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Espaços com zonas definidas para interagir, partilhar, investigar, criar, apresentar e desenvolver

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Na sessão 9, o formador, Jorge Madeira, falou de Ensino Hibrido, que são ambientes de aprendizagem e ensino em que há espaços físicos  com zonas definidas para interagir, partilhar, investigar, criar, apresentar e desenvolver.
Existem diferentes modelos uns mais exequíveis que os outros, quer pelo espaço físico disponível quer pelos meios tecnológicos e humanos.
Carlos Pinheiro afirma que a aprendizagem hibrida é uma modalidade de aprendizagem que combina o melhor dos dois mundos: o online  e offline. Combina diferentes presenças (físicas e digitais), tempos (síncronos e assíncronos), tecnologias (analógicas e digitais) e espaços e ambientes de aprendizagens (analógicos e digitais). Incluindo uma maior flexibilidade nas aprendizagens. contextos mais ricos, diversificados e adotados ao ritmo e caraterísticas de cada aluno.
Os Modelos Hibridos, existentes e já experimentados mais conhecidos são os do Christensen Institute, são: Rotação- Rotação por Estações, Laboratório Rotacional, Sala de aula Invertida, Rotação Individual; Flex, Virtual Enriquecido e o À la Carte.
http://agansiao.ccems.pt/course/view.php?id=489

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Na sessão 5, o formador, Jorge Madeira, fez uma resenha do que tinha sido dado na sessão anterior nomeadamente sobre como utilizar os REDs, voltou a referir as diferentes plataformas e mais concretamente e a explicar como utilizar o Canvas e todas as suas inúmeras ferramentas na elaboração de um “PowerPoint”, nomeadamente a questão de inserir vídeos e sons com as suas diferentes variantes.

Foi ainda feita a introdução à plataforma Moodle e as suas multifacetadas funcionalidades. Refiro, no entanto, que nunca, anteriormente, trabalhei com esta plataforma, e talvez por isso, senti que é de tal modo complexa (pelas suas múltiplas ferramentas/opções/ funcionalidades) que considero ser de extrema necessidade uma exploração dessa plataforma na próxima sessão de forma a poder ser praticada em sessão online, nomeadamente: o modo de colocar, organizar, adicionar documentos, pastas, formulários, links, vídeos… atribuir tarefas aos alunos…. necessito de cimentar procedimentos com exemplos em sessão para poder progredir com secesso na minha aprendizagem.

Reafirmo que embora tenha observado que o Moodle é  uma excelente plataforma de trabalho com alunos (e não só), não pude deixar de me sentir assoberbada pela quantidade de ferramentas ao dispor.

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Sessão 4: Canva

Na sessão 4, foram tratados diferentes temas:

A questão de licença creatrive commons foi novamente abordada esclarecendo algumas dúvidas.

Também se abordaram ferramentas colaborativas, tais como o Google Docs (docs, Sheets, Slides) e o Office 365. Que se podem usar para trabalhos colaborativos, partilhando com pessoas/grupos através de link ou enviado por mail com o respetivo link. Podendo cada interveniente visualizar, criar, comentar, colaborar ou editar consoante a permissão dada pelo editor. O Office 365 é muito semelhante ao Office da Microsoft e compatível com os formatos utilizados pelo Word. Foi também lembrado que o Office pode ser utilizado de forma livre (formato mais simples) ou pago (com um maior número de ferramenta. De forma livre podem utilizar-se: o Livre Office, o Open Office e o WPS Office.

No que concerne ao Canva, esta ferramenta permite criar publicações digitais que podem ser transformadas em documentos para impressão ou partilhados pela internet. O Canva permite múltiplos templates já com pré-formatações (com inúmeros exemplos e inúmeras opções e ainda podendo criar uma opção mais personalizada), de simples utilização e um pouco diferente das aplicações habituais, entre elas: Apresentações (tipo PowerPoint), Cartaz; Vídeos; Redes Socias; Currículos, logotipos, panfletos…. Há a versão grátis e a versão paga, mas tudo o que é pago (imagens, icons…) está identificado como tal, como professor pode aceder-se à versão paga que é utilizada livremente.

O RED que criei com recurso à ferramenta Canva, é um Cartaz que publicita uma exposição da disciplina de Educação Visual.

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Sessão 4: Genially
A aplicação Genially é muito idêntica à Vista Create (Crello)
permite criar apresentações interativas, muito interessantes.
Mesmo "partindo muita pedra" percebi que esta App,
permite criar apresentações de veras aliciantes e muito motivantes. A
ferramenta online é gratuita e tem milhares de modelos para usar e adequar a
qualquer tema de forma a tornar aliciante o ensino/aprendizagem, tanto no que
concerne aos alunos, mas também aos professores. Este recurso serve para que os
alunos a consultem de forma autónoma, podem consultar apenas o que mais lhes
interessa ou passando o rato em cima de determinado ícone alargar os seus
conhecimentos e satisfazer a sua curiosidade, ou espicaçá-la ainda mais.
Senti que necessito de muitas horas para fazer um pequeno
trabalho , mas também senti que valeu a pena, e neste momento apetece que o
tempo pare e possa livremente (sem essa condicionante) partir à descoberta de
um mundo cheio de descobertas que otimizadas serão de grande valor na
diversificação dos meios de ensino e na motivação de alunos.

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ARTE

Arte Contemporânea

Pop Arte

Pop Art é um movimento artístico que se caracteriza pela reprodução de temas relacionados ao consumo, publicidade e estilo de vida americano (american way of life).O termo em inglês significa "arte popular" e surgiu durante a década de 1950, na Inglaterra. A expressão foi criada pelo crítico Lawrence Alloway durante encontros de um grupo de artistas, o "Grupo Independente". Depois, espalhou-se durante os anos de 1960, atingindo seu auge em Nova York.

