# data[].attributes.body
Vicent Van Gogh
Museo MoMA
Estados Unidos

# data[].attributes.body
Edvard Munch
Galería Nacional de Noruega
Noruega

# data[].attributes.body
El Bosco
Museo Nacional del Prado
España

# data[].attributes.body
Caspar David Friedrich
1818
Kunsthalle de Hamburgo

# data[].attributes.body
Claude Monet
1919
Museo MoMA

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La noche estrellada es uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos. Lo hemos visto reproducido de mil maneras en mil ocasiones, pero hay muchos aspectos desconocidos que se esconden detrás de esas pinceladas sueltas y esos grandes soles amarillos. Si quieres conocerlos te aconsejamos echarle un ojo a esta lista de 10 cosas que no sabías sobre La noche estrellada de Van Gogh.

1. Vincent Van Gogh decidió pintar un paisaje a partir de las vistas desde su ventana del asilo Saint-Paul-de-Mausole, donde fue internado debido a sus problemas mentales. Así se desprende de la correspondencia que el pintor intercambiaba con su hermano Theo. Sobre La noche estrellada le dijo: "Esta mañana he visto el campo antes de amanecer desde mi ventana, con nada más que la estrella de la mañana, la cual era muy grande".

2. Sin embargo, Van Gogh no reprodujo el paisaje que veía desde su ventana de manera exacta, sino que más bien lo tomó como inspiración. Además, obvió un detalle que sin duda hubiese arruinado el cuadro: los barrotes que se interponían entre su habitación en el asilo y el mundo exterior. Así lo explicó de nuevo a su hermano Theo en una de sus cartas, en 1889: "A través de la ventana abarrotada, puedo ver un campo de trigo encima del cual, por la mañana, puedo ver el sol salir en todo su esplendor".

3. Otro inexactitud del cuadro de Van Gogh reside en la inclusión de la provincia de Saint-Remy, el pequeño pueblecito que aparece al fondo en La noche estrellada. Los historiadores confirman que es imposible que Van Gogh llegará a ver la ciudad desde el asilo, y presumen que el artista se inspiró en su Holanda natal para pintar esta parte.

4. Algunas teorías aseguran que La noche estrellada tiene cierta simbología relacionada con la muerte. De hecho, los árboles que aparecen en el cuadro son cipreses, asociados a los cementerios y a la muerte. Un comentario de Van Gogh sobre la pintura así lo confirma:

Mirar a las estrellas siempre me pone a soñar. ¿Por qué, me pregunto, no deberían los puntos brillantes del cielo ser tan accesibles como los puntos negros del mapa de Francia? Así como tomamos el tren para llegar a Tarascon o Rouen, tomamos la muerte para llegar a una estrella".

5. Pintar cuadros al óleo de paisajes nocturnos fue una fijación para Van Gogh. Antes de su famosa Noche Estrellada, hubo otras que, aunque no se hicieron tan famosas, demuestran la gran pasión y curiosidad de Van Gogh hacia la observación del cielo nocturno. Un año antes de terminar La noche estrellada, el genio de la pintura creó la obra Noche estrellada sobre el Ródano, y previamente a esto, pintó Terraza de café por la noche. En ambas pinturas, Van Gogh capturó las luces del cielo nocturno que más tarde desarrolló en La noche estrellada, mundialmente reconocido.

6. Pintar un paisaje al óleo era una de las ocupaciones favoritas de Van Gogh, aunque el propio pintor reconoció que nunca le gustó La noche estrellada, al igual que el resto de las obras que creó en su estancia en el asilo de Saint-Remy. De hecho, tal y como le confirmó a su hermano en otra misiva, las únicas pinturas que consideraba realmente buenas eran El Campo de Trigo, La Montaña, La Huerta, Los Árboles de Olivo con Colinas Azules, El Retrato y La Entrada a la Cantera. "El resto no me dice nada", afirmó Van Gogh. Jamás hubiera imaginado que su obra de mayor impacto no estaba en esta lista.

7. Sin darse cuenta, Van Gogh pintó el planeta Venus en su cuadro. Este hecho lo descubrió el historiador Albert Boime, quien comparando la pintura con un mapa del cielo del día en que fue pintada La noche estrellada (9 de junio de 1889), se dio cuenta del detalle. Realmente, "la estrella del amanecer" de la que hablaba el artista en sus cartas a Theo era el planeta Venus.

8. Mientras vivió, Van Gogh solo vendió dos obras, y ninguna de ellas fue La noche estrellada. Uno de los cuadros vendidos fue Viñedo Rojo, comprado por la coleccionista de arte Anna Boch por la suma de 400 francos en 1890. El hermano de Theo habla de una segunda obra vendida por su hermano a una coleccionista británico, pero se desconoce su identidad.
¡Pinta tu propia Noche estrellada en 2h y sin experiencia!
9. Tras su muerte, Van Gogh tuvo en su cuñada a su mejor representante. Johanna Gezina Van Gogh-Bonger, que fue propietaria de La noche estrellada en dos ocasiones, heredó el resto de obras del artista en 1891, tras el fallecimiento de éste y de su marido Theo. En ese momento, ella comenzó a manejar la correspondencia y publicidad de los cuadros, promocionando el arte de Van Gogh hasta impulsar su ascenso a la fama. La noche estrellada se vendió por primera vez en 1900 al poeta francés Julien Leclerq, quien se lo vendió al artista post- impresionista Émile Schuffenecker. Seis años después, Johanna lo recuperó para entregarlo a la Galería Oldenzeel, en Rotterdam.

