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FRANS POST E O BRASIL HOLANDÊS - Exposição permanente do Instituto Ricardo Brennand.

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Janeiro de 2021

17/01 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças (Limitado a 50% da capacidade por ordem de chegada)

03/01 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças (Inscrição: https://forms.gle/MosYS15qoJ5CTdTb9)

02/01 - Retorno das atividades com novo horário de funcionamento: Terça-feira a Domingo, das 13h00 às 17h00, sendo a última entrada às 16h30

01/01 - Confraternização Universal (FECHADO)

Fevereiro de 2021

à definir - Formação de professores 2021.1

27/02 - Primeira edição Peça a Peça 2021 (número 133)

21/02 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

17/02 - Quarta-feira de Cinzas (ABERTO AO PÚBLICO)

16/02 - Carnaval (ABERTO)

15/02 - Carnaval (ABERTO)

14/02 - Carnaval (ABERTO)

13/02 - Carnaval (ABERTO)

07/02 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

Março de 2021

27/03 - 134ª edição - Peça a Peça

25/03 - 1ª edição CiME 2021

21/03 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

07/03 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

06/03 - Data Magna

Abril de 2021

29/04 - 2ª edição CiME 2021

24/04 - 135ª edição - Peça a Peça

18/04 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

04/04 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

02/04 - Sexta da Paixão (FECHADO)

Maio de 2021

29/05 - 136ª edição - Peça a Peça

27/05 - 3ª edição CiME 2021

20/05 - 18ª Semana Nacional de Museus - Museus inspirando o futuro

16/05 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

02/05 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

01/05 - Dia do Trabalhador (FECHADO)

Junho de 2021

26/06 - 137ª edição - Peça a Peça

24/06 - São João (FECHADO)

23/06 - São João (FECHADO)

20/06 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

06/06 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

Julho de 2021

31/07 - 138ª edição - Peça a Peça

18/07 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

04/07 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

Agosto de 2021

28/08 - 5ª edição CiME 2021

26/08 - 139ª edição - Peça a Peça

15/08 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

01/08 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

Setembro de 2021

20/09 - 15ª Primavera dos Museus | ComCol Recife (20 a 26 de setembro/21)

19/09 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

11/09 - 140ª edição - Peça a Peça

09/09 - 6ª edição CiME 2021

12/09 - Aniversário do Instituto Ricardo Brennand

07/09 - Independência do Brasil (FECHADO)

05/09 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

Outubro de 2021

30/10 - 141ª edição - Peça a Peça

28/10 - 7ª edição CiME 2021

17/10 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

12/10 - Dia das Crianças

03/10 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

Novembro de 2021

27/11 - 141ª edição - Peça a Peça

25/11 - 8ª edição CiME 2021

21/11 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

15/11 - Proclamação da República (FECHADO)

07/11 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

02/11 - Dia de Finados (FECHADO)

Dezembro de 2021

31/12 - Véspera de Ano Novo (FECHADO)

25/12 - NATAL (FECHADO)

24/12 - NATAL (FECHADO)

19/12 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

05/12 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças

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Janeiro de 2021 17/01 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças (Limitado a 50% da capacidade por ordem de chegada) 03/01 - Missa na Capela Nossa Senhora das Graças (Inscrição: https://forms.gle/MosYS15qoJ5CTdTb9) 02/01 - Retorno das atividades com novo horário de funcionamento: Terça-feira a Domingo, das 13h00 às 17h00, sendo

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Frans Post - A Igreja de São Cosme e Damião em Igarassu - 1660. A igreja mais antiga do Brasil, construída em 1535. É importante notar que os escravos sempre eram retratados em momentos descontraídos e calmos. O que não era a realidade do cruel sistema escravista, mas era a visão agradável aos olhos retratada para a elite Holandesa em busca de uma olhar exótico do novo mundo.

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Frans Post: Trazendo o Novo Mundo para casa - James Welu. Em inglês.

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"Não foi apenas o primeiro paisagista brasileiro, mas também o primeiro paisagista das Américas. Pintou paisagens brasileiras, principalmente pernambucanas, retratando fortes, cidades, vilas, engenhos, aldeias, rios, florestas, com personagens esparsos."

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Frans Janz Post nasceu em Haarlem, Holanda, em 1612. Alguns autores afirmam ter Post nascido em Leyden, porém, segundo Joaquim de Souza Leão, registros de batismo encontrados na Catedral de Haarlem, provam que ele era natural daquela cidade.

Pouco se conhece sobre sua formação. Não se sabe que escolas cursou nem como aprendeu a pintar. Talvez tenha freqüentado ateliês de paisagistas holandeses da época.
(Atualizado em 28 de agosto de 2009). FONTES CONSULTADAS:
Era filho de Jan Janszoon Post, um renomado pintor de vitrais e irmão de Pieter Jansz Post, arquiteto particular do Conde Maurício de Nassau.

Frans Post fez parte da comitiva de Nassau ao Brasil, juntamente com Albert Eckhout e alguns naturalistas. Como paisagista, foi incumbido de documentar a topografia, a arquitetura civil e militar, cenas de batalhas navais e terrestres do Novo Mundo.

Não foi apenas o primeiro paisagista brasileiro, mas também o primeiro paisagista das Américas. Pintou paisagens brasileiras, principalmente pernambucanas, retratando fortes, cidades, vilas, engenhos, aldeias, rios, florestas, com personagens esparsos.

Durante os sete anos que ficou no Brasil, atuou como a memória viva de Maurício de Nassau, acompanhando-o em todas as suas viagens e campanhas militares. Residia no Palácio de Friburgo ou das Torres e, tudo indica, tornou-se amigo íntimo do conde governador.

