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bobos

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Madona Haller,

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Arte Manierista Ultima etapa del Renacimiento Exageración

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Pintor Italiano , destacado de la escuela de Venecia

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Renacimiento Tratamiento de paisajes invadidos de luz

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Las técnicas en el Arte Manierista Ultima etapa del Renacimiento Exageración de los movimientos A la maniera de los grandes maestros. Falta de orden en relación a lo renacentista. "sofisticación intelectual" Colores y luces fríos, artificiales. San Juan Bautista , 1521 Andrea del Sarto.

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Las técnicas de aplicación y composición en una pintura siempre dependerá del contexto histórico en que se encuentren. Las primeras pinturas en la historia del ser humano son las que cuentan con técnica más original porque es lo primero que hay, ya después en otro periodo histórico retoman algo de ésta pero cambiando o agregando algo más propio del momento histórico, como ocurrió en el nacimiento del Renacimiento, debido a que el pensamiento del ser humano se vio modificado y ahora se debía plasmar esa nueva concepción en el arte. Debido al cambio de ideales humanos se hacen diferentes técnicas en los estilos que van surgiendo, pero no quiere decir que haya buenas y malas, no se creaban para ver cuál era mejor, surgían de acuerdo a la necesidad de expresión y se mantenían por imposición (temporal, porque nunca se quedó algo permanente) o por decisión del artista. El artista también aprendía a adaptarse, por motivos de pintura de encargo o por pintura de género, esto se fue modificando de acuerdo a los que decidían en los altos cargos sociales.
La técnica empleada en una obra de arte, ya sea arquitectónica, escultórica o pictórica, nos ayuda a ubicar a qué periodo histórico pertenece; para conocer la técnica hay que estudiar qué tipos de estas hay y cómo se manejaban en los distintos periodos para evitar confusiones de estilos, ya que sí, algunos son similares y otros fáciles de identificar.

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Arte y técnicas, conclusión:

El empleo de las técnicas pictóricas en el arte se fue adaptando a las necesidades de la época, de la mano con las temáticas, y así vemos dichas necesidades en los cambios de la sociedad, como el surgimiento del humanismo en el Renacimiento, el Concilio de Trento o la Ilustración. En las técnicas no hay una mejor que otra sino que debe ser entendida en su contexto histórico, y así cuando era necesario representar los temas sagrados de forma táctil, cercana, humana, se hacía así, cuando era necesario exaltar la gloria divina y celestial se hacía así. Sin embargo, las características de cada pintor también varían, y distinguen a uno del otro, pues esto es muy importante en el barroco y aún en el manierismo: la originalidad de técnica.

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Corrado Giaquinto (1703-1766)

LA ASUNCIÓN DE LA VIRGEN (1740)

Pintor italiano del rococó, la mayoría de su obra es producida en España al ser llamado por la corte para trabajos especiales. Sus temáticas son religiosas y de la mitología. Las características de su pintura, y del rococó en general, son el empleo de colores suaves, apastelados, dominando los tonos rosados y el mayor movimiento. Es netamente plástico-colorista, la pincelada se vuelve más burda y menos trabajada en ropajes y rostros, sin embargo se pone mayor énfasis y cuidado en el trabajo de nubes y cielos, lográndose efectos muy variados: desde contrastantes colores hasta una uniformidad general en determinadas zonas. Esto está presente en la obra La Asunción de la Virgen, en donde apreciamos colores verdosos, rojizos y azulados distribuidos y situados inteligentemente; se observa aún el claroscuro. Otra característica importante es el uso de gran cantidad de ángeles, querubines y serafines, que se van degradando y perdiendo en la profundidad de la nube. Podría decirse que el mayor logro del rococó es el buen manejo de cielos y nubes, así como de los rayos celestiales. Esto es uno de los pasos que faltaban por darse en las técnicas del arte.

