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Fernando Alba conecta a través de su obra con lo telúrico, pues la tierra es para él una fuente de inspiración inagotable en la que encuentra la armonía estética y el equilibrio formal y sensorial.  Sus inicios vienen marcados por el empleo del barro aunque a lo largo de su carrera irá trabajando distintos materiales como la madera, el hierro o el aluminio como en la obra que nos ocupa.

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José Viola Gamón (Zaragoza, 1916 – San Lorenzo de El Escorial, 1987)

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José Viola Gamón (Zaragoza, 1916 – San Lorenzo de El Escorial, 1987)

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Biografía.

Tuvo estudios de filosofía y letras, aunque los abandonó debido a la guerra.  Después de esto adopta el pseudónimo de Manuel Viola y se exilia a Francia donde empieza a exponer obras en la Escuela Española de París.

En 1949 regresa a España y 9 años después se integra al grupo pictórico de vanguardia El Paso. Se le consideraba alguien culto, aunque su apariencia fuera completamente diferente.

Para obtener su posterior pintura desde 1957, con La Saeta, de 1958, como emblemático cuadro, utiliza diversos componentes que combina con pocas variantes. Los fondos suelen ser negros, a veces algo alterados por otros colores, para que tengan un tono misterioso y dramático.

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Se trata de una obra en la que el pintor nos muestra uno de sus característicos mundos abigarrados formado por innumerables personajes. El título de la obra nos aproxima a uno de los espacios que más le atrae, el de la infancia, por su frescura, su pureza y por la ausencia total de academicismo. También nos acerca con algunos personajes al mundo de la Edad Media, otro de sus lugares comunes, una época cargada de simbolismo en el que no deja de encontrar inspiración.  En el centro una niña acompañada por un león. Las figuras se yuxtaponen sin dejar ningún espacio vacío y sin perspectiva. Aurelio utiliza en esta obra su paleta más habitual compuesta en la que predomina el

bermellón, el amarillo limón, el azul ultramarino, el verde esmeralda junto con el blanco y negro. En la obra consigue una personal y extraña sensación

atmosférica.

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Se trata de una plancha de aluminio de forma rectangular en la que el artista ha realizado dos incisiones principales a lo largo y a lo ancho. Es un claro ejemplo de la inspiración del artista en las fuerzas telúricas.

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Aurelio Suarez trabajó como decorador de cerámica en Gijón al mismo tiempo que pintaba sus obras. Desarrolla su obra al margen de las modas. También es un gran estudioso de la entomología, algo que se refleja en su universo (conservación y estudio de los insectos).

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Es un grabado de técnica mixta de 1980 que destaca por la presencia de signos o grafismos realizados con trazo grueso, el signo tiene una gran capacidad de atracción sobre la mirada. La obra se situaría en el marco de los grabados que representan signos sobre fragmentos de periódico o papeles doblados con un aspecto de arte pobre. Tanto el uso de la numerología como la cruz tienen un significado especial en la obra de Tàpies. Todo ello aparece estampado sobre un falso collage, ya que lo que aparentemente es un papel real de periódico es una imitación del mismo.

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Es un grabado de técnica mixta de 1980 que destaca por la presencia de signos o grafismos realizados con trazo grueso, el signo tiene una gran capacidad de atracción sobre la mirada. La obra se situaría en el marco de los grabados que representan signos sobre fragmentos de periódico o papeles doblados con un aspecto de arte pobre. Tanto el uso de la numerología como la cruz tienen un significado especial en la obra de Tàpies. Todo ello aparece estampado sobre un falso collage, ya que lo que aparentemente es un papel real de periódico es una imitación del mismo.

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Antoni Tápies nace en Barcelona el 13 de diciembre de 1923 y muere el 6 de febrero de 2012

En su adolescencia sufre una enfermedad pulmonar que le hace abandonar los estudios de Derecho y, en el comienzo de su andadura artística, hacia los años cuarenta.

En 1948 expuso por primera vez su obra en el I Salón de Octubre de Barcelona, mostrando dos obras de 1947: Pintura y Encolado. Viajó a París (1950), donde consiguió exponer en el concurso internacional Carnegie de Pittsburgh, y donde conoció a Picasso. Fue seleccionado para representar a España en la Bienal de Venecia, donde participó varias veces. Expuso en Chicago y Madrid; en el mismo año en el que la marchante Martha Jackson le organizó una exposición en Nueva York, dándolo a conocer en Estados Unidos.

