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Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU                       Exposición: Sembrar la duda: Indicios sobre las representaciones indígenas en Colombia    

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Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU                       Exposición: Sembrar la duda: Indicios sobre las representaciones indígenas en Colombia    

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El Museo de Arte Miguel Urrutia fue inaugurado en 2004, hace parte de la Colección de Arte del Banco de la República. Queda ubicado en la manzana sur de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en el centro histórico de Bogotá. (Cl. 11 #4-21) Es un edificio dedicado a la exhibición gratuita de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo. El museo no tiene una colección propia. El edificio tiene tres pisos y fue diseñado por el arquitecto bogotano Enrique Triana Uribe. El arquitecto planteó un edificio tipo "caja blanca", en contraposición a los museos "espectáculo" desarrollados recientemente en otras ciudades del mundo. Tiene un manejo neutro y sencillo de las fachadas.

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Mi recorrido por el museo fue muy lindo. Empezó a las 2:00pm desde el monumento La Pola cerca a la universidad de Los Andes, ahí nos encontramos la mayoría de los del curso para irnos juntos hasta allá. Atravesamos el chorro de Quevedo, mientras lo hacíamos pudimos observar lindos restaurantes, cafeterías, grafitis y artesanías colombianas. Cuando llegamos, revisaron nuestros bolsos y nos separaron en tres grupos para que no estuviéramos más cómodos y que la visita fuera más personal. Mi grupo empezó desde en el tercer piso, que en mi opinión fue el más lindo de todos. En el piso 3 se encontraba el indicio 4. NATURALEZA SAGRADA, una curaduría de Sigrid Castañeda. En este piso se encontraban tanto pinturas como piezas, tejidos y esculturas hermosas. El primer piso trataba más sobre historias, habían muchas fotos, este me pareció un poco aburrido pero había mucho más contenido. El montaje de las obras es simplemente espectacular, se notaba cómo cada obra tenia una razón para estar en su lugar y el espectador tenía un recorrido claro, todo estaba decorado según la temática indígena. Las pinturas estaban colgadas en las paredes, las esculturas sobre repisas de concreto, los tejidos colgaban del techo y algunas artesanías estaban protegidas por vidrio.   En general este museo me pareció muy lindo, la exposición tenía un orden claro y fue bastante interesante la gran cantidad de arte que hay.

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Mi experiencia en el recorrido (22 de febrero)

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Mi experiencia en el recorrido (22 de febrero)

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"Las piezas que conforman la exposición, pertenecientes en su mayoría a las colecciones del Banco de la República, dialogan con el pensamiento de pueblos indígenas pasados y actuales del país y, en esa medida, son testigos de la transformación de las representaciones que ante todo buscan que los pueblos indígenas, tengan en las salas del MAMU un espacio necesario de participación activa. La muestra estará acompañada de una curaduría viva en las salas donde sucederán actos, rituales, círculos de pensamiento y ciclos de imágenes en movimiento dirigidas por indígenas" " "La muestra es un recorrido a través de seis indicios que invitan a cuestionar la línea cronológica de la historia y el distanciamiento ante lo propio que se ha producido por acoger nociones sobre la visualidad" (Banco de la Republica, 2023)

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Exposición: Sembrar la duda Indicios sobre las representaciones indígenas de Colombia

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Exposición: Sembrar la duda Indicios sobre las representaciones indígenas de Colombia