Hyper-Realism

Hiper-realismo é um gênero de pintura e escultura que tem um efeito semelhante ao da fotografia de alta resolução. O hiper-realismo é uma evolução do fotorrealismo, e o termo foi usado para designar um movimento artístico que nasceu nos Estados Unidos e na Europa em torno de 1968. Expandindo-se no início dos anos 70, tendo grande popularidade na Inglaterra, Estados Unidos e no Brasil.A palavra hiper-realismo ou super-realismo apareceu pela primeira vez como título de uma exposição organizada pela galerista belga Isy Brachot, em 1973. Na época, assumiu o mesmo significado que fotorrealismo. A exposição era dominada por fotorrealistas norte-americanos, como Ralph Goings, Chuck Close, Don Eddy, Robert Bechtle e Richard McLean, mas incluiu artistas europeus como Gnoli, Gerhard Richter, Klapheck e Delcol.Os princípios essenciais do hiper-realismo, também chamado superrealismo, são os mesmos do fotorrealismo,

Cubismo

Maximalismo

A palavraminimalismose refere a uma série de movimentosartísticos,culturaisecientíficosque percorreram diversos momentos doséculo XXe preocuparam-se em fazer uso de poucos elementos fundamentais como base de expressão. Os movimentos minimalistas tiveram grande influência nasartes visuais, nodesign, namúsicae na própriatecnologia. O termo pode ser usado para descrever as peças deSamuel Beckett, os filmes deRobert Bresson, os contos deRaymond Carver, os projetos automobilísticos deColin Chapmane até mesmo a linha teórica adotada pelagramática gerativadesde o fim do século XX.

Minimalismo

O minimalismo nas artes plásticas surge após o ápice doexpressionismo abstrato nos Estados Unidos, movimento esse que marcou a mudança do eixo artístico mundial da Europa para os Estados Unidos. Contrapondo-se a esse movimento, o minimalismo procurava através da redução formal e da produção de objetos em série, que se transmitisse ao observador uma percepção fenomenológica nova do ambiente onde se inseriam. Exemplo desse projeto estaria nas obras deDan Flavin, que através de tubos luminosos modifica o ambiente da galeria.O caráter geométrico demonstra forte influênciaconstrutivista, e a limpeza formal - influência deBrancusi. Mas o intuito dos artistas minimalistas difere radicalmente de ambos os casos. Primeiramente por negar aarte cartesiana europeia, para esse viés fenomenólogo que assume, depois por quebrar as barreiras até então presentes entre pintura e escultura.

Andy Warhol

Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein (Nova Iorque,27 de outubro de1923 - Nova Iorque,29 de setembro de1997) foi umpintor estadunidense identificado com aPop Art.Na sua obra, procurou valorizar os clichês dashistórias em quadrinhos como forma de arte, colocando-se dentro de um movimento que tentou criticar a cultura de massa.O seu interesse pelas histórias em quadradinhos (banda desenhada), como tema artístico, começou provavelmente com uma pintura do ratoMickey, que realizou em1963 para os filhos. Nos seus quadrosa óleo etinta acrílica, ampliou as características dabanda desenhada e dos anúncios comerciais, e reproduziu à mão, com fidelidade, os procedimentos gráficos. Empregou uma técnicapontilhista conhecida como Pontos Ben-Day para simular os pontosreticulados das histórias. Cores brilhantes, planas, limitadas e delineadas por um traço negro, contribuíam para o intenso impacto visual.Com essas obras, o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Os seus quadros, desvinculados do contexto de uma história, aparecem como imagens frias, intelectuais, símbolos ambíguos do mundo moderno. O resultado é a combinação de arte comercial e abstracção.Muitas ilustrações de Lichtenstein eram feitas a partir de desenhos em quadrinhos.

Dan Flavin

Constantin Brâncuși

Chuck Close

Joana Vasconcelos

Joana Vasconcelos ComIH (Paris, 8 de novembro de 1971) é uma artista plástica portuguesa.Representa Portugal na Bienal de Veneza de 2013, depois de se afirmar internacionalmente na exposição que fez no Palácio de Versalhes, por convite feito em 2012 pelo Presidente da instituição, Jean-Jacques Aillagon, dando seguimento ao programa de arte contemporânea iniciado em 2008. [1][2]Depois do americano Jeff Koons, dos franceses Xavier Veilhan e Bernar Venet e do japonês Takashi Murakami, Joana Vasconcelos será a primeira mulher e a mais jovem artista contemporânea a expor em Versalhes, exposição essa que teve o maior número de visitantes dos últimos cinquenta anos à sua data. [3]A representação na Trienal de Echigo Tsumari, no Japão, em 2006, a exposição Contaminação, em 2008, na Pinacoteca do Estado de São Paulo, no Brasil, ou a participação na importante exposição colectiva Un Certain État du Monde? A Selection of Works From François Pinault Foundation Collection, realizada no Garage Centre for Contemporary Culture, em Moscovo, em 2009, deram sequência a uma singular carreira internacional. Sem Rede, a grande antológica apresentada em 2010, no Museu Colecção Berardo, constituiu um enorme sucesso junto do público, estabelecendo-se como a exposição, realizada em Portugal, mais visitada de sempre. Em junho 2011, a instalação Contaminação de Vacas (Se as vacas voassem, Chovia leite) abriu a importante exposição colectiva The World Belongs to Yolo, que o Palazzo Grassi inaugurou em junho de 2009. Inaugura nova exposição em Portugal (23 de março a 25 de agosto de 2013) no Palácio Nacional da Ajuda (Lisboa).[4][5]