En 1960 participó en la exposición New Spanish Painting and Sculpture en el MOMA de Nueva York. Se dedicó al cartelismo, realizando en 1984 una exposición con su principal obra cartelística, así como a la producción gráfica, no dejó de recibir numerosos reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional, organizándose exposiciones retrospectivas de su obra en los mejores museos y galerías del mundo. Debido a los estragos de la II Guerra Mundial y el lanzamiento de la bomba atómica, expresó su interés por el polvo, la tierra, la materia y los átomos a través de técnicas innovadoras.

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Tápies fue uno de los fundadores de la revista Dau al Set, su propio título (Número siete en el dado) ya nos habla del surrealismo. Tàpies abandonó su vinculación a la revista en 1951, aunque siguió contribuyendo esporádicamente hasta su desaparición. Algunos de sus compañeros en Dau al Set fueron Joan Brossa y Cirlot.

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Tápies fue uno de los fundadores de la revista Dau al Set, su propio título (Número siete en el dado) ya nos habla del surrealismo. Tàpies abandonó su vinculación a la revista en 1951, aunque siguió contribuyendo esporádicamente hasta su desaparición. Algunos de sus compañeros en Dau al Set fueron Joan Brossa y Cirlot.

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Pintura de oleo sobre lienzo de gran formato en el que se representa mediante una paleta de colores  limitada al negro, gris y ocres algo tan intimo como el taller de un artista. que el autor nos presenta combinando una figuración muy esquemática junto manchas y elementos geométricos de carácter gestual, algo habitual en la obra  de Pelayo Ortega que combina con maestría abstracción y figuración.
Destacan así mismo las calidades de las diferentes texturas utilizadas en la aplicación de los colores.

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-El artista ,nacido en Johannesburgo en 1955, comenzó su formación superior cursando estudios de Ciencias Políticas y Estudios Africanos. Posteriormente se matriculó en Bellas Artes en la fundación de Arte de Johannesburgo. En la década de 1980 cursó estudios de teatro en París. Sin duda su formación multidisciplinar le convierte en un artista único pues en su obra combina el cine con el dibujo, el diseño y el teatro.

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-Obra de William Kentridge, realizada el 19 de octubre de 2017 durante la visita al IBQ tras la participación del centro en el Programa educativo de la Fundación Princesa Sofía ‘’Toma la palabra,’ cuyo objetivo es acercar a los centros educativos a los personajes premiados. La obra se realiza a carboncillo y mano alzada, en blanco y negro, que Kentridge durante el encuentro con los alumnos y alumnas del Bachillerato Artístico del Centro.
El rinoceronte es un motivo recurrente en la obra de Kentridge, aparece en diferentes dibujos y también en animaciones como la realizada para la ópera La Flauta Mágica, es un animal africano, salvaje y fuerte que de alguna manera simboliza el espíritu de su tierra.

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-Sus mayores referentes son artistas como: Goya, Picasso y Max Beckmann.
A nivel personal ,sus padres,ambos abogados comprometidos con la lucha antiapartheid. Su padre fue defensor de Nelson Mandela y Desmond Tutu. Gracias a la educación recibida en su casa, Kentridge considera que en su  condición de sudafricano, blanco y privilegiado, lo menos que puede hacer es trabajar duro.

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Kentridge durante su clase magistral a los alumnos del IBQ.

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-Es imposible clasificar a Kentridge en un solo estilo,ya que es contemporáneo,multidisciplinar, polimórfico,y su mayor cualidad es la de su compromiso contra la lucha antiapartheid. El carboncillo es su fundamental forma  de expresión alternándose con incursiones en el mundo del cine y el teatro. Comienza a tener relevancia en los años 80 a través de una serie de dibujos a gran escala. En su primera obra abordó el apartheid en pósteres para los sindicatos.

Extiende su plástica a montajes de ópera y teatro con obras que han sido representadas.

-Kentridge considera que podría ser un buen pintor amateur ya que se le  dan bien las naturalezas muertas, pero los materiales de la pintura no le sirven para entender el mundo, eso solo puede darse  el dibujo. Para él, el dibujo es una forma de reflexionar.

