos la película aunque siguiera siendo de su propiedad. Pero su padre no había dejado un buen recuerdo de sus andanzas por el cine. Me decía que estaba guardada en un trastero de un pueblo de de Burgos. Y que cada año pasaba por ahí y la película estaba bien

En 1995, por fin accedió a venderlo y se emprendió la restauración. El Phonofilm era un sistema complejo al que no estaban acostumbrados los restauradores por lo cual se tuvo que coger fotograma por fotograma para poder mejorar el sonido. Se realizaron copias de seguridad y se separó el sonido de las imágenes. La Filmoteca Española editó un DVD conmemorativo.

La pérdida de la cinta de Fútbol, amor y toros ha provocado la desaparición de la película tanto físicamente como de la memoria. La gran diferencia entre ésta y El misterio de la Puerta del Sol es su resistencia a lo largo de los años. Ya que una, a pesar de su fracaso, ha sobrevivido a los pasos de los años mientras que la otra, que tuvo mucho más éxito, desapareció por completo y a día de hoy no se ha encontrado ninguna copia. Lo único que queda de esta película son las críticas y anuncios que aparecían en periódicos.​ Por lo tanto, El misterio de la Puerta del Sol y Fútbol, amor y toros, estrenadas con cuatro días de diferencia, son las dos películas que marcaron el principio del cine sonoro en España.

La Compañía Industrial Film Española S.A. (más conocida por su acrónimo CIFESA) fue fundada en Valencia durante la Segunda República Española, el 15 de marzo de 1932, como una productora independiente que hacía películas de acuerdo a los gustos populares. Aunque la creación se atribuye a la familia Casanova, quienes posteriormente se harían con la empresa, fueron los Trènor quienes la fundaron. En 1933 cuando la compañía ya pertenecía a la familia Casanova, consiguió la exclusividad para distribuir en España las películas de Columbia Pictures. En 1933 se habían rodado en España, en total 17 películas (4 en 1931, 6 en 1932 y 7 en 1933), y en 1934, 21, entre las cuales están El documental Las Hurdes, tierra sin pan (1933) del director Luis Buñuel y el primer éxito del cine español sonoro La hermana San Sulpicio (1934) de Florián Rey .

En los años 30 llegó a Portugal el cine sonoro, y en 1931 desaparecía "Invicta Filmes", así como las productoras menos reconocidas "Caldevilla Films" y "Fortuna Film"2. Al inicio de la década los actores y técnicos portugueses se desplazaban a París para rodar las versiones de los grandes éxitos norteamericanos. La calidad era inferior a la de los originales, pero los rendimientos económicos eran importantes, pues las versiones se proyectaban también en Brasil, donde el cine portugués gozaba de gran aceptación popular. La película (1931), es el primer filme rodado en Portugal que es posteriormente sonorizado en Francia y dirigido por Leitão de Barros. En 1932, se instalan los estudios Tobis Portuguesa, montados con material llegado de Alemania, de la empresa Tobis Klang Film . Será ahí donde se ruede la primera película sonora enteramente portuguesa: La canción de Lisboa (1932). Su director, un arquitecto de renombre, conquistado por el arte del celuloide: José Cottinelli Telmo (1897-1948). Por su parte, el Estado Nuevo ve en la historia y en las ancestrales costumbres portuguesas una fuente de inspiración para construir su régimen político, favoreciendo un cine poco original, lastrado por un costumbrismo artificioso cuyos protagonistas son los héroes históricos o folclóricos. Y esos seguirán siendo los contenidos durante estas décadas y la siguiente, donde el cine sonoro no haría otra cosa que continuar y asentar esta construcción cinematográfica basada en la ruralidad, la tradición y la historia como rasgos esenciales de la nacionalidad. Entre los años 1932 y 1939 se filman solo trece largometrajes en Portugal, ni siquiera una media de dos por año.

A corto plazo, la introducción de la grabación del sonido en directo causó importantes dificultades en la producción. Las cámaras eran ruidosas, así que se usó un cuarto insonorizado en muchas de las primeras películas habladas para aislar el equipo ruidoso de los actores, a expensas de una drástica reducción en la libertad de movimiento de la cámara. Durante un tiempo, el rodaje con múltiples cámaras fue usado para compensar la pérdida de movilidad y técnicos de estudio innovadores pudieron a menudo encontrar maneras de liberar la cámara para rodajes particulares. La necesidad de estar dentro del rango de los micrófonos fijos significó que los actores a menudo también tuvieron que limitar sus movimientos de manera poco natural. Show Girl in Hollywood (1930), de First National Pictures (que Warner Bros. había comprado gracias a su rentable aventura con el sonido), ofrece una visión detrás de las cámaras de algunas de las técnicas que se usaban en el rodaje de las primeras películas habladas. Varios de los problemas fundamentales causados por la transición al sonido fueron solucionadas pronto con nuevas carcasas para las cámaras, diseñadas para ahogar el ruido y los micrófonos boom que podían mantenerse fuera del encuadre y moverse con los actores. Como describe David Bordwell, las mejoras tecnológicas continuaron a un ritmo rápido: "Entre 1932 y 1935, [Western Electric y RCA] crearon micrófonos direccionales, aumentaron el rango de frecuencias de las grabaciones, redujeron el ruido de tierra...y ampliaron el rango del volumen". Estos avances técnicos a menudo significaron nuevas oportunidades estéticas: "Aumentar la fidelidad de las grabaciones... realzó las espectaculares posibilidades del timbre vocal, el pitch y el volumen".​ Otro problema básico -célebremente parodiado en la película de 1952 Cantando bajo la lluvia- era que algunos actores de la era muda simplemente no tenían voces atractivas; aunque esta cuestión fue frecuentemente exagerada, hubo preocupaciones relativas a la calidad vocal general y el casting de intérpretes por su habilidades dramáticas en papeles que también requerían talento cantando. Para 1935, la regrabación de los diálogos por los actores originales o por diferentes actores en postproducción, se había convertido en una práctica habitual. El sistema de grabación ultravioleta introducido por RCA en 1936 mejoró la reproducción de silbidos y notas altas.​

Con la adopción a gran escala de las películas habladas por Hollywood, la competencia entre los dos enfoques fundamentales para la producción de películas sonoras fue resuelto pronto. A lo largo de 1930-31, los únicos grandes estudios que usaban sound-on-disc, Warner Bros. y First National, se cambiaron a la grabación sound-on-film. La presencia dominante de Vitaphone en los cines equipados con sonido, sin embargo, significó que durante los siguientes años todos los estudios de Hollywood crearon y distribuyeron versiones sound-on-disc de sus películas junto con copias sound-on-film. Fox Movietone pronto siguió a Vitaphone en el desuso como un método de grabación y reproducción, dejando dos principales sistemas estadounidenses: el Photophone de área variable de RCA y el proceso propio de densidad variable de Western Electrics, una mejora sustancial sobre Movietone con licencias cruzadas.​ Con RCA tomando las riendas, las dos empresas matrices hicieron su material de proyección compatible, de manera que las películas rodadas con un sistemas se podían estrenar en cines equipados con el otro.​ Esto dejó una gran cuestión -el desafío Tobis-Klangfilm. En mayo de 1930, Western Electric ganó un juicio austríaco que vació la protección de ciertas patentes de Tri-Ergon, ayudando a traer Tobis-Klangfilm a la mesa de negociaciones.​ El siguiente mes se alcanzó un acuerdo sobre la autorización cruzada de patentes, completa compatibilidad de reproducción, y la división del mundo en tres zonas para la provisión de material. Como un informe contemporáneo describe:

Tobis- Klangfilm tiene los derechos exclusivos para proporcionar material en: Alemania, Danzig, Austria, Hungría, Suiza, Checoslovaquia, Holanda, las Indias Neerlandesas, Dinamarca, Suecia, Noruega, Bulgaria, Rumanía, Yugoslavia y Finlandia. Los estadounidenses tienen los derechos exclusivos para los Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, India y Rusia. Todos los otros países, entre ellos Italia, Francia e Inglaterra, están abierto a ambas partes.​

El acuerdo no resolvía todas las disputas de patente y posteriores negociaciones y concordias fueron asumidas y firmadas a lo largo de los años 1930. También durante estos años, los estudios estadounidenses comenzaron a abandonar el sistema de Western Electric por el enfoque del Photophone de área variable de RCA -a finales de 1936, solo Paramount, MGM y United Artists seguían teniendo contratos con ERPI.​

Mientras la introducción de sonido llevó a un boom en la industria del cine, tuvo un efecto adverso en el empleo de una gran cantidad de actores de Hollywood. De repente esos sin experiencia teatral fueron considerados como sospechosos por los estudios; aquellos cuyas acentos eran muy pronunciados o de lo contrario voces discordantes que previamente habían sido ocultas fueron particularmente vulnerables. La carrera de la importante estrella de cine mudo Norma Talmadge efectivamente llegó a su fin de esta manera. El célebre actor suizo Emil Jannings regresó a Europa. La voz de John Gilbert era buena, pero la audiencia la encontró que difícilmente encajaba con su perfil de héroe, y su estrella se apagó también. La voz de Clara Bow fue a veces culpada por la desaparición de su brillante carrera, pero la verdad es que ella fue demasiado difícil de llevar.​ No solo el cine mudo había pasado de moda como un medio, las audiencias parecían percibir muchas estrellas asociadas con él como anticuadas, incluso aquellas que tenían el talento para triunfar en la era sonora. Lillian Gish se marchó, detrás del escenario, y otras figuras importantes pronto dejaron la actuación completamente: Colleen Moore, Gloria Swanson, y la pareja interpretativa más famosa de Hollywood, Douglas Fairbanks y Mary Pickford. Buster Keaton estaba ansioso de explorar el nuevo medio, pero cuando su estudio, MGM, hizo la conversión al sonido, él fue rápidamente despojado del control creativo. Aunque algunas de las primeras películas habladas de Keaton dieron impresionantes beneficios, eran artísticamente tristes.​

Varias de las mayores atracciones del nuevo medio vinieron del vodevil y el teatro musical, donde los intérpretes como Jolson, Eddie Cantor, Jeanette MacDonald y los Hermanos Marx estaban acostumbrados a las demandas tanto de diálogo como de canciones. James Cagney y Joan Blondell, que habían trabajado en equipo en Broadway, fueron traídos juntos por Warner Bros. en 1930. Unos pocos actores fueron grandes estrellas durante tanto la era de cine mudo como la sonora: Richard Barthelmess, Clive Brook, Bebe Daniels, Norma Shearer, el dúo cómico de Stan Laurel y Oliver Hardy, y el incomparable Charlie Chaplin, cuyo Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936) utilizaron sonido casi exclusivamente para la música y los efectos. Janet Gaynor se convirtió en una superestrella con El séptimo cielo and con sonido sincronizado pero sin diálogo, como lo hizo Joan Crawford con la tecnológicamente similar Vírgenes modernas (1928). Greta Garbo fue una hablante no nativa de inglés que consiguió el estrellato en Hollywood tanto en el cine mudo como en el sonoro.

A medida que surgían las películas habladas, con sus pistas musicales pregrabadas, un número creciente de músicos de orquestas de películas se encontraron sin trabajo.​ Se les usurpó más que solo su posición como acompañantes musicales en las películas; según el historiador Preston J. Hubbard, "Durante las interpretaciones musicales en directo de los años 1920 en cines de primera clase se convirtió en un aspecto tremendamente importante del cine estadounidense."​ Con la llegada de las películas habladas, estas interpretaciones-normalmente representados como preludios- fueron también en gran parte eliminadas. La American Federation of Musicians retiró anuncios de periódicos que protestaban por el reemplazo de músicos en directo por dispositivos mecánicos reproductores. Un anuncio de 1929 que apareció en el Pittsburgh Press presenta una imagen de una lata con la etiqueta "Música Enlatada / Marca Mucho Ruido / Garantía de producir ninguna reacción intelectual o emocional" y muestra en parte:

Música Enlatada en juicio
Este es el caso del Arte vs. Música Mecánica en los cines. El acusado se declara acusado en frente de la gente estadounidense de intentó de corrupción de la apreciación musical y desánimo de educación musical. Los cines en muchas ciudades están ofreciendo música mecánica sincronizada como un sustituto de la música real. Si el público que va al cine acepta este enviciamiento de su programa de entretenimiento un lamentable declive en el arte de la música es inevitable. Las autoridades musicales saben que el alma del arte se pierde en la mecanización. No puede ser de otra manera porque la calidad de la música es dependiente del estado de humor del artista, en el contacto humano, sin el cual la esencia de la estimulación intelectual y el éxtasis emocional se pierde.​

En septiembre de 1926, Jack Warner, dueño de Warner Bros., afirmó que las películas habladas nunca serían viables: "Fallan en no tener en cuenta el lenguaje internacional de las películas mudas, y la participación inconsciente de cada espectador en crear la obra, la acción, el argumento y el diálogo imaginado por él mismo".​ Mucho para el beneficio de su empresa, se demostraría que se equivocaba -entre los años fiscales 1927-28 y 1928-29, los beneficios de los Warner aumentaron repentinamente de 2 millones de dólares a 14 millones de dólares. El cine sonoro, de hecho, era una clara bendición para todos los principales estudios de la industria. Durante el mismo período de doce meses, los beneficios de Paramount aumentaron en 7 millones de dólares, los de Fox en 3,5 millones de dólares, y los de Loew/MGM en 3 millones de dólares.​ RKO, que no existía en septiembre de 1928 y cuya empresa de producción matriz, FBO, estaba entre los estudios menores de Hollywood, a finales de 1929 se estableció como uno de las principales empresas de entretenimiento estadounidenses.

