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Art-o-rama 2025 : Interview sissi club « Notre modèle s’est construit par nécessité. » - FOMO VOX

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Marion Ellena Soleil rouge (2025) courtesy de l’artiste, sissi club Structure incontournable de l’écosystème marseillais, sissi club entretient des liens fertiles avec art-o-rama et propose un duo show d’Amalia Laurent et Marion Ellena à l’occasion de cette 19ème édition de la foire. De plus, dans un esprit de perpétuelle innovation, sissi club invente un nouveau mode de diffusion et de soutien […]

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La créolisation en acte qui s'exerce dans le ventre de la plantation - l'univers le plus inique, le plus sinistre qui soit - se fait quand même, elle laisse l' " être " battre d'une seule aile. Parce que l' " être " est déstabilisé par la diminution qu'il porte en soi et qu'il affecte lui-même de considérer comme telle, diminution qui est par exemple celle de sa valeur proprement africaine. Ceci se passe aussi aux Antilles et dans la Caraïbe pour d'autres constituants. L'élément hindou entre autres quand, après 1848, les pays de la Caraïbe sont partiellement peuplés de ces migrants hindous à qui on a fait croire qu'ils y trouveraient du travail et qui ont été purement et simplement traités comme des esclaves. Il y a eu, là aussi, une déconsidération des valeurs venues de l'Inde et il a fallu longtemps pour qu'on reconnaisse, aujourd'hui, que les populations de descendance hindoue sont une part importante du phénomène de créolisation dans la Caraïbe. A Trinidad, la descendance indoue et la descendance africaine se partagent à peu de choses près le peuplement de l'île.

La créolisation exige que les éléments hétérogènes mis en relation " s'intervalorisent ", c'est-à-dire qu'il n'y ait pas de dégradation ou de diminution de l'être, soit de l'intérieur, soit de l'extérieur, dans ce contact et dans ce mélange. Et pourquoi la créolisation et pas le métissage ? Parce que la créolisation est imprévisible alors que l'on pourrait calculer les effets d'un métissage. On peut calculer les effets d'un métissage de plantes par boutures ou d'animaux par croisements, on peut calculer que des pois rouges et des pois blancs mélangés par greffe vous donneront à telle génération ceci, à telle génération cela. Mais la créolisation, c'est le métissage avec une valeur ajoutée qui est l'imprévisibilité. De même est-il absolument imprévisible que les pensées de la trace inclinent des populations dans les Amériques à la création de langues ou de formes d'art tellement inédites. La créolisation régit l'imprévisible par rapport au métissage ; elle crée dans les Amériques des microclimats culturels et linguistiques absolument inattendus, des endroits où les répercussions des langues les unes sur les autres ou des cultures les unes sur les autres sont abruptes.

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La créolisation en acte qui s'exerce dans le ventre de la plantation - l'univers le plus inique, le plus sinistre qui soit - se fait quand même, elle laisse l' " être " battre d'une seule aile.

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ALPHABETA SIGMA (Side A) - Palais de Tokyo

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The two-part exhibition “ALPHABETA SIGMA” explores the work of American artist RAMMELLZEE (1960-2010) through the substances that shaped it.

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Un mème (de l'anglais ; calqué sur gène et à ne pas confondre avec le français même) est un culturel reconnaissable, répliqué et transmis par l' imitation du comportement d'un individu par d'autres individus. L'Oxford English Dictionary définit le comme " un élément d'une culture (prise ici au sens de civilisation) pouvant être considéré comme transmis par des moyens non génétiques, en particulier par l'imitation ".

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DATE LIMITE 11 SEPTEMBRE 2025

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Appel à candidature-6e édition (2025) FR

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Stage auprès de la présidence du Palais de Tokyo, Palais de Tokyo SASU, Paris 16e - ProfilCulture

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Dans ce cadre, le Palais de Tokyo recrute un stagiaire en appui de la coordination des relations publiques de la Présidence. Au titre de ses missions,

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View Masaomi Yasunaga's artworks on artnet. Find an in-depth biography, exhibitions, original artworks for sale, the latest news, and sold auction prices. Learn about the artist and see available works for sale.

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Masaomi Yasunaga was a student of Satoru Hoshino, a coterie of the avant-garde ceramic group Sodeisha: a post-war (1940s – 1990s) movement that questioned th…

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École supérieure de formation aux métiers du digital

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Ynov est LA référence française des formations aux métiers du digital. Avec des formations dans les domaines des nouvelles technologies.

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L'errance et le rire, Un nouveau souffle de la littérature antillaise a été élaboré sous la direction de Ralph Ludwig, philologue allemand ayant beaucoup travaillé sur la linguistique et la littérature des Caraïbes. Dans une longue et érudite préface, ce dernier analyse l'enracinement et les dimensions de la narration antillaise moderne depuis la " parole de nuit"(1) - de cette nuit au cœur de laquelle sont nées " les réalités et les mythes du conteur et de l'esclave marron". Il y explore les origines et les multiples déclinaisons de l'errance et du rire ainsi que leur incidence sur "les formes et les structures de l'écriture littéraire", et montre comment une nouvelle génération d'auteurs, ouvrant de nouvelles perspectives esthétiques, " remet en question les appréhensions quant à l'écriture littéraire ainsi que certaines visions culturelles et idéologiques ".

La courte préface a, elle, été confiée à la jeune romancière Kaouther Adimi qui clôt cet ouvrage en évoquant l'humour caractéristique du peuple algérien, de la guerre d'indépendance au Hirak en passant par la décennie noire et le tremblement de terre d'Alger.

1) En référence à Écrire la "parole de nuit", ouvrage collectif qu'il a dirigé (La nouvelle littérature antillaise, 1994)

Si la préface est en elle-même un essai de près d'une trentaine de pages, auquel s'ajoutent dans la seconde partie( Penser l'errance et le rire) les courtes contributions de six des auteurs déjà sollicités dans la première, c'est bien la narration antillaise qui est mise en avant, et que l'on peut juger sur pièce, indépendamment des commentaires. Narrer l'errance et le rire réunit ainsi quatorze auteurs haïtiens, martiniquais ou guadeloupéens (certains ayant quelques accointances guyanaises), dont quatre femmes (2). On notera de plus que deux récits et un essai sont présentés en version bilingue (français/créole).

A cette thématique de l'errance et du rire s'associe de manière très prégnante celle de la mémoire collective, si lourde à porter. Notamment dans le récit Voix mêlées d'outre-monde et l'essai Rire et dérire en pays créole de Raphaël Confiant, ainsi que dans les essais Les bas fonds de la mémoire de Louis-Philippe D'Alembert (nous ramenant dans un " pays-temps perdu") ou Puisque nous sommes rire deGaël Octavia qui sonde ce rire de survivance et d'insolence (" prix de l'errance et de l'enfer ") acquis par l'expérience collective.

Quant au souvenir individuel empreint de la nostalgie de l'enfance et/ou du pays quitté, il inspire nombre de récits dont Lueur d'errance de Néhémy Pierre-Dahomey, ou Nouvelle cité - Errance en enfance de Michel Duplan.
https://pluton-magazine.com/2017/10/09/dossier-origines-de-fanm-poto-mitan-evolutions-limites/
Même si les femmes auteures sont minoritaires dans ce recueil, elles montrent bien, comme le constate Ralph Ludwig dans sa préface, que " le regard social féminin gagne (...) en prépondérance " dans cette nouvelle littérature.

Le rire prend ainsi souvent une dimension féministe inattendue chez Gaël Octavia et Gisèle Pinaud. Et j'ai ainsi retrouvé dans Le ladja des rieuses mélancoliques de la première,et découvert dans Gloria, les chemins-chiens, une attention soutenue à la femme antillaise et le désir de casser les clichés. On notera aussi l'essai de Mérine Céco, L'errance et les femmes : au cœur d'un oxymore qui éclaire la thématique de l'errance et du rire au prisme de la "matrifocalité" traditionnelle des sociétés créoles, s'attaquant au mythe du "potomitan" comme l'avait fait Gaël Octavia dans son premier romanLa fin de Mame Baby.

2) Des contributions de Mélissa Béralus (récit bilingue + essai bilingue), Mérine Céco (récit + essai), Raphaël Confiant (récit + essai), Louis-Philippe Dalembert, Jean D'Amérique, Miguel Duplan, Frankito (récit + essai), Gaël Octavia (récit + essai), Néhémy Pierre-Dahomey, Gisèle Pineau, Hector Poullet (récit bilingue), Christian Séranot, Lyonel Trouillot (récit + essai) et Gary Victor

(Sept pages sont par ailleurs consacrées à la présentation de chacun de ces auteurs, ainsi qu'aux deux préfaciers.)

Si aucun de ces petits récits n'est dénuée d'intérêt, il serait fastidieux de tous les évoquer et je me contenterais de mentionner ceux qui m'ont le plus marquée.

J'ai particulièrement apprécié Rire sous errancede Marine Céco qui imagine et met en scène avec humour, finesse et profondeur une rencontre parisienne entre Joséphine Baker et Aimé Césaire en 2013 (!), savourant sa manière de confronter les regards des Blancs et des "Nègres" sur cette sensuelle danseuse noire et sur le "nègre du tramway" du Cahier d'un retour au pays natal.

J'ai été emportée et touchée par l'élan et la beauté de l'écriture poétique de Raphaël Confiant, par " tout ce charroi de rêves anciens" des éperdus de la fuite qui se sont succédés sur la "drive"(3).

Et j'ai beaucoup ri avec La longue queue du lapin malicieux de Frankito, dont le narrateur raconte un conte traditionnel à une vieille Malgache impotente émerveillée tout en lui faisant traverser un boulevard à petit pas au grand dam des automobilistes impatients. Un texte suspendant le temps, où s'affrontent et se conjuguent, dans un subtil et hilarant décalage, modernité et tradition, réel et imaginaire. Son essai Au miroir du conte et des blagues analysant la spécificité du comique du conte antillais (notamment au travers de ses protagonistes Lapin et Zamba ou Ti-Jean l'Horizon) et son impact actuel vient de plus prolonger ce récit. Et ce bel hommage littéraire aux contes et conteurs de son pays rejoint celui que Néhémy Pierre-Dahomey adressa, dans son second roman, à ces "lodyanseurs" du XIXème siècle qui initièrent le passage de l'oralité à l'écriture, donnant naissance au roman haïtien.

Un riche et instructif recueil d'un prix très accessible qui donne un bon aperçu du " nouveau souffle de la littérature antillaise " : une littérature qui manifestement se porte extrêmement bien.

3) https://www.jstor.org/stable/41103956

L'Errance et le Rire, Un nouveau souffle de la littérature antillaise, sous la direction de Ralph Ludwig, Folio, février 2022, 330 p.
A propos du coordinateur de l'ouvrage : http://www.fxgpariscaraibe.com/2022/03/l-errance-et-le-rie-un-ouvrage-collectif-de-litterature-des-antilles-chez-folio-essais.html EXTRAIT : Mérine Céco Rire sous errance
p.76/77

(...)

- Et nous autres Nègres, que voyons-nous ?

Je ne sais pas pourquoi j'insiste autant.
- Nombre des nôtres me jugent et me condamnent. Pour eux, je bestialise notre négritude, je me donne en spectacle devant les Blancs. Je me soumets à l'image qu'ils ont de nous, m'explique-t-elle avec beaucoup de calme.

De nouveau, le silence. Pesant.