Pouco se conhece da obra de Frans Post antes da sua estada no Brasil. Acredita-se que ele seja autor de 18 quadros, pintados durante o tempo que esteve no país, mas apenas sete deles podem ser vistos hoje, onze desapareceram.

Entre os mais conhecidos pode-se destacar: Ilha de Itamaracá (1637); O rio São Francisco e o forte Maurício (1638); Paisagem de Porto Calvo (1639); Forte Ceulen, no Rio Grande (1639); Forte Frederick Hendrick (1640).

Em 1644, volta à Holanda, desliga-se de Nassau, mas continua a pintar temas brasileiros, baseando-se em seus esboços e desenhos feitos no Brasil, acrescentando elementos exóticos da fauna e flora tropicais.

Em 1646, ingressa na Corporação dos Pintores de São Lucas (Luckasgilde) de onde foi diretor e depois tesoureiro.

Casou-se em 27 de março de 1950, com Jannetye Bogaert, que faleceu no dia 7 de agosto de 1664, deixando-lhe três filhos vivos: Anthoni, Jan e Rachel.

Para o estudo de sua obra pode-se destacar quatro etapas importantes: a primeira corresponde aos sete anos que passou no Brasil; a segunda ao período imediatamente posterior ao seu regresso à Holanda (1644-1659); a terceira (1659/60-1669) que é a mais fértil, o auge da sua carreira e a quarta, que corresponde a um período de decadência artística e pessoal (1669-1679).

De 1660 a 1669, no auge da sua carreira comercial, não arrisca novas composições, voltando sempre aos mesmos temas. Sua produção conhecida até hoje é constituída, exclusivamente, de quadros com temas brasileiros.

Viveu seus últimos anos de forma obscura, entregue à bebida e sem capacidade de criação. Sua última obra datada é de 1669, onze anos antes da sua morte.

Há informações que, em 1679, um ano antes de sua morte, consumido pelo alcoolismo, Post se encontrava em um estado degradante.

Frans Post morreu no dia 18 de fevereiro de 1680, sendo enterrado em Haarlem.

O Instituto Ricardo Brennand, no Recife, possui quinze quadros de Post. Sua coleção é considerada a maior do mundo. É a única instituição que conseguiu reunir obras de todas as fases da carreira do pintor holandês.

Recife, 30 de julho de 2004.

BARATA, Mário. Tricentenário de Frans Post. Revista do Arquivo Público, Recife, v.33-34, n.35-36, p.71-74, 1979-1980.

LAGO, Bia Corrêa do (Org). Frans Post e o Brasil holandês na coleção do Instituto Ricardo Brennand: catálogo da exposição. Recife: Instituto Ricardo Brennand, 2003.

SOUSA-LEÃO FILHO, Joaquim de. Frans Post, 1612-1680. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1948.

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Frans Janz Post nasceu em Haarlem, Holanda, em 1612. Alguns autores afirmam ter Post nascido em Leyden, porém, segundo Joaquim de Souza Leão, registros de batismo encontrados na Catedral de Haarlem, provam que ele era natural daquela cidade. Pouco se conhece sobre sua formação. Não se sabe que escolas cursou nem como aprendeu a pintar.

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Albert Eckhout - Homem Tarairiu - 1641, Óleo sobre tela, 176 x 280 cm.

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Tarairiu Man - Albert Eckhout - Google Arts & Culture

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Tarairiu Man. Oil on canvas painted by Albert Eckhout. 176 x 280 cm. Brazil, dated 1641.

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Dom Miguel de Castro. Albert Eckhout - Óleo sobre madeira. 72x62cm.

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Documentário: Albert Eckhout

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"Eckhout tornou-se conhecido principalmente pelo conjunto de suas telas a óleo sobre motivos brasileiros. Retratou habitantes negros, índios e mestiços do Brasil no século XVII e naturezas-mortas com frutas e vegetais tropicais ou cultivadas em solo brasileiros. Desenhou também  inúmeros esboços de plantas e animais."

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Bibliotecária da Fundação Joaquim Nabuco

SCHAEFFER, Enrico. Um pintor holandês no Brasil (1637-1644). Anais do Museu Histórico Nacional, Rio de Janeiro, v. 20, p. 17-84, 1968.

SILVA, Leonardo Dantas. Albert Eckhout, retratista de Maurício de Nassau. Notícia Bibliográfica e Histórica, Campinas, SP, ano 35, n. 189, p. 179-194, abr./jun. 2003.

VALLADARES, Clarival do Prado; MELLO FILHO, Luiz Emygdio. Albert Eckhout: pintor de Maurício de Nassau no Brasil, 1637-1644. Rio de Janeiro: Livroarte, 1981.

: GASPAR, Lúcia. Alberto Eckhout. Pesquisa Escolar Online, Fundação Joaquim Nabuco, Recife. Disponível em: < http://basilio.fundaj.gov.br/pesquisaescolar/>. Acesso em: diamês ano. Ex: 6 ago. 2009.

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O pintor e desenhista Alberto van der Eckhout nasceu possivelmente em 1610, na cidade de Groningen, Holanda, filho do corretor de Imóveis Albert Ekhout e de Marryen Reoleffs.

Há pouco registro sobre dados biográficos do pintor antes da sua estada no Brasil. Provavelmente, iniciou-se na arte da pintura orientado por seu tio, o pintor Gheert Roeleffs.

Em 1636, foi convidado pelo conde Maurício de Nassau para acompanhá-lo na sua missão ao Brasil (1637 a 1644), com a tarefa de retratar a fauna, a flora e os tipos humanos brasileiros. Eckhout permaneceu na companhia de Nassau durante os oito anos da suapresença no Brasil.

Produziu nesse período, cerca de 400 desenhos e esboços, resultantes da observação direta de espécimes vivos, tanto nas suas viagens pelo Brasil, como no jardim botânico criado por Nassau no Palácio de Friburgo, construído no Recife, Pernambuco.