10. Aunque ahora se encuentra en el MoMa de Nueva York, La noche estrellada se presentó al público por primera vez en el Museo de Arte Moderno de Manhattan, en 1931. Esto fue posible gracias a una mujer llamada Lillie P. Bliss, hija de un comerciante textil y coleccionista de arte moderno. Junto a Mary Quinn Sullivan y Abby Aldrich Rockefeller, fundó el mencionado museo, y en 1931, su hija Lillie donó la mayoría de su colección de arte a la institución. Sin embargo, no fue hasta 1941 cuando decidió venderle La noche estrellada. ¡Quién sabe que hubiera sucedido si no con la obra!

¡Pinta La noche estrellada con el set de pintura!

Aprender a pintar un paisaje mágico en dos horas y sin experiencia no solo es posible, ¡también es divertidísimo!

Échale un vistazo a los próximos eventos en tu ciudad y pásalo bonito mientras creas tu arte.

¡Solicita nuestro descuento!

# data[].attributes.attachment_link.title
10 datos sorprendentes sobre 'La Noche Estrellada' de Van Gogh

# data[].attributes.attachment_link.description
La noche estrellada es uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos. Lo hemos visto reproducido de mil maneras en mil ocasiones, pero hay muchos aspectos desconocidos que se esconden detrás de esas pinceladas sueltas y esos grandes soles amarillos.

# data[].attributes.attachment_link.title
Significado del Cuadro El grito de Edvard Munch

# data[].attributes.attachment_link.description
El grito es el título de una serie de cuadros del pintor noruego Edvard Munch, cuyo título original en noruego es Skrik (Scream en inglés). Debido a su fuerza expresiva, esta obra es considerada precursora del movimiento expresionista. Es el cuadro...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
(Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico del noruego Edvard Munch uno de los modelos estéticos del expresionismo de las primeras décadas del siglo XX.

Edvard Munch

Sufrió muy joven la pérdida de sus seres queridos, y el espectro de la muerte, que llenó su niñez, lo acompañaría durante toda su vida, convirtiéndose en uno de los temas recurrentes en sus obras. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En Noruega contó pronto entre sus amistades con importantes personalidades políticas y literarias y tuvo particular afinidad con el realismo social del dramaturgo Henrik Ibsen, para quien realizó los escenarios y el vestuario de la obra Peer Gynt en 1896.

En 1908 Edvard Munch, después de una tormentosa relación sentimental y víctima del alcohol, sufrió una grave enfermedad nerviosa, por lo que tuvo que ser recluido en el psiquiátrico del doctor Jacobsen, en Copenhague, del que salió completamente restablecido. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad. Munch legó a la ciudad de Oslo todas las obras que conservó hasta su muerte, acaecida en 1944.

El grito (1893), de Edvard Munch

La obra de Edvard Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Henrik Ibsen a August Strindberg. A pesar de que sus primeras pinturas recibieron la influencia de los impresionistas, pues conoció bien la obra de Gauguin y Van Gogh, en seguida se inclinó por la idea de plasmar los sentimientos, por exteriorizar las sensaciones de angustia y soledad del ser humano. Su etapa de madurez está impregnada de ese "sentimiento trágico" que tanto caracterizó a los románticos, pero extraído del contexto propio del Romanticismo y llevado a sus últimas consecuencias, otorgándole un valor "absoluto", como algo de lo que el hombre no se puede liberar.

En la pintura de Munch aparece el rostro del mundo alimentado por esas fuerzas desconocidas que forman parte también de la condición humana. Su ambicioso proyecto titulado El friso de la vida (1893-1918), al que pertenecen sin duda sus cuadros más representativos, refleja los sentimientos y las obsesiones humanas. Veintidós de esas pinturas fueron expuestas, en 1902, en la muestra del grupo berlinés Sezession. La mayoría de ellas refleja la desilusión del fin de siglo y la imagen del hombre como víctima.

Su obra anterior a 1908 está muy vinculada a este ciclo que, de algún modo, concibió como si se tratara de un poema de amor, de vida y de muerte. Así El beso (1892) o La cámara de muerte (1894), ambas en la Nasjonalgalleriet de Oslo, donde alude al drama acontecido durante su infancia: la muerte de su madre y su hermana. Los personajes reflejan su sufrimiento, pero formalmente están unidos por una línea serpenteante que recorre toda la superficie del cuadro. No hay sombras, sólo colores planos y pronunciados contornos que marcan el ritmo visual, un medio idóneo para expresar la angustia del espíritu.

Sin embargo, su obra más emblemática es El grito (1893, Nasjonalgalleriet, Oslo), una de las pinturas que más intensamente han reflejado el horror y la angustia del ser humano. La figura que se halla en primer término expresa un terror inconmensurable. La angustia por la soledad, la desesperación por no encontrar un sentido a la vida y su relación con los abismos quedan intensamente reflejados en la obra del pintor noruego.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

# data[].attributes.attachment_link.description
(Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico del noruego Edvard Munch uno de los modelos estéticos del expresionismo de las primeras décadas del siglo XX.

