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La historia del cine va acompañada de la evolución social, cultural y, por supuesto, tecnológica de las sociedades

Los comienzos del cine, hace ya más de cien años, se proyectaron primeramente con los inventos de los hermanos Lumière. Fueron sólo trucos o ideas de ensayo para probar cómo se podría recrear imágenes en movimientos, lo que quiere decir que estos dos científicos jamás pensaron en ser los primeros cineastas de la historia. Sin quererlo, sentaron las bases de un nuevo arte. Cabe resaltar que cuando se habla de cine, se hace referencia a un recuadro, una imagen, una foto. En 1816 Joseph Nicéphore Niépce, un litógrafo francés, grabó imágenes sobre placas metálicas recubiertas de un material sensible. Sólo en 1826 obtuvo unas primeras imágenes fotográficas, inéditas. La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, realizada con una cámara oscura y una placa de peltre recubierta en betún.

Los "orígenes primitivos" del cine no están en el siglo XIX, sino que se remonta a muchos años atrás. Inclusive hay registro desde el Medioevo, en el año 1521, cuando Leonardo Da Vinci creó la cámara oscura y, en compañía de algunos de sus alumnos, experimentó con sales de plata y notó algunas de sus propiedades fotosensibles.

También hay quienes afirman que el cine, o al menos sus principios básicos, emergió desde los primeros indicios de vida. Esta tesis se plantea en La cueva de los sueños olvidados [Werner Herzog, 1994], un documental sobre las pinturas rupestres de la cueva de Chauvet, descubiertas en 1992 en el departamento de Ardèche (Francia).

Es preciso involucrar términos como la fotografía y el documental para entender más a fondo lo que conlleva hacer cine. Sin embargo, no es sólo es de ello de lo que se compone este arte. De hecho involucra a muchas otras áreas, que con el paso del tiempo le han dado una mejor acogida y las ideas son mejor proyectadas. De este modo es importante resaltar todos los cambios y diferencias que ha habido entre el cine fílmico y el cine digital. En ese sentido es preciso saber con qué estaba hecho el cine fílmico y cómo se hacía. Hablando de los Lumière, ellos efectivamente crearon las primeras imágenes en movimiento con el cinematógrafo. Produjeron algunos videos caseros y otros tantos que reflejan la cotidianidad de su época, por lo que también fueron denominados los primeros documentalistas.

No obstante, en términos conceptuales, ellos no estaban haciendo cine. En el año 1896 el ilusionista francés Georges Méliés demostró el origen del cine con el cinematógrafo y señaló que no sólo servía para reproducir la realidad sino que podía falsearse, con lo que surgió el cine de una sola mente.

Méliés rodó el primer filme de larga duración, de quince minutos, denominado El caso Dreyfus, en 1899. En 1902 realizó sus filmes más notables, como lo fue Viaje a la Luna. Estos primeros comienzos del cine fueron sin duda un gran paso para la humanidad porque en ellos se reflejaban historias reales o irreales con utensilios asombrosos.

También descubrió que si se detenía la cámara en medio de una toma y se reorganizaban los elementos de la escenografía antes de continuar, se podía crear la ilusión del movimiento de objetos, o su desaparición, entre otros. Además experimentó con superposiciones, retrocediendo la película antes de comenzar la siguiente toma, de forma que se superpusieran las imágenes. Por esto Georges Méliéses considerado el primer director de efectos especiales.

Asimismo, durante la gestación de estos primeros indicios de cine, se dio paso al montaje. Figuras como Edwin Porter, D. W. Griffith y Billy Bitzer, pioneros del séptimo arte, conformaron lo que se denominó el cine moderno. Con primeros planos, desenfoques, fundidos abiertos, contraluces, diafragma en forma de iris, intercalación de escenas paralelas, dobles exposiciones y acciones en vivo en primer término con fondos pintados y proyectados, fueron constituyendo un nuevo lenguaje audiovisual con la ayuda de la cámara. Las primeras películas con estos montajes tuvieron gran éxito, entre las que se destacaron El acorazado Potemkim, de 1924; El nacimiento de una nación, de 1915, e Intolerancia, de 1916. El montaje entonces fue el proceso de unión de dos planos medidos o varios planos ordenados, para dotar de estructura armónica, con ritmo, el relato fílmico.

