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♥ Paola Ulloa Bolaños
♥ Nahiry Salazar Alfaro
♥ Montserrat Castillo Quesada
♥ Allison Villalobos Espinoza

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El concepto de arte es todo lo que llaman arte lo define como una transformación a largo tiempo a consecuencia de un proceso cultural por lo que nos abre la posibilidad de definir el arte de una manera abierta y relativa.

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El arte renacentista, de Edad Media o incluso el moderno en muchas ocasiones tiene una razón concreta por la cual existe. Se ajusta a estándares y de la misma forma cuenta con una narrativa sencilla de interpretar, muchas veces es la forma de plasmar un recuerdo, un momento importante en la historia, entre otros. Sin embargo, el arte contemporáneo se implanta de manera única y personal, la narrativa no es estática y es compleja de explicar, muchas veces no tiene sentido o razón de ser de manera intencional. Esta fluidez en el mensaje permite a la persona que observa crear su propio mensaje y opinión frente a la obra. Ofrece un ajuste ante el contexto actual y a su vez un "escape" más imaginativo (el cual puede incluir experiencias) a la persona espectadora.
No obstante, la interpretación es volátil por lo que varía entre opiniones positivas, de maravilla o admiración, a reacciones negativas, de desprecio o invalidación.
Obra: Manuel Barbero.

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Umberto Eco expone en su primera hipótesis sobre la muerte al arte. La forma en la que el arte contemporáneo sufre una transformación “simbólica” y pasa de ser un placer de carácter emotivo e intuitivo a ser un placer de carácter intelectual. Por lo general, el arte que se ha realizado anteriormente se ha regido bajo diferentes reglas que tenían que ver directamente con la belleza o la técnica prolija y delicada durante la creación de estas, sin embargo, con el pasar de los años este ha tenido cambios relacionados al contexto en el que nos desarrollamos, un mundo más acelerado que muchas veces no visualiza los detalles, asimismo, un poco más alejado de la cultura.
Por esta razón, el arte y el consumo de arte se ha gentrificado y centralizado para ciertas partes de la población que pueden acceder a él, por ejemplo se puede ver con la ubicación de museos donde se encuentran piezas artísticas que se consideran obras de arte, las cuales quizá no se considerarían así en otra época.
Obra: Jeff Koons.

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El autor utiliza la metáfora «astucia de la historia» que se refiere a la manifestación de un cambio en la consciencia artística con un  exceso de reflexión racional frente a la capacidad de creación y placer artístico propiamente dicho, provocando la desproporción existente entre lo que las obras dicen en realidad y el exceso de doctrina que las justifica.

Que se refiere a cómo se le toma más importancia a la explicación detrás de la obra que a esta misma.

Tomando cómo ejemplo esta pintura titulada "Untitled (Yellow And Blue)", que Rothko realiza en 1954, la cual consiste en un bloque de pintura azul sobre uno amarillo, la cual ha sido descrita por algunos medios artísticos cómo: "la manera en que el espacio material se disuelve y somos superados por un sentimiento de continuidad sin fin"; siendo un excelente modelo para lo que se mencionaba al inicio de este texto.

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Al referirse a la segunda hipótesis recuperación del valor estético, que habla del valor de una obra como un objeto portador de un mensaje, en la que se menciona ”la obra vive y vale sólo como realización de su propia poética”.

Respecto a su interpretación, se hace referencia a esta cómo un proceso personal, rico en perspectivas, variable y abierto, el cual requiere reaccionar ante los estímulos físicos del objeto, no solamente con una aceptación intelectual, sino a través de una serie de reacciones emocionales y cinestésicas.

Lo que se puede entender cómo esta nueva forma de percibir el arte, tomando en cuenta las reacciones que nos causa y cómo lo relacionamos con la explicación que se nos da de esta y el gran valor que tiene una obra con el simple hecho de ser portadora de una narrativa.

Tomando en cuenta lo anterior, se expone cómo ejemplo este performance denominado Interior scroll, 1975 de la artista Carolee Schneemann, el cual consiste en la artista realizando una serie de movimientos y acciones que promueven un discurso sobre la liberación del cuerpo, la sexualidad y el género. Lo podemos relacionar a la teoría de Eco con respecto a esta nueva forma de valorar el arte, ya que si una obra como esta hubiera sido presentada en otra época no hubiera tenido ni la mitad del alcance que tuvo.

Dejando en evidencia el proceso evolutivo del concepto de arte.

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Considera que es precisamente el mercado del arte el que pone límites al propio arte y a difundir que cualquier puede ser considerada artística.

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Este libro nos habla de cómo muchas veces al pensar en arte ya tenemos una referencia familiarizada con algunas obras históricas como ‘la mona lisa’ debido a la rapidez de los medios de comunicación y cómo este impacta en nuestro pensamiento, así como también es utilizado para provocar otro tipo de respuestas en el espectador como con ligeros cambios que alteren su apariencia original haciéndolo ver chocante y controversial, comúnmente como herramienta política y de denuncia.

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La utilización de herramientas artísticas no convencionales como lo son los cuerpos ya sea de personas o animales, muertas o vivas que suelen ser sumamente controversiales respondiendo a la ‘moral’, se hace un límite en lo que es artístico y lo que es médico o al menos antes solo estaba disponible para aquellos de su profesión, denunciando diversos temas sociales y la controversia del uso de los cuerpos como herramienta siendo esta un arma de doble filo para la crítica social.