Eckhout tornou-se conhecido principalmente pelo conjunto de suas telas a óleo sobre motivos brasileiros. Retratou habitantes negros, índios e mestiços do Brasil no século XVII e naturezas-mortas com frutas e vegetais tropicais ou cultivadas em solo brasileiros. Desenhou tambéminúmeros esboços de plantas e animais.

Entre as telas mais conhecidas estão: Índio Tarairiu(266x159cm); Índia Tarairiu (264x159cm); Índio Tupi(269x170cm); Mulher Tupi com criança (265x157cm); Mulato do Brasil (268x165cm); Mameluca (169x170); Negra com criança(270x180cm); Guerreiro negro (264x162cm) e o grande painel A dança dos Tapuias, a maior e mais famosa obra de Eckhout (168x294cm) que retrata um ritual dos índios Tarairius (Tapuias), naturais do Rio Grande do Norte.

Todas essas obras foram doadas por Nassau ao seu primo Frederico III, rei da Dinamarca, em 1654, e pertencem hoje ao Museu Nacional da Dinamarca, em Copenhague.

Em 1642, Eckhout faz uma viagem ao Chile e, em 1644, retorna com Nassau para Groningen, onde ingressou na corporação dos pintores da cidade.

Em 1645, casa-se com Annetgen Jansen Wigboldi e transfere-se para Amersfoort, a leste de Amsterdã.

Em 1653, vai trabalhar em Dresden, Alemanha, onde, por indicação de Nassau, foi contratado como pintor da corte de Jorge II.

No ano de 1663, volta a residir em Groningen e morre por volta de 1665.

Em 1679, Nassau presenteou Luís XIV, rei da França, com uma série de cartões postais de Eckhout e de outros pintores, que foi transformada em tapeçarias pelas Oficinas Gobelins.

A produção de Eckhout antes e depois da sua estada no Brasil permanece misteriosa. Não se conhece nenhum quadro pré-brasileiro e a autoria dos que podem ser atribuídos a ele depois da sua volta à Holanda é discutível.

O Imperador Dom Pedro II, ao visitar o Museu Nacional de Copenhague, em 1876, encomendou cópias, em dimensões menores, de algumas das telas de Eckhout, que foram feitas pelo pintor-copista Niels Aagaard Lützen. Essas cópias foram incorporadas, na época, ao acervo do Instituto Histórico e Geográfico Brasileiro, no Rio de Janeiro.

Em 2002, as obras de Albert Eckhout pertencentes ao Museu Nacional da Dinamarca voltaram pela primeira vez ao Brasil, para a exposição Retratos do Novo Mundo: o legado de Albert Eckhout, realizada pelo Instituto Ricardo Brennand, no Recife.

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Bibliotecária da Fundação Joaquim Nabuco SCHAEFFER, Enrico. Um pintor holandês no Brasil (1637-1644). Anais do Museu Histórico Nacional, Rio de Janeiro, v. 20, p. 17-84, 1968. SILVA, Leonardo Dantas. Albert Eckhout, retratista de Maurício de Nassau. Notícia Bibliográfica e Histórica, Campinas, SP, ano 35, n. 189, p. 179-194, abr./jun. 2003.

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Documentário: Doce Brasil Holandês - 2012 - Mônica Schmiedt

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Site do Museu Nacional da Dinamarca onde se encontra a coleção de 8 retratos em tela de Albert Eckhout. Infelizmente o site não possui visita virtual e contém apenas um pequeno texto sobre a origem da coleção.

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God figure possibly from the Mixtec culture in Mexico, 1400-1550. Exhibited in the Ethnographical Collection

At the beginning of the 1500s Europeans encountered a number of civilizations, which were characterised by technological development, in Mesoamerica (part of Central America) and the Andes.

These empires were quickly subjugated by the Spanish invaders, who established colonial administration and introduced Christianity.

The Spaniards plundered the empires of their abundant gold and silver, which was then transported to Europe. The pre-Spanish (pre-Columbian) cultures are known especially for their architectural ruins and their wealth of archaeological finds.

Pendant from the Tairona culture in Colombia, 1300-1500. Exhibited in the Ethnographic Collection

The dividing up of territories between Spain and Portugal

A papal decree of 1494 divided the newly discovered world between the two great powers of the period of discovery, Spain and Portugal.

At the Treaty of Tordesillas a line of demarcation was drawn a specific distance west from the Cape Verde Islands, which determined the areas of interest of the two countries. In this way the western part of South America was allotted to Spain and the eastern part to Portugal.

Here the Portuguese met an Indian population, whose culture was clearly different to those which the Spanish had come across in the west.

Many of these Indians, who until then had lived in small independent communities, were forcibly incorporated into the European plantations along the Atlantic coast, whilst others were able to preserve their freedom in the forests of the interior.

The scattered Indian population did not provide a sufficient workforce for the sugar plantations and the Portuguese soon began to import slaves from their colonies in Africa.

Eckhout paintings and feather cape of the Tupinambá of Brazil. Exhibited in the Ethnographic Collection

Ethnographic paintings from the 1600s

It was this society, populated by Portuguese, Indians and Africans, that came under Dutch control in the 1600s.

The Dutch governor general Johan Moritz of Nassau-Siegen brought along scientists and artists to document what they encountered in the new colony.

The painter Albert Eckhout was given the task of producing portraits of the colony's various peoples, together with depicting the numerous new tropical crops.

On returning to Europe, Johan Moritz presented many of these paintings to his relation, the Danish king Frederik III.

In this way, part of the world's first professional pictorial documentation of South America - at the same time the first showing people from the tropics painted in their natural surroundings - came to Denmark.