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Eduardo Ramirez Villamizar, 1957, Oleo sobre tela. (Colección de Arte de la república) Ficha técnica sacada de Internet, en el museo no hay fichas técnicas. Lo primero que me llama la atención de esta obra son sus colores y formas. En esta obra Villamizar utiliza una paleta de colores cálidos que incluyen tonos de amarillo y marrón, pero también colores frio como el negro y el blanco. Estos colores crean una sensación de calidez y energía en la composición, evocando el concepto de "El Dorado". La obra presenta una serie de formas geométricas distintivas, como círculos, rectángulos y líneas rectas. Estas formas están dispuestas de manera ordenada y estructurada, lo que contribuye a la sensación de equilibrio y armonía en la composición. Las líneas en "El Dorado Nr2" son predominantemente rectas y angulares. Estas líneas funcionan para contornear las figuras geométricas. Estas líneas crean una sensación de movimiento y dinamismo ya que unas están ligeramente volteadas, dando la sensación que las figuras están puestas sobre otras. La luz en la obra es difusa, creando una atmósfera uniforme y sin sombras pronunciadas. El artista emplea una cuidadosa atención a la proporción en su obra, parece que está matemáticamente organizado las diferentes formas y elementos. Esta atención a la proporción contribuye a la sensación de orden y cohesión en la composición, creando un efecto visual agradable. Las formas geométricas se superponen y se entrelazan, creando una sensación de profundidad y tridimensionalidad en la composición.  Esto da una ilusión de constante cambio. Por último aunque predominan los colores cálidos, Ramirez utiliza el contraste, para crear interés visual en la obra. Los tonos más claros y oscuros se utilizan estratégicamente para resaltar ciertas áreas.

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 es una pinacoteca ubicada en París (Francia)  es una pinacoteca ubicada en París (Francia) dedicada a las artes plásticas del siglo xix y, más en concreto, del periodo 1848-1914. Ocupa el antiguo edificio de la estación ferroviaria de Orsay y alberga la mayor colección de obras impresionistas del mundo. El museo tiene una historia interesante que se remonta a su inauguración en 1986. El edificio que alberga el museo, la Gare d'Orsay, fue construido originalmente como una estación de tren para la Exposición Universal de 1900 en París. La estación, diseñada por el arquitecto Victor Laloux, se caracteriza por su impresionante arquitectura de estilo Beaux-Arts. Sin embargo, a medida que los trenes modernos comenzaron a crecer en tamaño, la estación de Orsay se volvió cada vez menos práctica y fue cerrada en 1939. Durante un tiempo, el edificio fue utilizado para diversos propósitos, incluido un centro postal y un cine. Pero a finales de la década de 1970, se decidió convertir el edificio en un museo para albergar arte del siglo XIX y principios del XX.

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Fue un encanto! Se sintió muy lindo cómo la profesora, hace un gran esfuerzo por transmitirnos el mensaje y tratar de transportarnos a una visita verdadera. Ella nos mostro cómo se podía llegar allá, las líneas del metro, donde está ubicado, se sintió acogedor. Durante mi visita ritual, se logra ver casi todo el museo, es muy grande. Obviamente no es lo mismo verlo en la presencialidad. Es un poco incomodo usar la pagina web, pero logra su cometido. Las pinturas están colgadas sobre las paredes y durante el recorrido se encuentran unas esculturas grandes y hermosas. 

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Mi experiencia en el museo (8 de febrero)

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Mi experiencia en el museo (8 de febrero)

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Título: OlympiaVida del creador: 1832 - 1883Nacionalidad del creador: FrenchGénero del creador: Male Fecha de creación: 1863. En la obra la luz juega un papel crucial en la creación de la atmosfera y en lo que quiere representar el artista con su pintura. Técnica Claroscuro Implica el uso de contrates extremos entre luces y sombras para resaltar la forma tridimensional de los objetos.  Los artistas pueden lograr esto mediante la combinación de áreas oscuras y claras en un solo dibujo. Contraste  Discrepancia perceptible entre diferentes partes de la composición que hacen que ciertos elementos se destaquen o se diferencien de otros.T onal: diferencia entre las áreas claras y oscuras de una pintura. Cromático: Diferencia en colores entre diferentes partes de la pintura Detalle: cantidad de detalle entre diferentes áreas de la obra. Equilibrio asimétrico: disposición de elementos visuales en la composición donde no hay una simetría perfecta alrededor de un eje central. El equilibrio asimétrico se crea cuando dos lados de una imagen no se reflejan entre sí, pero aún tienen aproximadamente el mismo peso visual En la obra se puede ver como el peso visual se concentra de la mitad a la izquierda de la pintura gracias a la concentración de luz y colores claros en esa zona, adicionalmente, la obra es más detallada de ese lado y tiene más elementos pues se ven los rasgos del cuerpo, volumen y movimiento. En La parte superior derecha se usan colores oscuros y menos detalles. Logrando así un desbalance en la mirada del público. Énfasis Consiste en llamar la atención sobre uno o más puntos de una obra. En este caso la atención va centrada en la mujer recostada esperando a que se le atienda, logra el enfaisis  gracias a la luz y tonalidades de colores. -	Las líneas en su mayoría son horizontales, pueden dar la percepción de calma, reposo-	Plana en términos de espacio-	Prostituta por el collar negro, implícito la sexualidad, hubo sexo, prostitución-	Esta mirando de frente al espectador -	Gato está asustado por hombres desconocidos-	La mujer negra es su criada-	La mujer está viendo al cliente.