Luego llegó el cine sonoro en 1919, gracias al inventor estadounidense Lee De Forest, quien obtuvo varias patentes que llevarían a la primera tecnología de sonido óptico con aplicación comercial. En este sistema, la pista de sonido era grabada fotográficamente en un lado de la cinta de la película para crear una copia compuesta o "casada". Si se conseguía una correcta sincronización del sonido y la imagen en la grabación, se podía confiar absolutamente en la reproducción.

Por otra parte los estudios Warner, en 1926, desarrollaron un sistema sonoro que producía un volumen con un nivel que era adecuado para el proceso fílmico y estaba unido mecánicamente al proyector de película del cine. A esto se le llamó sistema Vitaphone. Oficialmente la primera película sonora data del año 1927: El cantante de jazz, de Alan Crosland.

Todo cambió con la incorporación del color. Esto influenciaría otros departamentos, como la iluminación, el maquillaje, el vestuario y la dirección artística, entre otros. Todo comienza con el desarrollo del primer proceso de revelado de película en color, denominado Autochrome. La primera compañía en emplear esta técnica fue la empresa Technicolor, en 1922 el cual incluía dos tiras de colores: uno estaba sensibilizado para la luz roja y el otro para la luz verde. Ambas películas se revelaban y positivaban sobre una película virgen y luego se utilizaban colorantes para igualar los tonos originales. La primera película producida en ese formato fue The Toll of the Sea (Chester M. Franklin).

En 1932 la misma compañía utilizó una técnica de tres colores que era más sencilla y menos costosa. Quien empleó estos primeros procesos fue Walt Disney, en la producción del corto animado Los tres cerditos, en 1933. El método de colorizar películas también fue añadido por Mèlies, quien puntualmente lo que hacía era pintar con determinado color cada fotograma después de revelado. Por su puesto este proceso era bastante engorroso y arduo, pero sin lugar a dudas en su época significaba algo realmente bello.

Con la llegada del color generaban nuevos puestos en la industria cinematográfica, como lo fue el primer director de arte: Douglas Fairbank. Dicho cargo nació después de haberse desarrollado la película Robbin Hood, en 1922. A su vez, el color empezaba a representar nuevas tendencias y predominaba cada tonalidad, ya en diferentes géneros cinematográficos.

También es preciso hablar de la era digital en el cine, pues representó un cambio bastante marcado en el mundo. En 1989 la compañía Kodak propuso desarrollar una tecnología digital que a su vez fuera utilizada para la restauración de películas, así como para obtener efectos especiales más notorios. Entonces introdujo un sistema de película digital llamado Cineon, hecho en 1993, el cual incluía un escáner, una filmadora digital de película, una estación de trabajo digital y un software.

Desde el nuevo formato de cámaras estandarizadas, los esquemas de iluminación bastante simétricos, el sutil manejo de la edición y montaje, además de las brillantes ideas acompañadas de sus directores, hacen que el cine de hoy sea completamente nuevo, renovado, fantástico y mágico.

También desde su reproducción, exhibición, distribución y comercialización en todo tipo de medios, el cine digital ha empleado innumerables mecanismos para la obtención de grandes resultados, y por supuesto esto no se lograría sin la ayuda de excelentes ordenadores que trabajan especialmente para hacer cine. Por otro lado el cine digital ha ido muy de la mano con el proceso de posproducción y el área de efectos especiales. Por ejemplo, en la actualidad ciertos programas funcionan con la compañía de escenarios y trajes para la animación y creación de personajes ficticios. Esto también hace que los decorados, en cuanto a ambientación, y los efectos de maquillaje artístico vayan quedando a un lado por el gigante de la tecnología.