Elle reprend :

- Ils ne comprennent pas que ma danse s'approprie les apparences, les fétiches, les clichés, pour mieux simuler un décalage, une absence. L'érotisme que j'affiche sans complexe dit l'errance de mon corps, sa spectralité. Ils ne comprennent pas. Ils ne voient que ces Blancs qui projettent sur mon corps leurs fantasmes coloniaux.
Puis elle enchaîne :

- Et leurs rires à tous, lâches et conquérants. Et mon rire qui se coule dans le mouvement de mon corps qui danse, dans mon corps qui fuit mais n'arrête pas de se mouvoir, de mon corps qui tournoie dans sa cage, corps en vadrouille qui fait de moi une négresse en errance, mais qui, pour eux, n'est qu'une négresse qui se dandine et rit sottement.

Et moi de murmurer en soupirant :

- Un peu comme mon nègre-pongo.

(...)
Raphaël Confiant Voix mêlées d'outre-monde
p.86/87

(...)

Tu les vois tous - le Caraïbe-Kalinago enfiévré de tabac, le Nègre-marron habité d'enrageaison salvatrice, l'indien-Coulie qui se faufile au diable-vauvert, le Chinois-marron assoiffé de parties de mah-jong, la Syrie-Liban qui ne veut plus jouer la comédie du colporteur affable et bavardeur, le Blanc-marron pétrifié - et chacun d'eux se prolonge en toi. Oui, Toi-Même ! Leur colère, entremêlée de l'insondable d'une détresse, te pétrit. Te modèle, te forge, te taraude, te brusque. Leurs voix ont défié le Temps. Leurs voix d'outre-monde !

Il est alors l'heure de t'échapper-descendre.
Est-ce miracle si tu retrouves ton chemin sans sourciller ? Si les branches extravagantes d'un pied-zamana te font comme inexplicable haie d'honneur ? Si crevasses, chausses-trappes, rideaux d'herbe-à-piquants, bêtes longues faussement assoupies, n'accorent plus ton balan. (...)
Frankito La longue queue du lapin malicieux
p.139/140

(...) Un malheur n'arrivant jamais seul, le hennissement d'un cheval s'éleva de l'autre bout de la savane. Le père Louwa, sur sa monture, approchait au petit trot accompagné du Compère Tigre, son redoutable lieutenant. Ils avaient aperçu Lapin qui, hélas, ne pouvait plus s'enfuir.

Lucienne ne se souciait plus de l'embouteillage que notre interminable traversée créait sur le boulevard. Le déchaînement des insultes et des avertisseurs avait repris lorsque le feu était redevenu vert. Un automobiliste était descendu de sa berline et nous priait, le poing serré, de dégager nos "gros culs" de sa route. Mais, insensible au capharnaüm ambiant autant qu'au credo des défenseurs de la cause animale - lesquels trouveraient sans doute ce conte abominable -, elle m'encourageait à poursuivre. Après avoir prié l'automobiliste de regagner sa "bagnole de merde" sous peine de recevoir mon pied dans sa sensibilité, je repris mon fabuleux récit.

(...)

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L'Errance et le Rire, sous la direction de Ralph Ludwig

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S'articulant sur la thématique intrinsèque au monde créole de l'errance et du rire, et mêlant avec bonheur petits essais et récits plus ou moins fictionnels, un intéressant recueil collectif consacré à la littérature antillaise contemporaine vient de sortir chez Gallimard dans sa collection Essais/Inédit.

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Centre Wallonie Bruxelles | Biennale NOVA_XX 2024 : Plurivers & Contingence

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Biennale NOVA_XX 2024 dédiée à l’intrication artistique, scientifique et technologique en mode féminin et non-binaire et à l’aune de la quatrième révolution industrielle avec A. Bouvier, Noudelmann, E. Denis, E. Medin, E. G.Chabanon, F. Formisano, F.d’Estienne d’Orves, G. H. Lopéz, N. Marques, L. Boostani, L. Fauroux, L.Charlier, Marylou, S.Dufour & C.Malrieux, S. Sandler, Y.Cheng & L.Cinti

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megalomelancholia - Pavillon Carré de Baudouin

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The art project “Art Like Salt”, organized by Taepyeong Salt Farm and hosted by Boggle Mansion, will present “Weight of a Breath”, a solo exhibition by Madhu Das, from November 28, 2024 to February 28, 2025.

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PRIX LE BAL / ADAGP DE LA JEUNE CRÉATION #6

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Cette année, LE BAL lance la 6e édition du Prix LE BAL / ADAGP de la Jeune Création, attribué tous les deux ans. Ce Prix est destiné aux photographes

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La rue Cases-Nègres : roman : Zobel, Joseph : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

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megalomelancholia - Pavillon Carré de Baudouin

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Join us in the Gray Area Gallery on February 12 for an opening reception and guided playthrough. In this Unreal Engine experience blending hyperrealistic visuals with unconventional mechanics, players embody a heroine exploring a dusk-lit beach. The Siren challenges traditional gameplay mechanics, questioning the meaning of actions, player motivations, and our relationship to digital worlds.

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Dans le sillage des Pensées de Pascal citées en exergue, Bleuets est un objet hybride quelque part entre l'essai, le récit, le poème. Deux cent quarante

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ARTENDA - We make art opportunities easy

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Clear overview of all international art opportunities: residencies, stipend, competitions, project grants, exhibitions, and public art projects.

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Scholarship | Japan Traffic Culture Association

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Through the International TAKIFUJI Art Award and the Takifuji Foundation, the Japan Traffic Culture Association foster potential in the younger generation. The former is the scholarship for the students who study in the universities of arts both in Japan and abroad, and the latter is for the students whose parents are working in the transportation’s related services.

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Apichatpong Weerasethakul - Des Lumières et des ombres

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Exceptionnelle par son ampleur, l’invitation que  le Centre Pompidou et le Festival d’Automne à Paris consacrent à Apichatpong Weerasethakul rassemble pour la première fois toutes les facettes de l’œuvre du maître thaïlandais.

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La BnF propose la première grande exposition consacrée à l'apocalypse. L'apocalypse ? Un mot obscur, qui fait peur, un mot qui parle de la fin du monde.

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Mohamed Bourouissa. « Généalogie de la violence » – Saint-Merry Hors-les-Murs

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Palais de Tokyo / Saint-Merry Hors-les Murs : l’art le plus contemporain mis en écho avec les réunions du carême 2024. Une vidéo bouleversante de Mohamed Bourouissa / le thème choisi « artisan de paix dans un monde de violence ». La chronique de Jean Deuzèmes.

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Die Werke von Precious Okoyomon bewegen sich zwischen Kunst, Poesie und Performance. Sie setzen sich mit Identität, Kolonialgeschichte, Spiritualität und der Beziehung der Menschen zu Dingen und der lebendigen Umwelt auseinander. Dabei verbinden sich intime persönliche Fragen mit politischen und gesellschaftlichen Themen.

Bereits vor der Pandemie wurde Okoyomon eingeladen - als jüngste*r Künstler*in in der Geschichte des Kunsthaus Bregenz, damals erst 27 Jahre alt. Einem breiten Publikum wurde Okoyomon durch Installationen bekannt, die organische Materialien wie Erde, Pflanzen und Tiere einbeziehen. Bei der Biennale in Venedig 2022 verwandelte Okoyomon eine Halle der Arsenale in ein üppiges, wucherndes Ökosystem. Ausladende Skulpturen, dicht wachsende Schlingpflanzen, geschwungene Pfade und kleine Wasserläufe in tropischer Atmosphäre schufen einen Erlebnisraum, der Prozesse der Natur mit afrofuturistischen Visionen verband - und zugleich die Migrationsgeschichte der Pflanzen sowie deren Verdrängung thematisierte.

Für das Kunsthaus Bregenz wurden mehrere neue Arbeiten entwickelt, die unterschiedliche Themen untersuchen. Im Erdgeschoss befinden sich zwei Büros, die an die psychoanalytische Praxis Carl Gustav Jungs erinnern. Möbel aus der Zeit um 1900 schaffen eine Atmosphäre, die zugleich vertraut und sachlich wirkt. „Existential Detectives" in verzierten Laborkitteln treten mit den Besucher*innen in Dialog und stellen Fragen zu Träumen, Erinnerungen und verborgenen Gefühlen. Fragebögen und Aquarellfarben laden Besucher*innen ein, mit ihren Bekenntnissen still zum Kunstwerk beizutragen. In einem Regal stehen Bücher zu Themen wie Liebe, Kochen, Philosophie und arabischer Poesie, aber auch Werke von Édouard Glissant, der in seiner Arbeit auf die schöpferischen Wechselwirkungen zwischen den Kulturen hinweist. Das Muster der Tapete zeigt Zeichnungen von Precious Okoyomon. Die hybriden Figuren mit ihren großen Köpfen, puppenhaften Körpern und flammenden Augen wirken sowohl verträumt als auch dämonisch. Sie regen dazu an, in die Tiefen der eigenen Psyche einzutauchen.

Die Stiegenhäuser des Kunsthaus Bregenz wurden für die Ausstellung von Precious Okoyomon verdunkelt. Eine zusätzlich eingezogene Decke verengt den Gang nach oben und schafft ein neues, erstickendes Raumgefühl.

Im ersten Obergeschoss hängen Plüschtiere an Schlingen von der Decke. Aus gebrauchten Kuscheltieren gefertigt und mit echten Federn versehen wirken sie wie Engel, kindliche, verspielte Wesen, die ein zerstörerisches Schicksal ereilt hat. Wie häufig in Okoyomons Werk geht es um Träume und Hybridität, Zerbrechlichkeit und Zuneigung, Sorge und Schmerz. Kuscheltiere beschützen Kinder, sie sind Gefährt*innen und Freund*innen, spenden Trost und dienen als Projektionsfläche kindlicher Fantasien.

Ein riesiger Teddybär im zweiten Obergeschoss liegt vergessen am Rand eines plüschigen rosa Teppichs. Seine tropfenförmigen Augen, die Herzen an den Pfoten und sein bekümmerter Blick regen dazu an, Momente der Selbstvergessenheit und Tagträume zu erleben. Die Installation wird begleitet von Musik der Soundkünstlerin Takiaya Reed, deren sphärische Klänge tranceartige Zustände fördern und den Übergang in die Welt der Wachträume begleiten - in jenen schwebenden Zustand zwischen Wachen und Schlaf, in dem sich die Gedanken auflösen und lebhafte innere Bilder entstehen.

Im obersten Geschoss des Kunsthaus Bregenz finden sich die Besucher*innen in einem abgeschlossenen Garten wieder. Neben verpuppten Raupen, die sich im Prozess der Metamorphose befinden, schwirren bereits geschlüpfte Schmetterlinge durch die Luft. Außerhalb des feuchtwarmen Habitats flimmert ein Film, der einen Flug über die Vorstädte in Okoyomons Heimatstaat Ohio zeigt. Er wurde für die Ausstellung im Kunsthaus Bregenz produziert, Okoyomon selbst steuert das Flugzeug und ruft laut eigene Gedichte in den Himmel. Die Bilder vermitteln ein Gefühl von Grenzenlosigkeit und Freiheit. Kennzeichnend ist die Vorstellung eines Ichs, das sowohl Dinge als auch das Leben in der Welt als spirituell angereicherte Quelle der Inspiration begreift. Die Besucher*innen sind gezwungen, hinter dem Netz zu bleiben - bei den Schmetterlingen.

Neben raumgreifenden Installationen hat sich Okoyomon durch Gedichte einen Namen gemacht, die oft in Performances eingebunden sind. Im zweiten Lyrikband But Did You Die?, der 2024 veröffentlicht wurde, versucht Okoyomon, sich den Kräften struktureller Gewalt, die uns umgeben, mit Lebendigkeit und Unfug zu widersetzen. Die Gedichte sind zart, ungeschönt und naiv - ebenso intim wie unbehaglich.