Kam Tang

Amadeo de Souza Cardoso

Piet Mondrian

Pablo Picasso

George Braque

Gerhard Richter

Modernismo

Chama-se genericamentemodernismo (oumovimento modernista) ao conjunto demovimentos culturais, escolas eestilos que permearam asartes e odesign da primeira metade do século XX.[1][2][3] Apesar de ser possível encontrar pontos de convergência entre os vários movimentos, eles em geral se diferenciam e até mesmo se antagonizam.Encaixam-se nesta classificação, dentre outros campos culturais, aliteratura, aarquitetura,o design,a pintura, aescultura, oteatro e amúsica modernas.O movimento modernista baseou-se na ideia de que as formas "tradicionais" dasartes plásticas,literatura,design,organização social e da vida cotidiana tornaram-se ultrapassadas, e que se fazia fundamental deixá-las de lado e criar no lugar uma novacultura. A busca pela novidade nas formas e a insubordinação contra as autoridades instituídas podem ser consideradas características comuns aos diversos artistas.[4] Esta constatação apoiou a ideia de reexaminar cada aspecto da existência, do comércio à filosofia, com o objetivo de achar o que seriam as "marcas antigas" e substituí-las por novas formas, e possivelmente melhores, de se chegar ao "progresso". Em essência, o movimento moderno argumentava que as novas realidades do século XX eram permanentes e eminentes, e que as pessoas deveriam se adaptar a suas visões de mundo a fim de aceitar que o que eranovo era também bom e belo.A palavramoderno também é utilizada em contraponto ao que éultrapassado. Neste sentido, ela é sinónimo decontemporâneo, embora, do ponto de vista histórico-cultural,moderno econtemporâneo abranjam contextos bastante diversos.

Pieter Cornelis Mondrian, geralmente conhecido por Piet Mondrian (Amersfoort, 7 de março de 1872 - Nova Iorque, 1 de fevereiro de 1944) foi um pintor neerlandês modernista. Criou o movimento artístico neoplasticismo e colaborou com a revista De Stijl e depois com as formas da pintura concreta.Nascido em ambiente rural com clima de fazenda e sítio, Pieter Cornelis Mondrian era de uma família neerlandesa extremamente religiosa. Seu pai, um pastor neerlandês, desejava que o filho seguisse a carreira policial. A religião marcou o jovem Piet e o sentimento metafísico iria permear sua obra durante toda a vida, em maior ou menor grau.[1]Tendo um tio que trabalhava com pintura, interessou-se pela carreira artística, mas foi obrigado a enfrentar a visão ortodoxa da família, que via na arte um caminho para o pecado. Vê, porém, na possibilidade de dar aulas uma resolução ao seu dilema: prometeu ao pai estudar artes para se tornar um professor.Insatisfeito com o magistério, Mondrian sentia a necessidade de libertar-se e estabelecer-se como pintor, mas temia enfrentar ao pai (que até então desaprovava a ideia) e a si mesmo, tal o peso de sua formação religiosa. Quando entrou em contato com a [teosofia], porém, encontra em seu ideário uma resolução para o problema: a doutrina pregava o trilhar de um caminho evolutivo pessoal e a arte encaixava-se neste caminho. O contato com a teosofia irá manifestar-se no trabalho de Mondrian e marcará sua vida profundamente daí em diante.Piet Mondrian começou a sua carreira como pintor ao mesmo tempo em que trabalhava como professor. A maior parte do seu trabalho deste período é influenciada pelonaturalismo e oimpressionismo. Nomuseu Gemeente, emHaia, estão expostos vários trabalhos deste período, incluindo exemplarespós-impressionistas tais como "O Moinho Vermelho" e "Árvores ao andar". (O museu também tem exemplos do seu trabalho geométrico posterior).Após entrar em contato com a teosofia, Mondrian passa por um breve períodosimbolista, que lhe será fundamental para que atinja aabstração. Este período costuma-se confundir com a radical abstração que caracterizaria o resto de sua obra, já revelando uma certa tendência à geometrização e àsíntese da realidade. Além do pensamento espiritual calcado na busca de uma essência matemática e racional para a existência que caracteriza a teosofia, Mondrian também exibiu um interesse quase obsessivo pelo jazz - pela identificação de sua alegria contagiante com o ritmo irregular que, ele também, possuiria um fundamento matemático.A abordagem sequencial de três telas com árvores (A árvore vermelha - 1908,A árvore cinzenta - 1912 eMacieira em Flor - 1912), mostra como se processou a desconstrução figurativista de sua obra.[2]Em 1911,[3] visitou uma exposiçãocubista emAmsterdã

Andy Warhol nasceu emPittsburgh,Pensilvânia.[1] Era o quarto filho de Ondrej Warhola e Julia (née Zavacká, 1892-1972), cujo primeiro filho nasceu na sua terra natal e morreu antes de sua migração para os Estados Unidos. Seus pais eram imigrantes da classe operária originários deMikó (hoje chamada Miková), no nordeste daEslováquia, então parte doImpério Austro-Húngaro. O pai de Warhol emigrou para os E.U.A em 1914 e sua mãe se juntou a ele em 1921, após a morte dos avós de Andy Warhol. Seu pai trabalhou em uma mina de carvão. A família vivia na Rua Beelen 55, e mais tarde na Rua Dawson 3252, emOakland, um bairro de Pittsburgh.[2] A família eracatólica bizantina rutena e frequentava a igreja católica bizantina de São João Crisóstomo em Pittsburgh. Andy Warhol tinha dois irmãos mais velhos, Ján e Pavol, que nasceram na atualEslováquia. O filho de Pavol,James Warhola, tornou-se um bem sucedido ilustrador de livros para crianças.Nos primeiros anos de estudo, Warhol tevecoreia, uma doença do sistema nervoso que provoca movimentos involuntários das extremidades, que se acredita ser uma complicação daescarlatina e causa manchas de pigmentação na pele.[3] Ele tornou-se umhipocondríaco, desenvolvendo um medo de hospitais e médicos. Muitas vezes de cama quando criança, se tornou um excluído entre os seus colegas de escola, ligando-se fortemente com sua mãe.[4] Às vezes quando estava confinado à cama, desenhava, ouvia rádio e colecionava imagens de estrelas de cinema ao redor de sua cama. Warhol depois descreveu esse período como muito importante no desenvolvimento da sua personalidade, do conjunto de suas habilidades e de suas preferências.Aos 17 anos, em 1945, entrou no Instituto de Tecnologia de Carnegie, em Pittsburgh, hojeUniversidade Carnegie Mellon e se graduou emdesign.Logo após mudou paraNova York e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, comoVogue,Harper's Bazaar eThe New Yorker, além de fazer anúncios publicitários edisplays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra deTruman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA,Museu de Arte Moderna, em 1956. Passa a assinar Warhol.