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Sala de arte Bancolombia (15 de febrero)

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Sala de arte Bancolombia (15 de febrero)

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La Sala de Arte del Banco Bancolombia, ubicada en el edificio Vitró, es un espacio cultural importante en Bogotá. Este espacio está dedicado a la promoción y exhibición del arte contemporáneo colombiano e internacional. El edificio Vitró se encuentra en el corazón financiero y comercial de Bogotá, específicamente en la zona conocida como el Centro Internacional. Fue diseñado por la firma de arquitectos Obra Arquitectos, liderada por Daniel Bermúdez, y construido por la compañía Amarilo. La arquitectura del edificio destaca por su uso de vidrio y acero, así como por sus líneas limpias y contemporáneas. Algo que me pareció muy interesante durante la charla, fue que nos contaron que las tuberías no podían estar arriba en el techo ya que si pasaba un accidente, las obras podían salir perjudicadas. Las tuberías se encuentran en el piso.

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A las 2pm teníamos el encuentro con el grupo al frente del Ml. Salimos caminando hasta llegar al Transmilenio y dirigirnos al edificio. Fue interesante y chistoso todo ese grupo de personas montándose al Transmilenio. Esperamos un rato mientras a cada uno le revisaban las cosas antes de poder entrar. Un solo guía fue el que nos dio la visita, nos hablo de datos curiosos del edificio, sobre los artistas y sus obras. También nos contó como están organizadas meticulosamente pues cada pedacito del lugar conforma una pequeña curaduría. Mi curaduría favorita fue Narrar el Aire.  Tuvimos un tiempo para nosotros mismos apreciar las obras.

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Esta es una obra vibrante. Tiene colores fríos como los azules y un poco de morado y cálidos como el rojo. El fondo de la pintura es de un color solido azul, pero en primer plano se pueden percibir la mitad de una caras o partes de una luna, cómo si fueran cráteres de las que le salen unos "gritos" en formas de líneas inorgánicas rojas. De formas se puede hablar de las líneas rectas y de los semi círculos que se desprenden. Algo interesante de estas líneas es que da la sensación de movimiento, gracias a que son líneas verticales y si intensidad en el color se va disminuyendo en la distancia. Los colores son vibrantes y saturados. La pintura tiene relieve, pues las semicaras parecen estar más adelante en el cuadro.

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"El Instituto Caro y Cuervo es un centro colombiano de altos estudios en literatura, filología y lingüística del idioma español y las lenguas nativas de Colombia, orientado a la investigación y a la divulgación de la cultura del libro y la lectura. Realiza ediciones críticas, especialmente referidas a la obra de los autores colombianos, y mantiene una política editorial referida a la construcción y divulgación del patrimonio bibliográfico general" (Instituto Caro y Cuervo)

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Esta vez salí caminando con mi novio hacia el instituto. Recorrimos el chorro de Quevedo. Me gusto mi experiencia realmente, hicimos una actividad, donde nos daban poemas y debíamos relacionarlos con alguna de las obras expuestas. Algo que no me gustó fue cómo estaban las obras. Nos dijeron que la exposición no estaba preparada, pero las obras se encontraban en el piso, se podían romper o ser dañadas por los espectadores fácilmente, además el espacio era de un color verde que podía ser incomodo, no entraba mucha luz tampoco. Las obras no contaban con ficha técnica.