# data[].attributes.attachment_link.title
Jardín de las delicias, El [El Bosco]@es|||

# data[].attributes.attachment_link.description
1490-1500, óleo sobre tabla, 205,5 x 384,9 cm [P2823]. El origen de este tríptico -la obra más afamada y singular de cuantas realizó el Bosco- se vinc...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Jheronimus van Aken (1450 - 9 de agosto de 1516), pintor holandés. Conocido comúnmente en por los hiapanohablantes como El Bosco. Nació en Vughterstraat de Bolduque, Hertogenbosh, Holanda. Su vida se desarrolló dentro de una familia de pintores, ellos se dedicaban a la pintura al fresco, dorar esculturas de madera y a la producción de objetos sagrados. Al terminar la escuela básica prematuramente, van Aken ingresó a la Escuela Latina, aquí se instruyó en pintura y dibujo. Posteriormente, conoce a Aleyt; hija de la familia pudiente Van de Meervenne, los dos deciden unir sus vidas. Se mudaron cerca al taller de pintura de la familia de Jheronimus.

Sobrevino para la familia un lamentable suceso, la muerte del señor van Aken, los hijos tuvieron que hacerse cargo del hogar y también del taller, este quedó legalmente bajo la administración del hermano mayor que comenzó a usar el nombre artístico Hieronymus Bosch. Para este momento, Jheronimus ya tenía cierta fama como pintor, primero por su gran talento y segundo por el contacto con ricos burgueses, gracias a su esposa. Además, por intervención de su esposa ingresa a la cofradía religiosa Illustre "Lieve Vrouwe Broederschap" a la que ésta pertenecía. En esta se realizan representaciones sagradas que le sirve a El Bosco para aumentar su experiencia artísticamente.

Como miembro de la cofradía, El Bosco, realizó importantes obras para la institución, obras que firmó bajo el nombre artístico: Jheronimus Bosch. Una de las más importantes fue la del Juicio Final, una obra de grandes dimensiones avaluada por treinta y seis libras pagados por el duque de Borgoña Felipe el Hermoso. Luego de ese momento, El Bosco trabó una gran amistad con el duque y su padre, el emperador Maximiliano I de Habsburgo, varias veces recibió invitaciones de ellos para celebrar grandes banquetes. En suma, realizó la obra la Tabla del Espíritu Santo, para una institución de caridad. Asimismo, su importante obra La coronación de espinas (1485).

El jardín de las delicias (1480-90), sin duda alguna su obra de arte más famoso en todo el mundo. Se trata de una obra de gran formato conformada por tres secciones pintadas al óleo sobre tabla, sus dimensiones son de 220 x 389 cm. Esta enigmática obra puede ser interpretada desde muchos ángulos y percepciones, pero lo que si es cierto es que está narra la historia y el devenir de la humanidad. Una de las secciones que más polémica generó en su tiempo fue la de El edén de la lujuria, esta retrata figuras desnudas de personas de raza blanca y negra, las expone teniendo relaciones heterosexuales y homosexuales. El primer comprador de esta obra fue Felipe II.

Comenzando el año 1500, se observa un cambio en su técnica y estilo. Por ejemplo, incluye armónicamente figuras colosales en paisajes hermosos. Se asegura que estas innovaciones tienen su origen en un viaje realizado por El Bosco a Italia, específicamente a Venecia. Una de sus obras que ejemplifican el cambio de estilo es el tríptico de Las tentaciones de San Antonio, El Bosco asombra con su imaginativo uso de símbolos e imágenes grotescas que parecen similares a una pesadilla. Los personajes están deformados en caricaturas; los santos son representados como sujetos comunes y de aspecto vulnerable.

En realidad, El Bosco realizaba este tipo de obras libre de ataduras económicas, este gran pintor podía darse el lujo de rechazar contratos o simplemente pintar por convicción. Esto por la solvencia económica que le significó su matrimonio con Aleyt van der Meervenne, puesto que Aleyt había contribuido como dote unos terrenos ubicados en la zona de Oorschot. Realmente, ha sido uno de los pintores más privilegiados en este tema, porque pudo expresar y dar a conocer su pensamiento plasmados en los lienzos. Por el contrario, muchos pintores de su época tuvieron que realizar obras por encargo en la que difícilmente podemos ver su pensamiento o sentir.

Es claro que la pintura de El Bosco se distinguió por ser de carácter religioso, pero la diferencia es que buscaba representar a las figuras de los santos como personas comunes, perfectamente vulnerables, en ocasiones casi caricaturescos. En sus obras usualmente había un mensaje moralista satírico, esto provoco que se desatara una ola de comentarios apocalípticos en su contra. Aunque, esa actitud le ganó muchos admiradores, igual de inusuales a él, estos se encargaron de pagar grandes cantidades de dinero con tal de tener estas preciosas obras en sus manos. Figuras como el padre Sigüenza y Felipe de Guevara, fueron los primeros que hablaron de su obra y por supuesto Felipe II, quien reunió una gran cantidad de sus obras, lo que explica la abundancia de sus obras, actualmente, en museos españoles.