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Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)

JUDITH Y HOLOFERNES (1599)

Caravaggio es considerado el primer gran exponente del barroco en la pintura y el iniciador del tenebrismo. Fue uno de los pintores más prolíficos, a pesar de haber muerto a una corta edad; activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, es considerado uno de los pintores más importantes de toda la historia. El gran Caravaggio realmente creó una nueva forma de pintar, rompió con muchos esquemas renacentistas y prerrenacentistas. Como ya se comentó, inició el “tenebrismo”, que se diferencia del claroscuro en que éste tiene una mayor búsqueda de naturalismo, pues trabaja mejor los degradados y la pincelada es esmerada y bien esfumada, su técnica es plástico-colorista; plasma más vivamente las expresiones y no tiene un mayor interés en el fondo, ya que este casi siempre es una “tenebra”, tiniebla, es negro o muy oscuro, apenas en algunos cuadros se insinúan fondos como muros y cortinas. La obra Judith y Holofernes corresponde a su época de esplendor y es una de las más características de su estilo, ya que podemos ver presentes todas las mencionadas. Judith decidida, aunque un poco asustada y nerviosa, decapita a Holofernes, quien todavía está vivo y muestra su dolor; la criada sostiene la bolsa con actitud imponente y segura, al acecho y con un cierto grado de satisfacción de venganza. Jamás se había logrado plasmar a tal grado las emociones de los personajes, que le da mucha fuerza a la obra y la define claramente como netamente religiosa. Algunos críticos reclaman a Caravaggio el excesivo naturalismo de sus obras, que en algunos casos caen en lo llano, como su primer pintura de La inspiración de San Mateo, que es rechazada y debe ser realizada una nueva con una mayor carga teológica y no tanto cotidiana.

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Vicente Juan Macip, Juan de Juanes (1507-1579)

LA SANTA CENA (1562)

Pintor valenciano, hijo del pintor Vicente Macip. Sus obras corresponden a la técnica plástico-colorista, pues ya no presentan un dibujo delineado, aunque no es un pintor de empaste, su pincelada no es completamente suave y esfumada sino equilibrada. Se desarrolla casi exclusivamente en el arte religioso. Todos sus retratos de Cristo son de un rostro modelo, que se repite, y a su vez cuida el parecido físico de Cristo con el de sus parientes (primos) San Juan Bautista y Santiago el Menor en su obra más famosa: La Última Cena, llamada también La Santa Cena. El uso de los colores es muy característico del manierismo, ya no son los colores vivos y puros del prerrenacimiento, sino que están mejor trabajados; el claroscuro está presente. En un primer plano vemos la jofaina y la jarra, con los que previamente fue el lavatorio de pies: el volumen es hábilmente representado, al igual que en los objetos sobre la mesa. En segundo plano está la escena de la Consagración en la Última Cena, y los discípulos contemplando devotamente la hostia. La sombra detrás de la hostia hace contrastar su blancura y resaltarla de toda la composición. Una característica particular de esta pintura es la representación del Santo Cáliz de Valencia, que según la tradición es el cáliz verdadero usado por Jesucristo. Detrás de esto está un muro con un vano flanqueado por dos columnas, y en el plano más lejano, a través de dicho vano, hay parte del paisaje, muy al estilo de Leonardo.

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Fray Giovanni del Fiésole O.P., Fra Angélico (1395-1455)

LA ANUNCIACIÓN (1430)

Fray Giovanni del Fiésole, mejor conocido como “Fra Angélico”, llamado así por su estilo de pintura y su devoción personal, fue un pintor renacentista italiano del siglo XV. Su pintura se caracteriza por ser de gran serenidad la expresión de los personajes y su composición general, lo que habla mucho de su vocación de vida monástica como fraile dominico. Su obra más conocida es La Anunciación (1430-1432), y emplea de forma magistral la perspectiva. La técnica general de Fra Angélico es plástico-lineal, y se considera aún con muchas reminiscencias del gótico (lo que llaman “gotizante”) como la posición de los cuerpos, aunque se logra una mayor proporción y naturalismo, lo que la distingue claramente de autores como Giotto, Duccio o Lorenzetti, y la identifica como renacentista. Hay también un mejor manejo del volumen en las encarnaciones, el esfumado y degradado es mucho más suave y trabajado. Los capiteles de las columnas, aunque muy góticos, insinúan el orden corintio; el arco de medio punto es predominantemente renacentista. La paleta es muy colorida y de mucha viveza, tal vez esto debido mucho a la conservación gracias a la técnica del temple de huevo, que es más estable.