Precious Okoyomon (*1993, London) ist ein*e nigerianisch-amerikanische*r Dichter*in und Künstler*in. Okoyomon lebt und arbeitet in Brooklyn, New York. Einzelausstellungen wurden 2024 in der Fundación Sandretto Re Rebaudengo in Madrid ausgerichtet, 2021 im Aspen Art Museum und im Performance Space New York, 2020 im Museum für Moderne Kunst in Frankfurt und 2018 im Luma Westbau in Zürich. 2024 nahm Okoyomon an der 60. Biennale di Venezia teil, auf der Okoyomon den Nigerianischen Pavillon bespielte, sowie 2023 an der 11. Sequences Biennial in Reykjavík und der Thailand Biennale in Chiang Rai, 2022 an der 59. Biennale di Venezia und am Okayama Art Summit, 2021 am 58. October Salon der Belgrad Biennale und 2018 an der 13. Baltic Triennial in Tallinn. Darüber hinaus war Okoyomon 2024 an Gruppenausstellungen in der Fondation Beyeler in Basel, 2022 im LUMA Arles und 2021 im Palais de Tokyo in Paris beteiligt. 2019 realisierte Okoyomon Performances in den Serpentine Galleries und dem Institute of Contemporary Arts in London. Okoyomon erhielt 2021 den Frieze Artist Award sowie den Chanel Next Prize. Im September 2024 erschien Okoyomons Lyrikband But Did You Die?.

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Das Kunsthaus Bregenz (KUB) ist ein Ausstellungshaus für herausragende internationale zeitgenössische Kunst in einer Architektur von Peter Zumthor.

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ImageNet is an image database organized according to the WordNet hierarchy (currently only the nouns), in which each node of the hierarchy is depicted by hundreds and thousands of images. The project has been instrumental in advancing computer vision and deep learning research. The data is available for free to researchers for non-commercial use.

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ImageNet is an image database organized according to the WordNet hierarchy (currently only the nouns), in which each node of the hierarchy is depicted by hundreds and thousands of images. The project has been instrumental in advancing computer vision and deep learning research. The data is available for free to researchers for non-commercial use.

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PMMA optical fiber, LEDs, silicone, acrylic, epoxy, aluminum, stainless steel, steel, brass, motors and microcontrollers

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The largest festival of contemporary visual art in the UK. Taking place every two years across the city in public spaces, galleries and museums.

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Artists | MACHINE LOVE: Video Game, AI and Contemporary Art | Mori Art Museum

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The Museum mainly has modern art exhibitions in a variety of genres, including fashion, architecture, design, photography, and video.

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Source constante d’inspiration et d’expression pour les artisans, artistes ou designers, la céramique est l’une des plus anciennes formes d’expression artistique de l’humanité. En déroulant le fil historique mondial de la céramique, ce livre, telle une anthologie, révèle les multiples caractères (artistiques, esthétiques, utilitaires, techniques), de ce médium, qui n’a cessé de se réinventer, de bousculer les codes et les usages, à partir d’une « recette », proche de l’alchimie, qui a peu évolué au cours de l’histoire.C’est une histoire internationale de la céramique, comprenant des textes inédits, mais également essais fondateur sur le sujet, qui est ici proposée

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Il y a une dizaine d’années, l’artiste Natsuko Uchino, élevée à Paris dans une famille japonaise, [...]Lire la suite… from Pourquoi la céramique est-elle à la mode ? Réponse avec l’artiste Natsuko Uchino

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Nothing has changed, except that we do not only believe in virtuality, we live in it, and do so not because of sepulchers, but thanks to the constantly improving ease provided by technology.

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Nothing has changed, except that we do not only believe in virtuality, we live in it, and do so not because of sepulchers, but thanks to the constantly improving ease provided by technology.

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decentralized creative studio connecting URL to IRL

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We concentrate on the application of A.I and cutting-edge technologies to create unique artistic experiences. From production to distribution, we provide a comprehensive toolkit for creating, customizing, and sharing artistic experiences effortlessly.

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Yin Xiuzhen — AWARE Women artists / Femmes artistes

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Yin Xiuzhen is one of the most highly acclaimed artists of the contemporary Chinese art scene. A few years after graduating in 1989 from the Capital Normal University in Beijing – the city where she has always lived – she garnered international attention with her…

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Biennale de Venise 2019 : Plongée dans des temps incertains