El 9 de agosto de 1516 Jheronimus, el artista que influyó importantes figuras del arte como Pieter Brueghel, James Ensor, Max Ernst y Salvador Dalí, murió a causa de una epidemia que azotó su ciudad natal, Bolduque. Su mujer se hizo cargo de una cantidad importante de sus creaciones. Estas creaciones luego fueron vendidas a importantes instituciones de arte o al mejor postor, muchas de ellas se encuentran en importantes museos de España.

David Warren Ellefson (12 de noviembre de 1964) es un bajista y músico estadounidense, cofundador de la exitosa banda de trash metal Megadeth. Tambi é n trabajó en los proyectos F5, y . Tras haber trabajado y creado varias bandas, Ellefson se unió a Mustaine para fundar Megadeth en 1983. Con los años aparecieron éxitos como Peace Sells... But Who's Buying?, So Far, So Good... So What!, Rust in Peace y Countdown to Extinction, consagrando a la banda como uno de los grandes de los 90s. Después de la separación en 2002, Ellefson regresó a la banda de 2010 a 2021, siendo expulsado luego de ser acusado de grooming. En los años que estuvo fuera trabajó en varias agrupaciones. Ha incursionado en el cine y la escritura. Su autobiografíaí a,, apareció en 201 3.

Primeros años

E llefson nació en Jackson (Minnesot a), el 12 de noviembre de 1964, hijo de Gordon Ellefson y Frances Marie Ellefson. Su madre era enfermera, mientras que su padre trabajaba con comités religiosos. Creció en un familia cristiana, interesandosé por la música desde muy pequeño. Con el tiempo aprendió a tocar el bajo, a la par que escribía sus primeras canciones. Durante su adolescencia participó y creo varias agrupaciones con las que tocó inicialmente en bares y clubes de la región del Medio Oeste para luego mudarse a Los Angeles. Fue entonces que conoció a Dave Mustaine, el cantante y compositor ex integrante de Metallica y su vida no volvió a ser la misma.

Ellefson y Megadeth (1983-2002)

Junto con Mustaine, Ellefson fundó Megadeth en 1983 yen cuestión de unos cuantos años la banda ya era un todo referente del trash metal y el metal de los 90s. Con Mustaine como vocalista, Ellefson como bajista, Greg Handevidt en la guitarra y Dijon Carruthers en la batería, la banda inicio su trayectoria con el lanzamiento de en 1985. Le siguió el icónico Peace Sells... But Who's Buying? (1986), con éxitos como Wake Up Dead, The Conjuring y Peace Sells y ya en 1988, apareció So Far, So Good... So What! con Set the World Afire, Mary Jane y Hook in mouth. Este ultimo álbum contó con la participación del guitarrista de Sex Pistols Steve Jones.

En 1990 vio la luz , álbum que incluía temas como Holy Wars... The Punishment Due, Take No Prisoners y Tornado of Souls, siendo platino en Canadá, Reino Unido y Estados Unidos. Dos años después fue lanzado Countdown to Extinction (1992), con Symphony of Destruction y Sweating Bullets; seguido de Youthanasia (1994), Cryptic Writings (1997) y Risk (1999). El ultimo álbum del grupo, previo a la hiatus en 2002, fue The World Needs a Hero publicado en 2001.

Y aunque la banda regresó en 2004, tuvieron que pasar otros seis años para que Ellefson se reincorporara. Entre 2004 y 2010, Ellefson y Mustaine, estuvieron distanciados discutiendo por los derechos de la banda y sus canciones. Con el tiempo la situación se complicó tanto que apenas y podían verse, mientras que Ellefson negaba cualquier relación con la banda (hasta la borró de su biografía).

Fuera de Megadeth (2002-2010)

Luego de la separación del grupo, Ellefson no tardaría en regresar a la música. De hecho, ese mismo año, fundó en cuyo álbum debut fue lanzado en 2005. Luego participó en Metalmorphosis(2006), álbum deKilling Machine y también trabajó con Temple of Brutality, entre otros bandas. Ellefson llegó a ser miembro de Avian, Hail y Metal Allegiance, a la par que trabajaba en otros proyectos. Incluso probó suerte en el cine con un cortometraje.

2010 - De nuevo en Megadeth

A su regreso, Mustaine y David, decidieron dejar de lado las enemistades para concentrarse en la banda. Como resultado aparecieron otros tres álbumes (TH1RT3EN, Super Collider y Dystopia) , un recopilatorio,al igual que varias giras. TH1RT3EN, el treceavo álbum del grupo vio la luz en 2011 con 13 canciones como Sudden Death y Public Enemy No. 1; luego apareció Super Collider (2013) ocupando el puesto #6 del Billboard 200 y ya en 2016, llegó Dystopia con Poisonous Shadows. Para 2019 fue lanzado Warheads on Forehead, su más reciente recopilatorio.

Escándalo y expulsión

El 10 de m ayo de 2021 estalló su escándalo por grooming y acoso a menores luego de que un usuario de redes filtrara varios vídeos en los que Ellefson se comunicaba de forma inapropiada con una fan de 19 años. Cabe mencionarse que Ellefson es mayor de 50 años, y que la supuesta relación habría comenzado dos años atrás, cuando la menor tenia 17 años. La noticia causo conmoción, por lo que la banda se vio obligada a tomar acciones. Y aunque inicialmente se dijo que estaban investigando el caso, no se sabe a que llegó la investigación. Sin embargo, el 24 de mayo se anunció que Ellefson ya no era parte de la banda.