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Bronzino (1503-1573), Angelo di Cosimo di Mariano o Agnolo Bronzino, más conocido como Bronzino, o “El Bronzino”, nació en Monticelli, localidad cercana a Florencia.

La Sagrada Familia Panciatichi
Podemos identificar que esta obra es manierista debido a las dimensiones desproporcionadas de los cuerpos, que, al ser niños (los personajes más evidentes para demostrarlo) de corta edad poseen un cuerpo gigante. La composición se basa en diagonales definidas por los cuerpos; posiciones del cuerpo un poco más curveadas para señalar el movimiento, podemos notar como los cuerpos de los infantes son más palpables y volumétricos.  Y algo muy importante del manierismo para identificarlo, en algunos casos, es la postura de las manos en la cual se muestra a los dedos anular y medio "pegados" y separados al índice y meñique, significa que nos habla de la Trinidad, y por lo tanto esta técnica de colocación de manos en el manierismo es evidente en esta obra. La gama cromática es de tonos más fríos, pálidos, como la encarnación.

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Weatteau (1684-1721).  Notable pintor francés, con una profunda sensibilidad y gran sentido de la observación.
Las dos primasLa técnica empleada no busca acercarse al realismo, sus pinceladas son más pastosas y da la impresión de suavidad. Sus colores son pálidos, pasteles, para que haya una atmósfera de delicadeza y de este mundo de fantasía. La obra es detallada en el sentido de la representación de los personajes, pero en el fondo no importa eso, sólo un paisaje con pinceladas más libres. Decorativamente.

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Analizadas desde algunos autores de la época.

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Arte Manierista Ultima etapa del Renacimiento Exageración

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Pintor Italiano , destacado de la escuela de Venecia

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Renacimiento Tratamiento de paisajes invadidos de luz

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Las técnicas en el Arte Manierista Ultima etapa del Renacimiento Exageración de los movimientos A la maniera de los grandes maestros. Falta de orden en relación a lo renacentista. "sofisticación intelectual" Colores y luces fríos, artificiales. San Juan Bautista , 1521 Andrea del Sarto.

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Tiziano (1477/90-1576). Fue el más importante de los pintores venecianos de su tiempo. Comenzó con el estilo renacentista, pero como muchos otros artistas renacentistas, comenzó a virar al manierismo alrededor de 1540.

Altar Pesaro
Esta pintura pertenece a su fase renacentista, presenta un paisaje natural al fondo y un paisaje arquitectónico donde se encuentran los personajes principales, es como en equilibrio armonioso entre estos pero dejando clara la idea del humanismo, poniendo al hombre y sus creaciones por delante de la naturaleza (el fondo). El naturalismo es predominante, pinceladas cuidadas. No hay intensión de movimiento y la paleta de color es diversa, respeta los elementos iconográficos. Rompe un poco con la idea de ver siempre al personaje de la virgen y Jesús en el centro.

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VELÁZQUEZ (1599-1660)
Nace en Sevilla.

Una de sus primeras obras maestras es El aguador de Sevilla, donde se ve a tres hombres que representan etapas de la vida; niñez, juventud y vejez. Respecto a la técnica va acorde al estilo barroco ya que emplea la luz y sombra (claroscuro) en cada uno de los personajes y objetos, la paleta que utiliza son quebrados, colores tierra, que es característico de la gama cromática en estas pinturas pertenecientes al estilo. La escena expresa movimiento, al menos una intención.

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Muchos piensan que no el arte esta en la técnica, pero arte es un concepto que engloba muchos mas aspectos que solo la técnica, sin embargo sigue siendo algo muy importante, la técnica puede definir tanto a un autor como a un estilo artístico como por ejemplo en los ya mencionados que se diferencian uno de otro precisamente por la diversidad en sus de formas, paleta de colores, pinceladas, modo de aplicación del color, manejo de la luz, naturalismo o no, etc; estos aspectos en conjunto de características forman un estilo que sera particular y conocido de una época artística determinada.