In the exhibition Peoples of the Earth at the National Museum you can encounter archaeological finds from the last millennia before the Europeans came and from the earliest part of the colonial period - together with the famous Eckhout paintings and Indian objects from the region.

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In the 1500s Europeans encountered a number of civilizations in Mesoamerica and the Andes. South America was divided up by the colonial powers of Spain and Portugal. Ethnographic paintings of the peoples of South America in the 1600s are displayed at the National Museum.

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Ao trazer a primeira coletânea de textos dedicados a temas de história da arte não europeia ao público brasileiro, este livro apresenta uma fascinante amostra de pesquisas realizadas em um contexto expandido, capaz de alcançar além das narrativas tradicionais da disciplina e observar seus objetos de estudo como parte integrante de uma rede móvel e complexa de interações espaçotemporais. Abordando as artes pré-colombiana e ameríndia, africana e japonesa, os textos trazem importantes debates teórico-metodológicos que acompanham o processo de expansão do campo de estudos na atualidade. Nesse sentido, este volume pretende ser uma introdução às possibilidades postas por uma nova história da arte, crítica e mais inclusiva e, acima de tudo, servir de inspiração para futuros pesquisadores interessados nessa área de conhecimento hoje.

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Ianah Maia utiliza pigmentos naturais em seus trabalhos.

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Grafiteira pernambucana usa tintas de terra para criar murais que celebram a natureza

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Ianah Maia divide o tempo entre os estudos de agroecologia e a atuação como artista visual. Pernambucana, ela cria murais que celebram a natureza usando apenas geotintas, com pigmentos feitos de terra. A reflexão sobre os materiais teve início quando Ianah pintava um mural em uma comunidade próxima…

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Além de seu traço particular, a brasileira usa geotintas (tinta de terra), que são feitas a partir de elementos naturais como terra ou argila. Isso garante um elemento ainda mais único no visual de tudo que ela cria.

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Ianah Maia é uma artista visual pernambucana. Além da arte urbana, a ilustração e a tatuagem são outras formas de expressão com a qual Ianah trabalha. Atualmente ela estuda Agroecologia, matéria que vem ao encontro de sua visão como artista e da forma como ela enxerga sua arte.

Além de seu , que são traço particular, a brasileira feitas a partir de elementos naturais como terra ou argila. Isso garante um elemento ainda mais único no visual de tudo que ela cria. A pesquisa sobre esse material começou em 2017 por influência de Beatriz Omnirá, amiga e que trabalha com cerâmica. Mas a transição veio após sua residência artística. usa geotintas (tinta de terra)

Focada em muralismo, Ianah estava fazendo um trabalho pintando murais em uma comunidade próxima a um rio. Ela percebeu que seus colegas lavavam seus pincéis na própria água no rio, uma vez que se lavassem nas casas de algum morador da região o destino seria o mesmo, devido à falta de uma rede de esgoto sanitário.

Essa experiência a inspirou a levar as geotintas para a rua, em uma busca de trazer mais sustentabilidade para seu processo criativo. Nas palavras da artista, a ideia era encontrar uma forma de tornar a arte urbana mais ecologicamente responsável e acessível. Também é uma forma de valorizar o solo e as cores de cada território novo. E para Ianah Maia, ser sustentável está em ser responsável com os resíduos que geramos.

MATERIAIS E PERSONAGENS LÚDICOS

Antes das geotintas, seus principais materiais eram a tinta acrílica, o nanquim e a aquarela. Com as tintas naturais, a paleta de cores fica mais enxuta e é um desafio artístico em termos de variação e tons. abracei esse desafio de só pintar com geotinta, no entanto para outros projetos não me fecho totalmente à possibilidade de usar cores industrializadas. Acho que para mim é muito mais válido trabalhar com o que tenho disponível e fazer um uso consciente desse material, procurando reaproveitar todas as tintas ao máximo, e ter responsabilidade sobre o destino dos resíduos que minha arte vier a produzir" , diz. "Na expo

Sua grande fonte de inspiração está na natureza. "Essa natureza da qual fazemos parte e que está presente em nossos corpos, nossa cultura, nossa ancestralidade, nossa espiritualidade. O feminismo, as lutas do campo, a agroecologia, o budismo, a jurema, o candomblé, a música, banho de chuva, cachoeira, mar, mata fechada e toda as outras formas de conexão offline", define.

Toda essa conexão com o que a rodeia também reflete em como a artista se enxerga enquanto tal. Para ela, as imperfeições são válidas. A despadronização da beleza defendida pelo feminismo também a inspira a aplicar o conceito em sua arte e abraçá-la com as imperfeições de uma pincelada ou com o granulado da terra.

Ianah já participou de exposições coletivas e mostras na Galeria Janete Costa (PE), Casa Naára (RJ), A Casa Do Cachorro Preto (PE), Fundação Capitania das Artes (RN), da mostra coletiva Entremoveres no Museu da Abolição (PE), que integra a programação da nacional Trovoa.

A multi e superartista tem belos e incríveis murais pintados nas ruas de Recife, Olinda, Salvador, São Paulo, Rio de Janeiro e também no exterior, como Madri, Barcelona, Marselha, Paris e Buenos Aires. Atualmente, está se preparando para uma turnê artística, produzindo murais e oficinas pelo interior de Pernambuco, por meio do edital do Funcultura / PE.

Pra saber mais: acesse o site da artista Ianah Maia e acompanhe seu trabalho pelo Instagram!

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Ianah Maia inova ao trazer geotintas para produzir grafites e murais com cores da natureza

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Equilíbrio entre arte e sustentabilidade aparece na atuação da artista ao usar recursos disponíveis. Conheça Ianah Maia Ianah Maia é uma artista visual pernambucana. Além da arte urbana, a ilustração e a tatuagem são outras formas de expressão com a qual Ianah trabalha.