Según varios medios, el bajista podría haber enviado varias fotos inapropiadas a fans menores de edad.

Vida personal de David Ellefson

Ellefson ha estado casado con Julie Foley desde 1993 y es padre de dos hijos. Su autobiografía, My Life With Deth, apareció en 2013.

Álbumes con Megadeth

Carlos Miguel Segura Ramírez (24 de marzo de 1991), más conocido como Charles Ans, es un rapero y compositor mexicano, considerado uno de los grandes exponentes de la escena rap. Joven prodigio, con doce años comenzó su carrera haciendo micrófonos abiertos y actuando en diferentes ciudades. Su debut llegó, en 2013, con el álbum Sin Maletas. Más tarde vinieron éxitos como Smile (2015), Ataraxia (2016) y Sui Generis (2018). A lo largo de su carrera ha colaborado con artistas como Gera MX, Smoky y Nanpa Básico y también ha aparecido en varios programas. De sus temas destacan Me gusta, Cafe, No Pienso Llorar, Andrómeda, Canela, Los No Tan Tristes y Pétalos. Actualmente está considerado uno de los grandes de la escena rap/hip hop mexicana.

Primeros años

Carlos (o Charles en inglés), nació el 24 de marzo de 1991 en Hermosillo (México). De origen humilde, inicialmente se sintió atraído por el futbol, aunque con el tiempo se vio forzado a dejar la carrera. Tiene una hermana, la cual considera "la luz de sus ojos"; a su madre le encanta la música y su padre ha trabajado fuertemente para que la familia no pasara necesidades. En su adolescencia comenzó a involucrarse en el mundo de la música, siendo incluso considerado un prodigio del rap.

Con quince años comenzó a tomarse la música enserio, recorriendo Sonora y haciendo micrófonos abiertos. Tiempo después se mudó a Guadalajara, donde fundó con unos amigos el grupo Anestesia. Pese a lo talentosos que eran, la agrupación terminó separándose con lo que Charles se decidió lanzarse a como solista.

Charles Ans: trayectoria musical

Charles hizo su debut en 2013, tras varios lanzamientos independientes, con el álbum Sin Maletas (2013). Dicho álbum incluía temas de gran valor sentimental como Hasta la fecha sonrió, Hoy daría la vida, Al Pasar el tiempo y Lejos de Aquí. Le siguió Cervezas y remixes, donde mezclaba ritmos como el jazz y funk con la música latina. Poco a poco fue construyendo su base de fans, mientras se presentaba en eventos, conciertos y festivales. Posteriormente participó en algunos programas televisivos.

Su carrera comenzó a tomar impulso cuando lanzó los álbumes Smile y otra versión de Sin Maletas en 2015. Smile incluyó varias colaboraciones exitosas, con lo que en poco tiempo empezó a sonar en los listados. Del álbum se destacan Pétalos, No hay palabras bonitas con Gordo Fu, Mundo de víboras con Gera MX, Aquí todo está bien con Nico Maleon y Si nunca va a amanecer.

Al año siguiente salió Ataraxia: A Plena Luz del Día (2016), álbum de catorce canciones, con el que se consagro en la escena. Ataraxia, al igual que Smile, contó con varias colaboraciones como Tardes con Gera MX, Llegó la Hora (I don't give a f**ck) con Nico y Deja el cuento y tu cruz con Leiden. Una pieza que no se baila, No pienso llorar y Aunque la vida duele, también hacen parte del álbum.

En 2018 apareció su cuarto álbum de estudio, Sui Generis, convirtiéndose en todo un éxito. Este incluía hits como Vamos a dar el Roll, Andrómeda y Me gusta y las colaboraciones Cafe con Gera MX, Hasta que la muerte nos separa con Smoky y Hace tanto tiempo con Nanpa Básico y Gera.

Desde Sui Generis, Charles no dejaría de cosechar éxitos, por lo que actualmente es considerado uno de los grandes de la escena musical mexicana.

En 2019 lanzó Canela con Nanpa Básico, seguido de Tu Boca con Celso Piña y el EP El Desierto También Da Flores (2019), donde incluía verano del 2006. Con posterioridad estrenó Olvidemos el reloj, El tiempo Cura, Ynlpa y Písalo, Úsalo, Rómpelo con Slim Ans en 2020. Con este último volvería a colaborar en los sencillos A solas y Con clase.

Como si fuera poco, ese mismo año, lanzó Dime, Cada vez, Empapelado, Causa y Efecto junto con Castellano y Algo Bien con Rafael Lechowski

En lo que va del 2021 ha lanzado varios sencillos y nuemerosas colaboraciones como Me pones mal, Amatista, Carita de ángel y Cypher. Además, regreso con nuevo álbum titulado Los No Tan Tristes, junto a Nanpa Básico y Gera MX. Del álbum se destacan Ya no te puedo ver, Invisibles y Los no tan tristes.

Recientemente lanzó el sencillo Sin Miedo a Perderte.

Curiosidades

Charles ha aparecido en programas como MTV Push, Vive Latino y Nomadx.

En 2020 fue demandado por presunto plagio por la cantautora Carla Morrison.