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Creada en 1971 este cuadro de gran formato, pintado con polvo de mármol, óleo y pigmentos, dibuja cuatro barras rojas sobre un fondo amarillo oscuro. Es un gran cartel, un grafiti formado con palabras como Llibertat, Democracia, Veritat o Cultura entre otras muchas componiendo un manifiesto donde se destaca sobre todas ellas la de Catalunya como símbolo y síntesis de ese mensaje. Palabras que comparten el mismo espacio que esas huellas rojas como arañazos de los que tal vez pudieron apenas escribirlas. Agonizante el largo período franquista, disipándose como negro humo, van apareciendo debajo las señales de lo que había estado antes y estaría de nuevo, como ese ojo que mira como si no hubiera sido cerrado nunca, o esa boca abierta congelada en una voz que quiere volver a oírse con más fuerza que cuando fue callada.

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Es una instalación que combina objetos modestos y pobres con elementos pictóricos y escultóricos. En el vestíbulo del Museo, y a la altura del primer piso, una enorme cama metálica blanca de hospital se sostiene fijada a la pared en posición vertical. Cinco somiers de madera recuperados, mantas de lana y almohadas cuelgan de la cama en frágil equilibrio. En la pared pueden verse los números 1, 2 y 3. Y en el cristal de la fachada del edificio aparecen pintadas cruces junto al título de la obra en grandes caracteres. Este conjunto de elementos dialoga con la pintura que tiene justo delante: Dissabte, un cuadríptico matérico casi monocromo (en tonos terrosos) con cruces en los extremos y las palabras «dissabte» y «sàbat» desdibujadas en la base. El resto de la obra consiste en un grupo de diez sillas de hierro pintadas de blanco colocadas en fila en la terraza exterior del Museo. Estas se presentan enlazadas por una estructura metálica negra con diversas cruces, uno de los símbolos más utilizados por el artista. Completa la obra una silla solitaria situada frente a un dibujo que sugiere unas gafas, símbolo de la visión y la contemplación. La simbología de la obra es compleja. Cuando se presentó en Venecia en 1993, el país vecino se hallaba en plena guerra de Bosnia. La presencia de una cama de hospital y de los somieres, como símbolo de inestabilidad y fragilidad, era una alusión a la guerra. Pero la obra también parte de un recuerdo de infancia que impactó al artista.

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Es una instalación que combina objetos modestos y pobres con elementos pictóricos y escultóricos. En el vestíbulo del Museo, y a la altura del primer piso, una enorme cama metálica blanca de hospital se sostiene fijada a la pared en posición vertical. Cinco somiers de madera recuperados, mantas de lana y almohadas cuelgan de la cama en frágil equilibrio. En la pared pueden verse los números 1, 2 y 3. Y en el cristal de la fachada del edificio aparecen pintadas cruces junto al título de la obra en grandes caracteres. Este conjunto de elementos dialoga con la pintura que tiene justo delante: Dissabte, un cuadríptico matérico casi monocromo (en tonos terrosos) con cruces en los extremos y las palabras «dissabte» y «sàbat» desdibujadas en la base. El resto de la obra consiste en un grupo de diez sillas de hierro pintadas de blanco colocadas en fila en la terraza exterior del Museo. Estas se presentan enlazadas por una estructura metálica negra con diversas cruces, uno de los símbolos más utilizados por el artista. Completa la obra una silla solitaria situada frente a un dibujo que sugiere unas gafas, símbolo de la visión y la contemplación. La simbología de la obra es compleja. Cuando se presentó en Venecia en 1993, el país vecino se hallaba en plena guerra de Bosnia. La presencia de una cama de hospital y de los somieres, como símbolo de inestabilidad y fragilidad, era una alusión a la guerra. Pero la obra también parte de un recuerdo de infancia que impactó al artista.

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Fernando Alba (La Folguerosa, Malleza, Salas, 1944).Su etapa de formación estuvo marcada por su amistad con el pintor valenciano afincado en Asturias Jorge Martínez Jordán, con quien aprendió dibujo y modelado del natural. Completó su formación artística en la Escuela de Artes Aplicadas de Oviedo y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En los primeros años 90, su obra estuvo centrada en el trabajo en madera.

