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Marine Laclotte, 18 min, 2022

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L'avis de Tënk

L'animation est un formidable vecteur de sons documentaires. Ici, Marine Laclotte et Camille Erder, preneuse de son, ont tourné leur film en passant de nombreuses heures dans des institutions psychiatriques, micro au poing, et curieuses. Ces rushes sont la matière qui fait vivre les images animées, ils sont une base vraie sur laquelle le graphisme peut alors se déployer en toute liberté et nous entraîner encore un peu plus dans l'intériorité des personnages. Alors, qu'un personnage se déforme, qu'il s'échappe d'un miroir, tout devient vrai : la fantaisie du dessin devient profondément documentaire et nous parle, directement, de manière sensible, de la folie, douce ou dure.

François Waledisch
Ingénieur du son

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Folie douce, folie dure - Film documentaire - Tënk

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L'animation est un formidable vecteur de sons documentaires. Ici, Marine Laclotte et Camille Erder, preneuse de son, ont tourné leur film en passant de nombreuses heures dans des institutions psychiatriques, micro au poing, et curieuses.

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Nicolas Peduzzi
France, 2018, 90 min

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AlloCiné

Spectateurs

3,3 37 notes dont 16 critiques

Synopsis

Avertissement : des scènes, des propos ou des images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs

Fille unique du plus grand exploitant pétrolier du Sud des Etats-Unis, Taelor Ranzau, 26 ans, a grandi dans l'un des quartiers riches de Houston, Texas. A 14 ans, la mort soudaine et mystérieuse de son père met fin à son enfance idyllique, et provoque sa chute dans une vie où règnent la drogue, l'alcool et les jeux d'armes. Son héritage, estimé à plus de 500 millions de dollars, devient sa malédiction. Le film dresse le portrait d'une génération perdue et décadente dans l'Amérique contemporaine de Donald Trump.

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2:00

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Critiques Presse

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17 articles de presse

Critiques Spectateurs

Taelor Ranzau a vingt-six ans. Dix ans plus tôt, son père est mort et lui a laissé une fortune. Mais la vie de Taelor n'est pas rose pour autant. "Southern Belle" a marqué les spectateurs du Festival international de cinéma de Marseille l'été dernier. Il arrive sur nos écrans neuf mois plus tard. Il a pour héroïne une Paris Hilton texane, fille unique d'un père qui, pour punir la mère de Taelor dont il divorçait, a spolié sa femme ...
Lire plus

sans intérêt... on attend en vain de comprendre ce qui s'est passé mais c'est juste une suite de scènes désagréables sans intérêt avec des personnages moches dans tous les sens; bref, à éviter

Curieux destin que celui de Taelor Ranzau qui, à 14 ans, a hérité de l'immense fortune de son père, tout juste décédé. Pris dans un engrenage familial terrible, internée par sa mère, Taelor erre aujourd'hui dans le Sud des États-Unis, prise dans un étau familial terrible où la seule échappatoire qu'elle semble trouver se fait au travers de soirées défonce avec des copains racistes amateurs d'armes à feu. Parce qu'il a très bien ...
Lire plus

Un personnage touchant et attachant que l'on voudrait aider à trouver son chemin...
La jeunesse américaine décadente dans les states puritains en passant par les "nouveaux" riches qui n'ont pas fait l'école des bonnes manières.
En bref, un tableau triste de cette fille seule qui doit apprendre à aller de l'avant par elle-même sans l'amour des siens.

16 Critiques Spectateurs

Photos
11 Photos

Secrets de tournage

À l'origine

Le réalisateur dresse le portrait de Taelor Ranzau après avoir été en couple avec elle il y a une dizaine d'années. Il a eu l'occasion à cette époque de se rendre plusieurs fois à Houston et de découvrir "cette ville conservatrice et maudite par son passé et son histoire sanglante et ségrégationniste, qui fait naître en opposition, des gens assez rebelles et originaux comme Taelor." Resté en très bons termes avec celle-ci, le réalisateu Lire plus

Petit comité

Le film a été tourné caméra à l'épaule afin de faciliter les déplacements de l'équipe. "Cela nous permettait d'être flexible et de se faire oublier tout en capturant des moments intimes, de là vient aussi le choix d'une équipe très réduite", explique le réalisateur. Ainsi, l'équipe ne se composait que de deux personnes lors du premier voyage puis de trois durant le deuxième séjour à Houston : "Nous n'avions pas de preneur de son, je pense qu'avec Lire plus

Infos techniques

Distributeur Septième Factory

Date de sortie VOD 21/08/2018

Type de film Long-métrage

Secrets de tournage 2 anecdotes

Box Office France 690 entrées

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Commentaires

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Fille unique du plus grand exploitant pétrolier du Sud des Etats-Unis, Taelor Ranzau, 26 ans, a grandi dans l'un des quartiers riches de Houston, Texas. A 14 ans, la mort soudaine et mystérieuse de son père met fin à son enfance idyllique, et provoqu

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Clara Teper & Paul Pirritano
France, 2022, 72 min

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Cineuropa - le meilleur du cinéma européen

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- Clara Teper et Paul Pirritano co-signent un premier long-métrage très fort sur une fille-mère qui se bat pour se libérer des abus d'un compagnon alcoolique et violent

, projeté en première mondiale dans le cadre de la compétition internationale longs-métrages de Visions du réel, est de ces films qui vous marquent au fer rouge, qui parviennent en toute simplicité (apparente) à déchaîner des émotions profondes, créant entre personnage(s) (en l'espèce la magnétique et courageuse Chaylla) et spectateur une connexion et une solidarité immédiates. Grâce à une approche à la fois empathique et extrêmement précise qui rappelle inévitablement celle des frères Dardenne, Clara Teper et Paul Pirritano arrivent à donner une forme, littéralement, aux inquiétudes et aux douleurs de leur héroïne sans jamais tomber dans le pathos, en la laissant simplement (enfin !) libre de s'exprimer.

(L'article continue plus bas - Inf. publicitaire)

L'histoire de Chaylla se passe à Lens, une petite ville du nord de la France comme tant d'autres. Quand les réalisateurs commencent à la suivre (ce qu'ils vont faire pendant quatre ans), elle n'a que 23 ans, mais elle déjà beaucoup d'expériences affreuses derrière elle : ancienne enfant de la DDASS, elle n'a pas eu la place de rêver, surtout depuis qu'elle vit avec un compagnon violent et alcoolique duquel elle cherche timidement à se libérer et qui a fini par lui arracher le peu d'estime de soi qu'il lui restait encore. Pour partager son quotidien, elle a Melvin, leur fils de quatre ans atteint de mucoviscidose, vite rejoint par Waren, fruit d'une brève réconciliation avec son compagnon.

Si la nécessité de se séparer définitivement du père de ses enfants est de plus en plus urgente, l'influence néfaste qu'il a toujours exercée sur elle (en brandissant l'arme de sa masculinité toxique et triste) ne cesse de retarder la prise de décision définitive. Ce sera, enfin, sur le long et douloureux parcours qu'est la séparation (au cours duquel tous les rêves de "normalité" s'effilochent définitivement pour laisser place à d'autres rêves, plus modestes mais certainement plus solides et tendres, comme l'amitié profonde entre Pauline et Babette) que le film se conclut - une conclusion qui, en réalité, n'en est pas vraiment une, tant les cicatrices laissées par la violence (physique et psychologique) sont profondes, comme des fissures qu'on peut caresser mais ne pourront jamais disparaître.

La caméra se rapproche de son héroïne avec un mélange de pudeur et de détermination qui reflètent son tempérament à elle. Bien que les sujets évoqués soient douloureux et que ce quotidien laisse parfois peu de place à l'espoir, la caméra n'abandonne jamais Chaylla, la filmant souvent en gros plan (son visage est incroyablement magnétique, de même que son regard plein de détermination résignée) ou en se collant à sa nuque (presque enfantine et exposée aux vents sous les cheveux coupés courts) comme pour la pousser en avant, toujours, malgré tout.

Ce que le film met en évidence est aussi l'importance de l'alliance entre femmes dans un contexte où l'approche binaire des genres imprègne tout, menant aux plus fatales conséquences, où la masculinité ne s'exprime quasiment qu'à travers la rage et la frustration, ce qui fait des femmes l'unique soupape de défoulement face à un quotidien qui anéantit tous et tout. Si le Prince charmant est encore le héros des rêves des Chaylla et de sa meilleure amie Pauline, celui-ci se mue de plus en plus en une (mauvaise) habitude qui fait place à des amitiés tendres et profondes, un terreau fertile sur lequel l'héroïne peut enfin commencer à se reconstruire.

Chaylla a été produit par Novanima productions.

