# data[].attributes.body
Palazzo della ragione, Andrea Palladio. 1546. Vicenza

# data[].attributes.body
Una delle più ampie aule sospese in Europa, nonchè uno dei più celebri monumenti civili eretti in Europa all'epoca dei Comuni. Palladio, per realizzare la sua opera, richiama l'antichità, ricercando la bellezza.

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione dell'Accademia Olimpica. Teatro Olimpico, Andrea Palladio. 1580-1584. Vicenza

# data[].attributes.body
Gli artisti in cambio di denaro e protezione ponevano la propria arte al servizio del potere rappresentato dai loro benfattori, dando così prestigio alle loro corti.

# data[].attributes.body
Itinerario nell'arte
Wikipedia
ArteSvelata
ADO: analisi dell'opera

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Tizio Costanzo. Pala di Castelfranco, Giorgione, Madonna col bambino tra i santi liberale e Francesco (Pala di castelfranco), 1500 – 1504, olio su tavola di pioppo, 200 X 152 cm. Castelfranco Veneto, Duomo

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione dei consoli dell'Arte della Lana e l'Opera del Duomo di Firenze. Michelangelo, David, 1501-04 marmo, h 410 cm. Firenze, Galleria dell’Accademia

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di  Bartolomeo Campagnola. Giorgione, La Tempesta, 1506-1508, tempera e olio su tela, 83×73 cm. Venezia, Gallerie dell’Accademia

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione della confraternita di Santa Corona. Tiziano Vecellio, Incoronazione di Spine, 1576, olio su tela, 280x 182 cm. Alte pinakothek, Monaco.

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione del duca Guidobaldo II della Rovere. Tiziano Vecellio, Venere di Urbino, 1538, olio su tela, 119 x 165 cm. Firenze, Galleria degli Uffizi

# data[].attributes.body
Raffaello Sanzio, Stanza di Eliodoro, Liberazione di San Pietro, 1512-1513 circa. Musei Vaticani

# data[].attributes.body
Commissionato in occasione delle nozze di  Lorenzo Nasi con Sandra di Matteo Canigiani. Raffaello Sanzio, Madonna del Belvedere, 1505 – 1506, olio su tavola, 113 x 88 cm, Vienna, Kunsthistorisches Museum

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione della confraternita milanese dell'immacolata Concezione. Leonardo da Vinci, La Vergine delle rocce, 1483 circa, olio su tavola trasportato su tela, cm 199 X 122. Parigi, Musée du Louvre

# data[].attributes.body
Leonardo da Vinci, Ritratto di Monna Lisa (La Gioconda), 1503-1505 circa, olio su tavola di pioppo, cm 77 x 53. Parigi, Musée du Louvre

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Lorenzo di Pierfrancesco. Sandro Botticelli. La Primavera. 1477. Tempera su tavola 2.03x3.14m. Museo degli Uffizi, Firenze.

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Lorenzo de Medici. Sandro Botticelli. Nascita di Venere. 1485. Tempera su tela 172.5x278.5cm. Museo degli Uffizi, Firenze

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione dell'abbazia camaldolese di Sansepolcro. Piero della Francesca. Battesimo di Cristo. 1440-1450. Tempera su tavola 167x116cm. National Gallery, London.

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Federico da Montefeltro. Piero della Francesca. Flagellazione di Cristo. Pittura a tempera, colore ad olio. 1455-1460. Palazzo Ducale di Urbino

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Bartolomeo Bartolini Salimbeni. Paolo Uccello. Battaglia San Romano. 1438. Tecnica mista su tavola 180x316cm. National Gallery, London

# data[].attributes.body
Paolo Uccello. Monumento a Giovanni Acuto. 1436. Affresco 820x515cm. Cattedrale Santa Maria del Fiore

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Giovanni Rucellai. Leon Battista Alberti. Palazzo Rucellai. 1446-1451. Firenze

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Sigismondo Malatesta. Leon Battista Alberti. Tempio Malatestiano. 1503. Rimini

# data[].attributes.body
Masaccio. Il tributo. 1425 Affresco 255×598 cm
Chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze

# data[].attributes.body
Realizzato su commissione di Giulio II.
Masaccio. Cacciata dei progenitori dall'Eden. 1424-1425. Affresco 214×88 cm.
Cappella Brancacci, chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze

# data[].attributes.body
Piazza del Carmine, Firenze

# data[].attributes.body
Donatello. Maria Maddalena. 1453-1455. Legno. 188 cm
Museo dell'Opera del Duomo, Firenze

# data[].attributes.body
Realizzato su richiesta di Cosimo de Medici.
Donatello. David. 1440. Bronzo dorato. 158 cm
Museo del Bargello, Firenze.