Kevin Manuel Rivera Allende (10 de febrero de 1998), mejor conocido como Kevvo, es un cantante, compositor y productor puertorriqueño, joven promesa de la escena trap y urbana. Kevvo salto a la escena musical con 5:12 en marzo de 2019. Un mes después salto a la fama con 105F y su remix, que contó con la colaboración de Ñengo Flow, Myke Towers, Brytiago, Darell, Arcángel y Farruko. Se ha convertido en todo referente de la escena musical y pese a su corta trayectoria, ha colaborado con artistas de la talla de J Balvin, Brray y Jhay Cortez. Destacan sus temas Farandulera, Crossfit, El Efecto y Te Va Bien, así como su colaboración con J. Balvin Billetes Azules.

Primeros años

Kevvo nace Toa Baja, Puerto Rico, el 10 de febrero de 1998. Su nombre completo es Kevin Manuel Rivera Allende y desde muy pequeño supo que iba dedicarse a la música. Creció escuchando a Daddy Yankee y Cosculluela, sus mayores influencias, y pasado un tiempo comenzó a escribir sus propias canciones. Incluso creo su propio estudio de grabación improvisado para luego darse conocer en las calles. Su vida cambio cuando atrajo la atención de Pepe Quintana, uno de los traperos más conocidos del momento, y quien no dudo en impulsar su carrera. Fue así que todo comenzó.

Kevvo: debut y trayectoria

Su debut se produjo, en marzo de 2019, con el sencillo 5:12, bajo la discográfica Visión Quintana Inc. Y aunque el sencillo no le fue mal en reproducciones, fue con su segundo tema 105F, que alcanzo el éxito e incluso lanzó un remix. Este último contó con la participación de siete de los exponentes más destacados de la escena musical urbana: Farruko, Ñengo Flow, Brytiago, Arcangel, Darell, Brytiago, Chencho Corleone y Mike Towers. Resta decir que el tema fue todo un éxito, pues en tan solo una semana alcanzó los 97 millones de reproducciones.

Y ese era solo su segundo tema.

Más tarde vino O.V.E.R, seguido de Hijueputismo con Ñengo Flow y Rastri con Marvel Boy. En agosto, llegó Crossfit junto a Randy (de Jowell&Randy); para octubre salió Groupie con Casper Mágico y luego, apareció Farandulera. Ese mismo año colaboró con Lyanno, Bryant Myers, Dalex y Rauw Alejandro en El Efecto y además apareció en Jukiao de Anonimus y Pablo Chill-E.
Su popularidad fue creciendo colaboración tras colaboración.
Comenzó el 2020 con los lanzamientos de 2020 y Pa' Que Te Casaste

. Ambos sencillos fueron bien recibidos, al igual que Power, una colaboración con Jhay Cortez, Mike Towers y Darell. Más tarde, apareció Perreo Intenso de Farruko y Guaynaa y colaboró en Sin tabú (remix), junto con Justin Quiles y Noriel.

Otros éxitos fueron En la High junto a Brray, Tyson, Tirame Tu Pin y Natti, Karol, Becky con Jon Z. Por otra parte, el hit Billetes Azules con J Balvin se estrenó en octubre, mientras que Ninfo vio la luz en diciembre.

En lo que va del 2021, ha lanzado Preseo (ft. Noriel) con Leebrian y Te Va Bien (ft. Darell) junto con Árcangel y Becky G. Asimismo, ha colaborado en Como Si Nah de Quiles, Givenchi (Remix) de Hozwal y Dime Si Tu de Nicky Jam y Guaynaa.

# data[].attributes.attachment_link.description
Biografía de Jheronimus van Aken, El Bosco: Pintor holandés. Nació en Vughterstraat de Bolduque, Hertogenbosh, Holanda. Su vida se desarrolló dentro de una familia de pintores, ellos se dedicaban a la pintura al fresco, dorar esculturas de madera y a la producción de objetos sagrados. Al terminar la escuela...

# data[].attributes.body
Pablo picasso
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
España

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cuando invadieron París, los nazis visitaban de vez en cuando el estudio de Picasso para ver si podía delatar a algún artista judío. Este sólo sonreía y les daba una postal con la reproducción de su Guernica. En una ocasión, un embajador nazi cogió la tarjeta y le preguntó con desprecio: ¿Ha hecho usted esto, Monsieur Picasso...?. No -respondió el pintor- lo han hecho ustedes...

La Luftwaffe ​​​​había bombardeado durante horas la indefensa ciudad de Guernica en 1937, que quedó arrasada dejando sólo escombros. Un bombardeo indiscriminado contra la población civil que marcaría el inicio de las atrocidades típicas de las guerras del siglo XX.

Tras esto, Picasso se sintió obligado a documentar el hecho para las generaciones venideras y pintó la obra para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de ese mismo año.

El resultado fue un enorme lienzo de casi 4 metros de alto por más de 8 de ancho que es hoy la ilustración perfecta de los desastres de la guerra, tomando la herencia del arte-denuncia de

Un arma en sí misma, ya que sirve de instrumento de guerra contra la propia guerra. Picasso pintó su Guernica en blanco y negro, evocando deliberadamente las fotografías de los periódicos para dar una mayor sensación de realidad documental.