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Joshua Reynolds
"Las hermanas Waldegrave"
En un principio la pieza se identifica por las vestimentas de las tres mujeres presentes en la obra, de aspecto cortesano y típico del siglo XVlll, La paleta de colores claros con el uso de blancos y tonos pasteles y ese aire en sueño señalan a esta pieza como rococó, aunque la escena no es tan ornamentada como era típico en esta época la pieza si da un aspecto fantasiosos y "empalagoso".

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Pietro da Cortona
"Marcello Sacchetti" retrato
En este retrato aunque sencillo, refleja aspectos muy característicos del barroco, es de estilo meramente colorista y con un fondo oscuro a manera de tenebrismo donde el fondo ya no es relevante, contiene una cierta pastosidad en la pincelada y otro elemento es el mueble sobre el que esta recargado el personaje de la obra, que es representativo de la época barroca.

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Giovanni Antonio Brazzi  "il  Sodoma"
"El Martirio de San Sebastián"
Esta pieza es Manierista y puede identificarse en la posición del santo, una contorsión un tanto antinatural, una figura joven y un rostro con cierto carácter andrógino. El manejo de la luz y los fondos también demuestra una perspectiva característica de este periodo, logrado por la elección de la paleta de colores y tratando un aspecto un tanto poético en el paisaje.

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Piero della Francesca
"La Pala Brera"  La sacra conversasión
óleo sobre tabla
Es una pieza de gran formato, es de carácter completamente renacentista, contiene 13 personajes, todos de con vestimentas de distintas épocas, en el centro de la escenas esta la virgen María con el niño en sus piernas, y los otros diez personajes a su alrededor, la paleta de colores es muy característica del renacimiento, pero sobre todo la importancia que se le da al fondo, este es un espacio en el que se emplea por completo el nuevo uso de la perspectiva, con la que crea una ilusión óptica de profundidad, perspectiva y perfección del espacio con el trazo de las diagonales sobre la bóveda, y la curva del ábside. Es de estilo plástico lineal y con una cierta rigidez y proporción notables en los personajes.

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Esto de los códices no va en este padlet porque nada más es para bienes culturales, yo puse el mío nada más para ejemplo. Más bien debo abrir otro para ese pero como aún no está el enlace en el blog pues no teneemos fecha con ese

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Artes y Tecnicas Renacimiento Manierismo Barroco Rococó Manierismo Proviene

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Artes y Tecnicas Renacimiento Manierismo Barroco Rococó Manierismo Proviene de maniera moderna (término que profiere de la Vite de Vasari), en referencia a aquellas obras que se decían realizadas a la manera de los grandes maestros del Alto Renacimiento. La imitación de las obras de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel hace que se produzcan imágenes artificiosas.