En comparación de las anteriores cámaras (las cuales tenía que ser trasladas por una grúa por su peso), la evolución de la cámara fotográfica, también ha permitido innovadores resultados en el cine, tanto así que podemos filmar desde nuestros teléfonos celulares. Por su puesto con interesantes resultados que permiten proponer de cuanta categoría cineasta exista.

Como resultado del desarrollo tecnológico, el cine digital debe emplear aspectos importantes en la realización de sus filmes, como contar con determinadas variables numéricas, composición de planos, resolución de imagen, sensitometría, especificaciones técnicas de luz y color, filtros de iluminación y balanceado, formatos de almacenaje y exportación, medidas técnicas en los equipos a utilizar, proceso de grabación y codificación, sus dimensiones de pantalla o cuadros, tipos de proyectores, su valor en definición, entre otras características. Todo ello agrupado en manuales protocolarios, regidos por estándares establecidos, que controlan su correcta realización y el manejo del material.

No cabe duda de que lo que se conoce hoy como cine no es nada comparado con el cine fílmico, por todas sus grandes falencias y contrastes evolutivos; sin embargo, siempre predominará la idea de captar lo esencial con el fin de cautivar al espectador. No importa la época que sea, ni su ambiente, ni su guión o sonido, el cine siempre conservará su idea de mostrar lo que se es pensado de mil formas.

Escrito por Miguel Ángel Bareño Melo

Fuentes

Wikipedia

Lenovo

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Ya estamos lejos del pasado. Ya no tenemos que rentar VHS ni DVDs y la única pesadilla que nos queda es encontrar algo bueno entre todo el catálogo. Diciembre parece ser uno de los mejores meses para la plataforma, ya que llegan éxitos internacionales y se aproximan nuevos episodios de las series que todos amamos, así que no nos queda más que apretar unos cuantos botones, recostarnos, subir de peso y mirar este contenido de calidad entre todo un mar de mediocridad.

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Historia abreviada de la evolución del cine: de lo analógico a lo digital

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Los comienzos del cine, hace ya más de cien años, se proyectaron primeramente con los inventos de los hermanos Lumière. Fueron sólo trucos o ideas de ensayo para probar cómo se podría recrear imágenes en movimientos, lo que quiere decir que estos dos científicos jamás pensaron en ser los primeros cineastas de la historia.

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Para iniciar en el lenguaje del cine en el contexto de la educación.

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1927 fue una fecha clave en la historia del cine. En este año apareció El cantor de jazz de Alan Crosland, que ha venido a considerarse como la primera película sonora del cine. A partir de esta fecha, el cine habría de sufrir un giro brusco hacia una nueva forma de expresión artística: el lenguaje audiovisual.

Realmente, el cine casi nunca había sido una experiencia silente para los espectadores ya que solía ir acompañado con música en vivo y en paralelo a la proyección y, frecuentemente, de las palabras de un narrador en la sala que leía los diálogos y explicaba algunas situaciones. Es decir, la experiencia del cine era ya sonora aunque la música era concebida como acompañamiento, no integrada orgánicamente en el discurso visual.

El cine sonoro es un cambio radical, casi traumático, si se valoran dos aspectos:

La introducción del sonido llevó aparejada, debido a aspectos técnicos, la vuelta de la cámara a la inmovilidad de años atrás.

La innovación técnica del sonoro no fue acogida de igual manera por todos los miembros del mundo cinematográfico.