En 1966 realiza su primera exposición individual en la galería Benedet de Oviedo.

En la actualidad es profesor de la Escuela de Artes Aplicadas de Oviedo.

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En 1971 funda el grupo Astur 71 junto a los escultores Mariano Navascués, Manuel Arenas y María Antonia Salomé y el pintor Alejandro Mieres, algunos de ellos representados también en la colección del IBQ.

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En esta serigrafía aparece un gran número de de formas que representan a un grupo de personajes que, como bien nos indica el título, parecen que se mueven a ritmo de Jazz. Alguno de ellos aparece acompañado de textos escritos en bocadillos que incitan al humor por su contenido surrealista, por ejemplo: «Je suist socialiste» ...

Para Saura, la risa es muy importante porque forma parte de la cultura española, de la fiesta, y de la poesía moderna. En el caso de la serigrafía de la colección, se dan además algunos elementos de la cultura popular como la música o el cómic.
Otra particularidad de la obra gráfica de Saura es que, mientras que en sus pinturas utiliza una paleta que prácticamente se reduce al negro, blanco y gris, aquí introduce un colorido que va en consonancia con la escena representada, rojos, azules, anaranjados o amarillos acompañados del color plateado de las envolturas de chewin gum que introduce como collage.
El "Coctail Party" de nuestra colección forma parte de una serie, aunque en realidad el artista revisita el tema en diversas ocasiones, de ahí que encontremos otros "Cocktail Party" en lugares como el Metropolitan de Nueva York o en la colección del Museo de Arte Abstracto de Cuenca.

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Antonio Saura, nace en Huesca en 1930.

De salud frágil desde la infancia, el pintor confiesa su ilusión por la vida y los coqueteos continuos con la muerte que se ven reflejados en sus cuadros. La pintura ha sido su terapia contra el dolor y la enfermedad.

Autodidacta que por primera vez expone en Madrid, viaja a París en el año 1951. Vuelve en 1954 hasta 1956, donde contacta con el surrealismo, muy pronto lo abandona y comienza a explorar el mundo de la abstracción.

En España, fundó el grupo El Paso junto a otros artistas, que también están representados en la colección del Bernaldo de Quirós.

En su etapa de madurez, evoluciona hacia un estilo absolutamente personal teniendo como referentes a maestros españoles como Goya o Velázquez.

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El artista no dudó en coger el carboncillo y dibujar. Lo que empezó siendo una serie aparentemente caótica de líneas, se terminó convirtiendo en el esbozo de una figura en la que se podía distinguir con claridad un rinoceronte.

El autor dio una clase magistral sobre cómo debe dibujar un artista.En primer lugar, se trata de medir el tamaño de la hoja de papel y se empieza a definir la forma de un rinoceronte, por ejemplo. Pero luego, cuando se da un paso hacia atrás, puedes ver lo mal que está dibujado, y que el imbécil que lo ha hecho tendría que saber hacerlo mejor. Después de cuarenta años de dibujo,Kentridge afirmó que su dibujo era realmente malo ,diciéndole a los alumnos ‘’Entonces se le da la instrucción de que vuelva y lo haga mejor. Y luego dice: bueno, es verdad, no es tan fácil, y ese diálogo continúa siempre´´.

El artista ,nacido en Johannesburgo en 1955 e hijo de un abogado antiapartheid, Kentridge comenzó su formación superior cursando estudios de Ciencias Políticas y Estudios Africanos. Posteriormente se matriculó en Bellas Artes en la fundación de Arte de Johannesburgo. En la década de 1980 cursó estudios de teatro en París. Sin duda su formación multidisciplinar le convierte en un artista único pues en su obra combina el cine con el dibujo, el diseño y el teatro.

Sus mayores referentes son referentes: Goya, Picasso y Max Beckmann.También lo son sus padres,ambos abogados comprometidos con la lucha antiapartheid. Su padre fue defensor de Nelson Mandela y Desmond Tutu. Gracias a la educación recibida en su casa, Kentridge considera que en su  condición de sudafricano, blanco y privilegiado, lo menos que puede hacer es trabajar duro.