# data[].attributes.body
Donatello. Banchetto di Erode. 1423/1427. Bronzo dorato. 60 x 60 cm.
Battistero di San Giovanni Battista, Siena.

# data[].attributes.body
Filippo Brunelleschi. Spedale degli Innocenti. 1417/1436
Piazza della Santissima Annunziata – Firenze

# data[].attributes.body
Filippo Brunelleschi. Cupola di Santa Maria del Fiore. 1418-36. Firenze

# data[].attributes.body
L'opera narra l'incontro tra Maria, Gesù Bambino e san Giovanni Battista all'interno di una caverna durante l'episodio della fuga in Egitto della Sacra Famiglia, durante il periodo della strage degli Innocenti. Il paesaggio è tipico di una caverna anche se vi sono numerose piante e fiori di diverse varietà.

# data[].attributes.body
La pittura tonale è una modalità di rappresentazione della realtà, attraverso la massima osservazione degli effetti cromatici e luministici, della reciproca influenza dei colori e del rapporto tra fonti luminose colorate dominanti e fonti luminose secondarie

# data[].attributes.attachment_link.title
I luoghi nascosti del Teatro Olimpico di Vicenza

# data[].attributes.body
Il progetto si ispira dichiaratamente ai teatri romani descritti da Vitruvio: una cavea gradinata ellittica, cinta da un colonnato, con statue sul fregio, fronteggiante un palcoscenico rettangolare e un maestoso proscenio su due ordini architettonici, aperto da tre arcate e ritmato da semicolonne, all'interno delle quali si trovano edicole e nicchie con statue e riquadri con bassorilievi.

# data[].attributes.body
Architetto italiano del Rinascimento conosciuto in tutto il mondo, ha avuto la qualifica di cittadino e di architetto ufficiale della Serenissima e ha progettato ville, palazzi, basiliche e monumenti, soprattutto nel Veneto. L’Unesco ha riconosciuto ventiquattro ville e ventitre palazzi della città di Vicenza, dove si è formato e ha vissuto la maggior parte della vita, come Patrimonio Mondiale.

# data[].attributes.body
Il paesaggio collinare è un’immagine “diretta” della nature: le sue distanze sono misurate e costruite sulla tavola attraverso le diverse reazioni dei colori alla luce. Per accentuare il già evidente senso di isolamento della Vergine vi sono due sistemi prospettici autonomi, uno per la parte bassa e uno per la parte alta del piedistallo.

# data[].attributes.body
I personaggi non vivono l'arrivo della tempesta in modo drammatico, ma sembrano attenderla con serenità. Elemento fondamentale è il colore:  offre una tale dolcezza di toni e una tale trasparenza che le figure umane appaiono immerse nella natura costituendo con essa un'unica entità, ed è ancora il colore a rendere profondo lo spazio.

# data[].attributes.body
Giorgione assume una particolare importanza perché le sue opere sono emblematiche e rapppresentano una sintesi di quella che è stata la ricerca portata avanti da Leonardo e l'iconografia barocca, che anticipa di gran lunga.

# data[].attributes.body
Michelangelo progettò anche la monumentale Cupola di San Pietro, che doveva sovrastare l'intera basilica ed essere visibile da tutta la città.
https://youtu.be/bhruBOwnyUA

# data[].attributes.body
La Volta della cappella Sistina fu decorata con le storie della Genesi e altri soggetti dell'Antico Testamento. Le figure, se osservate da vicino, appaiono deformate, ma da lontano appaiono ben proporzionate.

# data[].attributes.body
Tour virtuale Cappella Sistina

# data[].attributes.body
Il corpo del David è bello come quello di una statua antica ed esprime la sua forza fisica e morale. Divenne subito il simbolo della forza della Repubblica fiorentina: come lui aveva difeso il suo popolo, così i fiorentini erano invitati a lottare per difendere la loro città e governarla con giustizia.