Así, mientras compañías como la United Artist lo recibieron con gran satisfacción, otros sacaron las uñas ante el sonido, considerándolo como una perversión que venía a contaminar un lenguaje ya perfectamente evolucionado. Para Chaplin, por ejemplo, la esencia del cine es el silencio. El director francés Abel Gance opinaba que la llegada del sonoro sólo sería útil para los documentales, ya que el cine no tiene necesidad de palabras. Para éste y otros autores el sonoro es una combinación absurda de dos medios de expresión antagónicos: imagen y sonido. Los directores rusos fueron quizá los que más explícitamente se posicionaron frente a la llegada del cine sonoro, o al menos frente a una utilización simplista del mismo. Así, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov firman el manifiesto El contrapunto orquestal, en el que defienden un uso contrapuntístico del sonido, en conflicto con la imagen que lo soporta, para generar sentidos añadidos a lo que se describe.

Pero, evidentemente, a pesar de estos problemas iniciales, el sonido aporta una serie de ventajas:

Más información, con la consiguiente economía de planos.

Potenciación del fuera de campo, ya que el sonido sugiere espacios y acciones que no se ven en el encuadre.

Utilización expresiva del silencio con fines dramáticos (antes con el cine mudo, el silencio era obligado).

Aparición de nuevos géneros (musical).

Y potenciación de otros géneros: policíacos, comedia, documental histórico y didáctico, debido a la información que aporta el sonido a los diferentes tipos de narración.

El sonido en el cine, se ha convertido con los años en un elemento con tanto alcance como otras técnicas cinematográficas y con tantas posibilidades creativas como el montaje.

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1927 fue una fecha clave en la historia del cine. En este año apareció El cantor de jazz de Alan Crosland, que ha venido a considerarse como la primera película sonora del cine. A partir de esta fecha, el cine habría de sufrir un giro brusco hacia una nueva forma de expresión artística: el lenguaje audiovisual.

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A pesar de los avances en la industria del cine, uno de los elementos que persiste (y persistirá) es el de la animación.

Desde la animación tradicional hecha a mano (dibujos y stop motion), hasta las técnicas avanzadas como lo rotoscopía y por supuesto, aquella que une a todas estas técnicas, la animación por computadora (CGI).

Por supuesto, como este invento hay cientos, pero lo que nos atañe el día de hoy, es la forma en que la animación evoluciono y cambio el mundo del cine.

Entre las primera películas animadas que se presentaron en un cine fue la de "Humorous Phases of Funny Faces", la cual utilizó fotografías para crear una animación.

En 1908 el dibujante francés, Émile Cohl, creo "Fantasmagorie", la primer película animada con dibujos hechos a mano.

Gertie el Dinosario, para la cual se realizaron más de 10 mil dibujos.

A partir de aquí, múltiples animaciones se fueron creando, muchas de ellas eran proyectadas antes de una película. Encontrando a su primer estrella en la forma del Gato Felix en 1919.

Pero no sería hasta 1930, que la animación alcanzaría su punto más alto, con la introducción de animaciones de estudios como: Warner Bros, MGM y por supuesto, Walt Disney, quién en 1938, lanzaría su opera prima con, Snow White and the Seven Dwarfs, primer largometraje animado a color.

Entre los trabajos más destacados del señor O'Brien, se encuentran los efectos especiales de películas como: The Lost World (1925), King Kong (1933), Mighty Joe Young (1949), entre otros.

La escuela de O'Brien nos dio a uno de los más grandes y talentosos animadores de la historia. Ray Harryhausen, quién después de ver el trabajo realizado en King Kong, quedo maravillado por lo que la animación cuadro por cuadro, podía crear. Fue así como Ray, comenzó a experimentar con este nuevo arte.

Esto lo llevaría a conocer a O'Brien, quien lo motivo a mejorar su trabajo. Esto daría el comienzo de una larga amistad, la cual fue responsable de los mejores efectos especiales del cine.

Otro de los responsables por expandir el uso de la animación, es sin duda el Sr. Walter Elias Disney, cuya historia es casi tan larga y rica como la de su arte.

Después de varias travesías, Disney encontraría el éxito con el tercer corto animado de su más famosa creación, Mickey Mouse.

El corto titulado, Steamboat Willie, fue la primera animación sonora de Disney, quien a partir de ahí, realizaría todos sus trabajos con sonido.