Roy Fox Lichtenstein (Nova Iorque,27 de outubro de1923 - Nova Iorque,29 de setembro de1997) foi umpintor estadunidense identificado com aPop Art.Na sua obra, procurou valorizar os clichês dashistórias em quadrinhos como forma de arte, colocando-se dentro de um movimento que tentou criticar a cultura de massa.O seu interesse pelas histórias em quadradinhos (banda desenhada), como tema artístico, começou provavelmente com uma pintura do ratoMickey, que realizou em1963 para os filhos. Nos seus quadrosa óleo etinta acrílica, ampliou as características dabanda desenhada e dos anúncios comerciais, e reproduziu à mão, com fidelidade, os procedimentos gráficos. Empregou uma técnicapontilhista conhecida como Pontos Ben-Day para simular os pontosreticulados das histórias. Cores brilhantes, planas, limitadas e delineadas por um traço negro, contribuíam para o intenso impacto visual.Com essas obras, o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Os seus quadros, desvinculados do contexto de uma história, aparecem como imagens frias, intelectuais, símbolos ambíguos do mundo moderno. O resultado é a combinação de arte comercial e abstracção.Muitas ilustrações de Lichtenstein eram feitas a partir de desenhos em quadrinhos.

Dan Flavin nasceu em1 de abril de1933 emNova Iorque. Flavin estudouHistória da Arte por um curto período de tempo naNew School for Social Research e depois se mudou paraUniversidade Columbia, onde estudoupintura edesenho.[1]Em1959, fez exame de classes extraindo e pintando na universidade Columbia. Neste ano, começou a fazerensamblage e colagens além de pinturas com influência doExpressionismo Abstrato. Sua primeira mostra de solo das construções e dos watercolors ocorreu na galeria de Judson, Nova York, em1961.No verão de 1961, ao trabalhar como um protetor no museu americano da história natural, Nova York, começa a fazer esboços para as esculturas em que as luzes elétricas foram incorporadas. Mais tarde, nesse mesmo ano, fez suas primeiras esculturas de luz; chamou-as de "ícones".Em1963, começou a trabalhar com tubosfluorescentes coloridos. Sua escultura foi mostrada em uma exibição solo, alguma luz, na galeria de Kaymar, Nova York, em 1964. Em 1967, Flavin era um instrutor do convidado do projeto na universidade da Carolina do Norte emGreensboro.Por 1968, tinha desenvolvido sua escultura em ambientes do quarto-tamanho da luz; este ano, esboçou uma galeria inteira na luz ultravioleta em Documenta em Kassel. Foi organizada uma retrospectiva de seus trabalhos pela galeria nacional de Canadá, Ottawa, em 1969; a exibição viajou ao Jewish Museum em New York em 1970.Com uma recomendação de Marcel Duchamp, Flavin recebeu uma concessão da fundação de William & de Norma Copley,Chicago, em 1964. Começou também sua quase life-long série dos monumentos dedicados ao construtivista russo Vladimir Tatlin. Tornou-se sábio como um originador da arte "mínima" através da inclusão nas exibições chaves do grupo.Cor-de-rosa em grande escala da instalação, alternar de Flavin a primeira e única e o "ouro", foram feitos para o museu da arte Contemporary, Chicago, em1967. Em1969 seu exibição retrospectiva "luz fluorescente, etc. de Dan Flavin," abriu na galeria nacional de Canadá, Ottawa, antes de viajar à galeria de arte de Vancôver, Colômbia britânica, e ao museu Jewish em New York City.O vocabulário artístico em1972 em uma instalação na galeria de Albright-Knox, búfalo luzes fluorescentes circulares de Flavin entrado, New York, e era um elemento chave de um exhibition importante no museu da arte dos louis do St, Missouri em 1973.

Constantin Brâncuși(Hobița,19 de fevereirode1876-Paris,16 de marçode1957) foi o mais célebreescultorromenoe um dos principais nomes davanguardamoderna. Estudou na Escola de Artes de Craiova de1894 a1898 e depois na escola nacional deBelas Artes deBucareste de1898 a1901. Com o objetivo de completar a sua formação, chega aParis em1904 e se inscreve naÉcole nationale supérieure des Beaux-Arts em1905.Foi uma figura central do movimento moderno e um dos pioneiros da abstração. Sua escultura é conhecida por sua elegância visual e uso de materiais sensíveis, combinando a escultura franca do camponês com a sofisticação da vanguarda parisiense. Depois de frequentar a Escola de Belas Artes deBucareste e da aprendizagem da escultura deAugust Rodin, Brâncuși viajou para Paris em 1904. Brâncuși criou sua primeira grande obra, O Beijo, em 1908.A partir deste momento sua escultura tornou-se cada vez mais abstrata. Passa a operar as formas através do polimento, como se tentasse ao mesmo tempo eliminar da escultura a representação e chegar a seu centro. Ao mesmo tempo, questiona o pedestal a partir da ideia de objeto que media a relação da escultura com o real. Passa, assim, a incluí-los esteticamente no problema da escultura. Entre outras, destacam-se na sua obra a Musa adormecida, A maiastra, O mundo, O pássaro e a Coluna sem fim. A escultura de Brâncuși ganhou notoriedade internacional noArmory Show de1913, emNova York. Seu atelier em Paris foi preservado depois de sua morte e reconstruído ao lado doCentro Georges Pompidou, o Beaubourg, pelo interesse dedicada ao arranjo de suas esculturas, que em si foi pensado como problema artístico e foi documentado em fotografias e filmes pelo próprio artista.Isamu Noguchi trabalhou como assistente de estúdio de Brâncuși em 1927, Brâncuși lhe ensinou a esculpir a pedra e a madeira. Na década de 1930 Brâncuși trabalhou em dois projetos ambiciosos de escultura pública, a realizar um templo na Índia para o marajá de Indore e a instalação emTârgu Jiu (Romênia), de seus projetos, "Portão do Beijo", "Tabela de silêncio" e uma versão de 100 pés (30,48 metros) de altura de ferro fundido da "Coluna infinita".Em sua morte Brâncuși deixou o conteúdo de seu estúdio para o Museu de Arte da Cidade de Paris, na condição de o estúdio ser instalado no museu em sua totalidade.A escultura ganha movimento no futurismo, no pós-guerra a escultura sofre modificações, novos materiais são utilizados, como a sucata de metal e aparecem novas técnicas como solda.