Es imposible clasificar a Kentridge en un solo estilo,ya que es contemporáneo,multidisciplinar,polimórfico,y su mayor cualidad es la de su compromiso contra la lucha antiapartheid,reflejado constantemente en su obra. El carboncillo es su fundamental forma  de expresión alternándose con incursiones en el mundo del cine y el teatro. Comienza a tener relevancia en los años 80 a través de una serie de dibujos a gran escala. En su primera obra abordó el apartheid en pósteres para los sindicatos.

Extiende su plástica a montajes de ópera y teatro con obras que han sido representadas desde la Biennale de Venecia a la Documenta de Kassel, el Reina Sofía o el MET de Nueva York. Obras llenas de poética,incertidumbre, movimiento y provisionalidad que encuentran en el absurdo un hilo conductor para interpretar la realidad.Funda la incubadora The Centre for the Less Good Idea para potenciar una manera de crear más abierta entre músicos, bailarines y artistas.

Kentridge considera que podría ser un buen pintor amateur ya que se le  dan bien las naturalezas muertas, pero los materiales de la pintura no le sirven para entender el mundo, eso solo puede darse  el dibujo. Para él, el dibujo es una forma de reflexionar.

Para terminar de conocer bien al autor,es necesario saber algunos datos que él mismo ha dado , como que :´´Hay un tipo de arte político que tiene que ver con la representación de las certezas, pero a mi me interesa más la ambigüedad y la incertidumbre’’ y por último : “Para oponerse al ‘apartheid’ viviendo en él, uno debía aprender a convivir con la contradicción. Mi familia eligió esa opción para enfrentarse a él desde dentro”,

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Pelayo Ortega nace en Mieres en 1956.
Sus estudios de Bellas Artes los realizara primero en Gijón, en la agrupación gijonesa, después en la Escuela de Bellas Artes de Oviedo y los terminara en Madrid, donde reside actualmente.
Es pintor, grabador y escultor.
Actualmente forma parte de la galeria internacional Marlborough desde 1998.
Ha recibido numerosos premios tanto nacionales como internacionales, por ejemplo el " Premio Francisco de Goya de la Comunidad de Madrid" o " Premio Internacional de Arte Contemporacio de Monte Carlo"

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El artista empieza siendo autodidacta desde lo clasico, pasando por diferentes Vanguardias. Su obra ha evolucionado tanto formal como conceptualmente, buscando siempre el equilibrio entre figuración y abstracción. La abstracción sera laque vaya cobrando más protagonismo en un estilo expresionista que junta gesto abstracto, figuración y simbología.

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"La pintura es un sismografo del animo del artista" afirma Pelayo, sus pinturas son pintura sobre pintura y su mayor característica es moverse entre los abstracto y lo figurativo mediante figuras geométricas, manchas y dibujo.

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En 1984 Pelayo lleva a cabo una exposición titulada " Los hombres nerviosos", es a esta a la que pertenece " La mujer del pintor".
Los años 80 en España es una época de transición, de romper las cadenas de la represión y el aislamiento de la Dictadura franquista, una etapa de esperanza y liberación. En esta decada se abre El Museo de Bellas Artes de Asturias y aparecen las Casa de Cultura, entre ellas la de Mieres.

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Taller ojo de buey (2017) Óleo sobre lienzo. 80x100 cm

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N.Y. (2017) Óleo y grafito sobre lienzo. 150x150 cm.

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Pelayo Ortega

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Esta obra pertenece a Higinio del Valle, pintor leones nacido en el año  1940, en 1967 se instaló en Oviedo, donde ejerció de profesor de instituto y más tarde catedrático. En 1976 realizó su primera exposición en la ovetense Galería Tassili.  Si algo maravilla a este pintor no es el dominio depurado de las técnicas, sino el prodigio de la imaginación.

En este cuadro de gran tamaño, titulado Maternidad se aprecian dos figuras, una más grande que ocupa la gran parte del cuadro, y otra más pequeña entre los brazos de la anterior. Se puede deducir que es el cuerpo de una madre sosteniendo a su hijo. Todos los colores utilizados en el cuadro son en tonos pastel con el fondo negro, usa diferentes graduaciones del color carne, color piel, oscureciéndose a medida que se acerca al útero de la mujer. se trata de un oleo sobre tela.

La iluminación se proyecta de arriba hacia abajo, incidiendo más en la figura más pequeña, el autor considerará esa figura la más importante.  El hecho de que la figura de mayor tamaño no tenga cabeza, puede significar, que lo más importante de la maternidad está en sus anchas caderas, ya que eso es una parte fundamental para el parto, nos recuerda a las antiguas venus prehistóricas.