(L'article continue plus bas - Inf. publicitaire)

(Traduit de l'italien)

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Clara Teper et Paul Pirritano co-signent un premier long-métrage très fort sur une fille-mère qui se bat pour se libérer des abus d'un compagnon alcoolique et violent , projeté en première mondiale dans le cadre de la compétition internationale longs-métrages de Visions du réel, est de ces films qui vous marquent au fer rouge, qui parviennent en toute simplicité (apparente) à déchaîner des émotions profondes, créant entre personnage(s) (en l'espèce la magnétique et courageuse Chaylla) et spectateur une connexion et une solidarité immédiates.

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Joachim Michaux, Le Fresnoy, 2021, 34min.

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Thématique : Rire et rêver Thematic: Laughing and dreaming

Ma première surprise est de remarquer que la majorité des travaux de Panorama 23 ne présente pas de discours politiques alors qu'aujourd'hui, les rhétoriques idéologiques reviennent en force.
Après ce premier étonnement, je suis heureux d'observer que cela ne dénote pas un désintérêt pour la société ou les tragédies de la pla-nète : immigrations, dictatures, catastrophes écologiques, massacres, violences machistes, pour ne citer que les plus récurrentes, mais que les créateurs, ici, choisissent des réponses proprement artistiques.
Si ma première réaction est la surprise, la deuxième est le bonheur de voir que ces créateurs ne désertent pas leur territoire, leur langage propre. Ils interpellent, analysent, inventent en rappelant que leur mode d'expression, leur méthode, engendrent d'autres attitudes, d'autres com-positions, d'autres formulations du sens.
Découvrant cela, m'est revenu en mémoire la radicalité de Jeanne-Claude et Christo, avec lequel j'ai présenté, à la Fondation Maeght, le travail de toute une vie sur la forme archétypique du Mastaba, à par-tir de l'utilisation de formes industrielles telles les boites de conserve, les bidons ou les barils. À la vue de ces barils, nombre d'interlocuteurs tinrent des considérations sur le pétrole, l'économie, l'écologie concernant cette éner-gie fossile. Si Christo laissait, bien sûr, les journalistes libres de leur interprétation, il indiquait que ce n'était pas le sujet de son travail et qu'ayant connu cruellement, en Bulgarie, le pouvoir destructeur de l'idéologie, il ne souhaitait pas s'entretenir sur son œuvre de cette problématique. Sans vouloir offenser personne, si son questionneur insistait sur ce thème, il interrompait l'échange, en leur demandant de comprendre sa défiance vis-à-vis de ce mode de pensée qui, selon lui, étouffait l'espace singulier de l'art et de son processus signifiant.
Je crois, en effet, qu'un artiste n'a aucun intérêt à se laisser envahir, coloniser par ces démarches réductrices. S'il y a une " éthique générale ", il y a également une éthique de l'art qui détermine son champ propre.
Je me souviens qu'un journaliste lui demanda alors : " mais pour quoi militez-vous ? ". Christo répondit en souriant : " Mais comme toujours, je milite pour l'art, simplement ". Christo signifiait qu'avec les formes qu'il inventait, qu'il choisissait, il construisait " un effet d'art ", c'est-à-dire une " rencontre " avec un événement artistique. Il ajoutait, un peu provocateur : " Je crée des œuvres complètement irra-tionnelles, irresponsables, sans justification. " Ainsi, à chacun d'entrer en un contact très libre, très singulier avec l'univers pour le comprendre autrement. Que ce soit la nature, la ville, les enve-loppes sociales ou intimes... cette rencontre se fait grâce à l'art qui use de ses propres géographies et de ses propres chemins. Ce sentiment, je l'éprouve aujourd'hui en regardant ou en vivant les œuvres de Panorama qui, claire-ment, disent leur désaccord avec certaines structures sociales, leurs fonctionnements, leurs insuffisances, leurs injustices, leurs erreurs ou absurdités, mais qui, jamais, ne rendent leurs armes au politique ou à une autorité en matière de sciences sociales. Cela n'implique pas une absence de dialogue mais souligne qu'ils n'ont pas la même économie, ni le même imaginaire. Ce n'est pas un hasard si le souvenir de cette expérience avec Christo refait jour, aujourd'hui, tant j'ai retrouvé au Fresnoy des options comparables.
Je suis heureux de voir la société en débat de cette façon et la place que les artistes s'y assignent, choisissant délibérément que leur langage soit irréductible à d'autres, empêchant ainsi la confusion entre la réalité et le réel.
Là encore, un autre souvenir : celui de Jean-Luc Godard, au Verger Urbain V d'Avignon, en 1967, après la projection de La Chinoise. Assailli de questions d'actualité ou de théo-ries politiques, de demandes d'analyses, il explique qu'il est cinéaste, qu'il faut d'abord regarder le film, l'assemblage des images, de la parole et du son, pour comprendre son propos. Le sens était là et ne pouvait pas être réduit à aucun argumentaire, aucune rhétorique.
Là encore, ces phrases de Léos Carax dans un entretien avec Jean-Michel Frodon : " Jamais aucune idée au départ de mes projets, aucune inten-tion. Mais deux trois images, plus deux trois sentiments. Si je découvre des correspondances entre ces images et ces sentiments, je les monte ensemble. (...) Je ne fais pas de films ouvertement politiques, mais je crois toujours que le cinéma existe pour nous changer, et changer nos angles de vision ".
Christo, Jean-Luc Godard, Leos Carax, autant de manière de dire que l'art, le cinéma, la poésie, ont chacun leur espace, leur régime propre où se cherchent la singularité et l'autonomie de leurs " langues ". Les idées, les sensations, les raisons y ont un autre poids, un autre dessin, une autre forme. C'est ce choix que ne cesse de faire vivre les œuvres de Panorama lorsqu'elles mêlent leurs voix à celles de l'époque et du temps.
S'il s'agit, par exemple, d'expri-mer la douleur générée par le racisme, au travail à bas bruit, la fiction s'en empare, redonne vie à la Vénus hottentote, à son corps morcelé. Elle renverse l'aliénation extrême de ses pauvres membres pour, désormais, les faire rayonner, d'un merveilleux " rose " à travers le moindre de ces fragments dépecés. Ils deviennent formes sacrées dressant un sanctuaire, les préservant de manipulations dont ils furent et dont ils sont encore l'objet.
Devant la confusion des sentiments, les stéréotypes d'époque, la soumission à l'ordre des techniques, les artistes ont recours aux pouvoirs de la surprise, de l'enfance, aux rêves et aux voiles de l'ima-ginaire qui se gonflent et invitent nos vies, de manières inattendues, parfois " tordues ", à déjouer l'ordre et les règles, à faire entendre l'humour et l'ironie qui défont les lignes droites, nous obligeant à être " le suivant d'un suivant. "
" Au suivant ! " dirait Jacques Brel. Pigeons. Crânes d'œuf après crânes d'œuf. Ils sont aussi de véritables détona-teurs contre certains personnages de la scène #MeToo. Semblables au Pantalone de la commedia dell'arte, ils sont présents depuis l'Antiquité jusqu'aux grotesques de la Renaissance. Ils ont les traits parfois sans pitié de l'art brut ou portent les grimaces des morphings numériques de Joan Fontcuberta. Leurs corps se déforment, sous l'effet des jouissances du pouvoir et de celles du corps de l'autre.
Beaucoup de jeux de rôles nous interpellent, de scène en scène. Certaines violences s'inspirent des mises en scène, des games de combat parodiant des biographies d'assassins devenus des producteurs de cinéma de série B, remplaçant les duels de valeureux samouraïs.
D'une fiction à l'autre, beaucoup de personnages surgissent et sont traités, non plus pour leurs corps, mais comme des " composi-tions-combinaisons " abstraites, au sein d'allégories ou d'expériences vécues ou rejouées dans le théâtre des installations.
Il arrive aussi que, quel que soit le masque ou la peau du rôle, les person-nages, malgré de volontaires distanciations, ne puissent être soustraits aux émotions mémorielles souvent mélancoliques ou dramatiques, " Persona - Personne - Personnage " se mêlant.
Dora García évoque la déception de femmes toujours dans l'espérance d'un monde à venir qui ne vient pas, l'impossible recon-naissance authentique de leur identité. Le monde se repliant sur lui-même n'offre plus alors que la répétition désespérante des mêmes échappatoires. " Sortir du champ " est alors une aventure dont la force motrice est le rêve.
EXIT, sortir, s'extraire, voilà ce que les peuples de migrants incarnent. Ces peuples qui traversent les terres vers la mer. Ils franchissent les déserts, réparent leurs sandales, pour continuer à marcher, abandonnent leurs bagages, leurs vêtements puis leur vie... Ils ne laissent rien, si ce n'est, grâce à quelques-uns respectant leurs rêves, une tombe sans nom, dans l'espoir qu'un jour une famille, une communauté les reconnaîtront. Qu'en est-il, aujourd'hui, de ces fantômes et des possibilités d'îles imaginaires à atteindre ? Une chanson dit que ce refuge est toujours vivant pour ceux qui les suivent et chantent à nouveau.
La plupart de ces œuvres n'ont pas de narrations formelles mais des élaborations " complexes " inattendues qui nous maintiennent en éveil, à la recherche d'une issue virtuelle au labyrinthe. Je pense à John Cassavetes qui confie à propos de Love Streams : " Faire un film n'a rien à voir avec les actions, la narration, la conti-nuité, mais comment on reste accroché au sujet. À chaque fois que quelqu'un pense qu'il va se passer quelque chose, dans ce film, il se passe autre chose. Bon, ça aurait pu avoir un meilleur plan narratif, mais on fait un film et on se dit : ça pourrait être mon dernier film. Pourquoi j'irais me mettre dans un plan narratif vous comprenez ? Et puis on claque juste après, vous voyez. "
C'est alors que la pensée onirique prend son envol. Elle nous projette dans un journal intime ou une légende, en nous offrant la perspective heureuse de se diriger vers " l'Ailleurs ".
Rien n'est affirmé, ni stable. L'art, la musique, l'amitié, la vie autonome des objets concourent à négliger la seule dimension matérielle de nos vies. Ce que je vois est dépassé par une " autre vue ", une connais-sance nouvelle des genres et des règnes. La nature nous incite à faire un pari sur la présence de l'invisible, sur le principe d'incertitude. Le monde est une supposition, potentiellement vérifiable, ce dont, régulièrement, la physique quantique nous informe.
De cette liberté efficiente, le refus d'un système autoritaire de perception et d'interprétation est le garant. Il n'affronte pas le politique, il le contourne, le désamorce. L'hypothèse est clai-rement de choisir l'Ailleurs, comme analyseur de notre situation. Ici, les œuvres cherchent à l'atteindre en mixant le rêve, la science, l'uto-pie, les déplacements de la pensée, le mouve-ment, paradoxalement, plus concret que toute fondation.
Imaginons une ville. Ce n'est pas son bâti qui la fait vivre, car la ville est une étoffe brodée d'habitants, d'arbres, de temps, de mémoire, de cir-culations et de frémissements. Son réseau est un réseau sanguin. Il fait et défait sans cesse la carte. Épiderme rêvant une fiction entre science et animisme.
Olivier Kaeppelin