Gerhard Richter (Dresden,9 de fevereiro de1932) é umpintor alemão.Crescendo debaixo doNacional-Socialismo e viveu durante mais 16 anos debaixo docomunismo daAlemanha Oriental antes de se mudar para aAlemanha Ocidental, em1961. Entre1952 e1957 estudou na Kunstakademie de Dresa nova fase na sua carreira no difícil meio artístico que se desenvolveu emColónia eDüsseldorf nadécada de 1960. Mudou-se para Düsseldorf onde trabalhou como técnico defotografia num laboratório. De 1961 a1964, estudou naStaatliche Kunstakademie de Düsseldorf. Neste cenário descobriu oexpressionismo abstracto e uma série de tendênciasavant-garde formando laços de amizade com outros artistas da sua geração, comoSigmar Polke. Identificavam-se como artistas alemãespop, mas foram também, por um breve período, iniciadores de uma variante satírica do pop a que chamavam "realismo capitalista"[1]. Em1962 iniciou pinturas que fundiam a iconografia jornalística e retratos de família com um realismo austero baseado nafotografia. Richter estabeleceu o seu percurso através de um enredo de "ismos" que prosperavam à sua volta.A primeiraexposição individual de Richter foi realizada numa loja de móveis (Möbelhaus Berges), em Düsseldorf, em1963. Nesta exposição o artista apresentou pela primeira vez o estilo fotografia-pintura, tendo utilizado fotografias de paisagens, retratos e naturezas-mortas como base para as suas pinturas. O artista esborratou as imagens ou objectos apresentados, afastando-se da pintura figurativa tradicional, de forma a diferenciar a pintura da fotografia. Em1967, Richter ganhou o prémio de arteJunger Westen da cidade deRecklinghausen na Alemanha. Foi nesta altura que Richter começou a sua fase "construtivista" que incluiu trabalhos comoColor Charts,Inpaitings,Gray Paintings eForty-eight Portraits, assim como o trabalho com espelhos.No início dadécada de 1970 evoluiu para uma pintura monocromática sóbria que evocava a corrente minimalista, mas com uma diferença significativa no que respeita ao objectivo e ao sentimento. No final da década de 1970 e início dadécada de 1980, as pinturas sobre tela de cores brilhantes e ousadamente delineadas sugeriam mas também diferiam da pintura pirotécnicaneo-expressionista que estava então em voga. Em toda a sua carreira, Richter cultivou no seu trabalho um modo subtilmente romântico e aparentemente antimodernista.

Chuck Close, pseudônimo de Charles Thomas Close (Washington, 5 de julho de 1940 - Oceanside, 19 de agosto de 2021), foi um fotógrafo e pintor americano.[1] Close utilizava no Foto-realismo, uma técnica em que a pintura é similar a uma fotografia, e que se enquadra no movimento artístico denominado de Hiper-realismo.Frequentou a Universidade de Washington, em Seattle, e a Faculdade de Arte e Arquitectura, em Yale. Enquanto estudante, Close foi fortemente influenciado pelo expressionismo abstracto muito em voga na pintura. Nas suas experiências começou a reduzir o tamanho das pinceladas ao mais pequeno grau ao ponto de minimizar ou mesmo eliminar a sua relevância. Por este motivo, o seu estilo foi muitas vezes comparado ao de movimentos artísticos como o minimalismo ou até o Foto-realismo, que procurava criar uma ligação entre a pintura e a fotografia na representação.Ao receber uma bolsa de estudo, Close parte para Viena, na Áustria, para estudar na Akademie der Bildenen Künste. Em 1965, começou a trabalhar a partir de fotografias. A sua primeira exposição individual realizou-se em Nova Iorque, em 1970. É também nesta época que os seus retratos começaram a ganhar reconhecimento. Um autorretrato gigantesco a preto e branco foi o primeiro trabalho pintado a partir de fotografias, levando quatro meses a ser concluído. Para realizar este trabalho, Close fez várias fotografias de si próprio onde a cabeça e o pescoço ocupavam todo o enquadramento, transferindo depois ponto por ponto para a enorme tela, pintada com tinta acrílica e um aerógrafo.Desde 1992 Chuck Close pintou diversos retratos de grande tamanho baseados em fotografias previamente tiradas por si. O seu primeiro quadro com aplicação desta técnica, "Big Self Portrait", um autorretrato pintado a preto e branco, foi exibido na New York Gallery of Modern Art em 1973. Seguiram-se pinturas do rosto de amigos como Richard Serra ou Philip Glass. Desde então pinta frequentemente os mesmos retratos utilizando diferentes técnicas.De longe os seus quadros são perfeitos retratos. Vistos de perto são incontáveis marcas de formas diversas (círculos, quadrados, ...). Um dos quadros mais interessantes é o do rosto de uma mulher de idade avançada totalmente pintado com a impressão digital de Close.