Por lo tanto, el cuadro no es realista, únicamente “dibuja” a través de formas redondeadas hacienso alusión al físico de una mujer.

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Enlace para saber más sobre Higinio del Valle: http://el.tesorodeoviedo.es/index.php?title=Higinio_del_Valle_Gorgojo

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Manuel del Río Castro, pintor y maestro de artistas, falleció el día de Navidad en su casa de La Correpiedra, en Las Caldas, a los 81 años de edad. Manuel era un hombre tímido, que huía del barullo de las exposiciones, y por eso se autoexilió de los circuitos comerciales, a pesar de contar con una clientela incondicional y entusiasta. Al instalare en Asturias, Manuel del Río entró en contacto con el grupo que se dio a conocer como «escuela paisajística ovetense», encabezado por Ruperto Álvarez Caravia.

«Sólo vivía para pintar y dibujar», declaraba su viuda, que contó luego que siguió haciéndolo, al menos dibujar, mientras su salud se lo permitió. En cierto modo, a los del impresionista francés.

El artista tuvo que afrontar la muerte de su única hija, Sandra, en un accidente de tráfico, una tragedia personal que marcó su vida y la de su esposa y que cambió profundamente su relación con la pintura.

Habitual de las tertulias y muy amigo de sus amigos, construyó en La Corrapiedra, en Las Caldas, un hogar para su familia y un lugar para recibir a sus amistades. Allí Manuel y Pilar crearon un microcosmos de cariño, de recuerdos, de buenos momentos y bastantes lágrimas, rodeados de cuadros, antigüedades y objetos de todo tipo que tenían una pequeña historia afectiva.

En 1960 Manuel del Río Castro (nacido en San Julián de Mos, Lugo, en 1926) tomó posesión de su plaza como docente en el Instituto Femenino de Enseñanza Media. Desde entonces ha vivido siempre en nuestra ciudad, como profesor en el Aramo, en la Escuela de Artes y Oficios y en la Escuela Universitaria de Magisterio, ocupando la cátedra de Expresión Plástica hasta su jubilación.

Había estudiado Manuel en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando gracias a la concesión de una beca de la Diputación de Lugo. Una vez finalizada la carrera se estableció durante seis años en París, malviviendo en una modesta buhardilla de Montmartre junto con el pintor extremeño Antonio Martín Romo, condiscípulo suyo en Madrid.     En un ángulo de la finca está el estudio de Manuel, un edificio abarrotado de pinturas, utensilios, recortes de prensa, libros y apuntes. Porque para él la pintura no era sólo un oficio, era una forma de entender la vida, una rutina diaria, incluso una obsesión. Su obra, pintada al óleo en su inmensa mayoría, incluye, además de paisajes asturianos, retratos familiares, estudios de la figura humana y bodegones. «Sólo vivía para pintar y dibujar», declaraba ayer su viuda, que contó luego que siguió haciéndolo, al menos dibujar, mientras su salud se lo permitió

Su obra, pintada al óleo en su inmensa mayoría, incluye, además de paisajes asturianos, retratos familiares, estudios de la figura humana y bodegones. Algún crítico se refirió a él como «el Cézanne asturiano» porque su técnica y su estilo recuerdan, en cierto modo, a los del impresionista francés. Aunque era poco amigo de exponer sus cuadros, Miguel del Río protagonizó una exposición en el año 1998 en el Centro de Arte Moderno «Ciudad de Oviedo», ahora desaparecido, que fue organizada por el Ayuntamiento y la Universidad de Oviedo.El artista tuvo que afrontar la muerte de su única hija, Sandra, en un accidente de tráfico, una tragedia personal que marcó su vida y la de su esposa y que cambió profundamente su relación con la pintura.Sus amigos le recordarán como un hombre bueno y afable, al que su viuda, Pilar Balsa, define como «un hombre entrañable, amigo de sus amigos y que sólo vivía para la pintura».

Es un pintura de pequeño formato que recrea un paisaje asturiano. En primer plano aparece una construcción típica de Asturias que se funde con el paisaje: pradera, árboles y montañas al fondo.