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Gilberto Junior, utiliza terra para produzir pinturas incríveis.

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Gilberto Junior, utiliza terra para produzir pinturas incríveis.

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Gilberto Junior - Pintura Com Terra |  Artmajeur

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Gilberto Junior - Pintura Com Terra - Compre as obras mais recentes de Gilberto Junior - Pintura Com Terra no Artmajeur

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Gilberto Junior - Pintura Com Terra - Compre as obras mais recentes de Gilberto Junior - Pintura Com Terra no Artmajeur. Pesquise todas as obras mais recentes do artista contemporâneo Gilberto Junior - Pintura Com Terra, compre sem risco com transações seguras garantidas e frete para o mundo inteiro.

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Um dos expoentes da representatividade indígena nas artes visuais.

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Entrevista com o artista Denilson Baniwa

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Entrevista com o artista Denilson Baniwa

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Vencedor do Prêmio Pipa Online em 2019, Denilson Baniwa se descreve como um artista indígena, que é indígena e é artista. Nascido em uma comunidade do povo Baniwa no Rio Negro, no estado do Amazonas, o artista fala em entrevista à ARTE!BRASILEIROS sobre a sua inserção no circuito das artes, sobre decolonialidade, apropriação cultural e o sagrado.
ARTE!✱ -O que a arte indígena é hoje no cenário da arte brasileira?
Essa questão da DB - arte indígena em contraste à arte "considerada arte" é uma coisa que já vem sendo discutida há bastante tempo. Acho que até antes de ter essa galera toda indígena trabalhando e circulando. Acho que o diferente agora é que tem esse tanto de artistas indígenas com um poder de aproximação e de voz bem marcante, que consegue conversar e dizer um ponto que não era visto antes, que é a partir dessas pessoas indígenas. Para a gente, não tem essa diferença entre arte e vida ou arte e resistência assim como tem no Ocidente, onde a arte é um instrumento de poder em relação a outros seres humanos. Mas quando esses artistas indígenas se propõem a circular de uma maneira que se utiliza de linguagens não indígenas também é uma estratégia de conversar por uma língua que seja entendido por quem não faz parte dessa cultura. Acho que se a gente começasse a trabalhar com códigos que só, por exemplo, os Baniwas entendessem ficaria difícil para o meu trabalho conversar com quem não é Baniwa.
Pode exemplificar?
DB - Recentemente eu estava num congresso falando sobre decolonialidade e sobre apropriações históricas e alguém me provocou falando: "Você está falando de descolonização mas está falando em português, está articulando os pensamentos de uma maneira ocidental que não é Baniwa. Como você quer falar de descolonização se você não utiliza a linguagem indígena, já que você quer quebrar com esse processo histórico?". Eu respondi em Baniwa para ela e ela não entendeu. E eu disse: "Esse é o motivo que a gente utiliza de linguagens não indígenas". Se formos, de cara, falar num código que só indígenas entendem, essa comunicação vai ficar com ruídos muito grandes. O que os artistas indígenas têm feito nesse momento é conversar em código que seja entendível pela maioria das pessoas, indígenas ou não. Acho que em determinado ponto nesse caminho a gente vai começar a falar em códigos indígenas. Mas vai ser um grande processo ainda.
Já que apontou a questão da descolonização/decolonização, queria saber como você acha que isso tem avançado aqui.
O discurso de decolonização é cheio de controvérsias e equívocos, porque até onde a gente sabe tudo isso começou com uma mulher latino-americana que começou a falar e publicar sobre isso. Ninguém deu ouvidos a ela, primeiro porque ela é mulher e segundo porque é da América Latina. Tudo o que ela já falava e publicava acabou sendo absorvido por um grupo de homens da academia europeia. A partir daí, começaram a olhar para esses temas. É tudo muito complexo nesse discurso, a começar pela academia só ter levado em consideração quando um homem, hétero, branco e europeu falou sobre. E também é uma questão que ainda é discutida por pessoas que não são desses lugares "descolonizados". Acho que, inclusive, nós indígenas quando assinamos "decolonize" ao invés de "descolonize" é um modo de nos colocarmos em um lugar diferente do que a academia ocidental discute. É um modo de colocar que é um pensamento diferente, talvez não o pensamento, mas uma posição diferente dentro da discussão. Mas no Brasil isso é muito recente. Em outros lugares da América Latina a discussão é mais antiga.
E por que só agora?
O Brasil é muito tardio e também não se entende como colônia. A maior ficção colonizadora que a gente tem é que o Brasil foi independente ou é independente. Aqui é o único lugar das Américas que a independência veio por parte do rei e não do povo. Copiamos muito o estilo de vida de outros lugares porque não nos aceitamos brasileiros, ao contrário de outros lugares na América Latina. Na Bolívia, Equador, Chile, você vê que existe um sentimento no qual as pessoas se consideram filhos daquele território.