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Kam Tang é um ilustrador que vive e trabalha em Brixton, Londres. Seu trabalho é descrito como maximalista. Depois de se formar na Universidade de Brighton, ele fez mestrado no Royal College of Art. Desde que se formou, ele trabalhou como criativo freelancer. Nascimento:1971 (idade 51 anos), Hong Kong

Amadeo de Souza-Cardoso (Manhufe, freguesia de Mancelos, Amarante, 14 de novembro de 1887 - Espinho, 25 de outubro de 1918) foi um pintor português.Pertencente à primeira geração de pintores modernistas portugueses,[1] Amadeo de Souza-Cardoso destaca-se entre todos eles pela qualidade excecional da sua obra e pelo diálogo que estabeleceu com as vanguardas históricas do início do século XX. "O artista desenvolveu, entre Paris e Manhufe, a mais séria possibilidade de arte moderna em Portugal num diálogo internacional, intenso mas pouco conhecido, com os artistas do seu tempo". A sua pintura articula-se de modo aberto com movimentos como o cubismo o futurismo ou o expressionismo, atingindo em muitos momentos - e de modo sustentado na produção dos últimos anos -, um nível em tudo equiparável à produção de topo da arte internacional sua contemporânea.A morte aos 30 anos de idade irá ditar o fim abrupto de uma obra pictórica em plena maturidade e de uma carreira internacional promissora mas ainda em fase de afirmação. Amadeo ficaria longamente esquecido,[3] dentro e, sobretudo, fora de Portugal: "O silêncio que durante longos anos cobriu com um espesso manto a visibilidade interpretativa da sua obra [...], e que foi também o silêncio de Portugal como país, não permitiu a atualização histórica internacional do artista"; e "só muito recentemente Amadeo de Souza-Cardoso começou o seu caminho de reconhecimento historiográfico".

Pieter Cornelis Mondrian, geralmente conhecido por Piet Mondrian (Amersfoort, 7 de março de 1872 - Nova Iorque, 1 de fevereiro de 1944) foi um pintor neerlandês modernista. Criou o movimento artístico neoplasticismo e colaborou com a revista De Stijl e depois com as formas da pintura concreta.Nascido em ambiente rural com clima de fazenda e sítio, Pieter Cornelis Mondrian era de uma família neerlandesa extremamente religiosa. Seu pai, um pastor neerlandês, desejava que o filho seguisse a carreira policial. A religião marcou o jovem Piet e o sentimento metafísico iria permear sua obra durante toda a vida, em maior ou menor grau.[1]Tendo um tio que trabalhava com pintura, interessou-se pela carreira artística, mas foi obrigado a enfrentar a visão ortodoxa da família, que via na arte um caminho para o pecado. Vê, porém, na possibilidade de dar aulas uma resolução ao seu dilema: prometeu ao pai estudar artes para se tornar um professor.Insatisfeito com o magistério, Mondrian sentia a necessidade de libertar-se e estabelecer-se como pintor, mas temia enfrentar ao pai (que até então desaprovava a ideia) e a si mesmo, tal o peso de sua formação religiosa. Quando entrou em contato com a [teosofia], porém, encontra em seu ideário uma resolução para o problema: a doutrina pregava o trilhar de um caminho evolutivo pessoal e a arte encaixava-se neste caminho. O contato com a teosofia irá manifestar-se no trabalho de Mondrian e marcará sua vida profundamente daí em diante.

Pablo Ruiz Picasso (Málaga,25 de outubro de1881 -Mougins,8 de abril de1973) foi umpintor espanhol,escultor,ceramista,cenógrafo,poeta edramaturgo que passou a maior parte da sua vida naFrança. É conhecido como o co-fundador do cubismo - ao lado deGeorges Braque -, inventor da escultura construída,[1][2] o inventor da colagem e pela variedade de estilos que ajudou a desenvolver e explorar. Dentre as suas obras mais famosas estão os quadros cubistasAs Meninas D'Avignon (1907) eGuernica (1937), uma pintura do bombardeio alemão deGuernica durante aGuerra Civil Espanhola.Picasso,Henri Matisse eMarcel Duchamp são considerados os três artistas que mais realizaram desenvolvimentos revolucionários nasartes plásticas nas décadas iniciais doséculo XX, responsável por importantes avanços napintura, naescultura, nagravura e nascerâmicas.[3][4][5][6]O pintor de Málaga demonstrava talento artístico desde jovem, pintando de forma realista por toda a sua infância e adolescência. Durante a primeira década do século XX, o seu estilo mudou graças aos seus experimentos com diferentes teorias, técnicas e ideias. Sua obra geralmente é classificada em períodos. Enquanto os nomes de muitos dos seus períodos finais são controversos, os períodos mais aceitos da sua obra são o período azul (1901-1904), o período rosa (1904-1906), o período africano (1907-1909), ocubismo analítico (1909-1912) e ocubismo sintético (1912-1919).Excepcionalmente prolífico durante a sua longa vida, Picasso conquistou renome universal e imensa fortuna graças às suas conquistas artísticas revolucionárias, tornando-se uma das mais conhecidas figuras da arte do século XX.