Usa tonalidades pasteles, y mezcla colores fríos( azules, morados) con algunos cálidos (rojo de las tejas)

En cuanto a las líneas: predominan las rectas en la cabaña y perpendiculares en las montañas.

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En este cuadro se contrapone el blanco y el negro, tiene una composición dinámica y central,

Hecho en una tabla de táblex (tablero de fibra de alta densidad) hecho con un estilo abstracto, surrealista y expresionista.

Utiliza tanto pinceladas gruesas como finas para dar volumen y dimensión a la obra

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Tiene un estilo personal, más tarde se empieza a expresar de manera abstracta con un toque expresionista y con cuidado del color. Tiene una gran afición al folclore, aunque en la mayoría de sus cuadros utilizaba colores oscuros y sin un contexto fijo.

Luz, espacio y vacío son los elementos que Viola destacaba más. Tiene un tratamiento en sus pinturas colorista e informalista.

En sus primeras pinturas figurativas usa temas como los gallos de pelea, cabezas de toreros y rostros de figuras masculinas y femeninas.

su primer período abstracto fue entre 1950 y 1956. Las abstracciones de 1950 tienen dos vertientes, preludio, en un caso, de los cuadros que representan el inicio de su obra personal, desde 1956, con el famoso cuadro La fragua.

En 1980 le otorgan La Medalla de Oro de la Ciudad de Zaragoza, en 1984 termina el telón de embocadura para la Compañía de Teatro Vocacional del Real Coliseo de Carlos III de El Escorial.

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CUIXART, MODESTMetamorfosis de Imperio, 1975

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CUIXART, MODESTMetamorfosis de Imperio, 1975

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Modest Cuixart nació a Barcelona el 2 de noviembre de 1925. Accedió en la universidad para iniciar la carrera de medicina, aunque lo que quería era ser pintor. Expuso obras en París e hizo grandes viajes. En esta época la pintura de Cuixart es oscura, negro con dorados y metales.A mediados de los sesentas abandona el informalismo y se decanta por el objeto y la figura. La muerte de Ramon de Batlle (su amigo), dejó de pintar durante una larga temporada y cuando se reconcilió con la pintura su obra se vio absolutamente violentada por esta pérdida, generando una etapa de terror y de dolor muy marcada. Su deseo durante estos últimos años fue expresarse en libertad y mostrar su forma de ser y de pensar a través de la pintura. Esta última etapa es de introspección dentro de la naturaleza con un informalismo de gran madurez, técnica y conceptual.  Fue una persona muy admirada y su pérdida tuvo mucho eco en la sociedad catalana. Murió el 1 de noviembre de 2007.
Las dos primeras corrientes corresponden a su etapa española que, junto a Joan Ponç o Antonio Tàpies- su primo- descubre el mundo intelectual catalán de postguerra que se verá reflejado con la fundación de la revista Dau Al Set, caracterizada por adoptar el surrealismo. El tercer estilo coincide con su viaje a Francia donde vivirá entre Lyon y París. En este tiempo Cuixart introduce no sólo nuevas técnicas o materiales -como el plástico, los trapos, las cuerdas, los metales y el ácido o arena- sino también el uso del collage como forma de composición pictórica lo que le acerca al pop art estadounidense. La última de sus etapas fue caracterizada por la presencia de la figura femenina.
-PRIMERA FOTO
-SEGUNDA FOTO
Nos encontramos con una litografía de impresión en una plancha metálica donde se observa el perfil y parte de torso de una figura femenina. En cuanto al uso del color. Para el fondo usa un tono ocre que resalta el blanco y negro de la imagen. El  foco de luz  recae en la parte central e inferior, el rostro y cuello de la figura mientras que la parte superior se ve más oscura. Alrededor del sombrero se pueden apreciar elementos vegetales que nos recuerdan a las obras de  Giuseppe Arcimboldo.
-TERCERA FOTO
El título, Metamorfosis de imperio de 1975  puede aludir a la transformación que sufre  la figura original. Parece que progresivamente los elementos de la naturaleza se van apropiando del ser humano.Este motivo de la unión entre el mundo de los seres humanos y el mundo vegetal  se repite en muchas de sus obras. Veamos otra de ellas. Se trata de una litografía a lápiz.
-CUARTA Y ULTIMA FOTO