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Confiée cette année au commissaire américain Ralph Rugoff, directeur de la Hayward Gallery de Londres, cette 58e édition dépeint un monde aux couleurs sombres, saturé d’informations contradictoires et voué aux annonces apocalyptiques.
« May You Live in Interesting Times », le titre choisi par Ralph Rugoff pour l’exposition principale de la biennale, se réfère à une expression prétendument traduite d’un proverbe chinois, prononcée en 1936 par un politicien britannique qui commentait la succession des crises s’abattant sur l’Europe aux prises avec la montée des nationalismes. Rappelant avec ironie que les périodes de désordre et de conflit présentent, du point de vue de l’Histoire, plus d’intérêt que les temps de prospérité et de paix, la formule trouve en ce début de XXIe siècle une résonance particulière. Ce ne sont pas les motifs d’inquiétude qui manquent, effectivement. Accélération du changement climatique, catastrophes écologiques à grande échelle, résurgence des nationalismes, replis communautaires, crises migratoires, manipulation de l’information… Transposés dans le monde de l’art, ces thèmes nourrissent abondamment les réflexions des artistes qui en donnent chacun leur interprétation particulière, mais c‘est aussi l’ambigüité de l’expression que Ralph Rugoff a voulu explorer avec eux, à l’heure où les réalités alternatives et les fake news envahissent les canaux d’informations et les réseaux sociaux. Articulant pour la première fois l’exposition de la biennale en deux propositions distinctes - Proposition A à l’Arsenale et Proposition B aux Giardini – le commissaire a demandé aux participants de concevoir une ou plusieurs œuvres pour chacune des deux parties, opérant sa sélection en fonction du potentiel des œuvres à offrir plusieurs niveaux de lecture possibles. Si l’idée de cette vision dédoublée est intéressante dans son principe, la démonstration n’en est cependant pas tout à fait convaincante, les artistes ne réussissant pas toujours à réaliser deux propositions d’intérêt équivalent. Mais elle permet au moins de concentrer l’attention sur les créateurs présents en faisant découvrir une palette élargie de leurs travaux. Contrairement à l’édition précédente conçue par Christine Macel - « Viva Arte Viva » - dans laquelle l’art des années 1960-70 tenait, avec des artistes âgés ou disparus, une part importante, cette biennale 2019 est bien ancrée dans son époque et la sélection de Ralph Rugoff ne comprend que des artistes vivants, dont un tiers sont nés dans les années 1980 - le plus jeune en 1990 – et dont le nombre se limite à 80 (parité H/F quasi égale), contre 120 en 2017. En marge de l’exposition principale sont également présentées les propositions des 90 pavillons nationaux - 30 aux Giardini, 25 à l’Arsenale, les 35 autres étant dispersés dans la ville. Compte tenu de cette profusion et de la présence de très nombreuses expositions collatérales, on ne peut pas espérer tout voir, sauf à y rester au moins deux semaines. Voici un bref résumé de ce que j’ai retenu des cinq journées passées là-bas.
Giardini
Avant même d’entrer dans le Pavillon central qui accueille l’exposition principale, on est enveloppé par la brume qui s’échappe de son toit comme pour déjà brouiller les pistes - un élément de l’installation de Lara Favaretto, Thinking Head, 2017-2019, qui se poursuit à l’intérieur. L’intention de l’artiste italienne est d’estomper les contours de l’édifice, envisagé ici comme la tête pensante de l’institution, en le rendant mystérieux et flou et en instillant le doute sur la solidité de l’autorité culturelle qu’il représente. [caption id=attachment_4572 align=alignnone width=840] Façade du Pavillon central avec l’installation Thinking Head de Lara Favaretto © Isabelle Henricot[/caption] La confusion des perceptions continue alors que l’on pénètre dans l’exposition par un couloir tapissé de tubes fluorescents émettant une lumière blanche tellement intense qu’il est difficile de distinguer quelque chose. Un « anéantissement des sens » que Ryoji Ikeda (Spectra III, 2008-2019) assimile à une expérience du sublime et qui équivaut à une immersion dans le noir, avec une sensation identique de perte de repères et d’effacement de l’espace.
Dans l’exposition, en revanche, il n’est plus question de lumière et c’est le noir qui prend le dessus. Obscurité, ténèbres et mort… Le monde va mal et les artistes s’en font le miroir sans faux-semblant, souvent très brutalement.
C’est le cas des Chinois Sun Yuan et Peng Yu avec Can’t Help Myself (2016). Dans une cage de verre, un énorme robot au bras muni d’une brosse tourne sans cesse sur lui-même, balayant inlassablement une mare de liquide rouge sang qu’il essaie de contenir et qui dégouline jusque sur les parois. La machine, à laquelle les artistes ont « appris » 32 mouvements différents, prend par moments les allures d’un animal secouant la tête ou se grattant, ce qui accentue encore le malaise du spectateur. [caption id=attachment_4252 align=alignnone width=840] Sun Yuan et Peng Yu, Can’t Help Myself, 2016 © Isabelle Henricot[/caption] Teresa Margolles, qui dénonce l’effroyable négligence des autorités mexicaines dans le traitement de la violence faite aux femmes, victimes notamment des réseaux de narcotrafic, a remonté un mur de parpaings surmonté de fil barbelé et criblé d’impacts de balles qui provient de Ciudad Juárez, ville frontalière rendue tristement célèbre pour le massacre et la disparition de milliers de femmes et de jeunes filles (Muro Ciudad Juárez, 2010). Le mur posé par l’artiste mexicaine fait figure de réplique face à celui que Trump veut ériger à la frontière de son pays. Teresa Margolles a reçu une mention spéciale du jury pour sa participation à la biennale. [caption id=attachment_4253 align=alignnone width=840] Teresa Margolles, Muro Ciudad Juárez, 2010 © Isabelle Henricot[/caption] On reste dans un registre très sombre avec L’Ange du foyer (Vierte Fassung) (2019), sculpture holographique de Cyprien Gaillard inspirée par la peinture éponyme de Max Ernst annonçant en 1937 les ravages du nazisme. Dans une danse endiablée, sa créature infernale se consume au milieu des flammes en ricanant, nous renvoyant insidieusement à notre propre capacité d’autodestruction. [caption id=attachment_4254 align=alignnone width=840] Cyprien Gaillard, L’Ange du foyer (Vierte Fassung), 2019 © Isabelle Henricot[/caption] La vidéo d’Arthur Jafa, The White Album (2018-2019), fait l’effet d’un coup de poing. L’artiste afro-américain, qui a reçu cette année le Lion d’Or du meilleur artiste, y a rassemblé des extraits de vidéos trouvées sur internet dans lesquelles des américains blancs se confient sur la question du racisme. On voit se succéder une série d’intervenants - dont l’ignoble suprématiste Dixon White - dans des monologues reflétant leurs peurs, leurs préjugés, leur haine. Entre ces séquences, Jafa a inséré des images en très gros plan de visages d’hommes et de femmes, qui figurent comme des témoins silencieux face à cette sordide logorrhée, tandis que des scènes parfois très drôles viennent faire diversion, à la manière de spots publicitaires faisant irruption dans un programme télévisé. À un moment, le film montre une scène apparemment banale, enregistrée par une caméra de surveillance, dans laquelle on voit un jeune homme arriver en voiture, puis entrer dans le bâtiment sur lequel se trouve la caméra, ressortir un peu après - sans que rien dans son comportement ne laisse suspecter quoi que ce soit d’anormal - et repartir tranquillement dans sa voiture. Ce n’est qu’en ayant lu après coup les commentaires sur le film qu’on apprend qu’il s’agit du terroriste suprématiste Dylann Roof, filmé par la caméra placée à l’entrée de l’église méthodiste africaine Emanuel à Charleston, à l’intérieur de laquelle il vient d’assassiner neuf personnes. L’impact des images est d’autant plus fort qu’elles sont livrées sans aucun commentaire, mettant le spectateur dans une position très inconfortable. À retenir également de l’exposition du pavillon central, les séries de peintures de l’américaine Nicole Eisenman et de l’uruguayenne Jill Mulleady, les sculptures de Jean-Luc Moulène, les collages en noir-et-blanc de la nigériane-norvégienne Frida Orupabo, et l’installation poétique Second Hand (2015- ) de l’ukrainienne Zhanna Kadyrova. [gallery size=large type=slideshow ids=4701,4256,4263,4264,4265]
Les pavillons nationaux des Giardini :
Le pavillon de la Belgique, situé près de l’entrée, présente « Mondo Cane » des flamands Jos De Gruyter et Harald Thys, critique grinçante ciblant une Europe sclérosée et arc-boutée sur son passé. Regroupés au centre du pavillon, des automates vieillots représentant les métiers traditionnels s’animent laborieusement en répétant mécaniquement les mêmes gestes, tandis que sur les côtés, derrière des grilles bien cadenassées, sont relégués tous ceux qui ne cadrent pas avec cette image d’Épinal et dont ils semblent devoir se protéger. Devant la multiplication des barrières qui entourent la pièce centrale, on finit par se demander de quel côté se trouve vraiment l’enfermement. Intellectuellement intéressante, et assez pertinente au vu des résultats des dernières élections en Flandre, l’exposition peine tout de même à entraîner l’adhésion, les personnages, de quelque côté qu’ils se trouvent, semblant incapables de susciter la moindre émotion ou empathie. Très critiqué pour son absence délibérée d’esthétisme et son autodérision affirmée, le pavillon belge est d’ailleurs loin d’avoir fait l’unanimité, mais le jury lui a tout de même accordé sa mention spéciale, équivalent du 2e prix, derrière le pavillon de la Lituanie. [gallery type=slideshow size=large ids=4266,4268,4269,4270] Le pavillon de la France, qui était l’un des favoris, n’a finalement pas été récompensé, ce que j’ai trouvé très regrettable car c’est de loin celui que j’ai préféré de tous ceux que j’ai pu visiter. Laure Prouvost y montre Deep See Blue Surrounding You / Vois Ce Bleu Profond Te Fondre (2019), installation autour d’une vidéo, dont le titre reflète la manière caractéristique de l’artiste de jouer sur les mots et leur traduction. Née dans le nord de la France, Laure Prouvost a passé son adolescence en Belgique puis a longtemps vécu à Londres - elle est d’ailleurs mariée à un Anglais – et est la seule Française à ce jour à avoir reçu le Turner Prize (en 2013). Elle réside aujourd’hui à Anvers. L’ambigüité née du langage et de ses interprétations est une thématique centrale dans son travail. La vidéo qu’elle présente, fidèle reflet de son humour et de sa fantaisie, est un pur moment de bonheur, racontant à la manière surréaliste et faussement candide qui la caractérise l’odyssée de son voyage vers Venise en compagnie d’une troupe bigarrée et attachante. L’accès au pavillon, habituellement prévu sous la colonnade de la façade, a été malicieusement détourné par l’artiste vers l’entrée de service située à l’arrière, contraignant les visiteurs à se frayer un passage au milieu des buissons qui bordent le bâtiment, jusqu’à une porte située au niveau inférieur. [caption id=attachment_4297 align=alignnone width=840] Accès au sous-sol du pavillon français © Isabelle Henricot[/caption] On entre donc par le sous-sol où, selon la rumeur qui circulait lors de l’ouverture de la biennale, Laure Prouvost aurait commencé à creuser un tunnel pour rejoindre le pavillon anglais, façon de contrer symboliquement le Brexit auquel la représentante de l’Angleterre est également farouchement opposée. Le tunnel est un motif récurrent chez Laure Prouvost, exprimant sa détermination à explorer les différentes couches de vérités souvent contradictoires qui composent la personnalité. Il constituait le point de départ de la vidéo Wantee qui lui a valu le Turner Prize. Arrivés au rez-de-chaussée, on découvre une vision assez triviale de ce qui semble représenter Venise : le sol recouvert d’une plaque de résine turquoise figurant la lagune est jonché de déchets divers (bouts de plastique, téléphones portables obsolètes, mégots de cigarettes, bouteilles vides, poissons morts… - fabriqués en verre de Murano) qui s’accumulent le long des murs et d’une barrière grillagée en forme de pointe dont le profil reproduit précisément celui de la Punta delle Dogana, haut-lieu vénitien de l’empire Pinault - il est étonnant que personne ne semble avoir relevé ce détail. S’ajoutent au décor un ou deux pigeons - un vrai et un faux le jour de ma visite - et même une salade (en verre) rappelant celles que l’artiste se plaît à raconter. [caption id=attachment_4283 align=alignnone width=840] Laure Prouvost, détail de l’installation dans le pavillon français © Isabelle Henricot[/caption] Dans la salle principale, où l’on s’enfonce dans un épais tapis de mousse au relief mouvementé, des sièges aux formes étranges accueillent les visiteurs. Les images de la vidéo défilent à toute vitesse emmenant le spectateur des terrils du Nord à la Méditerranée, en passant par une plaine de jeux de la banlieue parisienne, une chevauchée en pleine campagne, une séance de prestidigitation dans un café, une immersion nocturne dans le palais du Facteur Cheval, une pêche miraculeuse etc., le tout ponctué d’images quasi subliminales dans lesquelles on réussit à identifier Agnès Varda déguisée en patate, la flèche de Notre-Dame en train de s’effondrer, et des scènes un peu obsessionnelles chez la vidéaste, comme ces poissons mangeant des framboises. Un tourbillon qui, des calanques de Marseille quittées à la nage à l’escalade des marches du pavillon français par un poulpe - avatar favori de l’artiste -, entraîne finalement la joyeuse bande à son but. Vingt minutes jubilatoires qui ne m’ont pas fait regretter les deux heures passées dans la file d’attente. [gallery size=large type=slideshow ids=4284,4285,4287,4286,4288,4291,4292,4289,4290,4294,4293,4295,4296,4623] Toute autre ambiance pour l’exposition de Cathy Wilkes dans le pavillon de Grande-Bretagne, juste à côté. Sollicitée pour représenter le Royaume-Uni à la biennale, l’artiste née en Irlande du Nord et vivant aujourd’hui en Écosse s’est sentie très mal à l’aise en recevant cette invitation. Opposée au principe même de nation et de frontières qu’elle considère comme « une mauvaise idée pour tout le monde », elle a d’abord pensé décliner l’invitation mais a fini par l’accepter en concédant qu’en tant que pays, la Grande-Bretagne n’était sans doute « pas pire que n’importe quel autre ». Tant mieux, car l’exposition qu’elle a conçue est de celles qui méritent le détour. Le décor minimaliste et tout en subtilité qu’elle a créé dans le pavillon britannique est celui d’un intérieur domestique. Dans les pièces éclairées de lumière naturelle, les objets, les personnages et les gestes sont suggérés plutôt que réellement décrits. Dans la première pièce on voit une grande structure rectangulaire recouverte d’un tissu léger et transparent. Au-dessus et tout autour sont posés de maigres bouquets de fleurs ou de feuillages séchés, de tiges épineuses, qui font penser à des offrandes abandonnées. De part et d’autre se tiennent des enfants, représentés de façon assez schématique mais très suggestive avec leur ventre gonflé et leur visage rond posés sur un simple planche. [caption id=attachment_4271 align=alignnone width=840] Cathy Wilkes, Pavillon de Grande-Bretagne, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Dans une autre pièce, celle qui doit être la mère est représentée par un mannequin vêtu d’une robe verte se tenant sur de fines jambes de papier-mâché. Son visage est aussi inexpressif que celui des enfants, seuls deux points rouges surmontés de petits traits figurent les yeux et les sourcils. Sur sa robe