V ocê foi um dos fundadores da rádio Yandê, a primeira rádio indígena do país. Tem outros projetos nos quais está envolvido hoje?
A rádio Yandê é um dos projetos mais importantes que eu já consegui realizar. Hoje ele é copiado por vários indígenas, é tido como uma referência em comunicação, escutado acho que em 40 países. É um marco no Brasil. Rádios desse tipo já existiam na América do Norte e do Sul há muito tempo. A gente fez isso em 2013, distante do que já era produzido na América Latina. Hoje é um marco no que é comunicação, no que é acesso à comunicação, no que é estratégia. Quando eu decidi que ia me dedicar ao trabalho artístico, não consegui mais dar conta da Yandê. Eu saí da coordenação e das ações. Então é um projeto muito importante, que eu tenho muito orgulho, que eu participo ainda, mas que eu não faço mais parte da linha de frente porque precisaria de uma dedicação maior. Fora isso, eu tenho estado no movimento indígena, como sempre, e dentro de discussões sobre acesso à informação e acesso à universidade. Participo das reuniões em universidades onde têm grupos indígenas, tenho participado de reuniões de ações de retomada de território. Tudo o que eu faço agora é ligado a um trabalho artístico, a uma pesquisa artística.
Quando você decidiu se focar quase inteiramente ao trabalho como artista?
Eu nunca tive um pensamento sobre trabalhar enquanto artista ou viver uma vida de artista. Em 2015 fui convidado para fazer a identidade visual, junto com uma arquiteta do Nordeste, da mostra DjaGuata Porã, que ficou no Museu de Arte do Rio (MAR) em 2016/2017. E acabou que conheci os curadores Clarissa Diniz, José Ribamar Bessa, Pablo Lafuente e a Sandra Benites, que eu já conhecia. Tive um contato grande com esse grupo que trabalhava no MAR. Por acidente, eles conheceram alguns trabalhos meus e comecei a conversar com esses curadores sobre a presença indígena dentro desses espaços. Eu já tinha algumas discussões sobre comunicação, sobre acesso à informação e à mídia. E começamos a falar sobre isso a partir de uma perspectiva da história da arte. Acabou que me envolvi bastante com esse grupo e começamos a levar essa discussão a outros lugares, para algumas galerias e para as universidades. Aos poucos, as pessoas foram conhecendo alguns trabalhos meus. Na verdade, eu sempre trabalhei com visualidade. Não sei dizer uma data exata em que eu passei a me considerar artista, só sei que quando vi estava com meu tempo todo dedicado a isso e não conseguia mais sair. Foi quando notei que não conseguia dar conta de mais nada além de ser artista.
Você ganhou o PIPA Online no ano passado. Como foi para você?
O PIPA foi uma grande surpresa pra mim. Eu tinha noção do que era por conta do Jaider Esbell, da Arissana Pataxó e do Ibã Huni Kuin que já tinham participado. Mas eu não entendia direito o que era o PIPA ainda, ou a importância dele e o alcance que tinha. Foi uma surpresa quando me mandaram um e-mail falando que eu tinha sido indicado. Primeiro porque sou um artista que não tem formação em arte, não frequentei a escola de Belas Artes e nem esse círculo de pessoas que têm uma tradição na arte. Sou bem recente nesse mundo, então fiquei muito surpreso com a indicação. Passado isso, foi muito recompensador para mim em vários sentidos. Primeiro que para a população indígena no geral, na aldeia (falando pelo meu povo, que está lá no Rio Negro), a arte não significa nada, não quer dizer nada esse trabalho de exposições, de galerias. Foi uma surpresa porque eu não fazia ideia de que eles me acompanhavam. Quando teve o PIPA e começamos a compartilhar o link, várias pessoas lá da minha comunidade, dos Baniwa e de outros povos da minha região, mandaram uma mensagem dizendo que estavam torcendo por mim. Foi a primeira vez que eu tive noção de que o meu trabalho estava alcançando esse lugar, que eles sabiam o que eu estava fazendo e que entendiam o que eu estava fazendo. Em segundo lugar, foi bem legal porque eles se mobilizaram para votar em mim. Isso me deixou muito feliz. Fez eu entender a importância de eu estar aqui, que eles confiavam em mim.
E depois do prêmio?
Foram três momentos: de entender que os indígenas da aldeia sabiam do meu trabalho; depois de ver um monte de gente que conhecia meu trabalho e que me acompanhava; e, no final, de perceber o alcance que o prêmio tinha para fora de tudo o que eu conhecia. O PIPA foi um divisor para mim, porque acho que ele me fez ver um pouco mais de como eu podia trabalhar, de até onde eu chegava e como eu poderia me comunicar com o mundo pelo meu trabalho.

Você falou agora sobre sua relação com seu povo. Você tem um cuidado muito grande para transpor elementos da sua cultura para seus trabalhos, como questões religiosas...
Eu tenho esse cuidado porque dentro da cosmogonia Baniwa, da criação, tem uma ética, digamos assim, que tem vários conselhos que a gente tem que seguir durante a vida. Um deles, com o PIPA, eu meio que "quebrei", que é ter que andar de maneira discreta pelo mundo, que suas ações têm que ser maiores que a sua imagem, a sua presença. As ações e o trabalho têm que ser maiores que a nossa vaidade, talvez essa fosse a melhor tradução. E outra coisa que me faz pensar sobre o que quero falar e o que posso falar, não que seja uma obrigação - mas é como eu entendo -, é você viver nesse mundo sem envergonhar o seu povo. E acho que isso é uma coisa que eu quero levar. Eu quero viver nesse mundo em que meu povo possa se orgulhar sabendo que não vou prejudicá-los, porque sei que o único lugar que eu posso voltar é para o meu povo. Eu posso fazer muito sucesso aqui, posso viajar muito, posso ganhar mil coisas onde estou neste momento. Mas, se um dia algo der errado, o único lugar que vai me aceitar é junto do meu povo.
É uma questão de apropriação?
Não sei se apropriação... Às vezes são coisas que as pessoas não têm autoridade para fazer. Por exemplo, as cestarias Baniwa têm todo um símbolo, todo um código. É um objeto que ativa conexões entre vários mundos. Se eu utilizo uma cestaria eu tenho que entender que ativações esse objeto realiza. Então são coisas sobre as quais não se tem controle. É um descuido, ou um não entendimento, de como funciona o mundo indígena, onde a arte não se desliga da vida e o espiritual não se desliga do mundo natural, digamos assim.
E as discussões em torno da apropriação cultural por parte de outros?
Eu acho que roubo é roubo. Se você é um ladrão, tem que assumir o seu roubo. O que me incomoda na apropriação na arte não é o roubo em si, mas a ficção criada em cima do roubo. Quando alguém passa uma semana em uma aldeia e volta se achando o pajé. Essa ficção criada para justificar o roubo é o que me incomoda. É como uma desculpa. Eu vejo muito isso em alguns lugares que vou e tem artistas que se utilizam de padrões, de discursos indígenas, de medicinas. Tem sempre uma história mirabolante em torno de tudo. Isso me deixa fatigado. As pessoas precisam assumir "eu roubei e vou utilizar isso aqui", porque aí as coisas ficam mais claras. É como se utilizar dos grafismos indígenas para criar uma coleção de roupas e falar que está valorizando a floresta e os povos indígenas. Não. Criou-se uma estampa a partir de um grafismo indígena porque quer vender.