Disney continuo con su trabajo y en 1938, lanzaría en la pantalla grande su primer largometraje, la ambiciosa Snow White and the Seven Dwarfs. Película que lo hizo gastar todos sus ingresos, pero la cual le redituó muchísimo más.

Esto convirtió a Disney y a sus personajes, en la inspiración de muchos, quienes esperaban algún día poder realizar un trabajo similar como el del señor Disney.

Entre estas personas, se encontraban, Osamu Tezuka, padre del Manga y una de las figuras más importantes del mundo del cómic y sí, de la animación también.

Durante décadas, la animación no tuvo realmente una evolución concreta, ya que todos los estudios utilizaban técnicas similares para la creación e integración de elementos creados a mano con filmes normales.

El incremento en el uso de las televisiones, dotó a los animadores con una herramienta que les permitía compartir su trabajo.

Claro, que los presupuestos para crear series animadas, eran mucho menores que para hacer películas, por lo cual se hacían recortes en el número de fotogramas, ahorrando movimientos y material.

Una de las casas creadoras que creció en la época de los 60's, fue la Hanna Barbera, quienes tenían el mayor número de series en la televisión.

Pero esta época, también vería nacer las animaciones para adultos. Estrenando en 1972 a Fritz The Cat, primer largometraje animado que alcanzó una clasificación R (C en México).

Y en 1984 el mundo vio el nacimiento del primer corto animado realizado enteramente por computadora, The Adventures of Andre & Wally B, de Pixar.

El futuro de la animación se encontraba muy cerca, hasta 1993, cuando Steven Spielberg creo el filme que integró todas las técnicas existentes, creando una de las películas más influyentes de los último 20 años:

Y en 1996, Pixar crearía el primer largometraje realizado completamente a computadora, la galardonada "Toy Story".

Esta película marco el uso del CGI, para crear películas, reemplazando poco a poco a las animaciones realizadas a mano (excepto en Japón).

Hoy en día estamos acostumbrados a los efectos creados a computadora, los cuales a pesar de avanzar más hacia el "realismo", siguen sin lograrlo, haciendo que mucho de lo que se en pantalla se vea falso.

Y bueno, todavía no se ha dado el siguiente paso en la animación y si la historia nos sirve de algo, pasarán muchos años más para que tengamos un cambio como lo fue el CGI a los dibujos.

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A pesar de los avances en la industria del cine, uno de los elementos que persiste (y persistirá) es el de la animación. Desde la animación tradicional hecha a mano (dibujos y stop motion), hasta las técnicas avanzadas como lo rotoscopía y por supuesto, aquella que une a todas estas técnicas, la animación por computadora ...

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Iniciación a la historia del cine para utilizar en las aulas.

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Los hermanos Lumière y el nacimiento del cine

Los Lumière fueron una familia de apellido premonitorio. La luz en todas sus formas estuvo detrás de sus inventos. Sin embargo, su historia arrancó en una Francia ensombrecida por la invasión prusiana de 1870. A la humillación de la derrota se sumó además la sangrienta revolución de la Comuna de París. Para huir de estos peligros, el matrimonio formado por Antoine Lumière y Jeanne-Joséphine Costille decidió cambiar de hogar. La pareja abandonó la fronteriza Besançon y se asentó en la ciudad interior de Lyon. Aquí empezaría una dinastía de burgueses emprendedores, el arquetipo social de una élite, cuya alegría de vivir culminará en la Belle Époque.

El padre, Antoine, era un retratista con gran visión de negocio. Tras asentarse en Lyon, abrió un estudio fotográfico en el centro de la ciudad, donde ganó clientela entre todo tipo de público. Atrajo a la burguesía acomodada de la plaza Bellecour exponiendo sus retratos en el escaparate. Y a los vecinos más populares del barrio de Guillotière les sedujo mediante la oferta de fotografías de pequeño tamaño, como de carnet, que vendía por un franco la docena. En medio del escaparate lucía un autorretrato en el que se apoyaba en su cámara y equipo fotográfico.