Incluso mientras el Crack de Wall Street de octubre de 1929 causó el desplome en los Estados Unidos y finalmente llevó a la economía mundial a la depresión, la popularidad de las películas habladas parecía mantener a Hollywood inmune. La temporada de exhibición 1929-30 fue incluso mejor que la anterior para la industria cinematográfica, con las ventas de tickets y los beneficios globales llegando a nuevos máximos. La realidad finalmente golpeó más tarde en 1930, pero el sonido claramente había asegurado la posición de Hollywood como uno de los campos industriales más importantes en los Estados Unidos, tanto comercialmente como culturalmente. En 1929, los recibos de las taquillas de cine constituyeron el 16,6 % de total de gastos de los estadounidenses en ocio; para 1931, la cifra había alcanzado el 21,8 %. El negocio cinematográfico obtendría cifras similares para los siguientes 15 años.​ Hollywood también dominó el escenario grande. La industria cinematográfica estadounidense -siendo ya la más poderosa del mundo- estableció un récord de exportación en 1929 que, por la medida aplicada del total de pies de celuloide expuesto, fue un 27 % mayor que el año anterior.​ Las preocupaciones que las diferencias de idioma dificultarían las exportaciones de cine estadounidenses resultaron ser en gran parte infundadas. De hecho, el gasto de la conversión del sonido era uno de los mayores obstáculos para muchos productores en el extranjero, relativamente descapitalizados por los estándares de Hollywood. La producción de múltiples versiones de las películas habladas vinculadas a la exportación en diferentes idiomas, un enfoque común al principio, en gran parte terminado a mediados de 1931, se reemplazó por el doblaje posterior y el subtitulado. A pesar de las restricciones de comercio impuestas en la mayoría de los mercados extranjeros, para 1937, las películas estadounidenses dominaban un 70 % del tiempo en pantalla alrededor del mundo.​

Lo mismo que los principales estudios de Hollywood ganaron en el sonido en relación a sus competidores extranjeros, lo hicieron también en casa. Como el historiador Richard B. Jewell describe, "La revolución del sonido aplastó a muchas pequeñas empresas de cine y productores que eran incapaces de satisfacer las demandas financieras de la conversión al sonido".​ La combinación del sonido y la Gran Depresión llevó a una reestructuración a gran escala en el negocio, resultando en la jerarquía de las Cinco Grandes empresas integradas (MGM, Paramount, Fox, Warners, RKO) y los tres estudios menores (Columbia, Universal, United Artists) que predominarían durante toda la década de 1950. El historiador Thomas Schatz describe los efectos complementarios:

[C]omo los estudios estuvieron forzados a hacer más eficientes las operaciones y depender de sus propios recursos, sus estilos individuales de la casa y las personalidades corporativas pasaran a ser el centro de atención. Así el periodo que marcó un hito desde la llegada del sonido hasta el principio de la Depresión vio que el sistema de estudios finalmente funcionaba, con los estudios individuales conformándose con sus propias identidades y sus respectivas posiciones dentro de la industria.​

El otro país en donde el cine sonoro tuvo un considerable impacto comercial inmediato fue India. Como un distribuidor del período dijo: "Con la llegada de las películas habladas, el cine indio entró propiamente en una pieza de creación definitiva y distintiva. Esto se logró con la música".​ Desde sus primeros días, el cine sonoro indio ha estado definido por el musical - Alam Ara presentaba siete canciones; un año después, Indrasabha presentaría setenta. Mientras la industria del cine europeo luchó una interminable batalla contra el músculo económico y la popularity de Hollywood, diez años después del debut de Alam Ara, más del 90 % de las películas mostradas en las pantallas indias estaban hechas dentro del país.​ La mayoría de las primeras películas habladas de India fueron rodadas en Bombay, que permanece como el principal centro de producción, pero el cine sonoro pronto se extendió de un extremo a otro del país multilingüe. Solo unas pocas semanas después del estreno en marzo de 1931 de Alam Ara, Madan Pictures basada en Calcuta estrenó tanto la versión en hindi Shirin Farhad como la versión en bengalí Jamai Sasthi.​ La película en indostánico Heer Ranjha fue producida en Lahore, Panyab, el año siguiente. En 1934, Sathi Sulochana, la primera película hablada en canarés en estrenarse, fue rodada en Kohalpur, Maharashtra; Srinivasa Kalyanam se convirtió en la primera película hablada en tamil de hecho rodada en Tamil Nadu.​ Una vez aparecieron las primeras películas habladas, la conversión a la producción completamente sonora pasó tan rápido en India como lo hizo en los Estados Unidos. Ya por 1932, la mayoría de las producciones de películas eran con sonido; dos años después, 164 de las 172 películas indias eran habladas.​ Desde 1934 hasta hoy en día, con la única excepción de 1952, India ha estado entre los tres países más productores de películas en el mundo cada año.

En la primera edición de 1930 de su encuesta global The Film Till Now, el experto en cine Paul Rotha declaró, "Una película en donde los diálogos y los efectos de sonido están perfectamente sincronizados y coinciden con su imagen visual en la pantalla es absolutamente contrario a los objetivos del cine. Es un intento degenerado y descaminado para destruir el uso real del cine y no puede aceptarse que está dentro de los verdaderos límites del cine".​ Estas opiniones no fueron raras entre aquellos que veían el cine como una forma de arte; Alfred Hitchcock, aunque dirigió la primera película hablada comercialmente exitosa en Europa, sostuvo que "las películas mudas eran la forma más pura de cine" y se burló de muchas de las primeras películas sonoras como que ofrecían poco aparte de "fotografías de gente hablando."​

La mayoría de los historiadores y aficionados al cine de los últimos tiempos están de acuerdo en que el cine mudo había alcanzado un pico estético para finales de los años 1920 y que los primeros años del cine sonoro ofrecían poco en comparación con las mejores películas mudas. Por ejemplo, a pesar de caer en relativamente en el olvido una vez que pasó su era, el cine mudo está representado por once películas en la encuesta Centenary of Cinema Top One Hundred de Time Out' celebrada en 1995. La película sonora más antigua que aparece es la francesa (1934), dirigida por Jean Vigo; la película de Hollywood más antigua en aparecer es La fiera de mi niña (1938), dirigida por Howard Hawks. El primer año en donde la producción de cine sonoro predominó sobre el cine mudo -no sólo en los Estados Unidos, sino también en Occidente considerado como un todo- fue 1929; aunque los años de 1929 a 1931 están representados por tres películas sin diálogos (Die Büchse der Pandora [1929], [1930], Luces de la ciudad [1931]) y cero películas habladas en la encuesta de Time Out.

El efecto a corto plazo del sonido sobre el arte cinemático puede ser estimado en más detalle considerando esas películas del periodo de transición -los últimos años de producción de cine mudo comercial y los primeros años de películas habladas- en Occidente estas son ampliamente citadas como obras maestras, como aparecen en recientes grandes encuestas en los medios de las mejores películas internacionales (aunque algunas listadas como películas mudas, como Amanecer y Luces de la ciudad, se estrenaron con música grabada y efectos de sonido, son ahora por costumbre referidas por los historiadores y profesionales de la industria como "mudas" -el diálogo hablado está considerado como el factor crucial distintivo entre el cine mudo y cine dramático sonoro). Del periodo de seis años 1927-32, once películas mudas están ampliamente reconocidas como obras maestras y solo una película hablada ( TO= Time Out; VV= Village Voice; S&S= Sight & Sound):​

Películas mudas

Películas habladas

La primera película sonora en recibir una aprobación crítica casi universal fue Der Blaue Engel (El ángel azul); estrenada el 1 de abril de 1930, fue dirigida por Josef von Sternberg en tanto la versión alemana como inglesa para el estudio UFA de Berlín. La primera película hablada estadounidense en ser ampliamente respetada fue Sin novedad en el frente, dirigida por Lewis Milestone, que se estrenó el 21 de abril. La otra película dramática sonora internacionalmente aclamada del año fue Cuatro de infantería, dirigida por G. W. Pabst para Nero-Film de Berlín. Los historiadores culturales consideran la francesa La edad de oro, dirigida por Luis Buñuel, que apareció en octubre de 1930, una de las importaciones más estéticas, aunque más como una señal de expresión del movimiento surrealista que como cine en sí. La película sonora más antigua ahora reconocida por la mayoría de los historiadores de cine como una obra maestra es de Nero-Film, dirigida por Fritz Lang, que se estrenó el 11 de mayo de 1931.

"El cine hablado es tan poco necesario como un libro de canto."​ Esta fue la tajante proclamación en 1927 del crítico Viktor Shklovsky, uno de los líderes del movimiento formalista ruso. Mientras algunos consideraban al sonido irreconciliable con el arte cinematográfico, otros lo vieron como la apertura de un nuevo campo de oportunidad creativa. El año siguiente, un grupo de directores de cine soviético, incluyendo Sergéi Eisenstein, proclamaron que el uso de la imagen y el sonido en yuxtaposición, el llamado método contrapuntal, llevaría el cine a "un poder sin precedentes y una cumbre cultural. Este método para construir el cine sonoro no lo restringirá a un mercado nacional, como debe ocurrir con las fotografías de representaciones, pero dará una posibilidad mayor que nunca antes para la circulación por todo el mundo de una idea expresada fílmicamente."​

El 12 de marzo de 1929, se estrenó la primera película hablada hecha en Alemania. La producción inaugural de Tobis Filmkunst, no fue un drama sino un documental patrocinado por una compañía naviera: Melodie der Welt ( Melodía del mundo), dirigida por Walter Ruttmann.​ Esta fue quizá la primera película en explorar significativamente las posibilidades artísticas de unir imágenes en movimiento con sonido grabado. Como describe el erudito William Moritz, la película es "intrincada, dinámica, de ritmo acelerado... yuxtaponiendo hábitos culturales similares de países alrededor del mundo, con un música orquestal espléndida... y muchos efectos de sonido sincronizados".​ El compositor Lou Lichtveld estuvo entre un número de artistas contemporáneos impresionados con la película: " Melodie der Welt se convirtió en el primer documental sonoro importante, el primero donde los sonidos musicales y no musicales estaban compuestos dentro de una única unidad y en donde la imagen y el sonido están controlados por uno y el mismo impulso".​ Melodie der Welt fue una influencia directa en la película industrial Philips Radio (1931), dirigida por el director de cine de avant-garde Joris Ivens y la música compuesta por Lichtveld, que describió sus objetivos audiovisuales:

"Para presentar las impresiones semi-musicales de sonidos de fábrica en un complejo mundo de audio que se movía entre música absoluta y puramente ruidos de la naturaleza del documental. En esta película puede encontrarse cada etapa intermedia: como el movimiento de las máquinas interpretada por la música, los ruidos de las máquinas dominando la música de fondo, la música por sí misma es el documental, y estas escenas fueron el puro sonido del solo de las máquinas".​

Muchos experimentos similares fueron perseguidos por Dziga Vertov en su Entuziazm de 1931 y por Chaplin en Tiempos modernos, un lustro después.

Unos pocos directores comerciales innovadores vieron inmediatamente las formas en que el sonido podía emplearse como una parte integral para contar una historia cinemáticamente, más allá de la función obvia de la palabra grabada. En Blackmail, Hitchcock manipuló la reproducción del monólogo de un personaje de manera que la palabra "cuchillo" saltaría de un borroso flujo de sonido, reflejando la impresión subjetiva del protagonista, que está desesperado por ocultar su implicación en un terrible apuñalamiento.​ En su primera película, Applause (1929) de Paramount, Rouben Mamoulian creó la ilusión de profundidad acústica variando el volumen del sonido ambiente en proporción a la distancia de las tomas. En cierto punto, Mamoulian quería que la audiencia escuchara un personaje cantando mientras al mismo tiempo otro rezaba; según el director, "Dijeron que no podríamos grabar las dos cosas -la canción y la oración- en un micro y un canal. Así que le dije al técnico de sonido, 'Por qué no usar dos micros y dos canales y combinar las dos pistas en posproducción?'"​ Estos métodos finalmente se convertirían en el procedimiento estándar en la creación popular de cine.

