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Fotografías recolectadas por Eduardo Serrano 284 páginas : fotografías en blanco y negro, y en color ; 36 cm. 1 CD-ROM  Editorial Planeta Colombiana, 2006

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El artista nació en Zapatoca, Santander, en 1939. Trabajó sobre las nuevas formas artísticas en la fotografía, realizando un estudio extenso sobre la historia de la fotografía del arte en Colombia , se expone en París, siendo estas representaciones en el exterior importantísimas para el reconocimiento de la actividad artística está en un desarrollo paralelo con el mundo, desmitificando lo observado por Mari Carmen Ramirez sobre la perpetración de ver el arte latinoamericana colonialista como exponente natural del surrealismo, las identidades que capta el artista en sus colecciones fueron rescatadas de las memorias de las personas del común iniciando con esto en la ciudad de Cali donde se realizó y  una compilación de recuerdos, donde las identidades juegan un papel importante en la construcción de territorio como memoria, exploró el arte desde lo religioso y propone el arte desde otra mirada muy diferente dándole al país en general diversas formas de ver el arte

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Colombia Coca Cola, 1977Serigrafía sobre lienzo. Edición 39 de 15042 x 87 cm Firmada, numerada y fechada Caro 39/150 1977 en la parte inferior derecha.

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En el año 1950 nace en Bogotá el primer gran representante de pop art, por esta época se experimenta en otras partes del mundo y Antonio decide implementarlo en Colombia generando tendencias diferentes y nuevas por explorar, con el uso de formas y colores muy llamativos vinculando el achiote y el maíz en su discurso que apropian el artista como ser sensible y orgulloso de su territorio . El interés por el cuidado de las prácticas sociales sanas y la protección del territorio frente a diversas compañías que se lucraran solo de la explotación del territorio hace un artista sensible ante el tejido social y con él los grandes aportes del pop art como movimiento artístico yendo siempre a la universalización del estado del arte

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Cartagena, Provincia de Cartagena, Bolívar

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En la discusión de las nuevas formas de arte se presenta el artista Julio Luzardo nacido en el año 1962 en Bogotá, quien fue un gran aportante al cine colombiano y aunque muchos artista para la epoca tenian cierto descontento con que a este tipo de representaciones se les llamará arte, fue un gran aporte a la identidad colombiana, con sus registros y la nueva forma de ver el arte lo que en el mismo momento en otros lugares media-arte, y esta identidad se forjaba aún más con la creación del museo de arte moderno en Bogotá. su obra Los tres cuentos colombianos que es una crítica social, política, económica y cultural que abarca el territorio costero haciendo visible diferentes formas de vida en estos pueblos que sugiere una demografía Colombiana.

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Subachoque Museo de Arte del Banco de la República 

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Es de reconocer el aliento que de sobra tenía Marco Ospina Colombia artista nacido en 1912 en Bogotá, se aventuró a explorar las obras abstractas, más o menos cuarenta años después de la primera manifestación de este tipo de arte en Lituania con Kandinsky, dando pasos agigantados frente a la universalidad. Da a Colombia un paso en su identidad aportando una nueva mirada al arte desde otra perspectiva, el artista se dibuja como abstracto en los cuales los lugares paisajísticos tuvieron espacio en ellas, como lo son las obras 'La aurora en Barrocolorado' de 1950  y 'Capricho vegetal' las cuales hacen referencia a los cerros bogotanos y al final de sus días se dedica explícitamente a los paisajes jugando con formas y figuras igual abstractas. por lo cual el territorio geográfico se ve marcado en su trabajo artístico todo el tiempo.