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Vencedor do Prêmio Pipa Online em 2019, Denilson Baniwa se descreve como um artista indígena, que é indígena e é artista. Nascido em uma comunidade do povo Baniwa no Rio Negro, no estado do Amazonas, o artista fala em entrevista à ARTE!BRASILEIROS sobre a sua inserção no circuito das artes, sobre decolonialidade, apropriação cultural e o sagrado.

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Conheça cinco artistas que fazem parte de diferentes etnias indígenas pelo Brasil

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Conheça cinco artistas que fazem parte de diferentes etnias indígenas pelo Brasil

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Tempo de leitura estimado: 3 minutos

Jaider Esbell

Jaider Esbell é artista visual, escritor e produtor cultural. Nasceu em Normandia, em Roraima, onde hoje é a Terra Indígena Raposa - Serra do Sol. Ele faz parte da etnia Makuxi. Ele sempre desenvolveu atividades ligadas à escrita e ao desenho. Seus trabalhos que mais se destacam utilizam a técnica de acrílica sobre tela. Neles, estão presentes temáticas como ancestralidade, memória, política global, o ser local, xamanismo visual e poder, dentre outros.

Arissana Pataxó

Arissana Pataxó Braz é artista plástica e arte-educadora. Ela trabalha com diferentes técnicas, de pintura a objetos, e também é professora. Natural de Porto Seguro, na Bahia, ela faz parte da comunidade indígena Pataxó. Em sua obra, desenvolve temáticas onde procura levar às pessoas conhecimento sobre a questão indígena no Brasil.

Denilson Baniwa

Denilson Baniwa é um artista visual nascido na região do Rio Negro, no Amazonas, em terras da etnia Baniwa. Ele é um artista multidisciplinar, trabalhando com diversas técnicas, sendo elas gravuras, pinturas, desenhos, performances, dentre outras. Atualmente, ele vive e trabalha em Niterói, no Rio de Janeiro. Denilson foi o vencedor do prêmio PIPA Online 2019.

Ibã Huni Kuin

Ibã huni Kuin, ou Isaías Sales, é um artista que trabalha majoritariamente com a técnica de acrílica sobre tela. Nascido em Tarauacá, no Acre, onde vive e trabalha até hoje, ele é um faz parte do povo indígena huni kuin. Ele fundou, em 2013, o Movimento de Artistas Huni Kuin (MAHKU), coletivo de 12 artistas plásticos da etnia. Ibã é um txana, mestre dos cantos na tradição de seu povo.

Edgar Kanaykõ

O fotógrafo pertence ao povo indígena Xakriabá Estado, de Minas Gerais. Ele é É mestre em Antropologia pela UFMG e tem atuação livre na área de Etnofotografia: "um meio de registrar aspecto da cultura - a vida de um povo". Ele utiliza a fotografia como ferramenta de luta, revelando ao mundo a realidade sobre os povos indígenas.

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Artistas, que são indígenas, para ficar de olho - Arte Que Acontece

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Conheça cinco artistas que fazem parte de diferentes etnias indígenas pelo Brasil

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Cartilha gratuita que ensina a fazer tintas naturais.

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Cartilha gratuita que ensina a fazer tintas naturais.

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O documento de 12 páginas intitulado Apostila Intuitiva de Pigmentos Naturais foi disponibilizado online e gratuitamente. Além de traçar um breve histórico do surgimento destes pigmentos – que começaram com as pinturas rupestres – a cartilha também dá dicas para que qualquer pessoa possa criar suas próprias tintas.

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A maior parte das tintas que conhecemos hoje são repletas de químicos, mas isso nem sempre foi assim. A primeira tinta feita apenas com compostos manipulados em laboratório só surgiu em 1856. Antes disso, todas eram feitas de maneira natural, como conta uma cartilha gratuita disponibilizada pelo artista capixaba Jhon Bermond.

O documento de 12 páginas intitulado Apostila Intuitiva de Pigmentos Naturais foi disponibilizado online e gratuitamente. Além de traçar um breve histórico do surgimento destes pigmentos - que começaram com as pinturas rupestres - a cartilha também dá dicas para que qualquer pessoa possa criar suas próprias tintas.

Jhon explica que são necessários dois elementos para elaborar uma tinta: o pigmento (que dá coloração) e o aglutinante (que faz a tinta aderir a uma superfície). Enquanto os pigmentos podem ser obtidos de folhas, frutos, raízes, pétalas e outros elementos naturais, os aglutinantes também existem na natureza, como ovos, suco de alho, baba da babosa, entre outros.

Entre os tipos de processos que podem ser usados para criar as tintas estão o cozimento, em que a matéria prima é cozida com água até soltar sua cor; a maceração, em que ela fica de molho na água por 12 horas; infusão no álcool, entre outras. O documento ainda lista qual o processo e material indicados para obter cada cor. De posse dessas informações, o manual pretende ser, como o próprio nome sugere, um passo a passo intuitivo, servindo como ponto de partida para novas criações.