sont collées des petites photos d’un enfant mangeant de la soupe. À distance, ses bras, détachés d’elle, saisissent un tas de chiffons traînant sur le sol, comme si les gestes mille fois répétés finissaient par prendre une existence matérielle. Derrière elle traîne un pied abandonné, peut-être l’empreinte laissée par une absence. [caption id=attachment_4272 align=alignnone width=840] Cathy Wilkes, Grande-Bretagne,Venise 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Dans la pièce voisine, au pied de ce qui s’apparente à une chaise haute, un enfant, réduit à la forme de son ventre, émerge d’une serviette. Juste à côté est posée une bassine de laquelle sort une main tenant un tampon à récurer. Sur le sol, on distingue encore la trace d’une tache rouge à moitié effacée. [caption id=attachment_4273 align=alignnone width=840] Cathy Wilkes, Pavillon britannique, Venise 2019 © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4274 align=alignnone width=840] Cathy Wilkes, Venise 2019, pavillon de Grande-Bretagne © Isabelle Henricot[/caption] Au fond du pavillon, des assiettes en porcelaine et des saladiers en cristal sont accrochés au mur, figés dans le temps comme les lambeaux de dentelle qui traînent sur une table en acajou à côté d’un petit enfant au corps formé d’un cône noir. [caption id=attachment_4275 align=alignnone width=840] Cathy Wilkes, Venise 2019, pavillon de Grande-Bretagne © Isabelle Henricot[/caption] Une atmosphère étouffante et un silence assourdissant règnent dans ce huis-clos. On suspecte un drame passé ou à venir. Ce qui ressemblait à une grande table dans la pièce de l’entrée prend dès lors des allures de tombeau sans que l’on sache précisément de qui les enfants commémorent ainsi l’absence. Cathy Wilkes réussit à traduire avec beaucoup de délicatesse et de sensibilité cet univers oppressant. On ne peut qu’approuver le choix du British Council pour sa participation. Dans le pavillon des États-Unis, Martin Puryear présente un ensemble assez dépouillé de sculptures de grand format, regroupé sous le titre « Liberty », thème cher à l’artiste afro-américain, qui poursuit depuis une cinquantaine d’années un travail fondé sur les questions de liberté, de justice morale et de responsabilité. Représenter son pays à la Biennale cette année est pour lui un acte citoyen autant qu’artistique. « Je crois que je suis un patriote », dit-il, « mais un américain qui a de sérieux doutes sur ce que signifie éthiquement être américain, surtout aujourd’hui ». Installée devant la façade du pavillon, sa sculpture monumentale Swallowed Sun (Monstrance and Volute) (2019) est constituée d’un large écran ajouré en entrelacs de bois clair, faisant référence à un jubé d’église, dont le motif reproduit la perspective aplatie d’un dôme surmonté d’un oculus ouvert en son sommet – évoquant à la fois l’architecture religieuse et le dôme du pavillon situé juste derrière. L’écran de bois est soutenu à l’arrière par un large tube métallique recouvert de tissu noir, enroulé sur lui-même, dont l’extrémité supérieure vient obturer l’ouverture de l’oculus. Abstraites en apparence, les sculptures de Puryear sont en réalité très chargées de références et de signification. Souvenirs de son éducation catholique, beaucoup de ses œuvres portent des noms empruntés au vocabulaire liturgique, comme c’est le cas ici - une monstrance étant à l’origine un objet destiné à l’exposition des reliques, le nom ayant ensuite désigné le réceptacle servant à exposer l’hostie consacrée (ostensoir). Swallowed Sun peut être compris comme une allégorie de la lutte entre la lumière et les ténèbres - la volute noire s’apparentant à un serpent ou un animal diabolique dont la gueule vient dévorer la lumière censée pénétrer depuis le ciel par l’oculus. Libre à chacun de l’interpréter comme il l’entend, mais dans ce contexte particulier, il est tentant d’y voir une métaphore de la dualité présente dans l’Amérique de Trump. [caption id=attachment_4276 align=alignnone width=840] Martin Puryear, Swallowed Sun (Monstrance and Volute), 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Pour construire le pavillon américain en 1930, considéré à l’époque comme une chapelle pour les arts et la culture, les architectes se sont inspiré de la résidence néo-classique de Thomas Jefferson en Virginie, Monticello. Sous la coupole située au centre du pavillon, qui reproduit en miniature celle de son modèle américain, Puryear a installé A Column for Sally Hemings (2019), hommage silencieux à cette esclave afro-américaine qui appartenait à Jefferson et à laquelle il a fait cinq enfants. Le profil de la colonne cannelée blanche qui constitue la base de la sculpture est déformé dans sa partie supérieure par le pieu métallique de couleur sombre qui y est enfoncé. La tête de celui-ci, garnie d’un anneau, suggère la forme d’un point levé, associant dans une même perspective la revendication d’une reconnaissance tardive pour Sally Hemings et le rappel de sa condition de captive. [caption id=attachment_4277 align=alignnone width=840] Martin Puryear, A Column for Sally Hemings, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Big Phrygian (2010-2014), le gigantesque bonnet phrygien qui occupe une des ailes du pavillon, est une autre allusion à l’esprit de rébellion qui caractérise certaines œuvres de Puryear. Mais là encore, le sens qu’on peut lui donner ne doit pas se limiter à cette seule interprétation et les formes organiques de la sculpture peuvent recouvrir d’autres symboles. [caption id=attachment_4278 align=alignnone width=840] Martin Puryear, Big Phrygian, 2010-2014 © Isabelle Henricot[/caption] Dans l’aile opposée, un énorme casque, réplique de grand format de ceux que portaient les soldats durant la guerre de sécession, en est en quelque sorte le pendant (Tabernacle, 2018). Un hublot ménagé dans le haut de la sculpture permet de découvrir à l’intérieur un canon prêt à tirer. La surface brillante du boulet qu’il contient renvoie le spectateur à sa propre image, rappelant que la situation politique qui divise aujourd’hui en deux camps les Américains n’est pas si éloignée de celle que connut le pays durant la guerre civile au XIXe siècle. Dans les églises catholiques, le tabernacle est le meuble dans lequel on range les hosties consacrées. Dans l’Ancien Testament, le mot désigne la hutte construite par Moïse pour abriter l’arche d’Alliance, supposée être la résidence provisoire de Dieu et à ce titre faire l’objet d’un culte - comme les armes peuvent le faire auprès d’une partie des américains aujourd’hui.
Le travail de Puryear offre un vaste champ de significations qui le rend particulièrement intéressant. [caption id=attachment_4279 align=alignnone width=840] Martin Puryear, Tabernacle, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] De l’autre côté du canal qui traverse les Giardini, il ne faut pas manquer le pavillon du Brésil, où Barbara Wagner et Benjamin de Burca présentent la vidéo Swinguerra, jeu de mots mêlant ‘swingueira’ - le nom d’une danse brésilienne - et ‘guerra’ - la guerre que mène le gouvernement de Bolsonaro contre les minorités et notamment les communautés LGBT. Ayant reçu l’invitation à représenter leur pays à Venise le jour même de l’élection du président, les deux artistes, qui s’intéressent à la culture populaire et en particulier à celle des populations marginales, ont choisi de mettre en scène les participants d’une compétition de danse dont les corps noirs et la non-conformité de genre s’opposent à la culture blanche et binaire que veut imposer l’actuel gouvernement. Le résultat est à la fois très drôle et très touchant. [caption id=attachment_4280 align=alignnone width=840] Barbara Wagner et Benjamin de Burca, Swinguerra, 2019, image de la vidéo © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4281 align=alignnone width=840] Pavillon du Brésil, Swinguerra, 2019, image de la vidéo © Isabelle Henricot[/caption] Avant de poursuivre vers l’Arsenal, il faut s’arrêter au pavillon du Danemark dans lequel Larissa Sansour, artiste palestinienne résidant à Londres, propose « Heirloom » [Héritage] (2019), combinant une vidéo - In vitro (2019) - projetée sur un double écran, avec une installation sculpturale - Monument for Lost Time (2019). Sous couvert d’un scénario de science-fiction évoquant un désastre écologique ayant contraint les survivants à se réfugier sous terre, Sansour oppose avec beaucoup de sensibilité, dans la vidéo où se mêlent des scènes tournées dans une sorte de bunker et de belles images d’une maison abandonnée dans Bethléem, la vision de deux générations de femmes sur les thèmes de la mémoire, de l’exil, de la nostalgie, de l’espoir. La grande sphère noire installée de l’autre côté du pavillon semble représenter le poids des souvenirs et le passé disparu dans une sorte de trou noir. [caption id=attachment_4282 align=alignnone width=840] Larissa Sansour, In Vitro, Heirloom, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Le pavillon du Venezuela situé juste en face, dont l’inauguration a été officiellement « retardée », était lors de l’ouverture de la biennale désespérément vide, victime de la crise politique qui agite le pays. [caption id=attachment_4583 align=alignnone width=840] Biennale de Venise 2019, Pavillon du Vénézuela, Giardini © Isabelle Henricot[/caption] Quelques photos des autre pavillons des Giardini : [gallery size=large type=slideshow ids=4626,4627,4628,4630,4632,4633,4634,4639,4640]
Arsenale
À l’entrée de l’Arsenal, qui abrite la seconde moitié de l’exposition, le grand tableau de George Condo, Double Elvis (2019), plante tout de suite le décor – ou plutôt l’envers du décor. Prenant le contrepied du double portrait qu’Andy Warhol avait réalisé en 1963 en hommage à l’icône du rock & roll, Condo abandonne l’image glamour du King auréolé de paillettes pour tracer en traits grossiers l’effigie de deux ivrognes aux cheveux ébouriffés, chancelant sur fond de larges éclaboussures argentées. On comprend en les voyant qu’il n’y aura pas de lendemains qui chantent. [caption id=attachment_4298 align=alignnone width=840] George Condo, Double Elvis, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Pas de quoi se réjouir non plus avec la vidéo de Christian Marclay, 48 War Movies (2019), dans laquelle le vidéaste américain a superposé sur un seul écran, comme des poupées russes, les images de 48 films de guerre dont on ne voit que la bordure extérieure et dont on entend toutes les bandes-son entremêlées dans une cacophonie difficilement supportable. Comme les films ont des durées différentes, la vidéo tourne en boucle sans jamais s’arrêter, laissant imaginer que les guerres non plus ne s’arrêteront jamais. [caption id=attachment_4299 align=alignnone width=840] Christian Marclay, 48 War Movies, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Les belles images nocturnes de la série Angst de Soham Gupta donnent un peu de répit. Le photographe indien y trace avec finesse et pudeur le portrait des populations les plus fragiles de Calcutta, figures fantomatiques saisies au cœur de la nuit. [gallery size=large type=slideshow ids=4300,4688,4689] Parsemés en plusieurs points du parcours, les immenses autoportraits de Zanele Muholi, formidable photographe sud-africaine et fervente activiste de la cause LGTB, à laquelle la fondation Luma avait consacré une très belle exposition il y a trois ans à Arles, irradient les salles de leur présence malgré leurs couleurs sombres. L’artiste retravaille les contrastes de ses photos pour rendre sa peau plus noire, jouant avec les stéréotypes de genre et de race auxquels elle confronte le regard du spectateur. [caption id=attachment_4301 align=alignnone width=840] Zanele Muholi, Phaphama, at Cassilhaus, North Carolina, 2016 - MaID III, Philadelphia, 2018 © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4302 align=alignnone width=840] Zanele Muholi, Sibusio, Cagliari, Sardinia, Italy, 2015 © Isabelle Henricot[/caption] L’installation For, in your tongue, I cannot fit (2017-2018) de l’Indienne Shilpa Gupta, est conçue comme une symphonie de voix relayant les textes d’une centaine de poètes emprisonnés au cours de l’Histoire pour leurs opinions ou leurs positions politiques, depuis le VIIe siècle jusqu’à nos jours. Cent micros suspendus au plafond dans la semi-obscurité diffusent les enregistrements des voix récitant ou chantant leurs vers, tandis que les textes imprimés sur des feuilles de papier sont piqués sur une centaine de pointes métalliques. Très belle mise en scène, avec malheureusement un peu trop de monde pour en apprécier toute la subtilité. [caption id=attachment_4585 align=alignnone width=840] Shilpa Goupta, For, in your tongue, I cannot fit, 2017-2018 © Isabelle Henricot[/caption] La Chinoise Yin Xiuzhen crée depuis une trentaine d’années des sculptures à base de matériaux recyclés, exprimant son rejet de la surconsommation et de la globalisation dans lesquelles la Chine s’est engouffrée depuis la fin des années 1980. Les vêtements usagés, qu’elle considère à la fois comme des secondes peaux chargées d’expériences de vie et comme les témoignages historiques d’une époque, constituent l’un de ses matériaux de prédilection. Avec Trojan (2016-2017), gigantesque sculpture plantée au milieu de l’allée principale représentant un passager replié dans son siège d‘avion comme pour un atterrissage forcé, l’artiste veut montrer que les excès de la société de consommation, et en ce compris la croissance exponentielle du trafic aérien et ses conséquences sur le climat et l’environnement, nous mènent droit dans le mur. Ouverte à l’arrière, la sculpture permet de s’y glisser, comme dans le cheval de Troie - nom également donné aujourd’hui aux programmes informatiques d’apparence inoffensive qui cachent dans leur contenu un autre programme malveillant. Une mise en garde contre les retombées invisibles et dangereuses de nos modes de vie. [caption id=attachment_4586 align=alignnone width=840] Yin Xiuzhen, Trojan, 2016-2017 © Isabelle Henricot[/caption] Pastichant les photos de Vogue et d’autres journaux de mode sur papier glacé, l’artiste américaine transgenre d’origine guatémaltèque Martine Gutierrez a créé un magazine intitulé Indigenous Woman, contenant des séries de photographies, de publicités de prestige et un éditorial en tous points comparables à ceux de ses modèles, à l’exception près qu’elle en est à la fois l’unique mannequin, la styliste, la photographe, la rédactrice et l’éditrice. Tous les autres personnages apparaissant dans ses photos sont des mannequins articulés dont on peut voir les jointures. Les tirages en grand format de la série Body En Thrall qu’on peut voir dans l’exposition explorent avec humour et talent les stéréotypes de représentation du genre, des relations intimes et des rapports de domination. [caption id=attachment_4587 align=alignnone width=840] Martine Guttierez, série Body En Thrall, p 120 from Indigenous Woman, 2018 © Isabelle Henricot[/caption] Otobong Nkanga, artiste nigériane vivant à Anvers, s’intéresse aux liens que le monde occidental a tissés avec l’Afrique dans le cadre de la commercialisation des matières premières et des marchandises, en y observant la manière dont toutes les actions sont interconnectées et se répercutent les unes sur les autres. L’impact que la colonisation a eu sur les ressources, les territoires, la culture et les identités africaines se traduit souvent dans son travail par le traçage d’une ligne qui se ramifie pour relier les gens, les évènements et les objets, à la manière d’un arbre généalogique. Elle parle du paysage comme d’un corps nourricier, accueillant les semences qui vont s’y développer et fournissant toutes les ressources dont la vie a besoin, mais un corps