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Terrazas de Ever Astudillo:

Terrazas es un dibujo creado por Ever Astudillo que forma parte de la colección del Banco de la República. En esta obra, Astudillo muestra su habilidad para retratar la vida en la ciudad y las realidades sociales de Colombia. Utiliza el blanco y negro para crear un estilo único que refleja momentos de la vida en un barrio típico latinoamericano. La obra invita a reflexionar sobre la condición humana y el destino a través de una atmósfera misteriosa. Astudillo, conocido por su contribución al arte colombiano, se destacó por su obra en la abstracción geométrica, inspirándose en la arquitectura, la música y las matemáticas.

La obra de Ever Astudillo está fuertemente ligada al paisaje urbano de Cali, Colombia. Sus dibujos, que se caracterizan por su atmósfera misteriosa y su técnica en blanco y negro, muestran momentos de la vida en un barrio que podría ser parte de cualquier ciudad latinoamericana. En Terrazas, Astudillo captura la arquitectura y elementos vitales de la ciudad, lo que refleja la memoria urbana y la identidad cultural del lugar.

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Beyond the Horizon de Saúl Balagura:

La obra "Más Allá del Horizonte" de Saúl Balagura es un monotipo en color exhibido en 2021. Aunque no se detalla su contenido visual, su título sugiere una exploración de lo invisible, invitando al espectador a considerar posibilidades más allá de la realidad inmediata. Balagura, conocido por su expresionismo, captura emociones profundas y reflexiones filosóficas en sus obras. Sus pinturas y poemas exploran la condición humana y la historia, utilizando una paleta de colores vibrantes y una técnica variada. Más Allá del Horizonte invita a mirar más allá de lo visible hacia significados y comprensiones más profundas.

El territorio las obras de Balagura suelen abordar temas universales que van más allá de un lugar particular. Sin embargo, su experiencia como colombiano en el extranjero podría haber enriquecido su perspectiva y reflejarse en la manera en que explora conceptos como el horizonte y lo que está más allá de lo visible.

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El Beso (Primavera) de Julio Abril:

El Beso es una escultura creada por Julio Abril que destaca por su representación de la ternura y la belleza humana. En esta obra, Abril captura la conexión y el amor entre dos figuras, reflejando su habilidad para capturar la esencia de la cultura colombiana, especialmente los temas autóctonos y la vida rural. La escultura es una expresión notable de la sensibilidad artística de Abril, quien también se destacó como dibujante y pintor en su búsqueda por reflejar la vida y la cultura de su región natal, el departamento de Santander.

El territorio influyeron directamente en El Beso (Primavera), siendo Julio Abril un artista colombiano, es probable que su conexión con la cultura y el entorno natural de Colombia se refleje en la ternura y la belleza humanas que representa en esta escultura.

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Retrato póstumo de Simón Bolívar de Ricardo Acevedo Bernal:

El Retrato póstumo de Simón Bolívar es una pintura icónica creada por Ricardo Acevedo Bernal, conocido por su habilidad para retratar figuras históricas. En esta obra, Acevedo Bernal utiliza la luz natural y fondos iluminados para representar a Bolívar de manera más vívida y cercana. El retrato ofrece una visión humana del Libertador y es una de las obras más famosas de Acevedo Bernal, quien también se destacó como fotógrafo y músico. Además de su contribución al arte colombiano, Acevedo Bernal fue uno de los fundadores y directivos de importantes instituciones artísticas en Colombia.

Ricardo Acevedo Bernal, siendo de Bogotá, Colombia, captura la esencia de figuras históricas. Aunque su obra "Retrato póstumo de Simón Bolívar" no muestra directamente el paisaje o el territorio, su técnica y estilo podrían haber sido influenciados por su educación y su entorno cultural en Colombia, además, la representación de Bolívar puede estar imbuida de la identidad nacional y el respeto por el patrimonio histórico de la nación.