# data[].attributes.body
Scultore, pittore, architetto e poeta entrato nella storia dell’arte e nell’immaginario collettivo come un genio tra i più grandi di tutti i tempi. Già in vita fu riconosciuto dai suoi contemporanei come un artista di straordinario spessore, animato da una personalità tanto geniale quanto irrequieta.

# data[].attributes.body
Marco (15:17) “i soldati lo condussero dentro il cortile, cioè nel pretorio, e convocarono tutta la coorte. Lo rivestirono di porpora e, dopo aver intrecciato una corona di spine, gliela misero sul capo. Cominciarono poi a salutarlo: “Salve, re dei Giudei!”.

# data[].attributes.body
La composizione è priva di linee orizzontali o verticali e le figure, illuminate da una forte luce radiante, s’intrecciano in posizioni angolari e con un moto vorticoso.

# data[].attributes.body
Il quadro rappresenta un’allegoria del matrimonio e doveva servire alla giovane moglie del duca: l’erotismo evidente del dipinto, infatti, doveva ricordarle i doveri matrimoniali nei confronti dello sposo. Il cagnolino ai piedi della donna è simbolo di fedeltà coniugale, mentre alle spalle, la domestica che guarda la bambina mentre rovista in un cassettone è un augurio di maternità.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
This painting was purchased in 1538 by Guidobaldo della Rovere, duke of Urbino, who called it the image of a "nude woman" in the correspondence with his ambassador in Venice. It was Giorgio Vasari who described it as "a young Venus lying down", an identification thereafter unanimously accepted. It reached Florence with Vittoria della Rovere who, in 1631, inherited the estate of her grandfather, Francesco Maria II; in 1637, she married Ferdinand II of Tuscany. The Venus was placed in the Tribuna of the Uffizi in 1736, but it was hidden from the visitors' view by a cover depicting Sacred Love.

# data[].attributes.attachment_link.title
Venus of Urbino - Tiziano Vecellio - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
This painting was purchased in 1538 by Guidobaldo della Rovere, duke of Urbino, who called it the image of a "nude woman" in the correspondence with his ambassador in Venice. It was Giorgio Vasari who described it as "a young Venus lying down", an identification thereafter unanimously accepted.

# data[].attributes.body
Nel corso di una lunga e prolifica carriera, dominò l’arte veneziana durante il suo periodo d’oro e lavorò per molti e prestigiosi committenti fuori dalla città; i suoi dipinti ebbero un’influenza profonda e duratura in tutta l’arte europea.

# data[].attributes.body
La fuga in profondità di prati nei quali sorgono le architetture sottolinea l’integrazione tra l’umano e il naturale.
Il gesto spontaneo di Gesù che afferra la croce anticipa il suo sacrificio futuro e la morte per crocifissione. Anche il papavero rosso rappresenta il sangue che Cristo verserà per la salvezza degli uomini.

# data[].attributes.body
Al centro avviene l'apparizione dell'angelo, dove Pietro giace ancora immerso nel sonno e avvinto dalle catene; l'apparizione luminosa dell'angelo e le sbarre in controluce generano un sorprendente effetto di profondità spaziale.
A destra l'angelo conduce l'apostolo fuori dal carcere, in un'atmosfera tra sogno e realtà, mentre a sinistra dei soldati scoprono la fuga.

# data[].attributes.body
Nel 1508 Raffaello Sanzio viene invitato dal papa Giulio II della Rovere a decorare alcuni ambienti dei nuovi appartamenti papali.

# data[].attributes.body
Pittore e architetto fra i più celebri del Rinascimento. La sua esperienza è considerata profondamente innovativa per le numerose opere iconiche e per il modo in cui queste sono state prodotte.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
di Laura Corchia

Per Giorgio Vasari, lo sfumato è una tecnica "molto fumeggiante", ossia rende figure ed oggetti come avvolti da un sottile pulviscolo atmosferico, una specie di nebbia che tutto avvolge e che tende a fondere i contorni con l'atmosfera circostante.