Uno de las primeras películas comerciales en sacar el máximo partido de las nuevas oportunidades proporcionadas por el sonido grabado fue , dirigida por René Clair y producida por la división francesa de Tobis. Estrenándose en París en abril de 1931 y Nueva York un mes después, la película fue un éxito tanto popular como en críticas. Una comedia musical con un argumento básico, es memorable por sus logros formales, en particular, su tratamiento categóricamente artificial del sonido. Como describe el erudito Donald Crafton,

" Le Million no nos permite olvidarnos que el componente acústico es una construcción tanto como el plató blanquecino. Reemplazó el diálogo con actores cantando y hablando en pareados rimantes. Clair creó confusiones bromistas entre el sonido en pantalla y fuera de pantalla. También experimentó con trucajes de audio asíncrono, como en la famosa escena donde una persecución a un abrigo es sincronizado con los aplausos de una muchedumbre invisible en el rugby".​

Estas técnicas y similares son parte del vocabulario de las películas sonoras de comedia, aunque como efectos especiales y "color", no como la base para el tipo de diseño extenso y no- naturalista conseguido por Clair. Fuera del campo de la comedia, el tipo de película valiente con sonido ejemplificada por Melodie der Welt y Le Million sería perseguido muy raramente en la producción comercial. Hollywood, en particular, incorporó el sonido en un fiable sistema de creación de películas basándose en el género, en donde las posibilidades formales del nuevo medio fueron subordinadas a los objetivos tradicionales de afirmación de estrellas y contar historias sencillas. Como predijo con precisión Frank Woods en 1928, secretario de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, "Las películas habladas del futuro seguirán la línea general de tratamiento hasta el momento desarrollado por las películas mudas de drama....las escenas habladas requerirán un manejo diferente, pero la construcción general de la historia será muy parecida."​

Véase también

1. Robertson (2001) afirma que el inventor y cineasta alemán, Oskar Messter comenzó proyectando películas sonoras en el número 21 Unter den Linden en septiembre de 1896 (p. 168), aunque parece tratarse de un error. Koerber (1996) afirma que después de que Messter adquiriera el Cinema Unter den Linden (en la parte de atrás de un restaurante), se reabrió bajo su dirección el 21 de septiembre de 1896 (p. 53). Sin embargo, no existe otra fuente que corrorobe a Robertson al afrimar que Messter proyectaba películas sonoras antes de 1903.

2. Sound engineer Mark Ulano, in "The Movies Are Born a Child of the Phonograph" (part 2 of his essay Moving Pictures That Talk), describes the Phono-Cinéma-Théâtre version of synchronized sound cinema:

This system used an operator adjusted non-linkage form of primitive synchronization. The scenes to be shown were first filmed, and then the performers recorded their dialogue or songs on the Lioretograph (usually a Le Eclat concert cylinder format phonograph) trying to match tempo with the projected filmed performance. In showing the films, synchronization of sorts was achieved by adjusting the hand cranked film projector's speed to match the phonograph. the projectionist was equipped with a telephone through which he listened to the phonograph which was located in the orchestra pit

3. If there was a drawback to the Elgéphone, it was apparently not a lack of volume. Dan Gilmore describes its predecessor technology in his 2004 essay "What's Louder than Loud? The Auxetophone": "Was the Auxetophone loud? It was painfully loud." For a more detailed report of Auxetophone-induced discomfort, see The Auxetophone and Other Compressed-Air Gramophones Archivado el 18 de septiembre de 2010 en Wayback Machine..

4. The information on the April 1923 Phonofilms screening contained in the main text is per the majority of available sources. A minority of sources claim, variously, that (a) the date was April 1, (b) the venue was the Rialto Theater, and/or (c) the feature, Bella Donna, had sound. The best piece of evidence in support of the majority description is the contemporary New York Times review of Bella Donna, which appeared on April 16 and which makes no reference to the film having any recorded sound at all.

5. (La película en imdb). En noviembre de 2010 se anunció el descubrimiento, en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, de una copia de la cinta (noticia del descubrimiento en lainformacion.com)

6. A few sources indicate that the film was released in 1923, but the two most recent authoritative histories that discuss the film-Crafton (1997), p. 66; Hijiya (1992), p. 103-both give 1924. It is generally accepted that De Forest recorded a synchronized musical score for director Fritz Lang's Siegfried (1924) when it arrived in the United States the year after its German debut-which would make it the first feature film with synchronized sound throughout-but seemingly no two sources agree on when the recording took place or if the film was ever actually presented with synch-sound. The August 24, 1925, New York Times review of Siegfried, following its apparent American premiere at New York City's Century Theater the night before, describes a live orchestra performing the score. The De Forest recording was likely made then.

7. The eight musical shorts were Caro Nome, An Evening on the Don, La Fiesta, His Pastimes, The Kreutzer Sonata, Mischa Elman, Overture "Tannhäuser", and Vestí La Giubba.

8. admin (16 de julio de 2015). "Las primeras cover girl". Visual: magazine de diseño, creatividad gráfica y comunicación.

9. Motion Picture Sound 1910-1929 y Sound Recording Research at Bell Labs detailed chronologies; part of Steven E. Schoenherr's Recording Technology History resource.

10. Gomery (2005), pp. 42, 50. Véase también Motion Picture Sound 1910-1929, perhaps the best online source for details on these developments, though here it fails to note that Fox's original deal for the Western Electric technology involved a sublicensing arrangement.

11. Glancy (1995), p. 4 [online]. The previous highest-grossing Warner Bros. film was Don Juan, which Glancy notes earned $1.693 million, foreign and domestic. Historian Douglas Crafton (1997) seeks to downplay the "total domestic gross income" of The Jazz Singer, $1.97 million (p. 528), but that figure alone would have constituted a record for the studio. Crafton's claim that The Jazz Singer "was in a distinct second or third tier of attractions compared to the most popular films of the day and even other Vitaphone talkies" (p. 529) offers a skewed perspective. While the movie was no match for the half-dozen biggest hits of the decade, the available evidence suggests that it was one of the three highest-earning films released in 1927 and that overall its performance was comparable to the other two, The King of Kings and Wings. It is undisputed that its total earnings were more than double those of the next four Vitaphone talkies; the first three of which, according to Glancy's analysis of in-house Warner Bros. figures, "earned just under $1,000,000 each", and the fourth, Lights of New York, a quarter-million more.

12. Glancy (1995), pp. 4-5. Schatz (1998) says the production cost of Lights of New York totaled $75,000 (p. 64). Even if this number is accurate, the rate of return was still over 1,600%.

13. In 1931, two Hollywood studios would release special projects without spoken dialogue (now customarily classified as "silents"): Charles Chaplin's City Lights (United Artists) and F. W. Murnau and Robert Flaherty's Tabú (Paramount). The last totally silent feature produced in the United States for general distribution was The Poor Millionaire, released by Biltmore Pictures in April 1930. Four other silent features, all low-budget Westerns, were also released in 1930 (Robertson [2001], p. 173).

14. As Thomas J. Saunders (1994) reports, it premiered the same month in Berlin, but as a silent. "Not until June 1929 did Berlin experience the sensation of sound as New York had in 1927-a premiere boasting dialogue and song": The Singing Fool (p. 224). In Paris, The Jazz Singer had its sound premiere in January 1929 (Crisp [1997], p. 101).

15. How the Pictures Learned to Talk: The Emergence of German Sound Film Archivado el 9 de enero de 2010 en Wayback Machine. historical survey; part of the filmportal.de website.

16. Low (1997a), pp. 178, 203-205; Low (1997b), p. 183; Der Rote Kreis Archivado el 24 de junio de 2011 en Wayback Machine. Deutsches Filminstitut entry; Crafton (1997), pp. 432. Note also that IMDb.com incorrectly refers to Der Rote Kreis/The Crimson Circle as a British International Pictures (BIP) coproduction (it also spells Zelnik's first name "Frederic"). The authentic BIP production Kitty is sometimes included among the candidates for "first British talkie." In fact, the film was produced and premiered as a silent for its original 1928 release. The stars later came to New York to record dialogue, with which the film was rereleased in June 1929, after much better credentialed candidates. See sources cited above.

17. Crisp (1997), p. 103; Epinay ville du cinéma Archivado el 12 de junio de 2010 en Wayback Machine. part of the Epinay-sur-Seine municipal website; Le Collier de la reine All Movie Guide description by Hal Erickson; Le cinéma français en 1930 chronology also covering 1929; part of the Cine-studies website. In his 2002 book Genre, Myth, and Convention in the French Cinema, 1929-1939 (Bloomington: Indiana University Press), Crisp says that Le Collier de la reine was "'merely' sonorized, not dialogued" (p. 381), but all other available detailed descriptions (including his own from 1997) mention a dialogue sequence. Note also that Crisp gives October 31 as the debut date of Les Trois masques and Cine-studies gives its release ("sortie") date as November 2. Note finally, where Crisp defines in Genre, Myth, and Convention a "feature" as being a minimum of sixty minutes long, this article follows the equally common, and Wikipedia-prevalent, standard of forty minutes or longer.

18. See Nichols and Bazzoni (1995), p. 98, for a description of La Canzone dell'amore and its premiere.

19. According to Il Cinema Ritrovato, the program for XXI Mostra Internazionale del Cinema Libero (Bologna; November 22-29, 1992), the film was shot in Paris. According to the IMDb entry on the film, it was a Czech-German coproduction. The two claims are not necessarily contradictory.

20. See Robertson (2001), pp. 10-14. Robertson claims Switzerland produced its first talkie in 1930, but it has not been possible to independently confirm this. The first talkies from Finland, Hungary, Norway, Portugal, and Turkey appeared in 1931, the first talkies from Ireland (English-language) and Spain and the first in Slovak in 1932, the first Dutch talkie in 1933, and the first Bulgarian talkie in 1934. In the Americas, the first Canadian talkie came out in 1929 -North of '49 was a remake of the previous year's silent His Destiny. The first Brazilian talkie, Acabaram-se os otarios (The End of the Simpletons), also appeared in 1929. That year, as well, the first Yiddish talkies were produced in New York: East Side Sadie (originally a silent), followed by Ad Mosay (The Eternal Prayer) (Crafton [1997], p. 414). Sources differ on whether Más fuerte que el deber, the first Mexican (and Spanish-language) talkie, came out in 1930 or 1931. The first Argentine talkie appeared in 1931 and the first Chilean talkie in 1934. Robertson asserts that the first Cuban feature talkie was a 1930 production called El Caballero de Max; every other published source surveyed cites La Serpiente roja (1937). Nineteen-thirty-one saw the first talkie produced on the African continent: South Africa's Mocdetjie, in Afrikaans. Egypt's Arabic Onchoudet el Fouad (1932) and Morocco's French-language Itto (1934) followed.

21. Several sources name Zemlya zhazhdet (The Earth Is Thirsty), directed by Yuli Raizman, as the first Soviet sound feature. Originally produced and premiered as a silent in 1930, it was rereleased with a non-talking, music-and-effects soundtrack the following year.

22. Burch (1979), pp. 145-146. Note that Burch misdates Madamu to nyobo as 1932. He also incorrectly claims that Ozu Yasujiro and Naruse Mikio made no sound films before 1936. In fact, Ozu's Hakoiri musume (An Innocent Maid, aka The Young Virgin) and Naruse's Tsuma yo bara no yo ni (Wife! Be Like a Rose!), both acclaimed talking features, were produced and released in 1935.

23. A Page of Madness (1927) interview with Mariann Lewinsky by Jasper Sharp, March 7, 2002; part of the Midnight Eye website.

24. Pradeep (2006); Narasimham (2006); Rajadhyaksha and Willemen (2002), p. 254; Tamil Cinema History-The Early Days: 1916-1936 Archivado el 11 de julio de 2000 en Wayback Machine. part of the IndoLink Tamil Cinema website.

25. Chapman (2003), p. 328; Rajadhyaksha and Willemen (2002), p. 255; Chatterji (1999), "The First Sound Films"; Bhuyan (2006), "Alam Ara: Platinum Jubilee of Sound in Indian Cinema." In March 1934 came the release of the first Kannada talking picture, Sathi Sulochana (Guy [2004]); Bhakta Dhruva (aka Dhruva Kumar) was released soon after, though it was actually completed first (Rajadhyaksha and Willemen [2002], pp. 258, 260). A few websites refer to the 1932 version of Heer Ranjha as the first Punjabi talkie; the most reliable sources all agree, however, that it is performed in Hindustani. The first Punjabi-language film is Pind di Kuri (aka Sheila; 1935). The first Assamese-language film, Joymati, also came out in 1935. Many websites echo each other in dating the first Oriya talkie, Sita Bibaha, as 1934, but the most authoritative and most detailed sources to definitively date it both give 1936 (Chapman [2003], p. 328; "Sita Bibaha: The First Oriya Cellulolid Romance" essay by Saswat Pattanayak-part of the Ornet Archives discussion list). The Rajadhyaksha and Willemen (2002) entry gives "1934?" (p. 260).

26. "Korean Cinema and Hollywood" essay by Oh Sungji; "Formation of Korean Film Industry Under Japanese Occupation".

27. El Género Musical Latinoamericano. 1.ª parte Archivado el 8 de agosto de 2012 en Wayback Machine. Jorge Alberto Grassi.

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34. American Federation of Musicians/History Archivado el 5 de abril de 2007 en Wayback Machine. "1927 - With the release of the first 'talkie,' The Jazz Singer, orchestras in movie theaters were displaced. The AFM had its first encounter with wholesale unemployment brought about by technology. Within three years, 22,000 theater jobs for musicians who accompanied silent movies were lost, while only a few hundred jobs for musicians performing on soundtracks were created by the new technology. 1928 - While continuing to protest the loss of jobs due to the use of 'canned music' with motion pictures, the AFM set minimum wage scales for Vitaphone, Movietone and phonograph record work. Because synchronizing music with pictures for the movies was particularly difficult, the AFM was able to set high prices for this work."

35. "Canned Music on Trial" part of Duke University's Ad*Access project. The text of the ad continues:

Is Music Worth Saving?
No great volume of evidence is required to answer this question. Music is a well-nigh universally beloved art. From the beginning of history, men have turned to musical expression to lighten the burdens of life, to make them happier. Aborigines, lowest in the scale of savagery, chant their song to tribal gods and play upon pipes and shark-skin drums. Musical development has kept pace with good taste and ethics throughout the ages, and has influenced the gentler nature of man more powerfully perhaps than any other factor. Has it remained for the Great Age of Science to snub the Art by setting up in its place a pale and feeble shadow of itself?
American Federation of Musicians (Comprising 140,000 musicians in the United States and Canada), Joseph N. Weber, President. Broadway, New York City.