également marqué par les blessures et les cicatrices laissées par l’exploitation abusive de ses richesses, quand il ne montre pas des signes d’empoisonnement. La veine de marbre et de verre de 26 m de long qui traverse une des salles de l’Arsenal évoque une rivière dont les eaux sont troublées par la pollution chimique. Les matériaux qui la composent - marbre, sable (pour le verre) - sont extraits des entrailles de la terre. Veins Aligned (2018) est à la fois une métaphore de la colonisation et de la post-colonisation et le symbole du passage du temps dans lequel l’Histoire creuse continuellement en se construisant, finissant par s’effondrer sur elle-même avant de laisser place à quelque chose de nouveau. Otobong Nkanga a reçu, comme Teresa Margolles, une mention spéciale du jury pour son intervention dans l’exposition. [caption id=attachment_4304 align=alignnone width=840] Otobong Nkanga, Veins Aligned, 2018 © Isabelle Henricot[/caption] L’impressionnante installation déployée par la sculptrice allemande Alexandra Bircken fait penser à une vision de fin du monde (ESKALATION, 2016). Une quarantaine de silhouettes humaines, faites de toile enduite de caoutchouc noir, sont accrochées sur des échelles qui grimpent jusque sous le toit du bâtiment. Suspendues au-dessus du vide, elles ne sont plus que des dépouilles dont les derniers signes de vie paraissent s’être échappés durant leur ascension vers le ciel, laquelle ressemble beaucoup plus à une montée vers l’enfer que vers le paradis. [caption id=attachment_4307 align=alignnone width=840] Alexandra Bircken, ESKALATION, 2016 © Isabelle Henricot[/caption] Tarek Ataoui offre l’un des moments les plus poétiques de l’exposition avec son installation très originale associant sculpture et musique (The GROUND, 2017-2019). S’inspirant de pratiques musicales qu’il a observées en Chine, l’artiste et électroacousticien libanais a fabriqué d’étranges instruments qui relèvent tout autant des arts visuels que de la musique, comme cette platine sur laquelle tournent des disques en céramique de texture variée ou ce vase que vient caresser un balai de brindilles, produisant des sons étonnants et inédits. [caption id=attachment_4311 align=alignnone width=840] Tarek Atoui, The Ground, 2018 © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4312 align=alignnone width=840] Tarek Atoui, The Ground, 2018 © Isabelle Henricot[/caption] S’il y a une intervention qui a suscité la polémique dans cette biennale, c’est bien celle de Christoph Büchel avec Barca Nostra. L’artiste suisso-islandais, qui avait déjà fait parler de lui lors de la biennale 2015 pour avoir transformé une église désacralisée de Venise en mosquée - ce qui avait provoqué un scandale et suscité de vives protestations de la part des autorités religieuses de la ville - a cette fois entrepris d’exposer le bateau de pêche qui avait fait naufrage en avril 2015 au large des côtes libyennes, emportant avec lui entre 700 et 1000 réfugiés érythréens enfermés dans sa cale - environ 5 par m2 - dont seulement 28 avaient pu être sauvés. Le gouvernement italien avait alors pris la décision de renflouer l’épave - une opération qui avait coûté 9,5 millions d’euros – afin de retrouver l’identité des disparus et d’informer leurs familles. L’ex-premier ministre Mateo Renzi avait même projeté de l’emmener à Bruxelles pour confronter les institutions européennes à leur responsabilité. Repêché en juin 2016, le bateau a été acheminé en Sicile où l’enquête impliquant des centaines de personnes (militaires, pompiers, médecins, chercheurs, volontaires…) a commencé. Parallèlement, un comité s’est constitué pour fonder un mémorial à Augusta en Sicile, tandis qu’une université milanaise a recueilli des fonds pour transformer l’épave en Musée des Droits de l’Homme. Mais à ce jour, aucune de ces initiatives n’a encore abouti. Le bateau acheminé depuis Augusta est arrivé début mai à Venise où il a été déposé sur le quai jouxtant le bassin de l’Arsenal, sa coque trouée gisant là comme un baleine échouée. Si l’on ne peut que défendre l’idée d’avoir voulu mettre en lumière ce témoignage particulièrement tragique des drames qui se jouent chaque jour en Méditerranée, et cela précisément au moment où le gouvernement de Salvini vient d’interdire l’accès des ports italiens aux navires de sauvetage, on peut aussi s’interroger sur l’opportunité d’exposer un tel symbole dans le cadre d’une biennale d’art, d’autant qu’aucun tableau d’explication, aucune proposition de médiation n’ont été prévus pour l’accompagner et que son exposition juste à côté d’une terrasse, où le public s’attable pour déjeuner ou boire un verre sans la moindre considération pour sa présence si ce n’est la prise de quelques selfies, semble particulièrement choquante. Au moins aurait-on pu imaginer de lui trouver un endroit plus propice au recueillement. [caption id=attachment_4314 align=alignnone width=840] Christoph Büchel, Barca Nostra, 2018-2019 © Isabelle Henricot[/caption] Quelques images supplémentaires de l’exposition de l’Arsenal : [gallery size=large type=slideshow ids=4303,4601,4603,4604,4605,4606,4609,4354,4612,4614,4306,4620,4621,4308,4309,4310,4313,4315,4316]
Pavillons de l’Arsenale
Au moins trois des pavillons nationaux méritent une attention particulière.
Le pavillon du Luxembourg présente « Written by Water » (2013- ) de Marco Godinho. L’artiste luxembourgeois d’origine portugaise qui sonde les thèmes du voyage, du nomadisme, de la migration, s’est nourri des récits et légendes nés de la fascination des hommes pour la mer. Dans l’œuvre qu’il a conçue, c’est la mer elle-même qui se fait l’auteur du récit, façonnant les pages des centaines de carnets de voyage que l’artiste y a immergés avant de les rassembler ici les uns à côté des autres comme s’ils étaient encore ballotés par les vagues et le vent. Dans la vidéo qui accompagne l’installation, l’homme plongé dans la lecture de l’Odyssée d’Homère arrache une à une les pages du livre qui s’envolent au gré du vent, rejoignant parfois la mer toute proche dans laquelle elles viennent s’abîmer. Derrière ces images, on peut se représenter bien d’autres épopées dont la Méditerranée est aujourd’hui le théâtre, donnant au travail de Marco Godinho une résonance remarquable. [caption id=attachment_4317 align=alignnone width=840] Marco Godinho, Written by Water, Pavillon du Luxembourg © Isabelle Henricot[/caption] Madagascar inaugure sa participation à la biennale avec la très belle installation de Joël Andrianomearisoa, « I have forgotten the night » (2019), qui recrée la nostalgie et la mélancolie de la nuit dans une cascade de grands carrés de papier de soie noir tombant du plafond jusqu’au sol. Figurant les rêves nés dans l’obscurité de la nuit malgache, sur les rivages d’une île perdue au milieu de l’océan indien, ils évoquent aussi des ailleurs, des passions qui se consument, frémissant à chaque passage dans ce labyrinthe nocturne animé de chants, de battements de cœur, de bruits de ville… [caption id=attachment_4318 align=alignnone width=840] Joël Andrianomearisoa, I have forgotten the night, Pavillon de Madagascar, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] Le Ghana, également présent pour la première fois à la biennale, fait une entrée éblouissante avec un éventail d’artistes de premier plan, comme El Anatsui et ses merveilleuses tentures métalliques composées de capsules de bouteilles aplaties reliées de fil de cuivre, John Akomfrah avec un très beau film projeté sur trois écrans (Four Nocturnes, 2019), Lynette Yadom-Boakye et ses sensibles portraits peints qui font écho à ceux de la première femme photographe du Ghana Felicia Abban, ou encore Ibrahim Mahama et son installation A straight Line Through the Carcass of History (2016-2019). Pronostiqué favori, avec le pavillon français, pour l’obtention du Lion d’Or, il n’a pas obtenu la récompense qui a été décernée au pavillon lituanien. [caption id=attachment_4319 align=alignnone width=840] El Anatsui, Pavillon du Ghana © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4596 align=alignnone width=840] John Akomfrah, Four Nocturnes, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4597 align=alignnone width=840] John Akomfrah, Four Nocturnes, 2019, Pavillon du Ghana © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4598 align=alignnone width=840] Ibrahim Mahama, A Straight Line Through the Carcass of History, 2016-2019 © Isabelle Henricot[/caption] Encore quelques images avant de quitter l’Arsenal : Vues du pavillon de l’Italie : [gallery size=large type=slideshow ids=4320,4321,4322] Vue du pavillon de l’Arabie saoudite : [caption id=attachment_4323 align=alignnone width=840] Zahrah Alghamdi, After illusion, Pavillon de l’Arabie saoudite © Isabelle Henricot[/caption] Installation de Lorenzo Quinn de l’autre côté du bassin de l’Arsenal : [caption id=attachment_4324 align=alignnone width=840] Vue sur la sculpture Building Bridges de Lorenzo Quinn depuis l’Arsenal © Isabelle Henricot[/caption] [caption id=attachment_4325 align=alignnone width=840] Lorenzo Quinn, Building Bridges, 2019 © Isabelle Henricot[/caption] C’est avec « Sun & Sea (Marina) », un opéra-performance conçu par le trio d’artistes Lina Lapelyte, Vaiva Grainyte et Rugile Bardziukaite, que la Lituanie a emporté le Lion d’Or. Situé dans un ancien entrepôt militaire à proximité de l’Arsenal, le pavillon (que je n’ai malheureusement pas vu) abrite un décor de plage, sur laquelle des vacanciers installés sur leur serviette de bain vaquent à leurs occupations balnéaires, tandis qu’un désastre écologique fait intrusion, venant perturber la tranquille atmosphère de vacances.
N’ayant pas prévu de recevoir le prix et ne disposant pas du budget nécessaire pour assurer une performance quotidienne, la délégation lituanienne en propose maintenant deux sessions par semaine, les mercredis et samedis (Venezia, Castello 2738/C). En dehors de la Biennale, il y a un foisonnement d’expositions à découvrir à Venise cet été. Je n’en citerai ici que quelques-unes qui me semblent valoir la visite (parmi celles que j’ai pu voir).
Pour commencer par la Collection Pinault, le Palazzo Grassi accueille une grande rétrospective du peintre belge Luc Tuymans, « La Pelle [La Peau] ». Rassemblant plus de 80 toiles disposées de manière non chronologique sur les trois niveaux du palazzo, elle fait dialoguer entre elles les peintures diaphanes si caractéristiques de l’artiste. Puisant son inspiration dans des images souvent porteuses de violence - explicite ou non - tirées de l’actualité, de l’Histoire, du cinéma… qu’il laisse décanter en lui, il en restitue une interprétation diluée et floue qui en interroge le sens et la réalité. Plus intellectuelle que sensible ou esthétique, la peinture de Tuymans demande l’engagement du visiteur et il faut lire attentivement le livret distribué à l’entrée, qui commente longuement chaque tableau, pour saisir tout l’intérêt de son travail (Palazzo Grassi, San Samuele 3231, 30124 Venise, tous les jours sauf le mardi de 10h à 19h (dernière entrée à 18h), jusqu’au 6 janvier 2020). [gallery type=slideshow size=large ids=4326,4327,4328,4690] À la Punta della Dogana qui célèbre cette année le dixième anniversaire de son inauguration, l’exposition « Luogo e Segni » rassemble une centaine d’œuvres de la collection Pinault (Punta della Dogana, Dorsoduro 2, 30123 Venise, tous les jours sauf le mardi de 10h à 19h (dernière entrée à 18h), jusqu’au 15 décembre 2019). [gallery size=large type=slideshow ids=4329,4330,4669,4331,4332,4333] Chouchou de François Pinault comme de Bernard Arnault, Philippe Parreno présente à l’espace Louis Vuitton une nouvelle installation, Elsewhen (2019). Pas incontournable (Espace Louis Vuitton Venezia, Calle del Ridotto 1353, 30124 Venise, du lundi au samedi de 10h à 19h30, le dimanche de 10h30 à 19h30, jusqu’au 24 novembre 2019). [caption id=attachment_4334 align=alignnone width=840] Philioppe Parreno, Elsewhen, 2019[/caption] Il faut absolument voir, en revanche, la belle rétrospective que la Fondation Prada consacre à Jannis Kounellis. L’artiste italo-grec disparu en 2017, représentant majeur de l’Arte Povera, maîtrisait parfaitement l’art d’extraire toute la beauté et la poésie de simples objets du quotidien (Fondazione Prada, Ca’ Corner della Regina, Calle de Ca’ Corner, Santa Croce 2215, 30135 Venise, tous les jours sauf le mardi de 10h à 18h, jusqu’au 24 novembre 2019). [gallery size=large type=slideshow ids=4335,4336,4337,4338,4339,4340,4341,4342,4343,4344,4345,4346,4347] À l’Accademia se tient une grande exposition dédiée à l’œuvre de Georg Baselitz. Le parcours de l’artiste y est retracé en une soixantaine de tableaux, sculptures, dessins et gravures qui témoignent de sa détermination toujours aussi forte à surprendre, à bousculer, à innover, bien au-delà du seul renversement des images qui signe ses œuvres depuis 1969 (Accademia, Campo della Carità, Dorsoduro 1050, 30123 Venise, le lundi de 8h15 à 14h, du mardi au dimanche de 8h15 à 19h15 (dernière entrée une heure avant la fermeture), jusqu’au 8 septembre 2019). [gallery size=large type=slideshow ids=4349,4654,4653,4350] Dans l’église Santa Maria della Visitazione située sur les Zattere, le collectionneur belge Walter Vanhaerents a reconstitué l’installation que l’américain James Lee Byars avait réalisée à Bruxelles en 1994. Déjà malade, l’artiste spécialisé dans les performances avait organisé une répétition de sa mort en s’allongeant dans une galerie dont il avait recouvert les murs et le sol de feuilles d’or, vêtu lui-même d’un costume doré. Peu avant la mort de Byars, Vanhaerents lui avait acheté le droit de reproduire l’œuvre en différents formats. Un sarcophage doré a remplacé le corps de l’artiste dans l’installation et le collectionneur a demandé au libanais Zad Moultaka – qui avait conçu la très belle installation du pavillon du Liban pour la biennale 2017 – de composer un accompagnement sonore qui vient compléter cette méditation sur la mort et l’au-delà (The Death of James Lee Byars, Chiesa di Santa Maria della Visitazione, Fondamenta Zattere ai Gesuiti, 30123 Venise, du mardi au dimanche de 10h à 18h (fermé le lundi), jusqu’au 24 novembre 2019). [caption id=attachment_4348 align=alignnone width=840] James Lee Byars, The Death of James Lee Byars, 1994, Chiesa della Visitazione, Venise 2019[/caption] L’abbaye de San Giorgio Maggiore accueille l’exposition Human de Sean Scully. L’artiste irlandais installé à New York y a rassemblé un ensemble d’œuvres imprégnées de spiritualité - dont une monumentale Opulent Ascension de 10 mètres de haut installée sous la coupole de la remarquable basilique construite par Palladio – qui commémorent la mémoire de son fils aîné, disparu dans un accident de voiture à l’âge de 19 ans (Abbazia di San Giorgio Maggiore, Isola di S. Giorgio Maggiore, 30133 Venise, du lundi au samedi de 10h à 18h, le dimanche de 12h à 18h, jusqu’au 13 octobre 2019). À noter que la fondation Cini, située juste à côté, présente une rétrospective consacrée à Alberto Burri, visible jusqu’au 28 juillet, que je n’ai pas pu voir. [gallery size=large type=slideshow ids=4353,4659,4658,4660,4662,4352] Beaucoup de propositions parmi lesquelles il n’est pas toujours facile de faire un choix, mais on peut aussi préférer se perdre dans Venise, qui est toujours une sorte de miracle réservant des surprises à chaque pas et dont la beauté stupéfiante ne cesse jamais d’étonner. « May You Live In Interesting Times »
58e Biennale de Venise
Giardini et Arsenale
Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Jusqu’au 24 novembre 2019 Photo de titre : L’entrée du pavillon central des Giardini, avec l’installation Thinking Head de Lara Favaretto © Isabelle Henricot