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Joachim Michaux - Sur tes cendres | Exposition Panorama 23 ...par le rêve... - Le Fresnoy 2021

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Liban, août 2020. L'explosion du port de Beyrouth confronte Yasmeen et son père aux non-dits de leur passé. Dans cette quête de reconstruction, se redessine leur rapport à la violence et à l'histoire tourmentée de leur pays. Ma porte d'entrée vers le Liban a été ma rencontre avec Yasmeen Baz, jeune productrice de musique électronique libanaise et son père Patrick.

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Elisa Gómez Alvarez, Suisse, 2021, 24min.

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Musique originale : Léon Orlandi Production : ECAL (École cantonale d'art de Lausanne), HEAD (Haute École d'art et de design)

Programmé par Alizée Mandereau

Résumé

Un décès violent bouleverse l'autrice du film au printemps 2019. Faisant appel à des archives VHS, elle nous plonge alors dans le huis-clos familial berlinois de son enfance. Une tentative de purification qui surmonte les limites du temps, du langage et de l'espace pour transformer une blessure profonde en quelque chose de sublime.

L'avis de Tënk

Dans ce film, Elisa Gómez Alvarez nous parle des histoires qui ne sont pas racontées, et qui, pour cette raison aussi, imprègnent les vies durablement.
Le cœur du film est composé d'une VHS, objet connu habituellement pour refléter la banalité, le quotidien des familles. En posant son regard sur ces images troublantes, la réalisatrice nous invite à questionner leur pouvoir : ce qu'elles racontent malgré elles, ce qu'elles ne racontent pas. Ici, l'absence du père à l'image, c'est l'omniprésence du regard violent, oppressant.
Par un travail de mise en scène et de montage remarquable, Elisa Gómez Alvarez démêle les fils de son histoire, reprend un peu de pouvoir sur son récit et la suite à y donner.

Alizée Mandereau
Programmatrice

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Un décès violent bouleverse l'autrice du film au printemps 2019. Faisant appel à des archives VHS, elle nous plonge alors dans le huis-clos familial berlinois de son enfance. Une tentative de purification qui surmonte les limites du temps, du langage

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Reka Valerik, France/Belgique, 2020, 51min.

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Résumé

Jeune espoir du MMA (Mixed Martial Arts), Khavaj a fui la Tchétchénie lorsque son frère a découvert son homosexualité et promis de le tuer, sous la pression des persécutions du régime de Ramzan Kadyrov. Arrivé à Bruxelles, et devenu mutique face au choc de l'exil, le seul lien que Khavaj garde avec la Tchétchénie passe par les messages vocaux que lui envoie sa mère. Le film dépeint les premiers mois de Khavaj en Belgique où, en vivant dans l'anonymat le plus total pour échapper à la diaspora tchétchène, il va tenter de construire une nouvelle identité.

L'avis de Tënk

Khavaj est une silhouette, une nuque, un torse, des muscles. Il est aussi une gorge qu'il masse, qu'il racle, tentant de produire à nouveau la voix qu'il a perdue - "aphonie psychogène", dit d'emblée l'orthophoniste : le passé de Khavaj en Tchétchénie ne passe pas le seuil de sa gorge, la parole reste coincée dedans. Le film suit son personnage dans son quotidien d'errance, en attente d'un possible asile, pris en charge par des bénévoles venant en aide aux homosexuels exilés persécutés dans leurs pays d'origine. Le danger lourd qui pèse sur tout le film s'incarne dans l'interdiction de cadrer le visage du jeune homme. Pourtant, quelque chose semble se libérer, chez Khavaj, comme dans le film : si le corps est d'abord morcelé, il reprend petit à petit son intégrité et son énergie, et Khavaj relève sa nuque baissée, laisse sa violence s'exprimer à nouveau... C'est une rude traversée, de la solitude et de l'exil, filmée au plus près du corps.

Jérémie Jorrand
Responsable de l'éditorial et de la programmation de Tënk

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Jeune espoir du MMA (Mixed Martial Arts), Khavaj a fui la Tchétchénie lorsque son frère a découvert son homosexualité et promis de le tuer, sous la pression des persécutions du régime de Ramzan Kadyrov. Arrivé à Bruxelles, et devenu mutique face au c

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Moona Pennamen
20 min

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L'archipel de Kvarken est un endroit unique où la mer est l'avenir de la terre et où la terre était auparavant la mer. Là-bas, des mythes vieux comme le monde font partie de la vie quotidienne.

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The Land that Rises and Descends - Poitiers Film Festival

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L'archipel de Kvarken est un endroit unique où la mer est l'avenir de la terre et où la terre était auparavant la mer. Là-bas, des mythes vieux comme le monde font partie de la vie quotidienne.

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One thousand and one attempts to be an ocean

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One thousand and one attempts to be an ocean

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Yuyan Wang, France, 12min

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Born in China in 1989, she studied at the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris and at Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains in Tourcoing, France. She takes an immersive approach in her work which, inspired by commercial media production, she develops into multiple visual forms. Her installations, performances and short films have been presented around the world.

Filmography (short films)

2019 All Movements Should Kill the Wind · The Devil In the Details 2020 One Thousand and One Attempts to Be an Ocean

Bio- & filmography as of Berlinale 2021

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One Thousand and One Attempts to Be an Ocean

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Born in China in 1989, she studied at the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris and at Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains in Tourcoing, France. She takes an immersive approach in her work which, inspired by commercial media production, she develops into multiple visual forms. Her installations, performances and short films have been presented around the world.

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Laure Portier, France, 78min

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AlloCiné

Bande-annonce Séances (28)

Spectateurs

3,7 28 notes dont 5 critiques

Synopsis

Arnaud, c'est mon petit frère. Un jour, je me suis rendue compte qu'il était déjà grand. Il est né là où on ne choisit pas et cherche ce qu'il aurait dû être. Libre.