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El renacimiento en Europa occidental provoca la renovación de las ciencias naturales y humanas, nace en Florencia y se extiende posteriormente en Europa, la atención gira entorno al hombre y su relación con el mundo, se planteó una forma distinta de ver  las artes, política, filosofía y  las ciencias, del teocentrismo se pasa al antropocentrismo. En el Siglo XVI el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas humanistas italianos  por el norte de Europa infundieron ideas artísticas el Alemania, de tradición más conservadora, resultaba difícil conciliar su idea medieval, representada con texturas, colores brillantes, figuras detalladas, temas mitológicos y figuras idealizadas, surgen artistas como Alberto Durero, mismo que se planteaba proveer un modelo que combinara el interés empírico por los detalles naturalistas con los detalles más teóricos del arte italiano. Una de sus obras Madona Haller, Virgen con el niño, de 1498, 50 x 39 cm., óleo sobre tabla, Artehistoria, (Whashington). Se aprecian los rasgos de la pintura italiana, la imagen sigue con exactitud la obra que dejo Bellini, de estilo colorista y cálido, se observa la serenidad y el ambiente luminoso, en la obra se ven claramente dos detalles; a la derecha la virgen, una ventana se abre dejando ver un paisaje típico del norte de Italia, a su izquierda, una ventana cerrada exhibe los cristales emplomados característicos de la vivienda alemana, ambos simbolizan los dos mundos estéticos entre los que el autor se encontraba.
Otro autor como Pieter Bruegel el Viejo  influenciado por  El Bosco realizó obras  con rasgos grotescos Cabeza de Vieja, con un estilo extravagante, de rasgos acentuados, con defectos físicos exagerados, claroscuros acentuados, por el uso de pigmentos obscuros. Se trata de una pintura de retrato hecha en tabla, de 1563 con una carga de ironía, deficiencias y peculiaridades de la propia humanidad, elige a las personas humildes, comunes y sencillas como modelos a pintar, se observa una anciana de perfil, resalta su nariz, la frente inclinada hacia atrás, la boca desdentada, nos muestra la miseria humana en todo su esplendor.
En el alto renacimiento de Italia surge un estilo llamado Manierismo, se caracterizó como la imitación de la “maniera” de los grandes maestros como son Miguel Ángel, Tiziano entre otros, se da una reacción contra el ideal de la belleza clasicista, líneas serpentinatas, anamorfosis, exageración de los movimientos, los escorzos, texturas, almohadillados, alteración en los elementos arquitectónicos. Un ejemplo es el autor Benvenuto Cellini,con su obra Salero de Francisco I de Francia, de 26 cm de alto y una base de 33,5 cm de ancho, hecho en marfil y oro, con acabado esmaltado, forma parte de la colección de artes decorativas de Kunsthistorisches de Viena. Está formado por una figura masculina que representa al mar y otra femenina que es la tierra, un pequeño recipiente que se pretende que guarde la sal, colocado cerca de la figura masculina, las posturas no se observan fáciles de realizar, incluso se podría decir que son imposibles de efectuar de manera natural. Es la única obra de oro conocida que se sabe es de Cellini, tiene un estilo renacentista tardío y representa alegóricamente la Terra e Mare, con la figura de Neptuno, dios del mar y Ceres diosa de la tierra, simbolizan su unión al producir sal que procedente de la tierra.
A finales del siglo XVI y principios del XVIII se desarrolla en Europa y sus colunias americanas un estilo cultural y artístico como reacción a las estrictas normas clásicas del renacimiento, el Barroco, estilo que se caracterizó por el gusto de la complicación formal, las formas curvas y abundancia de adornos, principalmente en arte religioso. Un ejemplo de los primeros pintores del barroco que añadió una atmósfera dramática estilo Caravaggio es Artemisa Gentileschi pintó cuadros históricos y religiosos en un momento en que estos temas heroicos eran considerados inadecuados para el espíritu femenino.
Judit decapitando a Holofernes es un cuadro de la pintora italiana  Fue ejecutado hacia 1612-1613. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 158,8 cm de alto y 125,5 cm de ancho. Se trata de la primera versión del cuadro, con un proceso por estupro. Se observa el drama del momento, y como es ayudada por otra mujer, es notorio las expresiones de los personajes, y es interesante ver la interpretación realizado por una mujer. Otro ejemplo es su autorretrato, cómo alegoría de la pintura, se trata de un óleo sobre lienzo 98.6 x 75.2 cm., se observa como se describe dentro de su caravagismo, con una vestimenta sencilla, mostrando que la mujer también pinta , hasta cierto punto desalineada y poco expresiva, concentrada, se observa esta ruptura de ver solo a una figura masculina haciendo arte, tratando de posicionare de manera casual haciendo lo que le apasiona como hija de pintor y con influencia de un gran maestro.
En contraste surge posteriormente en Francia un arte que se define individualista, antiformalista y cortesano, Rococó; donde los colores serán luminosos, suaves y claros (pastel) las formas son con relación a la naturaleza, seres mitológicos, arte de influencia oriental, se refleja al hombre teatral, refinado, exótico, sensual. El arquitecto Georg Wenzeslous von Krobelsdorff se inclinó en el estilo clasicista francés y el palladiasmo, sus primeros trabajos en Rheinsber le permitieron elaborar las primeras bases del rococó federiciano, en materia de decoración interior. El palacio en la orilla oriental del Grienericksee es un clásico ejemplo del estilo arquitectónico rococó, sirvió como base para el palacio de Sanssouci, nos muestra este ambiente romántico, natural, con exceso de lujo en su construcción, escenario ideal para sus reuniones de índole político y social.