Georges Braque (Argenteuil,13 de maio de1882 -Paris,31 de agosto de1963) foi umpintor eescultor francês, que fundou ocubismo juntamente comPablo Picasso.Braque iniciou a sua ligação às cores na empresa de pintura decorativa de seu pai. A maior parte da sua adolescência foi passada emLe Havre, mas no ano de1899, mudou-se paraParis onde, em1906, noSalão dos Independentes, expôs as suas primeiras obras no estilo de formas simples e de cores puras (fauvismo).No Outono de1907, conheceu Picasso com quem, se deu quase diariamente até que em1914, devido àGrande Guerra se separaram.Braque foi ferido na cabeça em1915, tendo sido agraciado com a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Durante dois anos, devido ao ferimento esteve afastado da pintura, tendo retornado em 1917 focando-se em naturezas-mortas e pinturas figurativas, sempre dentro de uma formulação cubista

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Arte Contemporânea by Alice São João on Genially

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ARTE Arte Contemporânea Pop Arte Pop Art é um movimento artístico que se caracteriza pela reprodução de temas relacionados ao consumo, publicidade e estilo de vida americano (american way of life).O termo em inglês significa "arte popular" e surgiu durante a década de 1950, na Inglaterra.

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A licença Creative Commons que criei, breve explicação sobre a minha escolha.

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A licença Creative Commons que criei, breve explicação sobre a minha escolha.

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sessão 3
A licença que escolhi é das mais simples, pois pretendo que possa ser usada por todas as pessoas que assim o desejarem, tem as seguintes Atribuições:

·        Copiar, Distribuir, Transmitir, Adaptar, Alterar. Deve reconhecer-se a autoria de acordo com as indicações dadas pelo autor ou proprietário da licença.

·        Partilha pela mesma licença (share alike) Se a obra for modificada, pode-se distribuir, mas nas mesmas condições da licença inicial.

Tentando deste modo demonstrar o meu acordo com o que inicialmente foi pensado pelos criadores desta licença, que deveria ser acessível a todas as pessoas para a puderem utilizar, no entanto referi o facto de a obra ser sempre distribuída nas mesmas condições da licença inicial, para que ninguém possa apoderar-se da imagem (foto tirada por mim) e desse modo impedir que outros a utilizem.

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Níveis de proficiência:  B2-  Especialista

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Níveis de proficiência:  B2-  Especialista

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Sessão 2: No que respeita ao nível de proficiência B2, Especialista, compreendo que é ponto assente que tem de dominar uma variedade infindável de tecnologias (linguagem, utilização, ferramentas, estar sempre na "frente" ...), visto que estas estão sempre em mudança. Sendo consideradas, no documento "DigCompEdu" o alicerce de qualquer instituição educativa quando se trata de inovar práticas. Estes especialistas têm de estar em constante e continua formação (seja ela de carater autónomo ou outro), para de forma simples e clara poderem apoiar (formar) os que a eles recorrem com frequência. Tal conotação não é tarefa fácil e será mesmo ingrata, visto o tempo escassear para tanta solicitação que se exige na atividade profissional educacional que desempenham de múltiplas e infindáveis  tarefas (letivas e não letivas), durante o dia de trabalho (para não dizer de dia e de noite, durante a semana e ao fim de semana, nos feriados e nas férias...enfim). Dito isto, para que tudo possa ser aprendido e partilhado com qualidade, será essencial que a esses profissionais se conceda a libertação (ou pelo menos a diminuição) de outras tarefas profissionais.

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 Níveis de proficiência:  B1- Integrador

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 Níveis de proficiência:  B1- Integrador

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Sessão 2: No que concerne ao nível de proficiência B1, Integrador - refere-se que estes devem experimentar as tecnologias digitais numa variedade de contextos, ora para tal é necessário que tas tecnologias já tenham sido alguma vez experienciadas, e pelo que há minha pessoa diz respeito há um sem número de ferramentas, que nunca experimentei e algumas das quais, (como é o caso do Padlet), nem tinha ouvido falar, ou seja é algo novo, e quando se trata de algo novo não vamos falar em integrador mas antes em aprendiz. E quando se está a aprender um tão grande número de ferramentas (com uma infinidade de "valências") elas têm de ser apreendidas e  só depois podem ser amplamente exploradas em contexto de ensino, para tal é necessária prática sistemática a cada nova ferramenta e tudo isso como é sabido implica muita persistência, muito apoio e muito tempo, até finalmente dominar minimamente os saberes e poder ser um integrador nas práticas letivas. A mim parece-me que é fundamental perceber e conhecer para depois explorar. Não interessa debitar ferramentas e mais ferramentas, documentação e mais documentação (ou outras teorias) sem práticas sistemáticas em que o essencial é que se consolidem saberes práticos, para depois sim ser ( sem receios ou dúvidas) um integrador.

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Na Sessão 7, o formador começou por voltar a focar de forma mais aprofundada os conteúdos da sessão 6, sobre a plataforma moodle, nomeadamente como inserir e criar atividades: elaborar trabalhos, criar inquéritos; criar Fichas de avaliação ( nomeadamente no Moodle, Google e Microsoft forms)…

Foi ainda abordada a questão sobre como criar cópias de segurança da disciplina e como importar tópicos (ou outros conteúdos) entre disciplinas.

Para além do esclarecimento presencial, o formador deixou ainda diferentes documentos em diferentes formatos de apoio, para poderem ser consultados e explorados pelos formandos no trabalho autónomo.

Para o meu trabalho autónomo, na plataforma Moodle, criei um separador com o nome "Sessão 7" e explorei todos os documentos disponibilizados como suporte ao trabalho que elaborei. Embora por vezes tenha sentido algumas dificuldades, procurei sempre respostas de suporte à elaboração do meu trabalho. Assim criei um inquérito; vários trabalhos e um teste.

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Sessão 8
http://agansiao.ccems.pt/course/view.php?id=489#section-6

O formador começou por voltar a focar alguns conteúdos da sessão 7, sobre os quais foram colocadas questões para esclarecimento sobre diferentes ferramenta de diferentes plataformas.