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Simulacres et simulation : Baudrillard, Jean, 1929-2007 : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

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Les photos de l’incroyable bal surréaliste donné en 1941 par Salvador et Gala Dalí

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L’artiste espagnol organisait régulièrement des fêtes d’une décadence inoubliable, comme celle donnée en 1941 en Californie.

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Thundercage is a cycle of exhibitions in Aubervilliers in the Paris region. Located outside, this “artist-run Nospace” proposes duet exhibitions in the form of duels show.

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Wild Style 1983 1080p WEB DL DDP 2.0 H264 : Charlie Ahearn : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

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For those craving the true roots of rap, Wild Style (1983) captured the hard core South Bronx scene at its birth. The stars of Wild Style form the pantheon of…

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Reptiliennes met en lumière les femmes en s'inspirant de figures féminines légendaires telles que Mélusine, mi-femme mi-serpent, les sirènes, les Héléades, et d'autres créatures mythologiques. Ces figures, souvent empreintes de récits teintés de misogynie, que je tente de réinterpréter dans une vision plus contemporaine. Je qualifie mes pièces comme des " peaux ". Ces secondes peaux, à l'image des reptiles, évoquent la mue - ce processus de métamorphose et de réinvention profondément lié à la condition féminine. Elles symbolisent également l'idée de la carapace, pour se protéger. Le lien avec avec la maille est tout aussi important elles deviennent des armures symboliques. Créant ainsi une dualité entre fragilité et résilience.

Chacune des peaux sont ornées de milliers de perles et d'écailles de porcelaine. Une fois portées par des performeuses ces " peaux " prennent vie : les écailles s'entrechoquent, révélant leurs mélodies semblables aux chants hypnotiques et stridents des sirènes, transformant ainsi les pièces en sculptures sonores. Ce projet incarne la transmission et l'intemporalité, tissant des liens à travers les matériaux, les techniques employées et les récits qui transcendant les époques. En mettant en avant l'artisanat tel que la céramique et la maille, deux savoir-faire largement dominés par des femmes depuis des siècles.

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Reptiliennes met en lumière les femmes en s'inspirant de figures féminines légendaires telles que Mélusine, mi-femme mi-serpent, les sirènes, les Héléades, et d'autres créatures mythologiques. Ces figures, souvent empreintes de récits teintés de misogynie, que je tente de réinterpréter dans une vision plus contemporaine. Je qualifie mes pièces comme des " peaux ".

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In recent years, disciplines of history, philosophy, literary criticism or science and technology studies, have taken an intense interest in things and materiality. With this interest comes the debates on the relations between scientific and othering, including the criticized common distinctions of nature vs culture, body vs machine, mind vs. body, etc. The field of curating has also changed immensely in the past years in light of the post-Anthropocenic and post-humanistic turn. Historically, curating was preoccupied with the material presence of objects experienced in physical proximity to the static exhibition display. But, today, curating is not so much linked to art history as it once was, as it is related to deep cultural histories, intersectional responses to power of the oppressed and dispossessed, and of course the precarious relationship between art and science. With the changing nature of contemporary art practice, characterized by performativity, discursivity and interdisciplinarity, theories of curating and in particular the expanded notion of the ‘curatorial’ as a conceptual practice have become significant fields of inquiry.

The curatorial has clear performative sides. When tracing the notion to its emergence in other fields, it becomes clear that performativity uses acts and practices as a way of creating meaning. Irit Rogoff claims that the curatorial is ‘at its best, when it is attempting to enact the event of knowledge rather than illustrating those knowledges.’ Enactment directly implies performance. Rogoff’s belief that we are attempting to comprehend “the curatorial as an epistemic structure” relates to how she defines the curatorial as a series of existent knowledges that temporarily intertwine in order to produce what she refers to as “the event of knowledge,” an instant in which distinct knowledges interacting with one another beget something that goes beyond their role as knowledge.

In her lecture titled “Becoming Research,” Rogoff, shares the meeting point of two bodies of thought namely, what creative practices are able to offer us at this moment and how research is taken on and is activated by creative practices. She asks, what does it mean for the understanding of research?:

"Yet, the concept of research has shifted. Research is actually the thing itself. 'Research' as we experience it now in both institutional and culturally active contexts has moved away from stable bodies of knowledge to be excavated as well as away from recognised subjects whose validity is universally recognised. ‘Research’ models emanating from practice have ceased to be the context or the preparation for work and have become the main event of activity. ‘Research’ is now the arena in which we negotiate knowledge that we have inherited with the conditions of our lives. Those conditions, whether economic, geographical or propelled by subjectivity, have become the drive of the work."

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An important component in the work is the concept of metabolism. Metabolism is a buzzword these days. We see this through the revisitation of Marx’s concept of the metabolic rift or the way metabolism is contextualized as an ecological-historical process underlined by a temporal arrow – a pivotal metaphor for labor. Metabolism’s etymology comes from the Greek metabolikos "changeable”. And is defined by a process by which a “whole” maintains itself as such by means of the incessant renewal of the material components of which it is made up. And it is indeed in the very nature of living organisms that their form is maintained in spite of an incessant exchange of matter with the environment. Although at any given moment form does coincide with its matter, over the course of time form transcends matter, because it remains the same whereas matter changes (Barbaras). Renaud Barbaras discusses this in his analysis of Hans Jonas “Organism and Freedom: An Essay in Philosophical Biology”.

Anthropologist and theorist Elizabeth Povinelli sees metabolism from the angle of the “skin of life” in her book Geontologies : A requiem to late liberalism. She asks, why and what is “causing the natural sciences to place ever more pressure on the skin of life, shredding this fragile membrane in the process?” The answer takes us to the increasingly unavoidable entanglements of life and nonlife in contemporary capitalism. I see metabolism’s return vis-a-vis communal and embodied approaches to living and learning from human to microbe and mycelium, found in spaces that range from laboratories and markets to culturally-revisionist kitchens. The emphasis on metabolism in the arts, has turned to the restorative potential of collective cognition, via the exploration of metabolic narratives, which start with acknowledging learning and knowledge building as a form of care.

