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¿Por qué puede ser considerado un exponente del Renacimiento?

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¿Por qué puede ser considerado un exponente del Renacimiento?

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Leonardo da Vinci es considerado como el auténtico homo universalis, hombre del Renacimiento, ya que su sabiduría abarcaba conocimientos de distinta índole, convirtiéndole en uno de los hombres más polifacéticos de la historia.

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La composición de “La Última Cena” está organizada usando medidas geométricas. En la obra se identifican tres planos de profundidad: la escena de la eucaristía, las paredes del local y el paisaje que se observa a través de las ventanas. La simetría está marcada por Cristo como eje. Su figura, en forma piramidal (como es muy habitual en el pintor) ocupa una porción importante del espacio central, aislado del resto y recortada a contraluz contra la ventana que, con su frontón curvo, vuelve a remarcar su figura.
El uso del color se encuentra sometido a la composición simétrica que realza la figura de Cristo. De esta forma se emplea de forma equilibrada, sobre todo en los dos básicos (azul y rojo), que se distribuyen por el cuadro haciendo pareja con el lado contrario.  Esta alternancia se culmina en la figura de Cristo, dividida en dos zonas cromáticas que resumen todo el cuadro. El resto del lienzo está ocupado por tonos terrosos de carácter neutro que eliminan distracciones y concentran la mirada en la acción.
Encontramos dos focos de luz en la obra. Uno procede desde el exterior, a la izquierda del espectador. Su función es iluminar la escena y sus personajes suavemente, sin crear un claroscuro excesivo ni expresivo. No tiene, por tanto, otras funciones que las descriptivas, sin intenciones de dar mayor intensidad a la escena. En el fondo, tras la tres ventanas abiertas, proviene otra luz, esta vez exterior y azulada. Su origen puede encontrarse en el mundo flamenco del que tantas cosas extraería Leonardo (luz fría y azulada, las ventanas que producen un diálogo interior-exterior,). Esta doble disposición de luces tendrá un amplio eco en autores posteriores, como Tiziano o el propio Velázquez en sus Meninas.
La rapidez e imposibilidad de retoques que tenía la tradicional técnica al fresco, utilizada habitualmente para este tipo de trabajos, hizo que Leonardo buscara nuevas formas que le permitieran un trabajo más sosegado (por lo que de intelectual tenía) y con posibilidad de reformas. Fue por ello por lo que probó una técnica de óleo sobre el muro que muy pronto (antes de terminarse) demostró su poca adaptación al muro, por lo demás contiguo a la cocina y su calor que hizo deteriorarse rápidamente toda la escena.
Leonardo utiliza en la obra tres formas de conseguir un espacio tridimensional. Por una parte las paredes y el techo crean líneas de fuga a través de los tapices y casetones que nos conducen hacia la pared del fondo (perspectiva lineal). Por otra parte se busca una definición del espacio a través de la nitidez de los perfiles (más cuanto más cerca) que contrastan con el fondo azulado y borroso del paisaje tras las ventanas. (Perspectiva aérea). Además de lo dicho, en todo el lienzo se recurre a la alternancia rítmica de zonas claras y oscuras en profundidad que consiguen crear la impresión tridimensional. Es importante señalar que Leonardo no quiso, tan sólo, crear este artificio de tridimensionalidad en el espacio representado, sino que intentó unificar éste con el real del propio refectorio. La forma de realizarlo se basa en conseguir una simulación de continuidad en la zona pintada que se cubre con la misma techumbre que la real, sigue el ritmo de las paredes repitiendo sus mismos motivos e incluso es iluminada desde el mismo lado (la izquierda) que la sala real. De esta manera se consigue unificar escena con realidad, acercando el tema al espectador que se siente incluido en el mismo espacio. (Esta técnica de engaño visual será continuada con especial interés durante toda la época barroca).
El tema es la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra el Nuevo Testamento. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus doce discípulos le traicionará. Fue encargada por Ludovico Sforza para el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia.

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También conocida como La Gioconda, La Mona Lisa es un óleo sobre madera pintado por Leonardo entre 1503 y 1506. La pintura es un retrato de Mona Lisa, la joven esposa de Franceso de Giocondo.

Desde el punto de vista de la composición, la Mona Lisa es un retrato de medio cuerpo, o de tres cuartos, sobre un paisaje que se divide en dos atmósferas, una más fría (la superior) y otra más cálida con colores terrosos (la inferior).
“La nueva luz es más homogénea en el conjunto de la obra, ya no hay pequeñas zonas algo más oscuras”, relata una portavoz del museo. “No es el día y la noche, la diferencia no es muy perceptible a primera vista”, admite, “pero si se fija bien, se ve el azul del cielo y del agua del fondo de forma más nítida”.
La gama de colores que utilizó para esta obra eran: combinaciones de rosas, pieles, morados, azules verdes y rojos representan los matices de la humanidad.
La técnica del sfumato, que inventó Leonardo da Vinci en el Renacimiento, se obtiene por superposición de capas de pintura, con lo cual se logran contornos difusos. Él mismo la definió como: “sin líneas o bordes”. Además, esta técnica, que consiste en “suavizar el contorno de las figuras, contribuye a la pintura, aportando profundidad y realismo.
En la representación se introduce la perspectiva atmosférica que tanto influirá en el Barroco y en Velázquez. En este retrato, Leonardo colocó la figura en primer plano, pintándola con nitidez, mientras que el paisaje es suavemente difuminado. Esto ayuda a construir una sensación de distancia respecto del paisaje, pero de cercanía respecto de la figura femenina retratada. Así, la mirada se pierde en el horizonte. Se trata de una perfecta utilización de las técnicas del sfumato y la perspectiva atmosférica.
En relación al retrato en sí y a su famosa sonrisa, hay que decir que se encuentra una expresión semejante en otras obras del artista, como Santa Ana y San Juan.

Sin embargo, la sonrisa puede haber sido apenas la representación fidedigna del modelo o expresión de la influencia de la sonrisa arcaica del arte griego (ver imagen de Koré) que tanto incidió en el Renacimiento.

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Algunas son La Gioconda, La Última Cena, El Hombre de Vitruvio, Salvator Mundi y La Dama del Armiño. Nosotras vamos a analizar "La Mona Lisa" y "La Última cena".

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Nacido el 15 de abril de 1452​-Amboise, y muerto el 2 de mayo de 1519. Fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo,​ artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.