Séances

Bande-annonce

1:44

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Acteurs et actrices

Casting complet et équipe technique

Critiques Presse

Chaque magazine ou journal ayant son propre système de notation, toutes les notes attribuées sont remises au barême de AlloCiné, de 1 à 5 étoiles. Retrouvez plus d'infos sur notre page Revue de presse pour en savoir plus.
12 articles de presse

Critiques Spectateurs

C'est une réalisation de Laure Portier. Soy Libre a été présenté à l'ACID au Festival de Cannes 2021. Soy Libre porte parfaitement son nom. C'est l'occasion de suivre un adolescent intrépide de son quartier toulousain d'origine, jusqu'à l'Amérique latine. Ce documentaire va nous faire partir du début. Alors qu'il n'avait rien, Arnaud a décidé de "conquérir le monde". Pour cela, une simple caméra et c'est ...
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La rudesse de l'histoire ne devrait pas forcément laisser le Cinéma de côté ... le documentaire peut s'élever loin de la caméra de surveillance

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5 Critiques Spectateurs

Photos

Secrets de tournage

Naissance du projet

Le moment où Laure Portier a intégré l'INSAS (Institut Supérieur des Arts) coïncide avec l'entrée de son frère Arnaud dans un centre éducatif fermé. Dans le rapport de grande sœur à petit frère, la réalisatrice ressentait le besoin et le devoir de partager avec lui l'éducation qu'elle recevait. Elle se rappelle :"Et peut-être aussi que vu notre rapport, il était nécessaire de mettre quelque chose d'autre entre lui et moi. Une caméra, un proj Lire plus

Récolter des images

Avant que le film entre en production, Laure Portier a payé les voyages, l'énorme amende dont il devait s'acquitter et une caméra à son frère : pas tant pour nourrir le film mais pour qu'il passe à autre chose. "Je n'étais pas sûre du tout qu'il aimerait ça. Ça n'a jamais été convenu entre nous. Il a dû filmer différentes choses mais les premières images que j'ai reçues de lui datent de 2016 lorsqu'il s'est retrouvé à la rue. C'est une fois Lire plus

ACID Cannes 2021

Le film a été présenté à l'ACID au Festival de Cannes 2021.

6 Secrets de tournage

Infos techniques

Nationalités français, belge

Distributeur Les Alchimistes

Type de film Long-métrage

Secrets de tournage 6 anecdotes

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Soy Libre est un film réalisé par Laure Portier avec Arnaud Gomez, Jacqueline Puygrenier. Synopsis : Arnaud, c'est mon petit frère. Un jour, je me suis rendue compte qu'il était déjà grand. Il est né là où on ne choisit pas et cherche ce qu'il aurait dû être. Libre.

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Isabel Pagliai, France, 2020, 43 min

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Par une chaude journée d'été au bord de l'étang, Mia, onze ans, presse Hugo, quinze ans et déjà revenu de tout, de lui raconter son histoire d'amour avec Chaïnes, vécue quelques mois plus tôt au même endroit.

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Réalisé par Isabel Pagliai. Avec Chaïnes Bizot, Hugo Mercier, Mia Desmoulin. Par une chaude journée d'été au bord de l'étang, Mia, onze ans, presse Hugo, quinze ans et déjà revenu de tout, de lui raconter son histoire d'amour avec Chaïnes, vécue quelques mois plus tôt au même endroit.

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Alexandre Longuet, Belgique, 2018, 81min

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE

© Eklektik Productions

COMMENT VISIONNER CE FILM ?

Belgique | 2018 | 81 minutes | HD

Ultime refuge pour les oubliés de l'american dream, le motel aux États-Unis abrite toute une population de laissés-pour-compte, d'humains à la dérive qui, de crise en crise - économiques et personnelles -, se sont vus dépossédés de tout. Il y a ceux qui ont tout perdu. Il y a ceux qui ont tout quitté. Ceux qui ont tout oublié. Ceux qui rêvent encore. Aspirés par la survie quotidienne, chacun tente de se refaire dans ce nid précaire, à la marge du monde.

The camera observes an American motel along the main highway - just the way many of us imagine the United States. We follow four people inside the room at night, where they have been living in a kind of private purgatory for several years. Their sins are drugs, crime, and bad decisions. The slow flow of scenes and the occasionally blurred image create an atmosphere of being out of time and out of place - which probably just where these four people, incapable of breaking free from the vicious circle of apathy, feel themselves to be. The four documentary portraits combine to form a picture of the depressing life of people nurturing a tiny flame of hope.

Sortie en salles

Date de sortie non définie à ce jour

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film-documentaire.fr - Portail du film documentaire

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE © Eklektik Productions COMMENT VISIONNER CE FILM ? Belgique | 2018 | 81 minutes | HD Ultime refuge pour les oubliés de l'american dream, le motel aux États-Unis abrite toute une population de laissés-pour-compte, d'humains à la dérive qui, de crise en crise - économiques et personnelles -, se sont vus dépossédés de tout.

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Yudhajit Basu
20min

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La légende de la déesse Kalsu reste impregnée dans la conscience des femmes de la tribu Mahadev

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https://media.senscritique.com/media/000019817823/source_big/Imperiale.jpg
Coline Confort
22 min

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One thousand and one attempts to be an ocean

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One thousand and one attempts to be an ocean

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Yuyan Wang
12 min

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One Thousand and One Attempts to Be an Ocean (2020)

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Réalisé par Yuyan Wang. One Thousand and One Attempts to Be an Ocean correspond avant tout à un rythme, une résonance hypnotique qui fait déborder les images de leur contenu pour devenir sensation et énergie. Il est constitué de micro-événements provenant de la catégorie dite des satisfying video q…

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Hendrick Dusollier, 60min

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Dans l’immense ville de Chongqing, le dernier des vieux quartiers est sur le point d’être démoli et ses habitants relogés. Le cinéaste se lie d’amitié avec le petit Zhou Hong et Madame Xue Lian, derniers témoins d’un monde bientôt disparu.

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Blaise Perrin, 52min

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Portail du film documentaire : plus de 40 000 documentaires, 20 000 auteurs-réalisateurs et 500 festivals référencés, extraits et bandes annonces, éditions DVD, répertoire des festivals, actualités de la production, documentation.

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Chris Filippone, Jamie Meltzer, 14min

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HUNTSVILLE STATION
a film by Jamie Meltzer and Chris Filippone

Contact: Jamie (https://vimeo.com/songpoemcd) and Chris (https://vimeo.com/chrisfilippone)

Every weekday, inmates are released from Huntsville State Penitentiary, taking in their first moments of freedom with phone calls, cigarettes, and quiet reflection at the Greyhound station up the block.

SCREENINGS, AWARDS, and NOMINATIONS:
IDA Documentary Awards – Best Short Nominee, 2020
Cinema Eye Honors – Outstanding Nonfiction Short Nominee, 2020
Berlinale, 2020
SXSW, 2020
Hot Docs, 2020
AFI Docs, 2020
DOXA, 2020 – Honorable Mention: Short Documentary Award
Docaviv, 2020 – Best Short Award (Academy-Qualifying)
Seminci: Valladolid International Film Festival, 2020 – Special Mention: Time of History Competition
Camden International Film Festival, 2020
DOC NYC, 2020
Chicago International Film Festival, 2020
Hot Springs Documentary Film Festival, 2020
Calgary International Film Festival, 2020
New Orleans Film Festival, 2020
Black Canvas Festival de Cine Contemporaneo, 2020 – Special Jury Mention: International Short Film Competition
Double Exposure Film Festival, 2020
SFFILM Doc Stories, 2020
IFF Message to Man Film Festival, 2020
Internationale Kurzfilmtage Winterthur, 2020
Telluride Mountainfilm, 2020
Kurzfilm Festival Hamburg, 2020 – Special Mention: International Competition
Kyiv International Short Film Festival, 2020 – Grand Prix Award: International Competition
Champs-Elysees Film Festival, 2020 – Jury Prize: Short Film
Mammoth Lakes Film Festival, 2020 – Best Documentary Short
Uppsala International Short Film Festival, 2020
Flickerfest, 2021
Palm Springs International Shortfest, 2020 – Special Mention: Best Documentary Short
St. Louis International Film Festival, 2020
Milwaukee Film Festival, 2020
Odense International Film Festival, 2020 – Nominee: The Soapbox Award
Beijing International Short Film Festival, 2020
Indy Shorts International Film Festival, 2020
Lille International Short Film Festival, 2020
Crested Butte Film Festival, 2020 – Best Documentary Short
DC Shorts Film Festival, 2020
Savannah Film Festival, 2020 – Southern Voices: Best of Show Award
Philadelphia Film Festival, 2020 – Honorable Mention: Best Documentary Short
Rhode Island International Film Festival, 2020
Tirana International Film Festival, 2020
Nashville Film Festival, 2020
Drunken Film Festival, 2020
Tofifest International Film Festival, 2020
Tacoma Film Festival, 2020
50²201 Magazine, Berlin, 2020
OFF CINEMA International Documentary Film Festival, 2020
Glimmerglass Film Days, 2020
Shorts That Are Not Pants, 2020 – Best Documentary Short
Blue Danube Film Festival, 2020
Las Cruces International Film Festival, 2020
Dumbo Film Festival, 2021
Loft Short Film Festival, 2020
Fargo Film Festival, 2021
National Gallery of Art, 2021
"Unorthodocs," Wexner Center for the Arts, 2021
The New York Times Op-Docs, 2020

https://www.huntsvillestation.com/

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Oriol Cervera, 18 min

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Production : ECIB

Programmé par Javier Guerra

Résumé

Film critique et ironique, "Canis lupus" interroge la nécessité d'avoir des animaux de compagnie dans notre société contemporaine. Cette réflexion se déplie à travers des personnages pittoresques, clients d'un salon de toilettage de luxe à Barcelone où les animaux sont toilettés et habillés à la mode. Découvrez comment nous avons transformé le féroce loup des contes de fées en un chihuahua à tutu.