36. Segrave (1997) gives the figures as 282 million feet in 1929 compared to 222 million feet the year before (p. 79). Incredibly, Crafton (1997) reports the new mark this way: "Exports in 1929 set a new record: 282,215,480 feet (against the old record of 9,000,000 feet in 1919)" (p. 418). What old record? In 1913, for instance, the U.S. exported 32 million feet of exposed film (Segrave [1997], p. 65). Note also that Crafton says of the 1929 exports, "Of course, most of this footage was silent," though he provides no figures (p. 418). In contrast, if not necessarily contradiction, Segrave points to the following: "At the very end of 1929, The New York Times reported that most U.S. talkies went abroad as originally created for domestic screening" (p. 77).

37. Guy (2004); "Tamil Cinema History-The Early Days: 1916-1936." Archivado el 11 de julio de 2000 en Wayback Machine.

38. Time Out Film Guide (2000), pp. x-xi (top 100 poll conducted in 1995); Village Voice: 100 Best Films of the 20th Century (2001) posted on the filmsite.org website; "Sight and Sound Top Ten Poll 2002". Archivado desde el original el 25 de mayo de 2012. listing all 60 films to receive five or more votes.

39. Hay discrepancias respecto a la duración de la película. La página web para la película en el Deutsches Filminstitut página web de la película Archivado el 11 de marzo de 2007 en Wayback Machine. afirma que son 48 minutos; la ficha en el sitio web 35 Millimeter ficha afirma que son 40 minutos. Según filmportal.de "The Emergence of German Sound Film." Archivado el 9 de enero de 2010 en Wayback Machine., es de "unos 40 minutos".

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Cine sonoro - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El cine sonoro es aquel en el que la película incorpora sonido sincronizado (es decir, tecnológicamente acoplado) con la imagen. La primera exhibición pública conocida como cine sonoro fue proyectado en París en 1900, décadas antes de que la sincronización confiable entre sonido e imagen se hiciera comercialmente práctica.

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Con el estreno de "El Cantante de Jazz", se introduce el sonido sincronizado con la imagen, transformando la experiencia del cine mudo en una más completa.

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La Primera cámara compacta de 35 mm fabricada por Oskar Barnack para Leica. Revoluciona la fotografía al hacerla más portátil.

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1936: Televisor de tubo de rayos catódicos (CRT):

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Con la invención del Disco de Nipkow de Paul Nipkow, se hace el primer gran avance para hacer de la televisión un medio comunicacional relevante. El cambio que la televisión trajo tal y como hoy la conocemos fue la invención de Philo Farnsworth y Vladímir Zvorykin. Esto daría paso a la televisión completamente electrónica, que disponía de una mayor definición de imagen e iluminación propia. Las primeras emisiones públicas de televisión las efectuó la BBC One en Inglaterra en 1936 y la NBC en Estados Unidos en 1939.

Los primeros intentos de transmitir imágenes a distancia se realizan mediante la electricidad y sistemas mecánicos. La electricidad ejercía como medio de unión entre los puntos y servía para la captación. El desarrollo de las células fotosensibles de selenio, en las que su resistividad varía según la cantidad de luz que incida en ellas, el sistema perfeccionó hasta tal punto que en 1927 se estableció un servicio regular de transmisión de telefotografía entre Londres y El Salvador en el departamento de La Paz y también en Nueva York. Las ondas de radio pronto sustituyeron a los cables de cobre, aunque nunca llegaron a eliminarlos por completo, sobre todo en los servicios de punto a punto.

El desarrollo de la telefotografía alcanzó su cumbre con los teleinscriptores, su sistema de transmisión. Estos aparatos permitían recibir el periódico diario en casa del cliente, mediante la impresión del mismo que se hacía desde una emisora especializada.

Hasta la década de los años 80 del siglo XX se vinieron utilizando sistemas de telefoto para la transmisión de fotografías destinados a los medios de comunicación.

Cámaras.

La imagen en movimiento es lo que caracteriza a la televisión. Los primeros desarrollos los realizaron los franceses Rionoux y Fournier en 1906. Estos desarrollaron una matriz de células fotosensibles que conectaban, al principio una a una, con otra matriz de lamparillas. A cada célula del emisor le correspondía una lamparilla en el receptor.

Pronto se sustituyeron los numerosos cables por un único par. Para ello se utilizó un sistema de conmutación que iba poniendo cada célula en cada instante en contacto con cada lámpara. El problema fue la sincronización de ambos conmutadores, así como la velocidad a la que debían de girar para lograr una imagen completa que fuera percibida por el ojo como tal.

La necesidad de enviar la información de la imagen en serie, utilizando solamente una vía como en el caso de la matriz fotosensible, se aceptó rápidamente. En seguida se desarrollaron sistemas de exploración, también llamados de desintegración, de la imagen. Se desarrollaron sistemas mecánicos y eléctricos.

En 1884 Paul Nipkow diseña y patenta el llamado disco de Nipkow, un proyecto de televisión que no podría llevarse a la práctica. En 1910, el disco de Nipkow fue utilizado en el desarrollo de los sistemas de televisión de los inicios del siglo XX y en 1925, el 25 de marzo, el inventor escocés John Logie Baird efectúa la primera experiencia real utilizando dos discos, uno en el emisor y otro en el receptor, que estaban unidos al mismo eje para que su giro fuera síncrono y separados 2 m. Se transmitió una cabeza de un maniquí con una definición de 28 líneas y una frecuencia de cuadro de 14 cuadros por segundo.

Baird ofreció la primera demostración pública del funcionamiento de un sistema de televisión a los miembros de la Royal Institution y a un periodista el 26 de enero de 1926 en su laboratorio de Londres. En 1927, Baird transmitió una señal a 438 millas a través de una línea de teléfono entre Londres y Glasgow.

Este disco permite la realización de un barrido secuencial de la imagen mediante una serie de orificios realizados en el mismo. Cada orificio, que en teoría debiera tener un tamaño infinitesimal y en la práctica era de 1 mm, barría una línea de la imagen y como éstos, los agujeros, estaban ligeramente desplazados, acababan realizando el barrido total de la misma. El número de líneas que se adoptaron fue de 30 pero esto no dio los resultados deseados, la calidad de la imagen no resultaba satisfactoria.

En 1928 Baird funda la compañía Baird TV Development Co para explotar comercialmente la TV. Esta empresa consiguió la primera señal de televisión transatlántica entre Londres y Nueva York.

Ese mismo año Paul Nipkow ve en la Exposición de radio de Berlín un sistema de televisión funcionando perfectamente basado en su invento con su nombre al pie del mismo. En 1929 se comienzan las emisiones regulares en Londres y Berlín basadas en el sistema Nipkow Baird, que emitía en banda media de radio.

Se desarrollaron otros exploradores mecánicos como el que realizó la casa Telefunken, que dio buenos resultados, pero que era muy complejo y constaba de un cilindro con agujeros que tenían una lente cada uno de ellos.

La formación de la imagen en la recepción se realizaba mediante el mismo principio que utilizaba en la captación. Otro disco similar, girando síncronamente, era utilizado para mirar a través de él una lámpara de neón cuya luminosidad correspondía a la luz captada en ese punto de la imagen. Este sistema, por el minúsculo tamaño del área de formación de la imagen, no tuvo mucho éxito, ya que únicamente permitía que esta fuera vista por una persona, aun cuando se intentó agrandar la imagen mediante la utilización de lentes. Se desarrollaron sistemas basados en cinta en vez de discos y también se desarrolló, que fue lo que logró resolver el problema del tamaño de la imagen, un sistema de espejos montados en un tambor que realizaban la presentación en una pantalla. Para ello el tambor tenía los espejos ligeramente inclinados, colocados helicoidalmente. Este tambor es conocido como la rueda de Weiller. Para el desarrollo práctico de estos televisores fue necesaria la sustitución de la lámpara de neón, que no daba la luminosidad suficiente, por otros métodos, y entre ellos se utilizó el de poner una lámpara de descarga de gas y hacer pasar la luz de la misma por una célula de Kerr que regulaba el flujo luminoso en relación con la tensión que se le aplicaba en sus bornes. El desarrollo completo del sistema se obtuvo con la utilización de la rueda fónica para realizar el sincronismo entre el emisor y el receptor.

La exploración de la imagen, que se había desarrollado de forma progresiva por las experiencias de Senlecq y Nipkow se cuestiona por la exposición del principio de la exploración entrelazada desarrollado por Belin y Toulón. La exploración entrelazada solventaba el problema de la persistencia de la imagen, las primeras líneas trazadas se perdían cuando todavía no se habían trazado las últimas produciendo el conocido como efecto ola.

En 1932 se realizaron las primeras emisiones en París. Estas emisiones tienen una definición de 60 líneas pero tres años después se estaría emitiendo con 180. Debido a la naturaleza del propio principio de funcionamiento de estos sistemas, si se quiere aumentar en ellos el número de líneas para mejorar la calidad de las imágenes, se hace necesario disminuir el tamaño de los orificios en el disco giratorio. Pero al hacer esto, el problema mayor es que, si se reduce ese diámetro a la mitad, como ejemplo, la superficie del mismo disminuye a la cuarta parte, ingresando a su vez cuatro veces menos cantidad de luz a través del mismo; esto trae aparejado una disminución sustancial de la cantidad de luz que llega a la celda fotoeléctrica ubicada detrás, y constituye una gran dificultad para elevar la resolución y nitidez de las imágenes, porque el sistema se va volviendo más ineficiente en la captación de la luz. La precariedad de las células empleadas para la captación hacía que se debiera iluminar muy intensamente las escenas produciendo muchísimo calor que impedía el desarrollo del trabajo en los platós.

La rueda fónica

La rueda fónica fue el sistema de sincronización mecánico que mejores resultados dio. Consistía en una rueda de hierro que tenía tantos dientes como agujeros había en el tambor o disco. La rueda y el disco estaban unidos por el mismo eje. La rueda estaba en medio de dos bobinas que eran recorridas por la señal que llegaba del emisor. En el centro emisor se daba, al comienzo de cada agujero, principio de cada línea, un pulso mucho más intenso y amplio que las variaciones habituales de las células captadoras, que cuando era recibido en el receptor al pasar por las bobinas hace que la rueda dé un paso posicionando el orificio que corresponde.

A lo largo de 1937 comenzaron las transmisiones regulares de TV electrónica en Francia y en el Reino Unido. Esto llevó a un rápido desarrollo de la industria televisiva y a un rápido aumento de telespectadores, aunque los televisores eran de pantalla pequeña y muy caros. Estas emisiones fueron posibles por el desarrollo de los elementos en cada extremo de la cadena, el tubo de imagen ( tubo de rayos catódicos) en la parte receptora y el iconoscopio en la parte inicial.

La implementación del llamado tubo de rayos catódicos (TRC) o tubo de Braun, por S. Thomson en 1895 fue un precedente que tendría gran trascendencia en la televisión, si bien no se pudo integrar, debido a las deficiencias tecnológicas, hasta entrado el siglo XX y que perdura hasta los primeros años del siglo XXI.

Desde los comienzos de los experimentos sobre los rayos catódicos hasta que el tubo se desarrolló lo suficiente para su uso en la televisión fueron necesarios muchos avances en esa investigación. Las investigaciones de Wehnelt, que añadió su cilindro, los perfeccionamientos de los controles electrostáticos y electromagnéticos del haz, con el desarrollo de las llamadas "lentes electrónicas" de Vichert y los sistemas de deflexión permitieron que el investigador Holweck desarrollara el primer tubo de Braum destinado a la televisión. Para que este sistema trabajase correctamente se tuvo que construir un emisor especial, este emisor lo realizó Belin y estaba basado en un espejo móvil y un sistema mecánico para el barrido.

Una vez resuelto el problema de la presentación de la imagen en la recepción quedaba por resolver el de la captación en el emisor. Los exploradores mecánicos frenaban el avance de la técnica de la TV. Era evidente que el progreso debía de venir de la mano de la electrónica, como en el caso de la recepción. El 27 de enero de 1926, John Logie Baird hizo una demostración ante la Real Institución de Inglaterra, el captador era mecánico, compuesto de tres discos y de construcción muy rudimentaria. Según Alfred Dinsdale en su libro "Televisión":​

El aparato estaba montado con ejes de bicicletas viejas, tableros de mesas de café y lentes de cristal de claraboyas, todo unido con lacre, cuerdas, etc., lo cual hizo que no impresionara muy favorablemente a aquellos que estaban acostumbrados a los primorosos mecanismos de los constructores de aparatos; sin embargo, la importancia de las pruebas fue real y decisiva para el mundo científico de aquellos tiempos.

La primera imagen sobre un tubo de rayos catódicos se formó en 1911 en el Instituto Tecnológico de San Petersburgo y consistía en unas rayas blancas sobre fondo negro y fueron obtenidas por Borís Rosing en colaboración con Zvorykin. La captación se realizaba mediante dos tambores de espejos (sistema Weiller) y generaba una exploración entrelazada de 30 líneas y 12,5 cuadros por segundo.

Las señales de sincronismo eran generadas por potenciómetros unidos a los tambores de espejos que se aplicaban a las bobinas deflexoras del TRC, cuya intensidad de haz era proporcional a la iluminación que recibía la célula fotoeléctrica.