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"Bordes de luz" 1999, Carlos Jacanamijoy (150 X 170) cm. óleo sobre lienzo

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Originario del Putumayo, específicamente del valle del Sibundoy, de lengua Quechua del Pueblo indígena Inga, con un fuerte arraigo territorial y de sabiduría ancestral, que valora y hace visible ese paisaje cultural y material en su trabajo colorido y de gran potencia, inspirado en sus rituales místicos iniciados con la Ayahuasca, en cuya experiencia sensorial se exaltan los atributos y cualidades de la naturaleza en cuanto a lo mágico y trascendental.

En su obra logra capturar los elementos del entorno de manera poética, creando un diálogo con esa realidad del paisaje y transformándolo en un vínculo metafísico y estético. Manifestación de su experiencia natalicia, que lo llena de fuerza expresiva integrada con el territorio y las emociones más profundas para una mágica recreación paisajística.

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"Camino" 1999 , Carlos Jacanamojoy, óleo sobre lienzo, (92 x 82) cm.

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Inspirado en sus rituales místicos iniciados con la Ayahuasca.

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"Juegos de la Creciente" 1999, óleo sobre lienzo, Carlos Jacanamijoy

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En su obra logra capturar los elementos del entorno de manera poética

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"Muro abriéndose" 1978, Ed. Colseguros, Metal pintado (22,0 X 8,0 X 0,8) mt.

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La base de su formación académica fue en la arquitectura, con la que obtuvo su mas profundo entendimiento de las relaciones del hombre y el espacio que lo circunda

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"Catedral Policromada" 1980, Metal pintado, (180 X 362 X 143) cm.

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“Insecto amarillo”, “Catedral policromada”, “Horizonte verde azul”, “Rio selva”, “Serpiente precolombina” son algunos de sus títulos que dan cuenta de sus vínculos directos con el paisaje con el que establecía diálogos geométricos, reinterpretando los elementos en lecturas espaciales y poéticas

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"El Dorado" 1958 (750 X 3500 X 12) cm. Relieve en madera con laminilla de oro. Antigua sede banco de Bogotá

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En su gran obra “El dorado” hace gala de todo el lenguaje precolombino y colonial con gran influencia de la orfebrería autóctona, presentando alegorías de pectorales, narigueras y pendientes.

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"Doble Cascada" 1988, aluminio pintado, (115 X 50 X 50) cm.

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Su origen es El Cauca, que le permite hacer un entendimiento muy cercano por su convivencia con los más representativos vestigios arqueológicos como Tierradentro y otros, que le integraron en sus lenguajes, la consciencia de la cerámica precolombina, la estatuaria y los petroglifos, los cuales se hacen presentes en diferentes series de su trabajo, como “Tótems”, “Templos” y “Acoplamientos”; en esta última por ejemplo hace referencia directa al establecimiento de los límites y las fronteras que fungen como transiciones formales de sus ensambles.

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"Cascadas y anudamientos" 1989, Aluminio pintado, (120 X 150 X 90) cm.

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Las formas geométricas se remiten a una lectura microscópica de las estructuras orgánicas que lo vinculan directamente con la biología de su entorno y de esa manera decodifica núcleos, pétalos, flores y ramas. También los cóndores son importantes protagonistas de su trabajo.

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"Homenaje al Maíz" 1996, Sonsón Antioquia, Aluminio pintado, 

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Los Incas, La agricultura, los ciclos del agua y la simbología precolombina hacen gala de su profunda lectura del contexto, con el que entabla sus diálogos creativos y abstractos que describen nuestro paisaje.

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"Bazurto con olla y mandarinas" 1999, óleo sobre lienzo, (125 X 250) cm.

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Su origen es de la alta sociedad bogotana, pero su sensibilidad plástica la llevó a crear grandes vínculos fraternos con las culturas negras de nuestro caribe, concretamente con el pueblo Cimarrón de Palenque de san basilio, establecido en las llanuras del Canal del Dique, como escape de la esclavitud.

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"Universo de Zenit" 1997, óleo sobre lienzo, ( 120 X 240) cm.