To return to our subject, geophagy is not haphazard or aberrant behavior. This is not an obsession with perversion, but a multi-causal phenomenon with both biological and cultural underpinnings. There is an adaptive benefit at hand in its practice in effort to understand diet, detoxification or on the contrary overconsumption, toxification, and behavioral acclimatization. This is something I’m looking forward to discussing in depth with medical anthropologist Dr. Ruth Kutalek on Wednesday in our workshop. She will share with us soil samples collected from her research in Africa and Asia, and address issues around clay consumption and behavior, metallics, desire and choice, and the small intimate and closed trading circles of geophagic clays.

In our work, each case study unveils consumption practices, generally occurring in intimate settings or networks, and in relation to different actors, families, and lineages. Much could be said of clays as a process of transformation-in-movement just as our own inquiry is a transformative one. We apply these techniques to the exhibition or artwork, as “clay narratives,” and subject to local issues and histories. For example, we made a lecture performance in 2017 inside of Otobong Nkanga’s Carved to Flow project held at the Cité des Arts in collaboration with the École Polytechnique, École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs–PSL. The lecture focused on the Parish of Rabat (Malta) and looked at how the recast Lemnian earth myth reemerged in the early-modern island of Malta with a rebranded pill designed for the Sovereign Military Order of St. John to support the contested legend of the apostle’s shipwreck on the island, where a new historiography and geography of Christianity in the Mediterranean was forged.

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DOC! - Espace de production artistique rue du Docteur Potain à Paris.

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DOC est un espace de production artistique situé dans le 19e arrondissement de Paris. Association à but non lucratif, loi 1901.

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Hauser & Wirth was founded in 1992 in Zurich by Iwan Wirth, Manuela Wirth and Ursula Hauser, who were joined in 2000 by Partner and President Marc Payot

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Se défendre - Elsa Dorlin - Éditions La Découverte

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: Aujourd’hui encore, malgré les enseignements de l’Histoire, certaines vies comptent si peu que l’on peut tirer dans le dos d’un adolescent tout en prétendant qu’il était agressif, armé et menaçant. Du jiu-jitsu des suffragettes aux pratiques insurrectionnelles du ghetto de Varsovie, des fusils des…

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Le surréalisme est un mouvement poétique et artistique du XXe siècle directement issu de la révolte incarnée par le mouvement dada tout à la fin de la Première Guerre mondiale. Comprenant l’ensemble des procédés de création et d’expression (peinture, dessin, musique, photographie, cinéma, poésie, contes…) utilisant toutes les forces psychiques (automatisme, rêve, inconscient) libérées du contrôle de la raison et en lutte contre les valeurs reçues, il est caractérisé par sa transdisciplinarité (poésie, peinture, objet, collage, cinéma, costume…) et l’importante collaboration entre ses membres.

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Mémoire extérieure : le verre se souvient que c’était une feuille avec de l’eau dedans

Protention : une mémoire qui n’est pas encore arrivée, inconscience, déplacement dans le temps

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Mémoire extérieure : le verre se souvient que c’était une feuille avec de l’eau dedans

Protention : une mémoire qui n’est pas encore arrivée, inconscience, déplacement dans le temps

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Mémoire extérieure : le verre se souvient que c’était une feuille avec de l’eau dedans

Protention : une mémoire qui n’est pas encore arrivée

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La Société automatique (Grand format - Broché 2015), de Bernard Stiegler | Éditions Fayard

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Le 19 juillet 2014, le journal Le Soir révélait à Bruxelles que selon des estimations américaines, britanniques et belges, la France, la Belgique, le

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Race After Technology: Abolitionist Tools for the New Jim Code is a 2019 American non-fiction book[1] focusing on a range of ways in which social hierarchies, particularly racism, are embedded in the logical layer of internet-based technologies. It won the 2020 Oliver Cox Cromwell Book Prize,[2] 2020 Brooklyn Public Library Literary Award for Nonfiction,[3] and Honorable Mention for the 2020 Communication, Information Technologies, and Media Sociology Book Award, and has been widely reviewed.

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By implementing La Colonie, Kader Attia has transferred the process of decolonization to knowledge, attitudes and practice. Located in a neighbourhood home to African, Indian and Asian populations, La Colonie reunites all identities and all stories, also those that too often are excluded from the ar

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Posted At : February 21, 2013 6:39 PM | Posted By : TFC

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Totally Free Cursors | 13,388 Free Cursors

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Ce projet est un hommage à Wikipédia, l'un des sites les plus importants du World Wide Web. Cette encyclopédie collaborative a maintenant 21 ans et je suis encore fasciné par la façon dont elle a changé notre relation à la connaissance. Wikipédia représente également un exemple réconfortant de ce que l'humanité peut faire : collaborer bénévolement sur le plus grand projet de partage de connaissances de notre histoire. Je considère Wikipédia comme le descendant des encyclopédistes des Lumières et du mouvement du logiciel libre. Ce projet fait par et pour les utilisateur·ices, est l'un des beaux vestiges de l'utopie des premiers webs.

Wikipédia n'est pas parfaite (manque de diversité, modération...), et cette encyclopédie reste un système fragile. Pourtant, je tenais à l'imaginer comme un vestige post-humain, un artefact envahi par des figures biomorphiques et une typographie proliférante. Mon travail se concentra rapidement sur l'élaboration d'ornements organiques, modifiant l'interface de l'encyclopédie, sa typographie, les figures, ainsi que le logo Wikipédia lui-même.

Ce projet est composé d'un fanzine de 16 pages, d'un pack d'autocollants, d'une page web et d'une [fonte libre]( libre font.

Publié par Hato Press, disponible à la vente.

This project is a tribute to Wikipedia, one of the greatest websites of the World Wide Web. This collaborative encyclopedia is now 21 years old, and I am still fascinated by the way it has changed our relationship to knowledge. It also represents a comforting example of what humanity can do: collaborating voluntarily on the largest knowledge-sharing project in our history. I consider Wikipedia being the descendant of Enlightenment's encyclopedists and free software movement. Such project made by the people, for the people, is one of the beautiful remains of the early Web's utopia.

Wikipedia is not perfect (lack of diversity, moderation...) and it remains a fragile system. Still, I wanted to picture it as a post-human vestige, an artifact invaded by biomorphic figures and spreading typography. My work quickly focused on how to create organic ornaments, affecting the encyclopedia's interface, its typography, the figures and the Wikipedia logo itself.

This project is made up of a 16-page fanzine, a sticker pack, a web page and a libre font.

Published by Hato Press, available for purchase.

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Ce projet est un hommage à Wikipédia, l'un des sites les plus importants du World Wide Web. Cette encyclopédie collaborative a maintenant 21 ans et je suis encore fasciné par la façon dont elle a changé notre relation à la connaissance.

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GitHub - Prinzhorn/skrollr: Stand-alone parallax scrolling library for mobile (Android + iOS) and desktop. No jQuery. Just plain JavaScript (and some love).

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Stand-alone parallax scrolling library for mobile (Android + iOS) and desktop. No jQuery. Just plain JavaScript (and some love). - Prinzhorn/skrollr

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Free PDF Books on race, gender, sexuality, class, and culture

Found from various places online:
The Pedagogy of the Oppressed by Paulo Freire Angela Y. Davis - Are Prisons Obsolete? Angela Y. Davis - Race, Women, and Class The Communist Manifesto - Marx and Engels
Sister Outsider: Essays and Speeches by Audre Lorde (link updated 1/14)
Three Guineas by Virginia Woolf
Critical Race Theory: An Introduction by Richard Delgado and Jean Stefancic (link updated 1/14)

The Black Image in the White Mind: Media and Race in America- Robert M. Entman and Andrew Rojecki (link updated 1/14)

Ain't I a Woman: Black Women and Feminism - bell hooks (link updated 1/14)

Feminism is for Everybody - bell hooks (link updated 1/14)
Faces at the Bottom of the Well - Derrick Bell
I am Your Sister - Audre Lorde (link updated 1/14)

Black Feminist Thought-Patricia Hill Collins (updated 1/14)
Four books by Frantz Fanon
Gender Trouble - Judith Butler

Their Eyes Were Watching God - Zora Neale Hurston

Medical Apartheid - Harriet Washington

Fear of a Queer Planet: Queer Politics and Social Theory - edited by Michael Warner

Colonialism/Postcolonialism - Ania Loomba (updated 1/14)
The Gloria Anzaldua Reader
Discipline and Punish - Michel Foucault
This Bridge Called by Back: Writings by Radical Women of Color by Cherríe Moraga & Gloria Anzaldúa
Capitalist Realism: Is There No Alternative? by Mark Fisher
12:44 am * 11 January 2013 * 98,382 notes
(Sorry they aren't organized very well.)

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Free PDF Books on race, gender, sexuality, class, and culture

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Free PDF Books on race, gender, sexuality, class, and culture Found from various places online: The Pedagogy of the Oppressed by Paulo Freire Angela Y. Davis - Are Prisons Obsolete? Angela Y.

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Learn the technical skills to get the job you want. Join over 50 million people choosing Codecademy to start a new career (or advance in their current one).

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Devhints — TL;DR for developer documentation

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A ridiculous collection of web development cheatsheets

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Online Interactive CSS Cheat Sheet
CSS Cheat Sheet contains the most common style snippets: CSS gradient, background, button, font-family, border, radius, box and text shadow generators, color picker and more. All these and other useful web designer tools can be found on a single page.
Test the generated syle sheets clicking the blue arrows pointing down. This will populate the interactive HTML-CSS editor on the bottom of the page with your CSS code and a demo HTML markup, giving you a live preview to test and adjust the code further.

Basics - CSS syntax and how to include them in HTML.

Selectors - How to target elements in CSS3.

Properties - An updated list of valid properties. Click the bold text to highlight the text!

Color picker - Click the blue input field and use your mouse to select another color. The slider on the right side sets the transparency of the selected color. Use the generated code snippets.

CSS background generator - Optionally set a background image from URL, set the position, repeat, attachment and color. See the live preview as you adjust the settings then take the generated code when you're satisfied with the result.

Gradient generator - Sset two and optionally a third middle transition color to get the CSS gradient code which works almost in every web browser. Change the transition direction, the position of the middle color and choose between RGB or HEX codes.

Box shadow generator - Get the CSS code for any inset or outset box shadow, customizing the right and down offset, spread, blur, color and opacity.

CSS button generator - create styles for HTML buttons with this panel. Set the size, padding, radius, color and opacity. Adjust the gradient, box shadow, font style and border in other panels.

Text shadow generator - Get the CSS code for your text shadow by setting your own color, opacity, blur, right and down shift, or pick a predefined style from the effect gallery.

Font style generator - Select font-family, size, letter and word spacing, color, font-weight, decoration, style, variant and case for your font and get the CSS code instantly.

CSS transform generator - Scale the size, rotate, shift and skew HTML elements with the transform CSS3 property.

CSS border and outline generator - Set the properties for your box border or outline to get the CSS code. Adjust the width, style, color and position of the lines surrounding your box HTML elements.

Border radius generator - Apply border radius to the corners of your elements, setting it globally or for each individual corner.

Reset CSS - A short code to be added to the top of your stylesheet. This will assure that your page will look the same in all browsers.

Media queries - Declare different views for various media types and properties.

Pixel - EM calculator - Calculate the PX or EM values, knowing the pixel size of the parent element.

Useful links - Look around on other websites we recommend.

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CSS Cheat Sheet contains the most common style snippets: CSS gradient, background, button, font-family, border, radius, box and text shadow generators, color picker and more.

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HTML Cheat Sheet - A Simple Guide to HTML

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HTML Cheat Sheet - A simple, quick reference list of basic HTML tags, codes and attributes