Recordando com muito carinho a Oficina que facilitei no @encontrodeculturastradicionais , na Chapada dos Veadeiros, este ano. <3 Agradeço ao @hostelcampingchapadaveadeiros pelo acolhimento. "Assim que chegou na Vila de São Jorge, o artista Jhon Bermond tirou uma manhã pra colher as cores da Chapada dos Veadeiros. "Tem que observar a região que se está e trabalhar junto da natureza", ele conta, enquanto detalha a origem de cada tinta exposta no meio da roda: barbatimão, cebola, hibisco, carvão, terra, açafrão... Dezenas de pigmentos extraídos organicamente e que coloriram a oficina "Pintura Intuitiva com Tintas Naturais", na manhã da sexta-feira, 28 de julho. Saiba mais sobre a técnica do artista no relato de Andressa Santa Cruz, em https://goo.gl/6shw68 " Fotos: Ana Caroline Lima #pigmentosnaturais #tintasnaturais #permacultura #artedaterra

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Para saber mais, acesse a cartilha completa clicando aqui.

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Artista disponibiliza cartilha gratuita que ensina a fazer tintas naturais

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A maior parte das tintas que conhecemos hoje são repletas de químicos, mas isso nem sempre foi assim. A primeira tinta feita apenas com compostos manipulados em laboratório só surgiu em 1856. Antes disso, todas eram feitas de maneira natural, como conta uma cartilha gratuita disponibilizada pelo artista capixaba Jhon Bermond.

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A artista Beth Lins usa materiais como sumo de folhas, argila e jenipapo.

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A artista Beth Lins usa materiais como sumo de folhas, argila e jenipapo.

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Para compor as mais de 30 obras da exposição 'As Cores na Mata', a artista plástica Beth Lins, usou apenas pigmentos naturais. O resultado do trabalho pode ser conferido a partir desta terça-feira (8) no Memorial dos Autonomistas, no Centro de Rio Branco. As peças ficam expostas até 4 de abril.

Sumo de folhas, cascas das árvores, jenipapo, urucum e argila são os principais recursos utilizados pela artista pernambucana. Beth expõe pinturas em tela, pintura em argila, xilogravura e desenhos inspirados nos encantos da floresta.

A artista de 58 anos lembra como começou a trabalhar com os pigmentos naturais. "O primeiro contato que tive com esses pigmentos foi por meio das obras do Hélio Melo e quando comecei a trabalhar com povos indígenas, comecei a fazer atividades com os pigmentos", recorda.

Mandalas são as principais figuras retratadas na exposição que foi feita após várias pesquisas em locais como Seringal Novo Encanto, Terras Indígenas do Envira, Núcleo João Moura e Piscicultura Nordeste.

A exposição e os trabalhos surgiram também por meio do trabalho de conclusão do curso de Artes Visuais e Beth espera que possa incentivar as pesquisas e uso dos pigmentos naturais. "Espero que o público goste q tenha a oportunidade de conhecer esses recursos e incentivar a busca em desenvolver um trabalho específico" afirma Beth.
Serviço
Exposição As Cores na Mata
Quando: De 08/03 até 04/04
Local: Memorial dos Autonomistas, Avenida Getúlio Vargas, centro
Horário: Terça a sexta das 8h às 12h e das 16h às 20h/ Sábado das 16h às 20h
Entrada gratuita

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Artista expõe obras feitas com pigmentos naturais em Rio Branco

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'As Cores na Mata' fica exposta de 8 de março até 4 de abril. Artista Beth Lins usa materiais como sumo de folhas, argila e jenipapo.

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Baseado na história da pintora francesa Séraphine de Senlis, em 1914, Wilhelm Uhde (Ulrich Tukur), um famoso coletor de arte, aluga um apartamento afastado, para descansar da agitada vida que costuma levar em Paris. A faixineira do local tem quarenta anos e é uma mulher áspera que é piada dos outros, Certo dia, convidado pela dona do prédio, ele nota na sala de estar dela um pequeno quadro e fica surpreso ao saber que o artista é Séraphine (Yolande Moreau). Séraphine utilizava recursos naturais para realizar suas pinturas, como folhas e sangue de animais.

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A Artista Plástica, da etnia Pataxó, desenvolve uma produção artística em diversas técnicas abordando a temática indígena como parte do mundo contemporâneo.

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“[…] Vejo agora um novo momento, pois temos um número grande escritores, artistas e cineastas indígenas que estão contando a “história” de outro ponto de vista”.

Arissana Pataxó

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ARTES VISUAIS CONTEMPORÂNEAS DOS POVOS INDÍGENAS.

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ARTES VISUAIS CONTEMPORÂNEAS DOS POVOS INDÍGENAS.

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O Centro Cultural da Universidade Federal de Minas Gerais apresenta a exposição Mira! – Artes Visuais Contemporâneas dos Povos Indígenas, que reúne, pela primeira vez no País, pinturas, desenhos, cerâmicas, esculturas, vídeos e fotografias de artistas indígenas da Bolívia, Brasil, Colômbia, Equador e Peru. A proposta da exposição é trazer ao público as novas estéticas dos povos ameríndios, em que os autores produzem arte aliando saber tradicional às modernas tecnologias. Mira! é resultado de uma pesquisa realizada por uma equipe formada por artistas, antropólogos, comunicadores e indigenistas, que percorreu milhares de quilômetros em busca da arte indígena latinoamericana. Foram levantadas mais de 300 obras de 75 artistas de 30 etnias diferentes. Depois, um conselho curador, composto por especialistas em artes visuais, escolheu mais de 100 obras para a exposição. A exposição Mira! promove algo inédito no Brasil: o intercâmbio entre as novas experiências artísticas desenvolvidas pelos povos indígenas da América do Sul. É também a oportunidade do público conhecer o pensamento e a perspectiva indígena em meio às artes visuais contemporâneas.