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Su tema central es la exaltación de las negritudes femeninas mayormente, a través de las cuales hace una lectura profunda de esa realidad negra de carencias y vulneraciones, manifiestas en una celebración de colores que busca recrear el paisaje tropical.

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"Porcelana de Zenit" 1997, óleo sobre lienzo, (125 X 250) cm.

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Enriquecido por los frutos, las telas y los rituales, configura su obra de cercanía con el mar y las llanuras del departamento de Bolívar, incluyendo en su narración pictórica las maravillosas imágenes de la Cartagena de Indias como broche de oro de su argumento plástico.

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Pedro Nel Gómez

(Anorí, Antioquia, 1899 - Medellín, Antioquia, 1984)

El barequeo. 1936.

Mural.

Con esta obra de 2,70 por 3,40 metros, Pedro Nel seguía de cerca sus ambiciones artísticas y sus convicciones políticas, inspirado por el muralismo mexicano, Gómez puso este mural en la oficina del entonces alcalde en el Palacio Municipal de Medellín en donde exponía su preocupación por el quehacer de los mineros a la orilla del río, centrándose particularmente en ellos y usando ese paisaje para ambientar y contextualizar la escena y las condiciones de trabajo con que tienen que lidiar estos obreros en el campo.

Hoy podríamos interpretar a “el barequeo” como una señal de predicción del desastre ambiental que en nuestro país sería la minería, pero Pedro Nel centra su atención en las duras condiciones del trabajo de los personajes de su obra, de la precariedad de su cotidianidad y la adversidad que tienen que soportar en este ambiente que parece hostil.

Gómez tiene a bien usar ese paisaje no solo como testimonio de un conflicto que a él le parecía justo y necesario abordar, sino también como una iniciativa que da cuenta de su activismo político en pro de los trabajadores y la mejora de las condiciones laborales para ellos, que también es un recurso que usa en el emplazamiento de su obra en el que es hoy el Museo de Antioquia.

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Débora Arango Pérez

Medellín, 1907 – Envigado, 2005

El tren de la muerte (1948)

Acuarela 96 x 126 cm

Débora Arango con su inmenso sentido de identidad nacional y arraigo por su tierra, se preocupó por cuestiones que ocurrían en su nación en épocas conocidas como “La Violencia”, que en las décadas del 40 al 60 azotaron a todo el país, particularmente el 9 de abril de 1948 un evento marcó el curso de nuestra historia como nación: el Bogotazo. Después de este evento, Arango viaja a Puerto Berrío (Antioquia) y ahí presencia la captura de 700 liberales llevados en tren hasta Medellín en pésimas condiciones. Esta es una de las posibles inspiraciones de la obra, la otra posible inspiración es la masacre de las bananeras, un hito en la historia de Colombia, ocurrido en la estación del tren de Ciénaga (Magdalena) en 1928 y que terminó con la vida de más de 3000 personas trabajadoras de la United Fruit Company que pedían mejores condiciones laborales en su movimiento sindical.

Considerado lo anterior, es evidente el compromiso social y el enlace directo que tiene la obra de Arango con el territorio, su vinculación explícita con el carácter de denuncia en sus expresiones pictóricas que involucran a su nación y a los sucesos políticos y sociales con los que se comprometió con convicción durante la época de su producción artística.

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Eladio Vélez

Itagüí 1897- Medellín 1967

Paisaje,1953

Óleo

57.5 x 46.5 cm

Con esta pintura, me remito a la literalidad del nombre de su obra para explicar justamente la relación que este artista tenía con el territorio: su interés no era retratar lo social, su interés no era un compromiso político, no quería establecer un vínculo que perdurara en el tiempo con ínfulas de denuncia o apoyo a sectores humanos de su época. Vélez centra su acción, paradójicamente, en ausencia de ella, teniendo en cuenta que no decir nada en la época en que pintó este cuadro también se considera una postura política, un artista que solo se preocupó por su producción y no por los problemas que como país estaba atravesando Colombia y toda su población.