Existe el registro de una patente de Vladímir Zvorykin, en 1931. Es un microscopio construido similarmente al Iconoscopio.​

Bloque óptico de una cámara de TV de CCDs.

En 1931 Vladímir Zvorykin, luego de visitar los laboratorios de Philo Taylor Farnsworth, desarrolló el captador electrónico que tanto se esperaba, el iconoscopio. Este tubo electrónico permitió el abandono de todos los demás sistemas que se venían utilizando y perduró, con sus modificaciones, hasta la irrupción de los captadores de CCD's a finales el siglo XX.

El iconoscopio está basado en un mosaico electrónico compuesto por miles de pequeñas células fotoeléctricas independientes que se creaban mediante la construcción de un sándwich de tres capas, una muy fina de mica que se recubría en una de sus caras de una sustancia conductora (grafito en polvo impalpable o plata) y en la otra cara una sustancia fotosensible compuesta de millares de pequeños globulitos de plata y óxido de cesio. Este mosaico, que era también conocido con el nombre de mosaico electrónico de Zworykin se colocaba dentro de un tubo de vacío y sobre el mismo se proyectaba, mediante un sistema de lentes, la imagen a captar. La lectura de la "imagen electrónica" generada en el mosaico se realizaba con un haz electrónico que proporcionaba a los pequeños condensadores fotoeléctricos los electrones necesarios para su neutralización. Para ello se proyecta un haz de electrones sobre el mosaico, las intensidades generadas en cada descarga, proporcionales a la carga de cada célula y esta a la intensidad de luz de ese punto de la imagen pasan a los circuitos amplificadores y de allí a la cadena de transmisión, después de los diferentes procesados precisos para el óptimo rendimiento del sistema de TV.

La exploración del mosaico por el haz de electrones se realizaba mediante un sistema de deflexión electromagnético, al igual que el utilizado en el tubo del receptor.

Se desarrollaron otro tipo de tubos de cámara como el disector de imagen de Philo Taylor Farnsworth y luego el Icotrón y el superemitrón, que era un híbrido de iconoscopio y disector, y al final apareció el orticón, desarrollado por la casa RCA y que era mucho menor, en tamaño, que el iconoscopio y mucho más sensible. Este tubo fue el que se desarrolló y perduró hasta su desaparición.

Vladímir Zvorykin realizó sus estudios y experimentos del iconoscopio en la RCA, después de dejar San Petersburgo y trabajando con Philo Taylor Farnsworth quien lo acusó de copiar sus trabajos sobre el disector de imagen.

Philo Taylor Farnsworth desarrolló el disector de imagen el 7 de septiembre de 1927 retransmitió la primera señal, una simple línea recta en movimiento. Un año después el sistema estaba suficientemente desarrollado como para hacer una manifestación pública que fue recogida por los medios de prensa. El periódico San Francisco Chronicle publicaba en 3 de septiembre de 1928;

Un invento de un ciudadano de San Francisco que revolucionará la televisión"[...]. El artículo que lo acompañaba describía al disector de imagen diciendo que era "del tamaño de un cuarto de galón ordinaria de las que las amas de casa utilizan para conservar la fruta".

Horvitz,L.A., op. cit., p.111

El invento de Farnsworth aún no estaba patentado, por lo que se guardaba en secreto, pero el entonces recién nombrado presidente de la RCA, David Sarnoff, contrató en 1930 a Vladímir Zvorykin, que trabajaba en un diseño parecido al de Farnsworth, aunque con problemas todavía sin resolver. Este, sin decirle que trabajaba para la RCA, se presentó como un colega interesado en intercambiar opiniones y visitó su laboratorio durante tres días enteros,​ Poco después Zvorykin presentó su desarrolló con los problemas resueltos y fue acusado por Farnsworth de copiar sus trabajos.

El iconoscopio se usó en las transmisiones de Estados Unidos entre 1936 y 1946.

Sucesores del iconoscopio

El vidicón es un tubo de 2,2 cm de diámetro y 13,3 cm de largo basado en la fotoconductividad de algunas sustancias. La imagen óptica se proyecta sobre una placa conductora que, a su vez, es explorada por el otro lado mediante un rayo de electrones muy fino.

El plumbicón está basado en el mismo principio que el vidicón, sin embargo, su placa fotoconductora está formada por tres capas: la primera, en contacto con la placa colectora, y la tercera están formadas por un semiconductor; la segunda, por óxido de plomo. De este modo, se origina un diodo que se halla polarizado inversamente; debido a ello, la corriente a través de cada célula elemental, en ausencia de luz, es extraordinariamente baja y la sensibilidad del plumbicón, bajo estas características, muy elevada.

La señal transducida de la imagen contiene la información de esta, pero como hemos visto, es necesario, para su recomposición, que haya un perfecto sincronismo entre la deflexión de exploración y la deflexión en la representación.

La exploración de una imagen se realiza mediante su descomposición, primero en fotogramas a los que se llaman cuadros y luego en líneas, leyendo cada cuadro. Para determinar el número de cuadros necesarios para que se pueda recomponer una imagen en movimiento así como el número de líneas para obtener una óptima calidad en la reproducción y la óptima percepción del color (en la TV en color) se realizaron numerosos estudios empíricos y científicos del ojo humano y su forma de percibir. Se obtuvo que el número de cuadros debía de ser al menos de 24 al segundo (luego se emplearon por otras razones 25 y 30) y que el número de líneas debía de ser superior a las 300.

La señal de vídeo la componen la propia información de la imagen correspondiente a cada línea (en el sistema PAL 625 líneas y en el NTSC 525 por cada cuadro) agrupadas en dos grupos, las líneas impares y las pares de cada cuadro, a cada uno de estos grupos de líneas se les denomina campo (en el sistema PAL se usan 25 cuadros por segundo mientras que en el sistema NTSC 30). A esta información hay que añadir la de sincronismo, tanto de cuadro como de línea, esto es, tanto vertical como horizontal. Al estar el cuadro dividido en dos campos tenemos por cada cuadro un sincronismo vertical que nos señala el comienzo y el tipo de campo, es decir, cuando empieza el campo impar y cuando empieza el campo par. Al comienzo de cada línea se añade el pulso de sincronismo de línea u horizontal (modernamente con la TV en color también se añade información sobre la sincronía del color).

La codificación de la imagen se realiza entre 0 V para el negro y 0,7 V para el blanco. Para los sincronismos se incorporan pulsos de -0,3 V, lo que da una amplitud total de la forma de onda de vídeo de 1 V. Los sincronismos verticales están constituidos por una serie de pulsos de -0,3 V que proporcionan información sobre el tipo de campo e igualan los tiempos de cada uno de ellos.

El sonido, llamado audio, es tratado por separado en toda la cadena de producción y luego se emite junto al vídeo en una portadora situada al lado de la encargada de transportar la imagen.

El desarrollo de la TV

Control Central en un centro emisor de TV.

En 1945 se establecen las normas que regulan la exploración, modulación y transmisión de la señal de TV. Había multitud de sistemas que tenían muy diferentes, desde 400 líneas a hasta más de 1000. Esto producía diferentes anchos de banda en las transiciones. Poco a poco se fueron concentrando en dos sistemas, el de 512 líneas, adoptado por EE. UU. y el de 625 líneas, adoptado por Europa (España adoptó las 625 líneas en 1956). También se adoptó muy pronto el formato de 4/3 para la relación de aspecto de la imagen.

Es a mediados del siglo XX donde la televisión se convierte en bandera tecnológica de los países y cada uno de ellos va desarrollando sus sistemas de TV nacionales y privados. En 1953 se crea Eurovisión que asocia a varios países de Europa conectando sus sistemas de TV mediante enlaces de microondas. Unos años más tarde, en 1960, se crea Mundovisión que comienza a realizar enlaces con satélites geoestacionarios cubriendo todo el mundo.

La producción de televisión se desarrolló con los avances técnicos que permitieron la grabación de las señales de vídeo y audio. Esto permitió la realización de programas grabados que podrían ser almacenados y emitidos posteriormente. A finales de los años 50 del siglo XX se desarrollaron los primeros magnetoscopios y las cámaras con ópticas intercambiables que giraban en una torreta delante del tubo de imagen. Estos avances, junto con los desarrollos de las máquinas necesarias para la mezcla y generación electrónica de otras fuentes, permitieron un desarrollo muy alto de la producción.

En los años 70 se implementaron las ópticas zum y se empezaron a desarrollar magnetoscopios más pequeños que permitían la grabación de las noticias en el campo. Nacieron los equipos periodismo electrónico o ENG. Poco después se comenzó a desarrollar equipos basados en la digitalización de la señal de vídeo y en la generación digital de señales, nacieron de esos desarrollos los efectos digitales y las paletas gráficas. A la vez que el control de las máquinas permitía el montaje de salas de postproducción que, combinando varios elementos, podían realizar programas complejos.

El desarrollo de la televisión no se paró con la transmisión de la imagen y el sonido. Pronto se vio la ventaja de utilizar el canal para dar otros servicios. En esta filosofía se implementó, a finales de los años 80 del siglo XX el teletexto que transmite noticias e información en formato de texto utilizando los espacios libres de información de la señal de vídeo. También se implementaron sistemas de sonido mejorado, naciendo la televisión en estéreo o dual y dotando al sonido de una calidad excepcional, el sistema que logró imponerse en el mercado fue el NICAM.

En México, se habían realizado experimentos en televisión a partir de 1934, pero la puesta en funcionamiento de la primera estación de TV, XHTV-TV Canal 4, en la Ciudad de México, tuvo lugar en 1946. El 31 de agosto de 1950 se implantó la televisión comercial y se iniciaron los programas regulares y en 1955 se creó Telesistema mexicano, por la fusión de los tres canales existentes.

El mismo año 50, con pocas semanas de diferencia, se abrieron las transmisiones comerciales en Brasil ( 18 de septiembre) y Cuba ( 24 de octubre, aunque hubo transmisiones extraoficiales a finales de los 40 y en el propio año de apertura).

Las primeras transmisiones experimentales en Argentina comenzaron en 1942, y la primera transmisión oficial se realizó en 1951, dando origen al por entonces privado canal 7, en ese entonces LR3-TV, propiedad del pionero en radio y televisión, Jaime Yankelevich. La televisión argentina siempre se ha diferenciado del resto de las producciones de Hispanoamérica por el sistema de televisión empleado en ese país ( PAL-N). Debido a esto, todo programa producido en Argentina que se llevare a otro país hispanoamericano (excepto Paraguay y Uruguay) tiene que convertirse al sistema NTSC (M o N). En la década de 1960 Argentina era el país de Hispanoamérica con más canales de televisión, y en 1969 fue el primer país de Sudamérica en experimentar con transmisiones a color, aunque la aplicación oficial se postergó hasta 1978 y estuvo a cargo de Canal 7 que pasó a llamarse A78TV con motivo de celebrarse ese año el mundial de fútbol. A día de hoy y con 71 años, es la estación televisiva en operaciones más antigua de Argentina y Sudamérica.

En el Perú ocurrió el jueves 21 de septiembre de 1939: se emitieron una película y un programa artístico desde el colegio Nuestra Señora de Guadalupe, en Lima por el Canal 3. Luego se realizaría otra prueba, esta vez desde el Gran Hotel Bolívar el viernes 28 de mayo de 1955 a cargo del Sr. Antonio Pereyra ahora por el Canal 6. El viernes 17 de enero de 1958, inicia sus emisiones el canal 7 del Ministerio de Educación y la UNESCO, con la transmisión de un documental técnico. La primera estación de televisión en difundir comercialmente fue el canal 4 de Radio América en Lima ( América Televisión), el lunes 15 de diciembre de 1958 por Nicanor González y José Antonio Umbert. Su creación fue posible gracias a un convenio con la NBC y la RCA.

En Chile las primeras transmisiones ocurrieron en junio de 1939, en un circuito cerrado, en la Facultad de ingeniería de la Universidad de Chile. Luego en la década de los años 50 las transmisiones y estudios, principalmente a nivel universitario tomaron más fuerza y el 5 de octubre de 1957 se efectúa, en la Universidad Católica de Valparaíso, la primera transmisión inalámbrica, naciendo el canal UCV Televisión (hoy TV+), el que sería seguido por las transmisiones regulares de la Estación de la Universidad Católica de Chile, naciendo TVUC la que hoy se hace llamar 13 (por la señal en la que emite).

En Cuba, la férrea competencia existente en la radio, se trasladó al nuevo medio. Gaspar Pumarejo, dueño de Unión Radio y los hermanos Mestre, en particular Goar, dueño del Circuito CMQ, hicieron todo lo posible para tener la primacía, siendo el año de 1950 el debut del invento en tierras caribeñas. Y aunque Pumarejo llegó a hacer transmisiones no oficiales, el mérito del primer canal de la isla le cabe a la CMQ, que estuvo en el aire hasta el año 62, cuando se transformó en Canal 6, tras la nacionalización de los medios después del triunfo de la Revolución Cubana. Cuba fue además, el primer país de Iberoamérica en tener un canal de televisión en colores. El primer canal de televisión que existió fuera de La Habana, fue el Canal 11 Television Camagüey en 1959 y fue desmantelado por la Revolución poco después de 1960.