Soldados muertos, mujeres llorando (tres retratos de tres de sus amantes), caballos gritando, palomas heridas, toros, fuego, una bombilla iluminando la horrible escena... Un caos moderno para alertar a un mundo que estaba a punto de arder. Sólo esa lámpara que lleva la mujer en su mano y una flor que crece solitaria en el suelo nos dan algo de esperanza de que semejante locura no vuelva a ocurrir.

Aunque desde luego ocurrió más veces, y sigue ocurriendo. Y seguirá... Pensémoslo.

HA! siempre será gratis, pero si crees que es útil para ti y para el mundo entero, te animamos a que nos apoyes. O si lo prefieres, puedes apoyar a Miguel Calvo Santos para que siga escribiendo cosas como esta.

# data[].attributes.attachment_link.description
La esencia misma del siglo XX y sus horrores.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.

Pablo Picasso

Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba.

En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Instituto da Guarda son requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal.

Dos años más tarde obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San Fernando, mientras sus trabajos, influidos por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga.

Picasso en 1908

En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su "período azul". Al año siguiente expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa.

Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí trabó amistad con Braque y Apollinaire, y se enamoró de Fernanda Olivier. Durante tres años Picasso pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907.

Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por Braque, se lanza a crear el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después se muda de Montmartre a Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona.

Con Olga Clochlova en París (1919)

En 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Serguéi Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Erik Satie. El fin de la guerra le trae un nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica.

Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de Dora Maar.

Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan.

En su estudio en Vallauris (1949)

En 1944 se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949.

En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette David, que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde.

Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguiría creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: su hija Paloma.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

# data[].attributes.attachment_link.description
Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets.

# data[].attributes.body
Claude Monet
Museo de Arte de la Universidad de Princeton
Estados Unidos

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Puente Japonés , es un óleo sobre lienzo pintado por Claude Monet en el año 1899.

Descripción

El puente japonés es una pintura que Monet realizó en 1899 del puente y del estanque de nenúfares. Aquí, el estanque en sí casi llena el lienzo: Monet ha recortado tanto el cielo como la orilla. Los lirios forman bandas horizontales en la superficie brillante del agua, mientras que los reflejos de las cañas y las ramas del sauce se representan con pinceladas cortas y verticales. El mismo puente se curva a través de la parte superior del lienzo en una línea ininterrumpida: busque su reflejo en el agua de abajo. La percepción de los colores se altera, tal vez también a causa de las cataratas, que en determinado momento le impiden distinguir formas y tonalidades. Efectivamente, en sus últimos años llega a resultados decididamente abstractos. El color se muestra con mucho cuerpo sobre la superficie del lienzo; se ven salir grumos de pigmento y pinceladas del soporte del cuadro. El artista parece descubrir la pura materia que constituye la esencia de las cosas, avanzando más allá de las posibilidades de la visión humana.

En 1883, el pintor nativo de la ciudad de París, Claude Monet se instaló en los suburbios de Giverny junto a su esposa Alice Hoschedé y sus ocho hijos, en esta casa viviría los últimos años de su vida. En Giverny, el afamado pintor logró que su visión de jardín se hiciera realidad. Plantó lirios, sauces llorones, construyó un estanque japonés y en 1895 levantó el puente japonés -amaba el arte oriental- inmortalizado en muchos de sus cuadros. Monet hizo todo esto para crear su propio "Edén artístico" donde podía pintar la naturaleza como la veía. El Puente Japonés es uno de los 18 cuadros que pintó Monet en sus series finales. El puente arqueado que construyó sobre su estanque de nenúfares era el motivo principal de esta pintura. Los frondosos árboles que rodean las orillas del riachuelo se reflejan en el agua, sobre la que destacan las vivas tonalidades de los nenúfares.

Datos del autor

Claude Monet, pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Es el impresionista por excelencia. Se interesa sobre todo por el paisaje y la incidencia de la luz a diferentes horas. Capta la vibración lumínica mediante pequeños y rápidos toques de colores puros que dan aspecto inacabado a sus obras desde cerca, pero que se funden a determinada distancia. Líder del movimiento de arte impresionista, los cuadros de Monet son reconocidos como los más puros ejemplos de este estilo. Monet sentó las bases de la pintura moderna, su pincel no buscaba comunicar una historia ni dar una instrucción moral al espectador, sino que ponía en el lienzo impresiones en función de las sensaciones experimentadas por el ojo. Las pinceladas puntillistas, que pintó en sus cuadros con propiedad de maestro, son el origen del arte pictórico moderno.

# data[].attributes.attachment_link.description
Puente Japonés , es un óleo sobre lienzo pintado por Claude Monet en el año 1899. El puente japonés es una pintura que Monet realizó en 1899 del puente y del estanque de nenúfares. Aquí, el estanque en sí casi llena el lienzo: Monet ha recortado tanto el cielo como la orilla.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Claude Monet (1840-1926) fue un pintor francés destacado por ser uno de los principales promotores del movimiento impresionista. Nacido en París, pasó la mayor parte de su infancia en Le Havre (Normandía), donde pudo desarrollar su vocación artística asistiendo a clases de dibujo. Sus primeros trabajos fueron caricaturas de profesores y otros estudiantes que eran expuestas en una marquería de la ciudad, un género completamente distanciado del estilo por el que es conocido actualmente.