Se la pittura del Quattrocento appare caratterizzata da un imprescindibile ricorso al disegno e da un conseguente prevalere dell'uso della linea di contorno, con Leonardo da Vinci si affermano i toni smorzati, i paesaggi che si perdono in lontananza, le sottilissime gradazioni luminose, i delicati passaggi chiaroscurali. Tutto ciò conferisce al dipinto un effetto morbido e, anche ad una visione ravvicinata, è pressoché difficile distinguere le pennellate che compongono l'impasto cromatico. L'artista, al fine di ottenere risultati sempre più ottimali, ricorreva spesso all'uso delle dita o di pezze di stoffa e utilizzava colori non coprenti, applicati per velature sovrapposte.

Tale tecnica nacque attraverso l'osservazione diretta della realtà. Leonardo, infatti, constatò che ogni elemento esistente in natura non era contornato da una netta linea di demarcazione e che, in campo artistico, ciò poteva portare alla realizzazione di figure dai tratti marcati e grotteschi, più simili a caricature che ad esseri umani, animali o vegetali. Tuttavia, le sue opere mantengono sempre una saldezza disegnativa tipica della tradizione fiorentina. Inoltre, da uomo di scienza qual era, Leonardo aveva notato che l'aria non è del tutto trasparente, ma ha un colore tendente all'azzurro e, frapponendosi tra noi e l'oggetto osservato, modifica le tonalità e rende i contorni meno netti.

Osservando opere come la Gioconda o Sant'Anna, la Vergine, e il Bambino con l'agnello, ci si rende perfettamente conto dell'effetto studiato ed ottenuto dal nostro artista. I due dipinti sono eseguiti con la tecnica della pittura ad olio su tavola e, in entrambi i casi, il paesaggio che fa da sfondo ai personaggi è reso con la tecnica della prospettiva aerea o naturale. Montagne, alberi e corsi d'acqua non ci appaiono nitidi, bensì avvolti da un sottile pulviscolo che uniforma le tonalità e che rende i contorni meno definiti. Man mano che gli elementi si allontanano, l'occhio dell'osservatore fatica a distinguere i singoli elementi, che si perdono nell'orizzonte lontano e si fondono con il cielo.

RIPRODUZIONE RISERVATA

# data[].attributes.attachment_link.title
Leonardo: lo "sfumato" e la "prospettiva aerea". Cosa sono e come si ottengono | RestaurArs

# data[].attributes.attachment_link.description
di Laura Corchia Per Giorgio Vasari, lo sfumato è una tecnica "molto fumeggiante", ossia rende figure ed oggetti come avvolti da un sottile pulviscolo

# data[].attributes.body
La tecnica dello sfumato  permette di ottenere una particolare intensità psicologica. La Gioconda assume un’espressione serena ma molto determinata,: osserva in direzione dello spettatore, consapevole di essere l’oggetto del suo sguardo.
Il paesaggio è dipinto con l’uso della prospettiva aerea.

# data[].attributes.body
È stato un artista poliedrico di grande talento: poteva vantare una profonda esperienza in ogni campo, da quello artistico a quello medico, astronomico... è considerato uno dei geni dell'umanità. Nessuno come lui è riuscito ad incarnare le pulsioni e le passioni che hanno reso grande il Rinascimento

# data[].attributes.body
Va dal 1500 circa fino al 1530 circa; è la stagione delle certezze: l’artista è ormai considerato un intellettuale e non più solo un artigiano e la sua considerazione sociale si è accresciuta col tempo. L’artista perfetto del Cinquecento è colui che non solo padroneggia le tecniche della propria arte e la conoscenza più o meno profonda di alcune discipline, ma ne è addirittura maestro.

# data[].attributes.body
Gli studiosi hanno contato 190 diverse piante fiorite, identificandone 138.

# data[].attributes.body
I personaggi presentano forme allungate e flessuose e lo spazio è privo di profondità. La luce è astratta, vuole solo far risaltare figure e dettagli. L'assenza di prospettiva e lo stile usato da Botticelli servono a chiarire che la pittura deve saper creare una realtà perfetta.

# data[].attributes.body
I melaranci, detti anche mala medica per le loro proprietà terapeutiche, sono allusivi alla stirpe medicea.