República Dominicana realizó su primera transmisión el 1 de agosto de 1952.[cita requerida]. En Venezuela llegó primero al Estado Lara como una compañía de producción cinematográfica llamada Mariano & Co. registrada a fines de 1949. Sus fundadores fueron Mariano Kossowski y su hermano Andrés Kossowski, inmigrantes polacos que llegan a Venezuela después de la segunda guerra mundial. El General Marcos Pérez Jiménez inauguró en Caracas el primer canal televisivo de Venezuela, la Televisora Nacional Canal 5, el 22 de noviembre de 1952. En febrero de 1953 salió al aire Televisa Canal 4 (hoy Venevisión) y el 15 de noviembre de 1953 Radio Caracas Televisión Canal 7.

Otro de los primeros países en Hispanoamérica, después de México, Brasil, Cuba, Argentina, República Dominicana y Venezuela, en abrir campo a la televisión fue Colombia, que de la mano del General Gustavo Rojas Pinilla, y con el apoyo de ingenieros cubanos y alemanes; inicia la era de la televisión en Colombia el 13 de junio de 1954, transmitiendo un discurso presidencial, seguido de un programa de variedades, entre las ciudades de Bogotá y Manizales.​

Posteriormente en Uruguay, si bien las pruebas experimentales habían iniciado en los años cuarenta a cargo de diferentes promotores y empresarios, en diciembre de 1956 la Sociedad Anónima de Emisión de Televisión y Anexos, una sociedad conformada por la Sociedad de Radioemisoras del Plata y la Asociación de Broadcasters Uruguayos, inicia sus transmisiones regulares y oficiales con Canal 10, convirtiéndose en el primer canal de televisión en el país, y el décimo fundado en Latinoamérica. Dicho medio forma parte del Grupo Fontaina - De Feo, uno de los tres multimedios más importantes del Uruguay.[cita requerida]En 1963 inicia las trasmisiones la señal estatal con el Canal 5 del Servicio Oficial de Difusión, Radiotelevisión y Espectáculos, y en 1981 con la celebración de la Copa de Oro de Campeones Mundiales, inician las transmisiones a color.

En 1956 se creó el Canal 6 de Nicaragua. Salvadora Debayle era la principal accionista de este canal naciente. Cinco años más tarde, canal 8 se uniría al canal 6, formando así la primera cadena televisiva nacional, hecho memorable en la historia de Nicaragua. Esta fusión, al parecer, era predecible, ya que el canal 6 empezó a trabajar con los equipos del canal 8. Posteriormente se da la creación de nuevos canales como Canal 2 y Canal 12, propiedad de los Sacasa, parientes de los Somoza. Nicaragua estuvo también junto a Chile en la lista de los primeros países en América en transmitir imágenes en color antes de que finalizara la década de los 70. En 1973 Canal 2 inició operaciones en color, justamente al año del terremoto de Managua, en diciembre de 1972.

En Costa Rica a principios de octubre de 1958, se firma un acuerdo histórico que le dio origen a Televisora de Costa Rica (Teletica). El presidente de la República, Mario Echandi, tomó varias concesiones y obtuvo una licencia de la televisión pública. René Picado Esquive (empresario local) y Carlos Manuel Reyes (ingeniero electrónico) fueron los primeros en implantar el nuevo sistema de comunicación al nivel nacional.

Durante los primeros meses de 1959, comienza las pruebas experimentales desde San José hasta varias ciudades cercanas. En este experimento se llamó Televitica en la frecuencia 7 solamente desde la capital. Finalmente, después de 2 años de pruebas, el 9 de mayo de 1960, se inauguró las emisiones de Televisora de Costa Rica Ltda ( Teletica, Canal 7). Iniciando la expansión de las frecuencias en las 7 provincias de Costa Rica, llegando a varios lugares fronterizos de Nicaragua y Panamá.

Panamá inicio sus tranmisiones de televisión comercial, el 4 de marzo de 1960, a cargo de Canal 4 RPC, propiedad de la familia Eleta. Antes de esto, en 1956, la TV había llegado a la Zona del Canal de Panamá, Canal 8, SCN del Ejército Sur de los Estados Unidos USSOUTHCOM.

En Ecuador la primera estación de televisión fue Canal 2, HCJB TV, la Ventana de los Andes (hoy su equivalente es ASOMAVISION), filial de la radiodifusora protestante la Voz de los Antes (HCJB), que inició sus transmisiones en Quito el 10 de agosto de 1959. La primera estación comercial fue Canal 4 ( Telecuatro), de los esposos José Rosenbaum Nebel y Lidia Zambrano de Rosemblau, que se estableció en Guayaquil, inició sus transmisiones de prueba en mayo de 1960 y su programación regular el 12 de diciembre de 1960.

La televisión ha alcanzado una gran expansión en todo el ámbito hispanoamericano. En la actualidad existen más de 300 canales de televisión y una audiencia, según el número de aparatos por hogares (más de 60 millones), de más de doscientos millones de personas.

NTSC PAL, o cambiando a PAL SECAM Sin informaciónDistribución de los sistemas de TV en el mundo.

En 1928 se hicieron experimentos de la transmisión de imágenes en color. John Logie Baird, basándose en la teoría tricromática del fisiólogo Thomas Young, realizó experimentos con discos de Nipkow a los que cubría los agujeros con filtros rojos, verdes y azules logrando emitir las primeras imágenes en color el 3 de julio de 1928. El 17 de agosto de 1940, el mexicano Guillermo González Camarena patenta, en México y EE. UU., un Sistema Tricromático Secuencial de Campos. Ocho años más tarde, en 1948, el ingeniero estadounidense Peter Goldmark, basándose en las ideas de Baird y Camarena, desarrolló un sistema similar llamado sistema secuencial de campos el cual estaba compuesto por una serie de filtros de colores rojo, verde y azul que giran anteponiéndose al captador y, de igual forma, en el receptor, se anteponen a la imagen formada en la pantalla del tubo de rayos catódicos. El éxito fue tal que la empresa Columbia Broadcasting System, para la cual trabajaba Goldmark, lo adquirió para sus transmisiones de TV.

El siguiente paso fue la transmisión simultánea de las imágenes de cada color con el denominado trinoscopio. El trinoscopio ocupaba tres veces más espectro radioeléctrico que las emisiones monocromáticas y, encima, era incompatible con ellas a la vez que muy costoso.

El elevado número de televisores en blanco y negro exigió que el sistema de color que se desarrollara fuera compatible con las emisiones monocromas. Esta compatibilidad debía realizarse en ambos sentidos, de emisiones en color a recepciones en blanco y negro y de emisiones en monocromo a recepciones en color.

En 1950 la división de electrónica de Radio Corporation of America, (RCA) desarrolló un tubo de imagen que contenía tres cañones electrónicos, los cuales eran capaces de impactar en pequeños puntos de fósforo de colores, llamados luminóforos, mediante la utilización de una máscara, la Shadow Mask o Trimask. Esto permitía prescindir de los abultados tubos trinoscópicos. Los electrones de los haces al impactar con los luminóforos emiten una luz del color primario correspondiente que, mediante la mezcla aditiva, genera el color original. En el emisor se mantuvieron los tubos separados, uno por cada color primario de luz. Para la separación en sus componentes, se hace pasar la luz, proveniente de la imagen, por un prisma dicroico que filtra cada color primario a su correspondiente captador.

Sistemas actuales de Televisión en Color

Barras de color EBU vistas en un MFO y un vectorscopio.

El sistema de televisión de definición estándar, conocido por la siglas "SD", tiene, en PAL, una definición de 720x576 pixeles (720 puntos horizontales en cada línea y 576 puntos verticales que corresponden a las líneas activas del PAL) esto hace que una imagen en PAL tenga un total de 414.720 pixeles. En NSTC se mantienen los puntos por línea pero el número de líneas activas es solo de 525 lo que da un total de pixeles de 388.800 siendo los pixeles levemente anchos en PAL y levemente altos en NTSC.

Se han desarrollado 28 sistemas diferentes de televisión de alta definición. Hay diferencias en cuanto a relación de cuadros, número de líneas y pixeles y forma de barrido. Todos ellos se pueden agrupar en cuatro grandes grupos de los cuales dos ya han quedado obsoletos (los referentes a las normas de la SMPTE 295M, 240M y 260M) manteniéndose otros dos que difieren, fundamentalmente, en el número de líneas activas, uno de 1080 líneas activas (SMPT 274M) y el otro de 720 líneas activas (SMPT 269M).

En el primero de los grupos, con 1.080 líneas activas, se dan diferencias de frecuencia de cuadro y de muestras por línea (aunque el número de muestras por tiempo activo de línea se mantiene en 1.920) también la forma de barrido cambia, hay barrido progresivo o entrelazado. De la misma forma ocurre en el segundo grupo, donde las líneas activas son 720 teniendo 1.280 muestras por tiempo de línea activo. En este caso la forma de barrido es siempre progresiva.

En el sistema de HD de 1.080 líneas y 1.920 muestras por línea tenemos 2.073.600 pixeles en la imagen y en el sistema de HD de 720 líneas y 1.280 muestras por líneas tenemos 921.600 pixeles en la pantalla. En relación con los sistemas convencionales tenemos que la resolución del sistema de 1.080 líneas es 5 veces mayor que el del PAL y cinco veces y media que el del NTSC. Con el sistema de HD de 720 líneas es un 50% mayor que en PAL y un 66% mayor que en NTSC.​

La alta resolución requiere también una re definición del espacio de color cambiando el triángulo de gamut.

La relación de aspecto

La relación de aspecto se expresa por la anchura de la pantalla en relación con la altura. El formato estándar hasta ese momento tenía una relación de aspecto de 4/3. El adoptado es de 16/9. La compatibilidad entre ambas relaciones de aspecto se puede realizar de diferentes formas.

Una imagen de 4/3 que se vaya a ver en una pantalla de 16/9 puede presentarse de tres formas diferentes:

Con barras negras verticales a cada lado (pillarbox). Manteniendo la relación de 4/3 pero perdiendo parte de la zona activa de la pantalla.

Agrandando la imagen hasta que ocupe toda la pantalla horizontalmente. Se pierde parte de la imagen por la parte superior e inferior de la misma.

Deformando la imagen para adaptarla la formato de la pantalla. Se usa toda la pantalla y se ve toda la imagen, pero con la geometría alterada (los círculos se ven elipses con el diámetro mayor orientado de derecha a izquierda).

Una imagen de 16/9 que se vaya a ver en una pantalla de 4/3, de forma similar, tiene tres formas de verse:

Con barras horizontales arriba y abajo de la imagen (letterbox). Se ve toda la imagen pero se pierde tamaño de pantalla (hay varios formatos de letterbox dependiendo de la parte visible de la imagen que se vea (cuanto más grande se haga más se recorta), se usan el 13/9 y el 14/9).

Agrandando la imagen hasta ocupar toda la pantalla verticalmente, perdiéndose las partes laterales de la imagen.

Deformando la imagen para adaptarla a la relación de aspecto de la pantalla. Se ve toda la imagen en toda la pantalla, pero con la geometría alterada (los círculos se ven elipses con el diámetro mayor orientado de arriba abajo).​

En Europa Occidental, y donde el sistema de televisión de la mayoría de los países es el PAL, se desarrolló, con apoyo de la Unión Europea, un formato a caballo entre la alta definición y la definición estándar. Este formato recibió el nombre de PALplus y aunque fue apoyado por la administración no logró cuajar.

El PALplus fue una extensión del PAL para transmitir imágenes de 16/9 sin tener que perder resolución vertical. En un televisor normal se recibe una imagen de apaisada con franjas negras arriba y abajo de la misma ( letterbox) de 432 líneas activas. El PALplus mandaba información adicional para rellenar las franjas negras llegando a 576 líneas de resolución vertical. Mediante señales auxiliares que iban en las líneas del intervalo de sincronismo vertical se comandaba al receptor PALplus indicándole si la captación había sido realizada en barrido progresivo o entrelazado. El sistema se amplió con el llamado "Colorplus" que mejoraba la de codificación del color.

Televisión Digital Terrestre en el mundo.

A finales de la década de 1980 se empezaron a desarrollar sistemas de digitalización. La digitalización en la televisión tiene dos partes bien diferenciadas. Por un lado está la digitalización de la producción y por el otro la de la transmisión.

transmisión multiplexada en tiempo de las palabras correspondientes a cada una de las componentes de la señal, además este sistema permitió incluir el audio, embebiéndolo en la información transmitida, y otra serie de utilidades.

Para el mantenimiento de la calidad necesaria para la producción de TV se desarrolló la norma de Calidad Estudio CCIR-601. Mientras que se permitió el desarrollo de otras normas menos exigentes para el campo de las producciones ligeras (EFP) y el periodismo electrónico (ENG).

La diferencia entre ambos campos, el de la producción en calidad de estudio y la de en calidad de ENG estriba en la magnitud el flujo binario generado en la digitalización de las señales.

La reducción del flujo binario de la señal de vídeo digital dio lugar a una serie de algoritmos, basados todos ellos en la transformada discreta del coseno tanto en el dominio espacial como en el temporal, que permitieron reducir dicho flujo posibilitando la construcción de equipos más accesibles. Esto permitió el acceso a los mismos a pequeñas empresas de producción y emisión de TV dando lugar al auge de las televisiones locales.

En cuanto a la transmisión, la digitalización de la misma fue posible gracias a las técnicas de compresión que lograron reducir el flujo a menos de 5 Mbit/s, hay que recordar que el flujo original de una señal de calidad de estudio tiene 270 Mbit/s. Esta compresión es la llamada MPEG-2 que produce flujos de entre 4 y 6 Mbit/s sin pérdidas apreciables de calidad subjetiva.