Durante su estancia en Le Havre Claude Monet conoció a Eugène Boudin, pintor francés que lo anima a introducirse en la pintura al aire libre. Tras percatarse de que su verdadera pasión era la pintura, Monet decide trasladarse a París a finales de la década de los 50 para formarse en la Academia de Charles Suisse. No obstante, en 1861 se ve obligado a abandonar su aprendizaje para cumplir con el servicio militar obligatorio, siendo destinado a Argelia. Un año más tarde, en 1862, enferma de fiebre tifoidea y regresa a Le Havre. Allí retoma su carrera como pintor inscribiéndose en el taller del artista suizo Charles Gleyre, en el que también estudiaban Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley o Frédéric Bazille.

En 1865 Claude Monet regresa a París, aunque en esta ocasión acompañado de su amigo Bazille. Ambos se establecen en la capital francesa con el objetivo de encauzar sus respectivas carreras artísticas. En un principio, la obra de Claude Monet tuvo una excelente acogida por la crítica y uno de sus cuadros, 'Camille con vestido verde' (1866), llegó a exhibirse en el prestigioso Salón de París. Ante los buenos resultados, Monet continuó trabajando y pintó 'Mujeres en el jardín', cuadro que también presentó al Salón de París. Sin embargo, esta vez la obra fue rechazada y la situación económica del pintor francés empezó a empeorar. Buscando el apoyo de su familia, Monet opta por pasar el verano de 1867 en Le Havre, etapa en la que pinta ' La terraza de Sainte-Adresse', una de sus obras paisajistas más representativas.

En 1867 Bazille compra la obra 'Mujeres en el jardín' con el objetivo de ayudar económicamente a su amigo Claude Monet, que ya había tenido su primer hijo con Camille Doncieux, musa del cuadro 'Camille con vestido verde'

Tras una nueva negativa del Salón de París a otra de sus obras, Claude Monet decide tomar otro camino y se muda a Londres. Allí se relaciona con artistas impresionistas como Camille Pissarro o William Turner. Con su traslado a la capital británica, Monet evitó ser reclutado tras el estallido de la Guerra Franco-Prusiana. Sin embargo, su amigo Bazille sí participó en la contienda y falleció en 1870 en el frente de batalla.

En 1871 Claude Monet recibe una pequeña herencia por la muerte de su padre. Aprovechando su mejora económica y el fin de la guerra, regresa a Francia y se asienta con su mujer e hijo en Argenteuil. En este periodo experimenta con los efectos de la luz y el color en los paisajes, tal y como se aprecia en 'La casa del artista en Argenteuil' (1873).

Más tarde, en 1874, Claude Monet participa en una exposición privada con otros reputados artistas como Renoir, Sisley, Pisarro, Cézanne o Gaullaumin. Entre todos, además, comenzaron a establecer las bases y principios del movimiento impresionista. Para la exposición Monet escogió 'Impresión, sol naciente' (1872), una de sus pinturas más significativas. En 1876 colabora en una segunda exposición impresionista que ayuda a que el movimiento cobre mayor importancia. Posteriormente, en 1878, Monet tiene su segundo hijo y, un año después, su mujer Camille fallece tras un aborto inducido fallido.

En los años 80 repunta el mercado de pinturas impresionistas y Claude Monet tiene suficiente solvencia económica para trasladarse a la localidad francesa de Giverny. Allí se establece con sus dos hijos y su nueva pareja sentimental Alice Hoschedé. En esta etapa Claude Monet trabajó especialmente en el jardín de su casa, en el que construyó un estanque colmado de nenúfares y plantó diversas especies como sauces y árboles exóticos. Su preciado jardín pronto se convirtió en la principal fuente de inspiración del artista, surgiendo obras como 'El puente japonés' (1899) o 'El estanque de las ninfeas' (1900).

El pintor francés Édouard Manet influyó notablemente en la obra de Claude Monet y en la de otros artistas considerados como promotores del impresionismo

Los últimos años de Claude Monet estuvieron marcados por una elevada productividad artística. Sin embargo, esto cambió drásticamente cuando se acrecentaron sus problemas de cataratas. Pronto comenzó a perder la vista lo que obstaculizó de forma notable su progreso artístico. Monet llegó a romper bocetos y cuadros sin terminar con el objetivo de que no llegaran al mercado del arte. Todo ello, sumado a la muerte de su segunda esposa y al fallecimiento de uno de sus hijos provocaron una profunda depresión en el artista. Finalmente, falleció en 1926 en Giverny.

Claude Monet dejó tras de sí una imborrable aportación al mundo del arte a través de su extensa colección de obras impresionistas. Inició su carrera influenciado por el realismo pictórico y finalizó con una pintura más naturalista y abstracta marcada por la disolución de las formas. A pesar de las diferentes influencias, su pintura comparte un excepcional tratamiento de la luz y el color con el que Monet conseguía captar y representar todo aquello por lo que se sentía atraído.

Arte biografía Claude Monet Impresionismo obras

Sobre El Autor

Artículos Relacionados

# data[].attributes.attachment_link.title
Claude Monet, aportación al impresionismo y obras más importantes - Culturavia

# data[].attributes.attachment_link.description
Claude Monet (1840-1926) fue un pintor francés destacado por ser uno de los principales promotores del movimiento impresionista. Nacido en París, pasó la mayor parte de su infancia en Le Havre (Normandía), donde pudo desarrollar su vocación artística asistiendo a clases de dibujo.