L'avis de Tënk

Un parcours historique, sociologique et esthétique dans l'évolution du canis lupus au canis lupus familiaris actuel. La proposition qui nous est faite ici est claire et frontale (dans la forme comme le montage), et donne la parole à l'être humain, révélant la prééminence absolue donnée au chien et à sa condition. C'est un recueil de réflexions ironiques et critiques sur la nourriture, le sommeil, la mode, la mort et l'amour de cet animal fétiche. L'intention d'abstraction visuelle dans les images finales nous montre comment l'extravagance, l'excentricité et le pompeux a pris la place de la férocité du loup d'antan. Pour aboutir à quoi ? À des salons de toilettage pour chiens. Après le visionnage, lorsque vous vous promènerez dans la rue, vous porterez une attention particulière à votre meilleur ami le chien.

Javier Guerra
Réalisateur, artiste visuel et enseignant

Oriol Cervera

Né en 1994, Oriol Cervera Subirats obtient une licence en biologie et un master de réalisation en films documentaires à Barcelone, avant de se rendre au Royaume-Uni pour combiner ses deux passions : le cinéma et la nature. Il y suit alors un master en production de documentaires sur la vie sauvage à l'université de Stanford, où il réalise plusieurs courts métrages sur l'environnement. Ses documentaires ont une touche ironique et explorent la relation homme-faune, toujours d'un point de vue critique et distancié.

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Production : ECIB Programmé par Javier Guerra Film critique et ironique, "Canis lupus" interroge la nécessité d'avoir des animaux de compagnie dans notre société contemporaine. Cette réflexion se déplie à travers des personnages pittoresques, clients d'un salon de toilettage de luxe à Barcelone où les animaux sont toilettés et habillés à la mode.

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Miriam Gossing, Lina Sieckmann, 22min

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Production : Schalten und Walten

Programmé par Carolin Ziemann

Résumé

"Ocean Hill Drive" explore le rare phénomène du "shadow flicker" qui se manifeste dans une banlieue aux alentours de Boston. L'installation par erreur d'une éolienne a déclenché le "flicker", un effet faisant écho au cinéma expérimental structuraliste et relaté dans ces images documentaires du paysage et de l'architecture de ce village côtier du Massachusetts. Le film se concentre sur la qualité visuelle des ombres pulsantes. Il s'intéresse à la manière dont ces dernières empiètent sur la sphère domestique de banlieue en troublant l'équilibre social et psychologique de la communauté en question.

L'avis de Tënk

Ce film ressemble à un thriller psychologique de courte durée sur les peurs et les projections ayant cours dans une banlieue américaine. Chaque image est caractérisée par un scintillement qui rythme le film et nous rappelle les expériences cinématographiques structuralistes. Les fragments d'entretiens réalisés sur place créent une atmosphère oppressante de peur et d'incertitude à laquelle il est difficile d'échapper, notamment grâce à la bande-son hypnotique. "Ocean Hill Drive" combine une grande variété de matériaux sources en un récit captivant qui brouille les frontières entre réalité, mémoire et fiction

Luc-Carolin Ziemann
Programmatrice, autrice et formatrice cinéma

Miriam Gossing

Lina Sieckmann

Née en 1988 à Siegburg en Allemagne, Miriam Gossing étudie de 2009 à 2015 le cinéma expérimental, la performance et la photographie à l'Académie des arts et des médias de Cologne. En 2015, elle est diplômée avec mention pour son film "Ocean Hill Drive" (co-réalisé avec Lina Sieckmann) ainsi que pour le livre de photos expérimental "This Has Been Going on for Years". En duo, Miriam Gossing et Lina Sieckmann ont réalisé plusieurs films documentaires expérimentaux (en pellicule), combinant des images documentaires et des éléments fictifs comme des images trouvées. Leurs œuvres sont présentées dans des festivals de cinéma et des expositions en Allemagne comme à l'étranger. Elles vivent et travaillent à Cologne, où elles ont fondé en 2012 Shalten und Walten - espace artistique indépendant de programmation de films expérimentaux, d'expositions et de performances en collaboration avec des artistes internationaux.

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Production : Schalten und Walten Programmé par Carolin Ziemann "Ocean Hill Drive" explore le rare phénomène du "shadow flicker" qui se manifeste dans une banlieue aux alentours de Boston. L'installation par erreur d'une éolienne a déclenché le "flicker", un effet faisant écho au cinéma expérimental structuraliste et relaté dans ces images documentaires du paysage et de l'architecture de ce village côtier du Massachusetts.

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Stéphane Roland, 70min

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Portail du film documentaire : plus de 40 000 documentaires, 20 000 auteurs-réalisateurs et 500 festivals référencés, extraits et bandes annonces, éditions DVD, répertoire des festivals, actualités de la production, documentation.

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Mathilde Blanc, 28 min

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE

Les Antécédents familiaux
Family History

© INSAS - Institut national supérieur des arts du spectacle et des techniques de diffusion

COMMENT VISIONNER CE FILM ?

Belgique | 2020 | 28 minutes

Olivier est un pharmacien hypocondriaque qui consulte régulièrement ses collègues médecins. Incapable de répondre à la question récurrente des antécédents familiaux, il décide de mener l'enquête sur son père biologique. Obnubilé par ses recherches et inquiet des réponses qu'il trouve, il en oublie l'essentiel...

Olivier is a hypochondriac pharmacist who regularly consults his fellow doctors. Unable to answer the recurring question about his own family medical history, he decides to investigate his biological roots. Obsessed with his research and worried about the answers he finally finds out, he forgets what matters most...

Sortie en salles

Date de sortie non définie à ce jour

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE Les Antécédents familiauxFamily History © INSAS - Institut national supérieur des arts du spectacle et des techniques de diffusion COMMENT VISIONNER CE FILM ? Belgique | 2020 | 28 minutes Olivier est un pharmacien hypocondriaque qui consulte régulièrement ses collègues médecins.

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Pauline Horovitz, 61min

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Trailer | Papa s'en va | Pauline Horovitz

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https://www.youtube.com/watch?v=7ccEqGW7ofI&ab_channel=zaradocfilms

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Le jour où j’ai vu l’homme blanc (extrait)

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Clément Cogitore, 11min

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE

Un archipel
An Archipelago

© GREC - Groupe de recherche et d'essais cinématographiques

COMMENT VISIONNER CE FILM ?

France | 2011 | 11 minutes | Archives

Un sous-marin à propulsion nucléaire quitte la base navale d'Édimbourg mais le capitaine présent à bord sombre dans la folie... Réalisé en grande partie à partir d'images trouvées sur Internet et d'agences de presse, ponctué par de nombreux cartons de texte, Un archipel s'aventure au croisement du cinéma muet, du cinéma expérimental et du storytelling hollywoodien.

October 22, 2010: the nuclear-powered submarine H.M.S Astute left the Edinburgh naval base on a personnel transfer mission. This final mission would come to be considered one of the most disastrous episodes in British naval history. Made mainly from images culled from the internet and press agencies, and punctuated by several title cards, An Archipelago ventures into the crossroads of silent film, experimental cinema and Hollywood storytelling.

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE Un archipelAn Archipelago © GREC - Groupe de recherche et d'essais cinématographiques COMMENT VISIONNER CE FILM ? France | 2011 | 11 minutes | Archives Un sous-marin à propulsion nucléaire quitte la base navale d'Édimbourg mais le capitaine présent à bord sombre dans la folie...

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Romain Chapaulane, 46min

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Vie et Mort d'Óscar Pérez
The Life and Death of Oscar Pérez

© Romain Champalaune

COMMENT VISIONNER CE FILM ?

France | 2018 | 46 minutes

Óscar Alberto Pérez (1981-2018) was a Venezuelan policeman who, after Nicolás Maduro had been sworn in as president, became an active opponent of his regime. In June 2017, he attacked the Supreme Court of Justice from a helicopter. In January 2018, the Venezuelan national guard tracked him down, and although he gave up to them, shot him dead along with five other rebels. The film is his traditional portrait sketched out as a pattern edited documentary with Pérez himself having taken part in its making. Actually, all audiovisual material that the editor Romain Champalaune composed the film of comes from Pérez's profiles on social networks.