Las transmisiones de TV digital tienen tres grandes áreas dependiendo de la forma de la misma aun cuando son similares en cuanto a tecnología. La transmisión se realiza por satélite, cable y vía radiofrecuencia terrestre, esta es la conocida como TDT.

El avance de la informática, tanto a nivel del hardware como del software, llevaron a sistemas de producción basados en el tratamiento informático de la señal de televisión. Los sistemas de almacenamiento, como los magnetoscopios, pasaron a ser sustituidos por servidores informáticos de vídeo y los archivos pasaron a guardar sus informaciones en discos duros y cintas de datos. Los ficheros de vídeo incluyen los metadatos que son información referente a su contenido. El acceso a la información se realiza desde los propios ordenadores donde corren programas de edición de vídeo de tal forma que la información residente en el archivo es accesible en tiempo real por el usuario. En realidad los archivos se estructuran en tres niveles, el on line, para aquella información de uso muy frecuente que reside en servidores de discos duros, el near line, información de uso frecuente que reside en cintas de datos y éstas están en grandes librerías automatizadas, y el archivo profundo donde se encuentra la información que está fuera de línea y precisa de su incorporación manual al sistema. Todo ello está controlado por una base de datos en donde figuran los asientos de la información residente en el sistema.

La incorporación de información al sistema se realiza mediante la denominada función de ingesta. Las fuentes pueden ser generadas ya en formatos informáticos o son convertidas mediante conversores de vídeo a ficheros informáticos. Las captaciones realizadas en el campo por equipos de ENG o EFP se graban en formatos compatibles con el del almacenamiento utilizando soportes diferentes a la cinta magnética, las tecnologías existentes son DVD de rayo azul (de Sony), grabación en memorias ram (de Panasonic) y grabación en disco duro (de Ikegami). La creadora de la televisión fue Masha la famosa niña de la serie Masha y el oso creó el televisor a la corta edad de 68 meses

Estudio de TV.

1873 - el Científico escocés James Clerk Maxwell descubrió la existencia de las ondas electromagnéticas que hacen posible la trasmisión de la televisión.

1884 - El estudiante alemán Paul Nipkow diseña con sus manos y patenta el que es considerado como primer aparato de televisión de la historia: el disco de Nipkow.

1907 - El diseño de Nipkow puede llevarse a cabo.

1911 - Rosing y Vladímir Zvorykin crean un sistema de televisión, con imágenes muy crudas y sin movimiento.

1923 - Vladímir Zvorykin desarrolla el iconoscopio, el primer tubo de cámara práctico.

1926 - El japonés Kenjito Takayanagi realiza la primera transmisión de televisión usando un tubo de rayos catódicos.

1927 - Philo Farnsworth realiza en San Francisco la primera demostración pública de su disector de imagen, un sistema similar al iconoscopio.

1927 - John Logie Baird transmite una señal 438 millas a través de una línea de teléfono entre Londres y Glasgow.

1928 - Baird Television Development Company consigue la primera señal de televisión transatlántica entre Londres y Nueva York.

1929 - BBC transmite imágenes de 30 líneas formadas mecánicamente.

1932 - Vendidos en Inglaterra 10 000 receptores de televisión con disco Nipkow de 30 líneas.

1937 - Marconi-EMI comercializan un sistema de 405 líneas totalmente eléctrico.

1941 - Guillermo González Camarena - Ingeniero mexicano que obtiene el 14 de agosto, en EE. UU., la patente 2296019 por inventar un adaptador cromoscópico simplificado para la televisión (una primera versión fue creada por John Logie Baird en el 29, pero no siendo operativa, y siendo perfeccionado por él antes de morir en 1946), sin lugar a dudas, entre los muchos proyectos de la televisión en color, uno de los padres de esta fue Camarena.[6] ​[7] ​

1956 - La casa norteamericana Ampex diseña el primer magnetoscopio, el cuadruplex.

1962 - Se lanza al espacio Telstar 1, primer satélite de telecomunicaciones, que era capaz retransmitir señales de televisión, dando inicio a la televisión satelital.

1980 - 1982 - Desarrollo de conversores de normas y de croma-keys digitales.

1983 - Se aprueba la norma CCIR-601, 4:2:2 para calidad estudio y 4:1:1 y 4:2:0 para ENG.

1985 - Primer magnetoscopio digital en formato D1 realizado por Ampex y Sony. Se desarrollan los efectos digitales (DVE).

1985 - Sony desarrolla el sistema de grabación betacam. Ampex desarrolla el ADO Ampex Digital Óptica el primer efecto digital.

1987 - Sale la norma de la interfaz paralela para la conexión de equipos digitales.

1987 - 1992 - Se crean los formatos D2 y D3 que digitalizan la señal compuesta de vídeo. Fueron formatos de tránsito.

1993 - Se aprueba la norma para la conexión en serie de equipos, el denominado SDI Serial Digital Interface. Sale el sistema D5 de Panasonic y el betacam digital de Sony.

1995 - Se aprueban las normativas para las emisiones digitales, por satélite la DVB-S, por cable la DVB-C basadas en la compresión MPEG-2.

1997 - Nacen las plataformas digitales por satélite. Se aprueba la norma DVB-T para la televisión digital terrestre. En EE. UU. se aprueba la ATSC (Advanced Television System Committee) para la transmisión de televisión digital terrestre.

2010 - Salen al mercado los primeros televisores en 3D.

Curiosidad: La cámara de televisión del Apolo 11 que permitió ver en tiempo real los primeros pasos sobre la superficie lunar era de barrido mecánico, como el disco de Nipkow, debido a su insensibilidad a los campos magnéticos.

Notas y referencias

1. Dinsdale, Alfred; Amador López, Luis (1929). Exclusivas LOT, ed. Televisión (traducción de "Television. Seeing by wireless"). Barcelona, España: Tipografía Occitania.

2. Method of and apparatus for producing images of objects, U.S. patent #2,021,907, filed November 13, 1931, patent issued 1935.

3. http://www.eltiempo.com/entretenimiento/cine-y-tv/como-llego-la-television-a-colombia/14414381

4. http://www.google.com/patents?vid=USPAT2296019&id=sQBkAAAAEBAJ&dq=gonzalez+camarena&jtp=1#PPA1942-IA1,M1

Enlaces externos

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Historia de la televisión - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Con la invención del Disco de Nipkow de Paul Nipkow, se hace el primer gran avance para hacer de la televisión un medio comunicacional relevante. El cambio que la televisión trajo tal y como hoy la conocemos fue la invención de Philo Farnsworth y Vladímir Zvorykin.

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El uso del Technicolor se populariza en películas como "Lo que el viento se llevó", permitiendo la reproducción del color en el cine de manera más vibrante y realista.

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Edwin Land presenta la primera cámara de fotos instantáneas. Permitía revelar imágenes en tan solo un minuto.

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La revolución digital es el cambio de la tecnología mecánica, eléctrica y analógica a la tecnología digital, que ha tenido lugar desde el 1980 y continúa hasta la actualidad.

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Televisor en color

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El cine tridimensional gana popularidad, permitiendo al público ver imágenes en tres dimensiones, ofreciendo experiencias más inmersivas.

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Primeros grabadores de video en cinta magnética, permitiendo la grabación y reproducción de programas de televisión.

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Se utilizan satélites para transmitir señales de televisión a largas distancias.

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1963 Primera cámara réflex de 35mm con autofoco:

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1963 Primera cámara réflex de 35mm con autofoco:

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Introducción de la Polaroid SX-70, mejorando las cámaras de fotos instantáneas, mientras la Canon AE-1 se convierte en una de las primeras cámaras réflex en incorporar un microprocesador.

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Primeros experimentos con pantallas de cristal líquido (LCD) y plasma.

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El primer televisor electrónico del mundo fue creado por Philo Taylor Farnsworth en 1927. El sistema de Farnsworth capturaba imágenes en movimiento utilizando un haz de electrones (una cámara primitiva). La primera imagen transmitida por televisión fue una simple línea. Más tarde, Farnsworth transmitió un signo de dólar usando el televisor. Entre 1926 y 1931, los inventores de televisores mecánicos continuaron ajustando y probando sus creaciones. Sin embargo, todos estaban condenados a quedarse obsoletos en comparación con los televisores eléctricos modernos: en 1934, todos los televisores se habían convertido al sistema electrónico.

Las primeras emisiones empezaron a hacerse en los años veinte y los años treinta. El 31 de diciembre de 1930 se realizó la primera transmisión simultánea de audio y de vídeo en los Estados Unidos de la mano de la CBS y la NBC. Tres años antes, en Reino Unido, fue la BBC la encargada de emitir públicamente las primeras imágenes por televisión. A partir de este momento, Estados Unidos comenzó emisiones a través de cadenas aún hoy de éxito como BBC, CBS o NBC aunque luego quedarían interrumpidas por la II Guerra Mundial.

El cambio tecnológico fue en 1934 cuando Telefunken fabricó el Telefunken FE III. El primer televisor totalmente electrónico basado en la tecnología CRT (tubo de rayos catódicos). Esta tecnología permitió alcanzar mejores resoluciones y al no tener elementos mecánicos eran mucho más duraderos. Distintas versiones de este Telefunken FE III aparecieron en las principales potencias del mundo, y antes de la Segunda Guerra Mundial ya se habían vendido aproximadamente 19.000 aparatos en el Reino Unido.

También llama la atención cuándo fue el primer mando a distancia y cuál era su cometido. Su nombre era Tele Zoom, y apenas podía catalogarse como un mando a distancia. El Tele Zoom se creó en 1948 solo se usó para "acercar" la imagen en la televisión. No se podía utilizar para cambiar ningún canal o encender o apagar el televisor. Sin embargo, el primer mando a distancia como lo conocemos ahora fue creado por Zenith y se lanzó al mercado en 1955. Este sí podía encender o apagar la televisión y cambiar el canal. También era completamente inalámbrico.

Los años 20 y la imagen en movimiento

Según la historia de la televisión, la transmisión de imágenes en movimiento comenzó en 1928. Charles Jenkins, un inventor, consiguió una autorización para transmitir al público en general imágenes de siluetas creadas a partir de películas cinematográficas. Durante ese tiempo, la resolución del televisor era de solo 48 líneas.

En 1923 fue cuando él emitió imágenes de siluetas en movimiento para unos pocos y hasta 1925 no consiguió retransmitir públicamente una emisión sincronizada de imágenes y sonidos.

Los años 50 y el color

La segunda gran revolución en los televisores fue con la llegada del color. Gracias al desarrollo de los tubos catódicos con tres cañones. Esta tecnología hizo que en los años 50 se fabricasen televisores a color de forma masiva. Los televisores de los años 50 no dejaban de ser aparatos grandes formados por un mueble con una pantalla y que seguía las modas de decoración de esa época.

En España empezaron las emisiones oficiales en los años cincuenta. En concreto, TVE inicio la programación en unos 600 televisores de Madrid el día 28 de octubre de 1956 a media tarde. Pero aún quedarían muchos años hasta que se convirtiese en la distracción de miles de empleados. Este tipo de emisiones eran siempre en blanco y negro.

Durante la década de los 50 y los 60 no hubo ningún cambio tecnológico reseñable. Y las diferencias entre los distintos modelos eran meramente estéticas y acordes a la época. Mueble estilo mid century, diseños imposibles. Los televisores clásicos que hemos visto durante años en series de televisión vintage. Apenas había diferencias, aunque entraron a formar parte en la vida de muchas personas dos conceptos: luminancia y crominancia. Conceptos creados en los años treinta que nos aseguraban compatibilidad entre las televisiones en blanco y negro con las emisiones en color.

Algo muy reseñable de estos años fue la aparición de una serie de estaciones de emisión en cada uno de los países del mundo. La televisión empezaba a impulsarse por aquel entonces en casi cada rincón de la tierra, y de hecho en 1953 se creó Eurovisión, una red para conectar estas antenas vía microondas. Años más tarde, en 1960, se intentó hacer lo mismo, pero a nivel mundial: Mundovisión.

El momento que supuso un antes y un después fue el 19 de septiembre de 1966. Ese día se emitió en Estados Unidos el primer episodio de That Girl en la cadena ABC, la primera transmisión a color.

Los 70 y los 80: canales autonómicos

Con la transmisión generalizada de la televisión en color generó una alta demanda de televisores en países desarrollados, dando paso a que las marcas japonesas se empezasen a hacer hueco en un mercado dominado por marcas americanas y europeas. En España, la televisión se expandía a nivel de mercado con televisores a color. Fue en esta década cuando se convirtió en el electrodoméstico fundamental en muchos hogares y acompañó una transición hasta la democracia. Aunque todavía disponíamos únicamente de los dos canales de emisión pública que, hasta 1975, estaban controlados por el Gobierno ejerciendo una fuerte censura, todos los contenidos que se iban a emitir tenían que pasar el filtro de la dictadura franquista.

En este periodo de tiempo los televisores empiezan a adquirir un diseño más sobrio y empiezan a aparecer algunos televisores con mayor tamaño de pantalla.

En los años 80 empezaban a llegar los canales autonómicos. Las televisiones autonómicas se unieron en FORTA (Federación de Televisiones Autonómicas) y comenzaron a llegar algunos como EITB, TV3, TVG, Canal Sur o Telemadrid además de Canal 9 en Valencia. Compartían parrilla con la televisión nacional aunque aún quedarían algunos años hasta que tuviesen más competencia.