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Mi experiencia en el Museo (27 de febrero)

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Mi experiencia en el Museo (27 de febrero)

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esta obra trabaja con tonalidades cálidas como lo son los colores tierra. Estamos observando un paisaje con una montaña de piedras en primer plano y al lado, casi ocupando la mayoría de la pintura el mar. Al fondo se encuentran dos montañas más y lo que parece ser un barco. La obra esta compuesta de líneas de contorno con lo que podemos identificar cada elemento pero también de líneas organizas pues no son muy rectas ni tienen una forma perfecta. La luz proviene del frente y hace ilusión a un espacio grande gracias a la profundidad que logra el artista desconocido.

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es uno de los museos más importantes del mundo dedicado al arte y la historia de los Países Bajos. Inaugurado en 1885, el museo alberga una vasta colección de obras maestras de artistas neerlandeses, incluidos Rembrandt van Rijn, Johannes Vermeer y Frans Hals, entre otros. Su extensa colección abarca desde pinturas del siglo XV hasta arte contemporáneo, pasando por esculturas, artes decorativas, y objetos históricos, proporcionando una visión completa de la rica cultura y patrimonio de los Países Bajos. El majestuoso edificio del Rijksmuseum, diseñado por Pierre Cuypers, es en sí mismo una obra maestra arquitectónica, con una impresionante fachada neogótica y una amplia galería principal que alberga algunas de las obras de arte más emblemáticas de la colección. 

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Esta experiencia fue divertida. Con mis dos amigos de la clase tuvimos que encontrar las obras gracias a unas descripciones que nos daban. eso hizo que recorriéramos por mucho tiempo el museo y analizando cada obra. Las pinturas están colgadas en las paredes y hay diferentes pabellones, uno asiático. Se usa mucho el estilo Barroco.

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Mi experiencia en el Museo (13 de febrero)

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Mi experiencia en el Museo (13 de febrero)

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La obra muestra una vista  tranquila y pintoresca de una ciudad holandesa del siglo XVII. En el centro de la composición se encuentra una calle estrecha y empedrada que se extiende hacia el fondo de la imagen. En la pintura, se puede ver una serie de casas típicas de la arquitectura neerlandesa de la época, con sus fachadas de ladrillo y sus tejados inclinados. En la esquina derecha de la calle, se encuentra una figura femenina, posiblemente una mujer sirvienta, que parece estar ocupada en una tarea doméstica. en centro hay otra mujer que parece estar vertiendo el agua y en el centro un poco hacia la derecha otra mujer que está agachada recogiendo algo en el piso.  Vermeer emplea líneas orgánicas para representar elementos naturales y arquitectónicos en la obra. Por ejemplo, las curvas suaves de las fachadas de las casas, las líneas onduladas del suelo empedrado y las siluetas redondeadas de la figura femenina contribuyen a la sensación de naturalidad y fluidez en la composición. Vermeer utiliza líneas implícitas o sugeridas para guiar la mirada del espectador a través de la composición y crear una sensación de profundidad y perspectiva. Por ejemplo, la línea imaginaria que sigue el curso de la calle estrecha lleva la mirada del espectador hacia el fondo de la imagen, mientras que las líneas de las fachadas de las casas y los detalles arquitectónicos contribuyen a la sensación de profundidad y volumen en la escena.  Utiliza una paleta de colores suaves y tonos cálidos. Predominan los tonos terrosos, como el marrón claro y el ocre, que se encuentran en las fachadas de las casas y en el suelo empedrado de la calle. Estos colores terrosos se complementan con toques de azul en el cielo y en algunos detalles arquitectónicos, lo que añade profundidad y contraste a la composición.  La luz entra desde la parte superior izquierda de la composición, iluminando sutilmente la calle y las fachadas de las casas. Esta luz suave y difusa crea un efecto de claroscuro que resalta los detalles y las texturas de la escena, así como también contribuye a la sensación de serenidad y quietud.