# data[].attributes.body
Lo schema compositivo dell’opera richiama quello tradizionale del battesimo di Gesù. Il nudo di Venere ha quindi carattere spirituale e non sensuale e celebra la “vera bellezza": rispetta l'ideale di perfezione, tanto da presentare particolari quasi inumani. Non pare in imbarazzo,forse perché è al di sopra di questa emozione.
Non c'è prospettiva geometrica.

# data[].attributes.body
Botticelli ricerca un armonioso equilibrio compositivo, in cui sceglie soprattutto composizioni sciolte, ritmiche. La sua pittura è piena di riferimenti e significati intellettualistici molto complessi, legati all’elite culturale mediceo, che oggi risultano misteriosi o quasi indecifrabili.

# data[].attributes.attachment_link.title
Piero della Francesca: vita e opere in 10 punti

# data[].attributes.body
Nel dipinto prevalgono le architetture ordinate e razionali. Solo sullo sfondo si intravede il cielo e la chioma di un albero. Le linee di fuga convergono verso un punto prossimo al pavimento e la sensazione è quella di osservare la scena dal basso. La prospettiva rende chiara la distanza dal primo piano allo sfondo.

# data[].attributes.body
I tre angeli rappresentano il riavvicinamento delle due Chiese dopo lo scisma, mentre la colomba è l'allegoria dello Spirito Santo. Gli alberi conici e i tronchi d'albero, proiettando la loro ombra, danno la misura della profondità dello spazio prospettico e della lontananza dei colli. La luce è cristallina e illumina ogni zona della scena.

# data[].attributes.body
L’assoluto rigore matematico delle sue creazioni contribuisce a esaltarne la qualità astratta e iconica della pittura: le figure tendono a diventare volumi geometrici luminosissimi, la luce è bianca e risponde alle leggi prospettiche. Ogni cosa si inserisce armonicamente in uno spazio perfetto e razionale, mentre ogni movimento è come congelato.

# data[].attributes.body
Cavalli, cavalieri, persino le armi sono sottoposte ad un rigoroso controllo prospettico: le lance spezzate a terra creano una griglia prospettica e il loro orientamento permette di percepire una progressione di profondità.  Vi è un secondo piano, descritto con un punto di vista diverso rispetto al primo.

# data[].attributes.body
visione dal basso

# data[].attributes.body
Affresco che rappresenta una statua. I volumi sono resi in due dimensioni,  grazie ad un bilancio sapiente delle luci ed ombre. Il colore quasi monocromatico caratterizza la statua, di freddo marmo e trasmette questa sensazione. Presenta due punti di fuga: il basamento è scorciato dal basso, cavallo e cavaliere sono ritratti frontalmente.

# data[].attributes.body
È uno dei più affascinanti pittori del Quattrocento italiano, soprattutto per le sue continue sperimentazioni in campo prospettico. Le sue opere sono caratterizzate dallo studio accurato della prospettiva e della resa volumetrica delle figure.

# data[].attributes.body
Leon Battista Alberti si occupò dei lavori per la facciata. Diviso in tre piani, presenta lesene doriche al primo piano, corinzie al secondo e attiche al terzo.Al secondo e terzo piano vi sono bifore timpanate. Al primo piano due ingressi molto massicci architravati chiusi da
lesene corinzie su alta base.

# data[].attributes.body
Per la facciata venne adottata la struttura tipica dell’arco di trionfo romano. Poggia su un alto stilobate, e vi è un fregio su cui corre l’iscrizione SIGISMUNDUS PANDULFUS MALATESTA PANDVLFI F V FECIT ANNO GRATIAE MCCCCL, ovvero “Sigismondo Pandolfo Malatesta, figlio di Pandolfo, realizzò per voto nell’anno di grazia 1450”.

# data[].attributes.attachment_link.title
Leon Battista Alberti: vita e opere in 10 punti

# data[].attributes.body
Oltre che architetto è uno studioso e un teorico, ha una cultura vastissima,tanto che è uno dei primi archeologi della storie, e un'attività multiforme che si riflettono nelle sue opere. L'architettura albertiana ha fatto scuola, offre dei modelli esemplari, che trasmettono valori senza tempo.

# data[].attributes.body
Il dolore lacera entrambe le figure, che nonostante questo accettano il castigo a loro inflitto.