Los años 90: nuevos canales privados

En los años 90 se empezó a popularizar el uso del mando a distancia, las pantallas crecen y se empieza a dar importancia a la calidad de la imagen como la pureza del negro, la reproducción del color, etc. Es en esta época donde se popularizan los televisores de proyección con tecnología DLP. Estos televisores permitían proyectar la imagen sobre una pantalla translúcida y permitía tamaños de pantalla de 100 pulgadas o más. Este tipo de tecnología no daba buen resultado en estancias muy iluminadas por lo que se recomendaba usarlas en salas oscuras. Comienza la guerra de tamaños de pantalla, con la salvedad de que eran televisores "con culo", por lo que aumentar el tamaño de la pantalla requería de mucho espacio en el salón.

Los años 90 en España supusieron un gran cambio en la televisión porque llegaban nuevos canales, nuevas televisiones privadas que conseguían cobertura en todo el territorio nacional y no solo había que "conformarse" con las autonómicas o TVE. Antena 3 llegaba en diciembre de 1989 y después lo haría Telecinco en marzo de 1990 y Canal+ en septiembre del mismo año. Llegaban series míticas como Compañeros o Farmacia de Guardia o Antena 3 se convertía en la primera cadena de televisión que emitía un debate político entre dos candidatos. También Telecinco dejó grandes series en esos años como Al salir de clase o Médico de familia.

El 2000 y las pantallas planas

Con la llegada del año 2000 aparecieron los primeros televisores con pantalla plana dando el relevo a los televisores de tubo. Esta nueva tecnología permitía tener pantallas de mayor tamaño en un diseño plano que permitía colgar de la pared estos nuevos modelos. También aparecen las primeras emisiones en HD.

En la primera década del nuevo siglo aparecen diferentes tecnologías para televisores de pantalla plana:

LCD

Las pantallas LCD son pantallas basadas en los cristales líquidos, estos elementos se colocan entre dos capas de cristales polarizados. Dependiendo de la polarización que se aplique, el LCD absorberá más o menos luz y serán más o menos oscuros. Las pantallas LCD incorporan un filtro RGB para poder ver las imágenes en color. Uno de los problemas que solían sufrir estas pantallas era el efecto fantasma o efecto estela y era notable en movimientos rápidos de la escena.

Estas pantallas en realidad diseñaron bastante antes, concretamente el primer televisor LCD que consta es de finales de la década de los 80. En los 90 es cuando comenzamos a ver cada vez más televisores y pantallas LCD, y fue a partir de los 2000 cuando estas comenzaron a reemplazar casi por completo a los televisores CRT en los hogares.

Plasma

En esta época también llegaron los televisores de plasma. Dispositivos con pantalla plana de gran formato. A diferencia de las pantallas LCD, los televisores de plasma tenían un mayor ángulo de visión, el tiempo de respuesta era mucho más rápido por lo que desaparecía el efecto fantasma, tenía mayor número de colores, siendo estos mucho más reales y vívidos y el contraste era muy alto.

Por el contrario, eran televisores que emanaban mucho calor, consumían mucha energía eléctrica y si la pantalla permanecía encendida mucho tiempo mientras se muestran imágenes estáticas, se quedaban sobrescritas en pantalla permanentemente. Es cierto que estos funcionaron a los fabricantes muy bien durante un tiempo (ya que la calidad de la imagen era bastante superior a los LCD), pero estos acabaron por "morir" años más tarde.

LED y OLED

Con la popularización de las pantallas planas aparece también las tecnologías LED y OLED. Las ventajas de estas pantallas respecto a las pantallas de plasma o LCD era una mayor delgadez y flexibilidad, eran televisores más económicos con mejor brillo y contraste y requerían de un menor consumo energético y tenían una mejor visión bajo ambientes iluminados.

No todo eran ventajas, ya que el tiempo de vida era más corto, el proceso de fabricación era más caro en ese momento y tenían un mayor impacto medioambiental. Con la llegada de esta tecnología se empezaron a popularizar los televisores 3D. A día de hoy, la mayoría de televisores que vemos en los hogares son de una de estas dos tecnologías, ya que con el tiempo se han vuelto incluso bastante económicos.

Emisiones digitales (TDT)

En los años 2000 se desarrolla la Televisión Digital Terrestre con todo lo que ello implicaba. Todas las antenas de televisión de nuestros hogares tuvieron que ser adaptadas para poder recibir la nueva señal digital de televisión. Ello supuso también que había que adaptar también todos los televisores para que pudieran reproducir estas emisiones. Muchos optaron por conectar un receptor TDT a la toma externa de la televisión. Era un poco engorroso porque pasábamos a tener dos mandos para controlar el televisor. Algunos tenían puerto USB y nos permitían grabar los contenidos de la TDT incluso programando las grabaciones para verlas posteriormente. Muchos optaron por cambiar de televisor, los nuevos modelos incluían de serie el receptor para TDT sin necesidad de tener dos dispositivos.

La ventaja es que comenzaron los nuevos canales TDT privados que multiplicaban la oferta televisiva: Clan, Teledeporte, Antena Neox (ahora Neox), Antena Nova (ahora Nova), Energy, Boing y muchos más. En esta época también surgieron los nuevos canales nacionales y generalistas La Sexta y Cuatro. Que posteriormente serían absorbidas por el Grupo Atresmedia y Mediaset respectivamente. La variedad y cantidad de canales que podíamos sintonizar en nuestros televisores nunca había sido tan amplia.

Desde 2010 hasta hoy

La última gran revolución en los televisores fue la popularización de las Smart TV, que han convertido a nuestras teles en dispositivos capaces de realizar una gran cantidad de tareas más allá de reproducir contenido. Las usamos para prácticamente todo, escuchar música, ver nuestras series, películas y deportes favoritos, y por supuesto para jugar a videojuegos y hacer uso de nuestras aplicaciones de música y vídeo en streaming como Netflix, HBO Max, Disney+ o Prime Video. Pero también para ver directos en Twitch, o vídeos de todo tipo en YouTube.

En cuanto a videojuegos, el mercado está virando cada vez más hacia el formato digital, y aquí es donde las Smart TV vuelven a jugar un papel fundamental ya que no necesitaremos nada más que una televisión con conexión a internet y un mando para jugar, gracias a los servicios de juego bajo demanda. Pese a su fracaso, Google Stadia fue uno de los pioneros que abrieron camino en este sentido, y otras empresas como Xbox no tardarán en poner a disposición de cualquier usuario sus servicios de juego basados en la nube, también en televisores. El "Netflix de los videojuegos" es inevitable.

En cuanto a las características técnicas de los televisores contemporáneos, encontramos Smart TV con volumen de color al 100% para reproducir una imagen perfecta a resolución 4K, un alto rango dinámico (HDR) realista, con pantallas con mayor vida útil, conexión sin cables y con diseños cuidados que permiten combinar con la decoración de los hogares. También, los televisores 3D comenzaron a hacerse un hueco en el mercado, impulsados ​​por populares éxitos de taquilla en 3D como Avatar y adaptando una gran cantidad de títulos e incluso videojuegos a este formato, que por otro lado no se ha convertido en un estándar.

Actualmente, cualquier televisor que puedas comprar podrá reproducir contenidos en 4K y se está empezando a estandarizar el 8K. En esta década hemos visto como el tamaño de las pantallas no dejaba de crecer ofreciendo tamaños de 50" o 55" como el nuevo estándar de tamaño. La resolución 4K reduce a la mitad la distancia óptima para ver la tele, es más difícil que percibamos una pantalla pixelada porque ofrece una resolución horizontal de 4.000 píxeles. Por ejemplo, si disponemos de 1,5 metros entre el Smart TV y nosotros, con los televisores que reproducen resoluciones HD podríamos utilizar un tamaño de pantalla de entre 30 y 40 pulgadas. Con las resoluciones 4K y 8K (8.000 píxeles de resolución horizontal) podríamos optar a tamaños de hasta 75 pulgadas.

Podemos tener televisores con pantallas curvas o planas dependiendo de nuestros gustos, la mayoría de los televisores cuentan con sistemas operativos que permiten descargar aplicaciones para ver vídeo en streaming, etc. El futuro de los televisores pasa por pantallas enrollables y mayor resolución. También se esperan pantallas que se puedan girar para poder ver contenido en formato vertical (9:16). O incluso la posibilidad de televisores modulares para llegar hasta las 600 pulgadas. En cualquier caso, será el mercado, los consumidores, los que iremos decidiendo qué tipo de tecnologías y dispositivos son interesantes y cuáles serán desterrados en el olvido.

La televisión ha ido mucho más allá de un simple medio de entretenimiento básico. Hoy en día, la transmisión continúa evolucionando. El mundo ha cambiado significativamente desde la década de 1930, cuando todo se veía en blanco y negro desde la comodidad del hogar hasta ahora que todo es en alta definición y color.

Actualmente, los consumidores pueden ver televisión o escuchar podcasts en dispositivos conectados a Internet. Con el streaming, el archivo multimedia que se reproduce en el dispositivo se almacena de forma remota y se transmite unos segundos a la vez a través de Internet. Esto cambiará el mundo de la televisión tal y como la conocíamos en sus inicios.

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Historia de la televisión: Invento, evolución y cambios a lo largo del tiempo

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Un repaso por un imprescindible en nuestras vidas: la televisión. Sus inicios, su éxito o cómo ha ido cambiando hasta el día de hoy.

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Primera cámara digital: Steve Sasson, ingeniero de Kodak, 1975

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Primera cámara digital: Steve Sasson, ingeniero de Kodak, 1975

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Construye la primera cámara digital, que usaba un sensor CCD. Tardaba 23 segundos en capturar una imagen de 0.01 megapíxeles en blanco y negro.

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Formatoss de cinta de video para grabación y reproducción doméstica. El VHS se convierte en el estándar dominante.

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Primera cámara digital para consumidores, usando disquetes para almacenar las imágenes.

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Primer sistema de cámara réflex digital comercialmente disponible, con un sensor de 1.3 megapíxeles.

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Toy Story se convierte en la primera película animada completamente por computadora (CGI), revolucionando los efectos visuales en el cine.

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La nube (brindando un poder de procesamiento y almacenamiento de información prácticamente ilimitado)
La Inteligencia artificial (pocos saben por ejemplo que muchos de los servicios digitales que utilizamos regularmente en nuestra vida diaria (Facebook, Twitter, Linkedin, Waze, Whatsapp) ya tienen detrás motores de AI (Artificial Intelligence) y Machine Learning.
Los Smartphones (Más utilizados como computadoras que como teléfonos) se han transformado en la “primera pantalla” de las personas

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Primeros Avances de la revolución digital, 1981

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Primeros Avances de la revolución digital, 1981

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Vimos en la era digital, los autos están apunto de conducirse solos, la televisión en ultra HD es algo común y los smartphones, bueno, prácticamente non podíamos consentir la vida sin los smaptphones, y aunque paresca imposible hace apenas 30 años la vida no podía ser mas diferente si no pregúntele a cualquiera de los personajes de las stand catch fire. A qui repasaremos un avance tecnológico de los 80,
I.B.M computadora personal 1981.

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08-12 Efemerides de Tecnologia IBM_PC_5150 (1)

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Primeras cámaras de video portátiles para el hogar.

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Pantallas planas que reemplazan a los televisores CRT.

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Introducción del formato de disco digital para la grabación y reproducción de video de alta calidad.

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Nikon D1: La primera cámara réflex digital profesional (DSLR) con un sensor de 2.7 megapíxeles, capaz de competir con las cámaras de película de 35 mm.

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Estos medios abarcan tanto aquellos que solo se centran en el sonido o solo la imagen, como aquellos en los que ambos sentidos son mezclados y puestos al servicio del proceso de enseñanza- aprendizaje.

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Sharp lanza el J-SH04, el primer teléfono con una cámara integrada (0.11 megapíxeles), marcando el inicio de la fotografía móvil.

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Televisores y equipos de grabación que soportan alta definición (HD).

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Reproductores de medios que permiten el acceso a contenido en línea, como Roku y Apple TV.

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Formato de disco óptico de alta definición que ofrece una calidad de imagen superior al DVD.

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Televisores con sistemas operativos integrados que permiten la conexión a Internet y el uso de aplicaciones.

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Cámaras capaces de capturar video en todas las direcciones, lo que permite la creación de contenido de realidad virtual.

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Televisores y reproductores que soportan resolución 4K, ofreciendo una calidad de imagen mucho mayor.

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Cámaras como la Sony Alpha NEX-7 comienzan a popularizarse, ofreciendo calidad DSLR en un cuerpo más compacto.

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Integración de IA en dispositivos audiovisuales para mejorar la personalización del contenido y las experiencias interactivas.

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Los teléfonos inteligentes, como el iPhone 12 Pro y el Google Pixel, integran múltiples cámaras con sensores avanzados, inteligencia artificial para mejorar la calidad de imagen y capacidades de fotografía computacional.

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Televisores que ofrecen una resolución de 8K, proporcionando detalles aún más finos.

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Realidad Virtual (VR) y Realidad Aumentada (AR), 2020

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Realidad Virtual (VR) y Realidad Aumentada (AR), 2020

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Equipos especializados, como gafas VR y dispositivos AR, que ofrecen experiencias inmersivas.

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Cámaras con IA (Inteligencia Artificial), 2024

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Cámaras con IA (Inteligencia Artificial), 2024

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Cámaras avanzadas que utilizan IA para mejorar la composición, el enfoque automático y la edición de fotos en tiempo real, perfeccionando la experiencia fotográfica automática.