"Oscar Perez's story tells about the desperation in today's Venezuela but also questions our era. It reflects on our incapacity to change things in a complex world where social medias predominate."
(Romain Champalaune)

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE Vie et Mort d'Óscar PérezThe Life and Death of Oscar Pérez © Romain Champalaune COMMENT VISIONNER CE FILM ? France | 2018 | 46 minutes Óscar Alberto Pérez (1981-2018) was a Venezuelan policeman who, after Nicolás Maduro had been sworn in as president, became an active opponent of his regime.

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Dean Fleischer-Camp, 55min

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE

© Memory

COMMENT VISIONNER CE FILM ?

États-Unis | 2016 | 55 minutes

À partir de centaines d'heures de vidéos amateur postées par un certain Gary sur Youtube, Dean Fleischer-Camp met en scène la descente aux enfers d'une famille de la classe moyenne américaine, dévorée par une folie consumériste.

A family's home movies document a desperate crime spree and a bid to outrun the consequences...Or do they? In this meta-fiction thriller, an average family's youtube videos have been edited to resemble something quite different. An extraordinary feat of editing, a provocative parable of the pursuit of happiness, and a disturbing demonstration of the mutability of the stories we share in the Internet age, FRAUD defies simplistic definition.

Sortie en salles

Date de sortie non définie à ce jour

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE © Memory COMMENT VISIONNER CE FILM ? États-Unis | 2016 | 55 minutes À partir de centaines d'heures de vidéos amateur postées par un certain Gary sur Youtube, Dean Fleischer-Camp met en scène la descente aux enfers d'une famille de la classe moyenne américaine, dévorée par une folie consumériste.

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Clément Cogitore, 50min

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© Seppia

COMMENT VISIONNER CE FILM ?

Braguino est un voyage photographique et filmique à la recherche d'une "communauté impossible", recluse au cœur de la forêt en Sibérie. Au milieu du village : une barrière sépare les Braguine et les Kiline. Vivant recluses en autarcie au bout du monde, les deux familles se sont brouillées, se haïssent et refusent depuis plusieurs années de se parler. Entre la peur des bêtes sauvages, du feu qui détruit tout, et la joie offerte par l'immensité de la forêt et de ses ressources, enfants et adultes tentent tant bien que mal de vivre ensemble : un projet politique à l'épreuve de la taïga.

In the middle of the Siberian taiga, seven hundred kilometres from the nearest village, two families have settled: the Braguine and the Kaline. They live self-sufficiently, following their own rules and principles. In the middle of the village, a barrier. The two families refuse to speak to each other. On an island in the river, another community has formed: that of the children. Free, unpredictable, wild. Amid the fear of the other and of wild beasts, and the joy offered by the immensity of the forest, a cruel tale plays out, in which tension and fear outline the geography of an ancestral conflict.

Sortie en salles

Le 1 Novembre 2017

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE © Seppia COMMENT VISIONNER CE FILM ? Braguino est un voyage photographique et filmique à la recherche d'une "communauté impossible", recluse au cœur de la forêt en Sibérie. Au milieu du village : une barrière sépare les Braguine et les Kiline.

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L'AUTRE RIO
Émilie Beaulieu-Guérette, Québec, 2017, 88 min.

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The Other Rio ( French: L'Autre Rio) is a Canadian documentary film, directed by Émilie B. Guérette and released in 2017. Set against the backdrop of the 2016 Summer Olympics in Rio de Janeiro, the film profiles a community of squatters living in poverty who are left out of the public image the city is trying to cultivate on the international stage.

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PIXADORES
Amir Arsames Escandari, Helsinki Filmi, 2014, 93 min.

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Tuulensieppaajat
Pixadores

© Helsinki Filmi Oy

COMMENT VISIONNER CE FILM ?

"Pixadores" est un groupe de jeunes hommes issus des favelas de São Paulo. Ils peignent leur messages dans des endroits insolites afin de combattre la société qui les opprime. Une invitation à la biennale de Berlin va changer leur vision du monde. Leur art, cependant, ne s'adaptera pas aux cadres fixés par l'establishement. Tandis ce que leur monde s'étend à l'extérieur des favelas, leur amitié est mise à l'épreuve.

"Pixadores" are a group of young men from the São Paulo favelas. They paint their message on incredible locations to fight the society that's suppressing them. An invitation to the Berlin Biennale changes everything for the outcasts. Their art, however, won't fit the frames provided by the establishment. As the men's world expands outside the favelas, their friendship is put to test. Amir Escandari's debut film is a beautiful and heartfelt coming-of-age story.

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film-documentaire.fr | PORTAIL DU FILM DOCUMENTAIRE TuulensieppaajatPixadores © Helsinki Filmi Oy COMMENT VISIONNER CE FILM ? "Pixadores" est un groupe de jeunes hommes issus des favelas de São Paulo. Ils peignent leur messages dans des endroits insolites afin de combattre la société qui les opprime.

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Koyaanisqatsi -  Godfrey Reggio

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Koyaanisqatsi est un film documentaire expérimental réalisé par Godfrey Reggio et sorti en 1982. Depuis 2000, il est classé au National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès à Washington. La bande originale de l'œuvre composée par Phillip Glass est aujourd'hui devenue "culte" et a été reprise dans de nombreuses œuvres ultérieures.

Le film n'est pas une œuvre narrative mais documentaire. Il propose des images où l'on joue sur les échelles d'espace et de temps pour montrer au spectateur le monde où il vit sous un angle différent, et l'inviter lui-même à conclure dans le sens qu'il jugera bon. On peut considérer ce film par moments comme une description enthousiaste de la technologie, parfois au contraire comme une vive critique de celle-ci. Le réalisateur admet avoir voulu montrer ce qu'il nomme la beauté de la bête.

Une chose ne fait pas de doute à la vue du film : la technologie qui, il y a peu (du temps des Hopis, par exemple) n'était qu'utilitaire, est maintenant omniprésente et se développe selon sa logique propre. Une image impressionnante d'une ville vue du ciel à différentes échelles se termine par la photographie des circuits d'un microprocesseur ; l'image est claire : la population humaine, quand elle est prise dans son ensemble, a (à peu près) autant de liberté d'action que les électrons dans un microprocesseur. Même si l'individu reste libre, son ensemble, lui, ne l'est plus totalement et n'est pas programmé pour l'être. La frénésie de l'activité urbaine (dans la très esthétique séquence , tournée à l'accéléré) alterne avec une image frappante d'ennui et de vide intérieur des individus quand ils ne sont plus en train de produire (séquences passées au ralenti).

Dans leur ouvrage L'art du film, une introduction, David Bordwell et Kristin Thompson offrent un séquencier du film que nous nous proposons de reprendre ici.

Après l'annonce du titre, qui a volontairement été choisi en vue de ne rien évoquer auprès de l'audience, Koyaanisqatsi commence sur une ouverture au noir et un travelling arrière qui révèlent peu-à-peu un pictogramme amérindien de culture Fremont, filmé dans le parc national des Canyonlands, dans l' Utah, et montré près d'une minute durant. Lui succède un plan de deux minutes sur la base d'une fusée Saturn V en train de décoller au ralenti.

Un fondu au blanc assure la transition du prologue vers la séquence suivante, " Flotter ". Celle-ci donne principalement à voir des plans d'ensemble, tournés à Monument Valley et dans le Parc national du Grand Canyon en Arizona. Le mouvement gagne en intensité alors qu'interviennent des plans de cratères crachant fumées et vapeurs. La caméra se glisse dans une caverne où on peut distinguer ce qui semble être des chauves-souris. Un fondu enchaîné permet alors d'entrer dans la séquence " Fluer ", qui fait alterner des plans en time-lapse sur des nuages et des plans au ralenti sur les vagues de la mer. Des chutes, et plus loin des " cascades de nuages " qui se déversent sur des flancs de montagnes.

En amorce de la séquence " Asservir la terre " interviennent plusieurs travellings filmés depuis des avions, ou bien des hélicoptères, parfois à ras du sol. Nous voyons des champs couverts de fleurs, puis une formation rocheuse qui se reflète sur un lac. Deux brèves explosions précèdent la première apparition explicite de l'être humain : un camion enveloppé de fumée noire, après quoi sont montrés un pipeline, des pylônes électriques, la centrale thermique de Navajo, le barrage de Glen Canyon, des exploitations minières, et deux essais nucléaires.