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MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFIA

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MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFIA

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 "Fue inaugurado el 10 de septiembre de 1992. El edificio principal, construido sobre el antiguo Hospital General de Madrid, fue diseñado por el arquitecto José de Hermosilla y continuado el italiano por Francesco Sabatini, con una posterior ampliación de 30.000 m² de la mano del arquitecto francés Jean Nouvel. Destaca por su fachada de vidrio y acero, alrededor de un patio, con una superfície total de 84.048 m²." De cuatro pisos y con planta triangular truncada, la pinacoteca aloja obras de Salvador Dalí, Joan Miró o René Magritte, colecciones de piezas surrealistas, cubistas o de la neofiguración. El cuadro más popular es el 'Gernica', del pintor español Pablo Picasso.En el año 2021, el Museo Reina Sofía fue declarado como Patrimonio de la Humanidad." (Time Out, 2023) El museo está constantemente cambiando las formas de organizar las obras (Curaduría) 

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Esta fue la experiencia que menos me gusto honestamente. La profesora nos contó un poco acerca del muso, nos mostro las líneas del metro lo cual hace acogedora la visita virtual. Nos contaron como Picasso era el rockstar en España. Tuvimos una actividad para integrarnos con nuestros compañeros y con el museo. A cada grupo le dieron una curaduría y teníamos que buscar obras que representaran la esencia de esta. 

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Mi experiencia en el museo (20 de febrero)

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Mi experiencia en el museo (20 de febrero)

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De los apuntes tomados en clase: -	Está inspirada en los eventos de la guerra civil española. Bombardeo por parte de Alemania, e Italia. -	Lo primero que llama la atención: color blanco y negro y tonalidades grises porque Picasso está recogiendo la evidencia visual de lo que paso en Guernica por medio de las fotos.-	Textura texto impreso del periódico-	Composición piramidal en el centro, se crean triángulos invertidos -	Movimiento por lineas diagonales-	Figuras geométricas-	Caos-	Figuras femeninas (se ven senos)-	Actitudes de las figuras, quemándose, llorando, muertos-	El caballo representa al pueblo español (sufriendo)-	El Toro sería Franco: indiferente ante la escena. -	Está inspirada en los eventos de la guerra civil española. Bombardeo por parte de Alemania, e Italia. -	Lo primero que llama la atención: color blanco y negro y tonalidades grises porque Picasso está recogiendo la evidencia visual de lo que paso en Guernica por medio de las fotos.-	Textura texto impreso del periódico-	Composición piramidal en el centro, se crean triángulos invertidos -	Movimiento por lineas diagonales-	Figuras geométricas-	Caos-	Figuras femeninas (se ven senos)-	Actitudes de las figuras, quemándose, llorando, muertos-	El caballo representa al pueblo español (sufriendo)-	El Toro sería Franco: indiferente ante la escena. Los colores crean un ambiente sombrío y desolado que refleja el tema trágico de la obra. La iluminación en "Guernica" es difusa y sin fuente aparente, lo que contribuye a crear una atmósfera opresiva y lúgubre. La ausencia de luz natural o artificial directa refuerza la sensación de tragedia y caos en la escena, destacando la angustia y el sufrimiento de las figuras representadas. A pesar del caos aparente en la composición, logra una armonía visual a través de la disposición equilibrada de las figuras y los elementos en la obra. Las proporciones de las figuras humanas y animales son distorsionadas y exageradas.

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La mayoria de paredes son blancas, y la luz del museo tambien es blanca. No me gusta mucho. Las obras están expuestas sobre las paredes

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Todas las salas se parecen mucho entre ellas