Con esta obra de 1953, plena época de La Violencia en nuestra convulsionada nación, Eladio decide centrarse en el paisaje y la tranquilidad de una zona del campo en donde idílicamente no pasa nada de lo que en la vida real está sucediendo, irónicamente, al no sentar una posición crítica respecto de lo que acontece en sus tiempos, también está tomando una postura política y siendo así, usa ese paisaje como instrumento de evasión de la realidad: un campo verde con casas campesinas en sus montañas que evocan tranquilidad y un ideal de vida que invita a centrarnos en la belleza y en la naturaleza en lugar de la complejidad humana.

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Astrid Liliana Angulo Cortés

1974 (Bogotana)

Obra: Quieto pelo

Serie fotográfica

Lugar de ejecución: Quibdó, malecón del río Atrato.

La obra de Liliana Angulo está estrechamente ligada al territorio, como mujer afrocolombiana está muy consciente de que sus raíces la jalonan contundentemente a volcarse en ese universo que significa ser mujer negra y lo que significa el simbolismo de las trenzas y el peinado en su negritud, que se entrelaza con el territorio que en otrora sus ancestros habitaron.

Se dice que las trenzas alguna vez fueron usadas como mecanismo de comunicación y ubicación de los grupos de esclavos que huían de aquellos lugares en donde estaban cautivos, las mujeres usaban las trenzas para trazar una suerte de mapas que le servían a sus seres cercanos a encontrar un mejor lugar para habitar, entrelazando el peinado con el territorio de manera tangible y es lo que muestra Angulo en su trabajo fotográfico.

Ese simbolismo también se traslada al lugar de ejecución de la obra, puesto que la artista elige justo al malecón de Quibdó para hacer la jornada en que muchas personas se reunirían a realizar peinados de manera libre, peinados que evidentemente serían en personas afrodescendientes y que Angulo retrataría para dejar testimonio de estas prácticas identitarias, en la ciudad en que 87.5% de las personas son negras, la artista pone en el centro de su práctica la importancia de la pertenencia a este grupo étnico, una de las tres grandes raíces de la que está forjada nuestro país.

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Fernando Botero

Fernando Botero, conocido por su estilo distintivo y su representación exuberante de la figura humana y los objetos, también ha dejado una marca significativa en la interpretación del territorio colombiano. A través de sus pinturas y esculturas, Botero retrata un territorio vibrante y lleno de vida, donde las formas adquieren una exageración característica que resalta la riqueza y la vitalidad del entorno.

Fernando Botero - "La Muerte de Pablo Escobar" (1999)

En "La Muerte de Pablo Escobar", Botero concibió el territorio como un escenario donde se desarrollan eventos históricos y políticos significativos para Colombia. La obra representa la muerte del narcotraficante Pablo Escobar en un barrio de Medellín, mostrando la interacción entre el crimen organizado y la sociedad colombiana. A lo largo de su carrera, Botero ha mantenido una visión constante y reconocible del territorio colombiano, caracterizada por una representación exuberante y colorida de la vida y la cultura. En "La Muerte de Pablo Escobar" y en la obra de Botero en general, el territorio adquiere un sentido de narrativa histórica y cultural, donde los eventos y las figuras emblemáticas se convierten en símbolos de la identidad nacional.

Museo: Herning Museum of Contemporary Art, Herning (Dinamarca)

Técnica: Óleo (58 x 38 cm.)

Escrito por: Esteban Iborio

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José Alejandro Restrepo

"Musa Paradisiaca"

José Alejandro Restrepo, pionero en el uso del videoarte y las nuevas tecnologías en Colombia, ha explorado de manera innovadora la relación entre el territorio y la identidad en su obra. A través de instalaciones multimedia y obras interactivas, Restrepo reflexiona sobre la transformación del territorio urbano y rural, así como sobre las complejas dinámicas sociales y políticas que lo configuran.