La partie " Majesté humaine " commence sur la plage qui jouxte la centrale nucléaire de San Onofre, en Californie. Un groupe de touristes dans une installation industrielle contemple le hors-champ, après quoi apparaît un plan en contre-plongée sur un gratte-ciel. Deux avions sont longuement filmés sur le tarmac d'un aéroport. La séquence présente ensuite des dizaines de voitures qui parcourent le réseau autoroutier américain. Elles sont remplacées par des tanks issus d'images d'archives, un porte-avions sur le pont duquel est inscrite l'équation d'Einstein " E=MC2 ", une bombe nucléaire, des avions de chasse qui s'envolent, et enfin de multiples explosions en rapport avec des activités militaires.

Dans la séquence " Effondrement ", nous voyons d'abord des plans d'ensemble de New York, quasiment silencieux, et filmés en time-lapse. Le film passe ensuite par Wall Street et Bedford-Stuyvesant, un quartier pauvre de Brooklyn, avant de montrer le quartier d'habitat social de Pruitt-Igoe à Saint-Louis et sa démolition de 1972, ainsi que la démolition de diverses structures architecturales (ponts, grues, tours).

" Habitants " présente d'abord deux plans généraux d'une ville couverte de nuages, puis de nombreuses façades de gratte-ciels qui reflètent ces mêmes nuages. Surviennent des plans de foule et progressivement d'individus en particulier : des New-Yorkaises, un pilote d'avion de chasse, les employées d'un casino.

La séquence suivante, " la vie à grande vitesse ", est avec vingt minutes la plus longue du film, mais aussi la plus rapide et la plus dense. Elle commence par des plans présentant le coucher du soleil qui se reflète sur des façades d'immeubles. La nuit est tombée, des tours de New York et de Los Angeles occupent le cadre. Un téléobjectif permet de mettre en perspective un gratte-ciel avec la lune, qui disparaît derrière celui-ci. La cadence s'intensifie avec le trafic automobile, puis le montage alterne images nocturnes et images diurnes. Il semble s'organiser autour de la question du trafic (autoroutes, avenues, intersections, métro, Grand Central Station de New York), de la production (chaînes de montage produisant voitures, téléviseurs, Twinkies), enfin de la consommation et des loisirs (centre commerciaux, fast-foods, plage, bowling, cinéma, bornes d'arcade, publicités). La séquence se conclut sur de nouvelles images nocturnes.

" Chant funèbre " alterne en premier lieu images aériennes de métropoles et microprocesseurs. Elle parcourt ensuite les villes en proposant des portraits de ses habitants : la plupart d'entre eux sont assez âgés. Les derniers plans de la bourse de Wall Street sont l'occasion des seules surimpressions du film. Enfin, Koyaanisqatsi revient à son imagerie de départ, avec un épilogue qui présente d'abord le décollage d'une fusée (Saturn V), puis son élévation, son explosion et sa chute (avec des images d'archive d'une fusée Atlas-Centaur de 1962), avant qu'on ne revienne aux figures amérindiennes de l'introduction.

Le film se base sur trois prophéties Hopis annoncées et explicitées dans le générique de fin du film. Ces prophéties permettent de mieux appréhender le film, car elles en constituent la base, le point de départ. Les voici dans la langue originale (du film), l'anglais :

1. If we dig precious things from the land, we will invite disaster.

2. Near the Day of Purification, there will be cobwebs spun back and forth in the sky.

3. A container of ashes might one day be thrown from the sky which could burn the land and boil the oceans.

et leur traduction française :

1. Si l'on extrait des choses précieuses de la terre, on invite le désastre.

2. Près du Jour de Purification, il y aura des toiles d'araignées tissées d'un bout à l'autre du ciel.

3. Un récipient de cendres pourrait un jour être lancé du ciel et il pourrait faire flamber la terre et bouillir les océans.

Ce film constitue un des premiers usages de l' intervallomètre ( Timelapse) dans un long métrage, cette technique ayant été auparavant surtout utilisée pour des courts-métrages, dont le célèbre interlude de la BBC London to Brighton in Four Minutes . La technique avait été reprise pour les deux séries L'Aventure des plantes de Jean-Marie Pelt.

Réalisation : Godfrey Reggio

Scénario : Ron Fricke, Michael Hoenig, Godfrey Reggio, Alton Walpole

Musique : Philip Glass

Image : Ron Fricke

Montage : Ron Fricke, Alton Walpole

Sociétés de production : IRE Productions et Santa Fe Institute for Regional Education

Producteurs : Francis Ford Coppola (producteur exécutif), Godfrey Reggio (producteur), Mel Lawrence, Roger McNew, T. Michael Powers, Lawrence Taub, Alton Walpole (producteurs associés)

Distribution : New Cinema et Island Alive (États-Unis)

Format : Couleurs - 1,85:1 - 35mm

Durée : 86 minutes

Pays d'origine : États-Unis

Langue : Anglais, Hopi

Dates de sortie :

États-Unis

L'ouverture de se caractérise par des notes lentes et tenues jouées par des cuivres. Puis la musique évolue en vitesse et en dynamique sonore. À sa vitesse maximale, un synthétiseur joue la ligne de basse en ostinato. Pour ce choix musical, Philip Glass disait : " J'ai choisi de larges et lents clusters de cuivres [...] une vision allégorique de ce qu'il y avait à l'écran [...] Ce n'est pas vraiment important que des nuages sonnent comme des cuivres [...] mais que le choix de cuivres soit une décision artistique convaincante ".

La musique du film devint si populaire que le Philip Glass Ensemble fit une tournée mondiale, jouant devant un écran où était projeté le film Koyaanisqatsi.

La bande originale fut publiée en 1983, après la sortie du film. Alors que la musique accompagne l'ensemble du film, la durée de la bande originale n'est que de 46 minutes et ne contient pas l'ensemble des compositions. En 1998, Glass réenregistrera l'album, intitulé Koyaanisqatsi, qui sera publié chez Nonesuch Records. Cet enregistrement contient deux pistes additionnelles et des versions plus longues que dans l'album original.

La version complète de l'enregistrement fut publiée en CD en 2009 sur le label de Glass Orange Mountain Music.

Deux de ces morceaux de Philip Glass seront utilisés par la suite dans le film Watchmen : Les Gardiens et ajoutés à sa bande originale ; il s'agit de et de Prophecies . Le chanteur du morceau Koyaanisqatsi est Albert de Ruiter. La bande son du film utilise également certains morceaux des albums de Nancy Hennings et Henry Wolff.

En 2015, le groupe de jazz britannique GoGo Penguin compose une bande orginale alternative au film jouée en concert puis enregistrée sur l'album Ocean in a Drop paru en 2019 sur le label Blue Note Records.

Contexte : La trilogie des Qatsi

Ce film est le premier de la Trilogie des Qatsi, dont la réalisation s'étala sur trois décennies, et qui comporte les films suivants :

Le générique de fin crédite, comme inspirateurs, Jacques Ellul, Ivan Illich, David Monongoye, Guy Debord et Leopold Kohr. En plus, parmi les conseillers du réalisateur on peut trouver Jeffrey Lew, T.A. Price, Belle Carpenter, Langdon Winner, Cybelle Carpenter et Barbara Pecarich.

Des événements survenus dans le monde depuis le tournage (explosion en 1986 de la navette spatiale Challenger, attentat du World Trade Center le 11 septembre 2001, guerre du Golfe) interfèrent aujourd'hui fortement avec certaines images du film, lui donnant des connotations qui ne pouvaient pas s'y trouver en 1983.

Une des séquences, intitulée Pruit-Igoe (sic) décrit les conditions d'habitat dans les cités de logements sociaux construites dans les années 1950. Cette séquence est illustrée par des images du quartier de Pruitt-Igoe, construit en 1954 et démoli à partir de 1972 à Saint-Louis dans le Missouri.

On peut retrouver l'un des morceaux composés par Philip Glass pour le film, Prophecies, sur la bande-annonce de .

On peut entendre le thème Pruit Igoe dans le jeu vidéo de Grand Theft Auto IV.

Des images du film ont également été reprises pour le générique des Racines et des ailes sur France 3.

On peut trouver des allusions à Koyaanisqatsi dans la série Les Simpson, saison 21, épisode Baiser volé (lorsque Bart et Homer vont voir un film nommé Koyaanis-Scratchy) ainsi que dans la saison 22, épisode La Vraie Femme de Gros Tony (quand Otto évoque Philip Glass en regardant le paysage).

On peut entendre une partie du thème Koyaanisqatsi dans la saison 5 épisode 5 de la série .

(fr) David Bordwell et Kristin Thompson (trad. de l'anglais par Cyril Béghin), L'art du film, une introduction [" Film Art: An Introduction "], Louvain-la-Neuve/Paris, De Boeck Supérieur, , 879 p.

(en) Scott MacDonald, A Critical Cinema 2 - Interviews with Independent Filmmakers, Berkeley (Calif.)/Los Angeles (Calif.)/London, University of California Press, , 410 p.