Sus hijos Auguste y Louis aprendieron a leer con los títulos señeros de la literatura infantil y los Viajes extraordinarios de Julio Verne. En 1877 se matricularon en la escuela técnica de La Martinière, donde, mediante una férrea disciplina, se educaban los futuros empresarios de la industria. Mientras Auguste mostraba interés por la medicina y la biología, Louis compaginaba su aprendizaje de física y química con su afición al piano, recibiendo clases en el conservatorio. Esta formación les dotó de un espíritu ilustrado y de una lógica científica.

Captar un instante

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos: el humo de una lumbre de rastrojos en el jardín, su hermano lanzando un cubo de agua, saltando sobre una silla o arrojando un palo al perro de la casa. Acababa de inventar la instantánea que, como habían hecho los pintores impresionistas una década antes, captaba el instante y su luz fugaz. Este hallazgo fue divulgado en el Boletín de la Sociedad Francesa de Fotografía y suscitó gran admiración entre los colegas de medio mundo.

Poco después, el patriarca de la familia compró un terreno en el barrio de Monplaisir, situado en las afueras, lo que permitía la manipulación de productos químicos. En apenas una década, los Lumière construyeron la mayor fábrica de fotografía de Europa y crearon una marca de placas fotográficas con su nombre, que recibió el nombre de "Etiqueta Azul" por el color de la caja. La venta masiva de sus productos les hizo rápidamente ricos y permitió a los hermanos dedicarse a la investigación. En 1883, a la par que se expandían sus negocios, los Lumière convocaron un concurso público a fin de contratar investigadores para sus laboratorios; aunque se presentaron universitarios laureados, los Lumière prefirieron emplear a técnicos instruidos en el liceo de La Martinière.

La creación de la sociedad Antoine Lumière e Hijos acarreó cambios sustanciales en sus vidas. Desde el viejo estudio a orillas del Ródano se mudaron a una villa modernista que bautizaron como Château Lumière. Gracias a su patrimonio, la familia fue haciéndose un hueco en la alta sociedad local. Pero no todos los Lumière reaccionaron igual a su recién adquirida riqueza: mientras que el padre padeció el "mal de piedra", esto es, se hizo construir varias casas, los hijos, en cambio, heredaron los valores de la filantropía y la fe en el progreso.

Con la proliferación de los artilugios ópticos, los espectáculos audiovisuales se pusieron de moda y se registraron patentes de investigadores como Louis Leprince y Thomas Edison, lo que aceleró la carrera hacia el cine. Y de nuevo Louis Lumière dio con la solución: el "cinematógrafo". El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

Desde principios de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes con su nueva cámara, que, plantada delante de la entrada principal de su propia fábrica, trataba de retratar a golpe de manivela el fin de la jornada laboral. De manera que de la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París.

En busca del cien en color

Tras el éxito de público, los Lumière encargaron al ingeniero Jules Carpentier fabricar un gran número de cámaras, nombraron a agentes de la empresa en las principales capitales de Europa y América, y formaron a jóvenes operadores dispuestos a viajar por los cinco continentes para rodar escenas de los pueblos locales. La selección de personal resultó fácil y barata: entrevistaron a los recién licenciados de las facultades y escuelas técnicas de Lyon más capaces para el oficio y les impartieron un curso acelerado de filmación y proyección. Asimismo les proporcionaron un equipo técnico y las credenciales necesarias para realizar su trabajo por todo el mundo.

Así recalaron en la empresa un estudiante de farmacia como Gabriel Veyre, que pronto zarpó hacia América Latina; el veterano soldado Félix Mesguich, encargado de abrir una sucursal en Estados Unidos; el jefe mecánico Charles Moisson, que cubrió en Rusia la coronación del zar, y un antiguo alumno de La Martinière, Alexandre Promio, a quien la regente de España, doña María Cristina, autorizó a filmar algunas escenas de la guardia y la armada reales. Todo un equipo técnico que, en una diáspora planificada desde los despachos de las fábricas Lumière, contribuyó a una globalización sin precedentes de las imágenes del planeta.