José Alejandro Restrepo concibió el territorio como un espacio marcado por la historia y las dinámicas sociales y políticas, particularmente en relación con el cultivo del banano en Colombia. La instalación "Musa Paradisiaca" se inspira en la presencia omnipresente de la planta de banano en la realidad nacional, desde su exotización en el imaginario colectivo hasta sus repercusiones sociales y políticas, incluyendo la violencia ejercida por multinacionales en las zonas bananeras. A lo largo del tiempo, la concepción del territorio en la instalación "Musa Paradisiaca" ha evolucionado para incluir una reflexión más profunda sobre las implicaciones sociales, políticas y económicas del monocultivo del banano en Colombia. el territorio adquiere un sentido de memoria y resistencia, donde las imágenes y los sonidos evocan las complejidades de la historia colombiana y su relación con el cultivo del banano. La obra no solo registra el protagonismo de la planta de banano en la realidad nacional, sino que también invita al espectador a reflexionar sobre las implicaciones sociales, políticas y económicas del monocultivo y la violencia asociada con esta industria.

ARTISTA

Jose Alejandro Restrepo

TÍTULO

Musa Paradisiaca

AÑO

1996

PAÍS DE ORIGEN DEL ARTISTA

Colombia

DIMENSIONES

Variables

TÉCNICA

Instalación de racimos de plátano con flor, monitores. sonido y videos

Ubicación

Ciénaga, Magdalena, Colombia

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Beatriz González

La obra "Empalizada" de Beatriz González fue realizada en el año 2001, lo cual refuerza su relevancia histórica y su impacto en la representación del territorio colombiano en el arte contemporáneo.

Beatriz González concibió el territorio como un espacio de encierro y opresión, donde las estructuras de poder y las dinámicas sociales se manifiestan de manera violenta y despiadada. El hecho de que esta obra pertenezca al género de la pintura figurativa y al estilo del Arte Pop es significativo para comprender cómo González aborda el tema de la violencia y la opresión en Colombia. El Arte Pop se caracteriza por su uso de imágenes y símbolos populares, a menudo para hacer una crítica social o política. En el caso de "Empalizada", es probable que González utilice este estilo para hacer una declaración impactante y accesible sobre un tema tan serio como la violencia y la represión en la sociedad colombiana.

Titulo original: Empalizada Fecha: 2001 Estilo: Arte Pop Género: pintura figurativa Dimensiónes: 120 x 205 cm

Ubicación

Bogotá, Colombia

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Doris Salcedo

Doris Salcedo, reconocida internacionalmente por sus obras cargadas de memoria y testimonio, establece una profunda relación entre su arte y el territorio colombiano. Su trabajo, marcado por la denuncia de la violencia y el dolor social, se enraíza en la historia y las experiencias de comunidades marginadas y afectadas por el conflicto armado.

Doris Salcedo - "Shibboleth" (2007)

*Doris Salcedo concibió el territorio en "Shibboleth" como un espacio marcado por las divisiones y las heridas invisibles causadas por el conflicto y la exclusión social. La obra consiste en una grieta que atraviesa el suelo de la Tate Modern de Londres, simbolizando las fracturas sociales y políticas presentes en la sociedad contemporánea. A lo largo del tiempo, la concepción del territorio en la obra de Salcedo ha evolucionado hacia una exploración más profunda de la memoria colectiva y las huellas dejadas por la violencia y el sufrimiento. Si bien "Shibboleth" es una de sus obras más conocidas en este sentido, Salcedo ha continuado utilizando el espacio y los objetos como medio para reflexionar sobre la historia y la identidad del territorio colombiano. El sentido del territorio en "Shibboleth" y en la obra de Salcedo en general es el de revelar las heridas y las cicatrices invisibles que marcan el espacio y la sociedad.

Museo: Tate Modern, Londres (Reino Unido)

167 metros de largo.