Gregory Stephens, " (en) Koyaanisqatsi and the Visual Narrative of Environmental Film ", Screening the Past, 28,‎ .

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Koyaanisqatsi est un film documentaire expérimental réalisé par Godfrey Reggio et sorti en 1982. Depuis 2000, il est classé au National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès à Washington. La bande originale de l'œuvre composée par Phillip Glass est aujourd'hui devenue "culte" et a été reprise dans de nombreuses œuvres ultérieures.

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LE BAISER DU SILURE
Jane Balthazard, France, 2018, 15 min.

LE TERRITOIRE DES AUTRES
François Bel, Michel Fano, Gérard Vienne, France, 1970, 92 min.

KEMPINSKI
Neil Beloufa, 2007, 14 min.

LEVIATHAN
Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel
France/Étas-Unis/Royaume-Uni, 2013, 87 min.

LUMIÈRES FOSSILES

Lise Fischer, France, 2016, 14 min.

LES ANNÉES

Sara Fgaier, Italie/France, 2018, 20 min.

GLAS
Bert Haanstra, 1958, 11 min.

UNE HISTOIRE DE VENT
Joris Ivens, France/Pays-Bas, 1988, 77 min.

EXOTICA, EROTICA, ETC.
Evangelia Kranioti, 2015, France, 73 min.

UNCONSCIOUS ART OF GRAFFITI REMOVAL

Matt McCormick, Rodeo Film Company, USA, 2002, 17 min.

BULTISAM
Erico Oficio, Chili, Video Sumaj, 2018, 16 min.

SENOR BLANCO
Erico Oficio, Chili, Escuela popular de cinema, 2015, 15min.

LA RABBIA
Pier Paolo Pasolini, Italie, 1963, 104 min.

EUT-ELLE ÉTÉ CRIMINELLE...
Jean Gabriel Périot, France, 35mm, 2008, 10 min.

L'ART DÉLICAT DE LA MATRAQUE
Jean Gabriel Périot, France, 2009, 4 min.

NIJUMAN NO BOREI- 200 000 FANTOMES

Jean Gabriel Périot, France, 2007, 11 min.

WE ARE WINNING DON'T FORGET
Jean Gabriel Périot, 35mm, 2003, 7 min.

NOLENS-VOLENCE
Rizote, Saeio, 2014, 8 min.

ANIMISTICA
Nikki SCHUSTER, Allemagne/Autriche, 2018, 7 min.

BLIGHT
John Smith, Royaume-Uni, 1996, 14 min.

DAD'S STICK
John Smith, Royaume-Uni, 2012, 5 min.

LECTURE & SCREENING
John Smith, Friday Event Lecture, Glasgow school of art, 22/02/2008, disponible sur https://vimeo.com/63318563

LA JUNGLE PLATE
Johan Van Der Keuken, Pays-Bas, 1978, 90 min.

IL N'Y AURA PLUS DE NUIT
Éléonore Weber, France, 2020, 75 min.

ROGALIK

Pawel ZiemilskiI, Pologne, 2012, 17 min.

# data[].attributes.body
CE N'EST QU'UN DÉBUT
Michel Andrieu, France, 1968, 10 min.

MARCAS DA RUA
Djan Cripta, Leandro Penal, Brésil, 2009, 110 min.

BOMB IT
John Reiss, Tracy Wares, 2007, 94 min.

PIXO AÇAO
Bruno Rodrigues, Brésil, Studio 13, 2010, 60 min.

PIXO AÇAO 2
Bruno Rodrigues, Brésil, Studio 13, 2010, 113 min.

STYLE WARS
Tony Silver, Public Art Films, 1983, 70 min.

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MERCADO DE FUTUROS
Mercedes Alvares, IB Cinéma, 2011, 110 min.

LA DIAGONALE DU VIDE
Guillaume Ballandras, Grec Production, France, 2016, 27 min.

DESERT HAZE
Sofie Benoot, États-Unis/Pays-Bas/Belgique, 2004, 110 min.

CHINA DREAM
Hugo Brilmaker, Hugo Licata Belgique, 2018, 21 min.

ARBRES
Sophie Bruneau, Marc-Antoine Roudil, France/Belgique, 2001, 50 min.

LA CORDE DU DIABLE
Sophie Bruneau, Marc-Antoine Roudil, France/Belgique, 2014, 88 min.

ORO BLANCO
Gisela Carbajal Rodriguez Allemagne, 2018, 24 min.

FIND FIX FINISH
Sylvain Cruiziat, Mila Zhluktenko Allemagne, 2017, 20 min.

LABOUR/LEISURE
Ryan Ermacora, Jessica Johnson, Canada, 2019, 19 min.

KALTES TAL
Florian Fischer, Johannes Krell, Allemagne, 2016, 12 min.

CHILDREN OF THE NARCO ZONE
Evarardo Gonzalez, Mexique, 2018, 10 min.

DEAD SLOW AHEAD
Mauro Herce, Espagne, 2016, 74 min.

NATURALES HISTORIAE
Pauline Julier, Suisse, 2019, 56 min.

WILD BLUE, NOTES À QUELQUES VOIX
Thierry Knauff, 1999, 66 min.

VOL DE NUIT
Clara L'heureux-Garcia, Canada, 16min.

VACANCY
Alexandre Longuet, Belgique, 2018, 81 min.

HYPOTÉNUSE
Delphine Mouly, Suisse, 2017, 9 min.

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BACHAR A LA ZAD
Pierre Boulanger, France, 2020, 21 min.

COMBINÉ NORDIQUE
Bogdan Dziworski, Pologne, 1978, 11min.

LE TEMPS DES BOUFFONS
Pierre Falardeau, Québec, 1985, 15min.

RETOUR À GENOA CITY
Benoît GRIMALT, France, 2017, 29min.

ZOO
Bert Haanstra, 1962, 12 min.

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NOTHERN LIGHT
Nick Bentgen, Lisa Kjerulf, États-Unis, 2013, 105 min.

MAURICE ET KATIA KRAFFT AU RYTHME DE LA TERRE
Maryse Bergonzat France, 1995, 91 min.

BIENVENUE À BATAVILLE
François CAILLAT, France, 2007, 90min.

DE PROFUNDIS
Olivier Ciecheski, Lætitia Mikles, France, 2004, 52 min.

BESTIAIRE
Denis Côté, France/Canada, 2012, 72 min.

THE ACT OF KILLING
Christine Cynn, Joshua Oppenheimer, Danemark/Royaume-Uni, 2012, 117 min.

LA VIE MODERNE
Raymond Depardon, France, 2008, 90 min.

SUBSTITUTE
Vikash Dhorasoo, Fred Poulet, France, 2006, 70 min.

LA TERRE EN MORCEAUX
Ariane Doublet, France, 2015, 55 min.

HOMELAND : IRAK ANNÉE ZÉRO
Abbas Fahdel, France/Irak, 2015, 174 min.

SELFIE
Agostino Ferrente, France, 2019, 78 min.

ENTRÉE DU PERSONNEL
Manuela Frésil, France, 2013, 59min.

WHEN THE WAR COMES
Jan Gebert, République Tchèque, 2018, 76 min.

ESPACE
Éléonor Gilbert, France, 2014, 15 min.

INSULAIRE
Stéphane Goël, Suisse, 92 min.

RAGE
Guy-Marc Hinant, Dominique Lohlé, France/Belgique, 2016, 131 min.

MONDES
Louis Houzard, France, 2015, 13min.

EL IMPENETRABLE
Daniele Incalterra, France/Argentine, 2012, 99 min.

À VALPARAISO
Joris Ivens, France/Chili, 1962, 34min.

RECONSTRUCTING UTOYA
Carl Javér, Danemark/Suède, 2018, 93 min.

LES DERNIERS PARADIS
Sido Lansari, France, 2019, 13 min.

SONOR
Peter Levin, Allemagne, 37 min.

ADOLESCENTES
Sébastien Lifshitz, France, 2020, 133 min.

INTO ETERNITY
Michael Madsen, Suède, 2010, 75 min.

CIDADE CINZA
Marcelo Mesquita, Guilherme Valiengo, Brésil, 2013, 85 min.

THE OTHER SIDE
Roberto Minervini, Italie/France, 2015, 92 min.

SHIRLEY TEMPLE
Audrey Nantel-Gagnon, Canada, 16min.

LA VILLE LOUVRE
Nicolas Philibert, France, 1990, 82min.

FUOCOAMMARE, PAR-DEL0 LAMPEDUSA
Gianfranco Rosi, France/Italie, 2015, 107 min.

DANO 163
Luciano Spinelli, POA, Brésil, 2005, 17 min.

QUELQUE CHOSE DE GRAND
Fanny Tondre, France, 2016, 71min.

PIXO
João Weiner, Roberto Oliveira, Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, 2010, 61 min.