Consiguieron un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color

Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los japoneses en sus estampas -como las que coleccionaba Claude Monet- hasta las placas de vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla. De hecho, consiguieron en sus fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine. La pintura, la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba que compartiesen una mirada en colores.

La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907, maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la muerte. De modo que tanto políticos como millonarios se retrataron en colores para pasar a la posteridad. La Gran Guerra devolvería la realidad al blanco y negro.

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Cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière, 1895

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El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

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Generalmente el color en el cine (como industria) es ese elemento que marca el tono emocional y psicológico de un filme. Puede describir los ambientes, la situación y a los personajes sin hacerlo de forma verbal o escrita.

Como espectadores podemos intuir fácilmente si la producción es un drama o una comedia sólo con ver los colores. La colorización puede influir inconscientemente en el espectador generando emociones positivas o, negativas.

Un dato especialmente relevante es la iluminación. En el cine de blanco y negro, para generar atmósferas específicas se jugaba mucho con las luces; eventualmente, con la introducción del color, la luz se sigue usando para este fin (entre otros más) pero no en la misma forma.

Introducción del cine de color. Un breve repaso de historia.

En 1903 los hermanos Lumière patentaron la Placa Autocroma siendo hasta 1935 el único procedimiento en color. Previo a este método, se pintaban a mano cada fotograma, quedando con el tiempo obsoleto por la extensión de los filmes.

Una hora de película implicaba pintar manualmente alrededor de 90 mil fotogramas. Georges Mélies fue de los primeros en utilizar este método.

Siendo un proceso en extremo tardado, se empezó a colorear secciones para la generación de ambientes. Eventualmente también se dejó de utilizar por la cantidad de producciones.

A veces es mejor ser el segundo en llegar y no el primero. Technicolor dominó el mercado con sus procesos de color basados en dos colores; esto fue así hasta que en 1922 desarrolló un sistema sustractivo más complejo, siempre a dos colores.

En 1932 con el desarrollo del color, se añadió un tercer color primario a las cintas, quedando: magenta, cían y amarillo. El proceso era complejo y tenía precios muy elevados para la época.

Eastman Kodak durante años pasó investigando hasta que en 1950 lanzó un sistema más sencillo que funcionaba con una sola cinta.

Con los años, Technicolor dejó de producir películas y durante los 70 Kodak vio su auge.

Actualmente, el color está totalmente establecido en el cine y se utiliza para la descripción de ambientes, personajes y situaciones; también, se utilizan para evocar emociones concretas de forma inconsciente en el espectador.

Algunos ejemplos de uso de color en películas:

Recomendaciones de cine con buen uso del color.

Unas cuantas recomendaciones de cine con un buen uso del color para disfrutar. Algunas seguramente ya las hayan visto o tal vez, escuchado de ellas.

Amélie (Jean-Pierre Jeunet)

Big Fish (Tim Burton)

2046 (Wong Kar Wai)

Alice in Wonderland (Tim Burton)

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Generalmente el color en el cine (como industria) es ese elemento que marca el tono emocional y psicológico de un filme. Puede describir los ambientes, la situación y a los personajes sin hacerlo de forma verbal o escrita. Como espectadores...

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10 películas con y sin efectos especiales - antes y después

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10 Películas con y sin Efectos Especiales - Antes y después

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TechZone ► https://www.youtube.com/channel/UCX2kb6ORLImkfraxpn3lT3w Seguramente estés de acuerdo con nosotros en que las películas de Hollywood no serían tan espectaculares e impresionantes sin efectos especiales. Hoy en día las películas son grabadas de tal manera que nadie puede entender inmediatamente si una escena es real o si fue hecha con ayuda de un software especial.