Referiu a importância de utilizar diferentes recursos, focou também a importância da gamificação como estratégia motivadora de empenho e cativação dos alunos para algumas atividades. Também foi referida a questão de muitos dos recursos disponíveis na Web, terem uma versão não paga, que embora tenham recursos mais limitados, do que a versão paga, podem ainda assim ser bastante interessantes.

Explorámos o Google Forms, o Microsoft Forms, o Kahoot e ainda foram referidos: o Quizizz, o Socrative, o Plickers, o Mentimeter e o Khanacademy.

Foram disponibilizados vários materiais de apoio: vídeos, manuais e links.

Para o meu trabalho autónomo, na plataforma Moodle, explorei todos os documentos disponibilizados como suporte para o trabalho que elaborei, embora como é a primeira vez que utilizo a plataforma Moodle e muitos dos recursos também me são desconhecidos, senti algumas dificuldades, no entanto procurei sempre respostas de suporte à elaboração do meu trabalho, explorando todos os recursos que me foi possível e todas as funcionalidades que cada recurso apresentava e se adequava ao meu objetivo.
https://forms.gle/R6pDMVkP5bSNnJKu7
https://create.kahoot.it/details/c5ab997a-8f46-4d44-8090-93608ddcdb15

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%ferramentas para criar questionarios Digitais

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Na sessão 6, foi feita uma apresentação da plataforma Moodle e do seu “funcionamento”, nomeadamente:

Como ativar o modo de edição; como adicionar tópicos; Como editar, ocultar, destacar e mover um tópico.

Foi também explorada a situação relacionada com adicionar diferentes tipos de recursos , tais como: página, Url; ficheiro, pasta, livro, incorporar um vídeo do YouTube e ainda como adicionar atividades, sejam elas: um fórum; um trabalho; um inquérito.

Devo mais uma vez referir que durante as sessões todos os passos são muito bem explicados, mas o volume das aprendizagens é de tal modo avassalador que entre a sessão síncrona de aprendizagem e a sessão assíncrona de aplicação das aprendizagens, já muita informação foi “perdida” e sinto grande dificuldade em concretizar as tarefas solicitadas, não obstante rever todos os vídeos e tutoriais ao dispor na página Moodle do Formador.

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Aprendizagens adquiridas na sessão 3 e a importância que poderá ter na minha atividade letiva

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Aprendizagens adquiridas na sessão 3 e a importância que poderá ter na minha atividade letiva

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Na sessão 3, de trabalho de dia 24 de fevereiro, foram dadas informações de ferramentas/sites, sobre: como Pesquisar Informação de forma mais concisa e credível; a importância da proteção de dados; a utilização do Padlet e a sua utilidade prática em trabalhos com alunos, nomeadamente em trabalhos de grupo, visto que cada um pode ir acrescentando a sua contribuição e ir visualizando, fazendo comentários, etc…; o Gestor de Tarefas, que possibilita verificar o que é mais utilizado, de acordo com o que fica na “memória” do gestor de tarefas; relativamente à Pesquisa de Informação, identificaram-se diferentes Browsers lembrando que é sempre necessário fazer o download destes para se poderem utilizar (https://www.mozilla.org/pt-PT/firefox/new/; https://www.opera.com/; https://www.google.pt/intl/pt-PT/chrome/; https://brave.com/); os Motores de Busca e algumas das suas especificidades, (https://www.google.pt/; https://www.qwant.com/?l=pt; https://duckduckgo.com/; https://www.yahoo.com/;  https://www.bing.com/?setlang=pt-pt;  https://www.sapo.pt/;  https://www.wolframalpha.com/), embora alguns não existam em língua portuguesa.

Alguns sites com informação e dicas e de como tornar as pesquisas mais restritas ao assunto que se pretende, e mais concretamente os símbolos ou carateres tipográficos que levam a essa pesquisa mais acurada, como o caso do asterisco (*).

A utilização desses diferentes carateres tipográficos (por exemplo: *; +;|) na pesquisa de qualquer assunto, dependendo de como se usa, vais restringindo a informação de modo a eliminar tudo o que é supérfluo e reduzir a informação ao que melhor se adequa ao assunto que se pretende. Foi ainda referida a importância de se ser critico em relação à informação pesquisada, verificando sempre e dentro do possível se é uma fonte credível, atual…

Alguns acessos facilitadores de pesquisa de assuntos, nomeadamente: meteorologia local ou outra; distâncias entre dois locais; filmes/cultura local ou outra; aceder a uma calculadora simples, etc…

Quando se quer aceder a um site português de Portugal colocar sempre a designação no final:  .pt (que vai filtrar a informação relativamente ao português do Brasil).

Foi falado sobre sites e questões de como Verificar Plágio; Repositórios de Imagens; Repositórios de Vídeos e Repositórios de Sons.

Claro que toda esta informação transmitida é de extrema importância e irá ter grande impacto na forma como vou passar a pesquisar, retirar informação e utilizá-la nas minhas práticas diárias, a ser mais critica na informação a utilizar. Algumas “ferramentas” são intuitivas, mas outras carecem de muita prática, o que é sempre um obstáculo que só se vai ultrapassando se nos for dado tempo, que infelizmente é o que mais escasseia devido às múltiplas tarefas e afazeres do professor enquanto profissional de educação que se quer sempre atualizado, mas que muitas vezes sente que o seu tempo é utilizado para tarefas muito burocratizadas de grande desgaste físico e mental.

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Sessão 1: Claro que nas tecnologias, como noutras áreas, quando se implementa algo que facilita, logo algo surge que complica, e nas tecnologias digitais que tendem a ter acesso a todos os pormenores da nossa existência.... desde coisas insignificantes como a data de nascimento, a questões como contas bancárias... umas de caráter mais intimo, outras de caráter privados, outras de caráter sigiloso...se algo falha na segurança de dados, se não se tomam todas as precauções, vimos a nossa vida devassada. Todas as precauções devem ser tidas em conta quando se utiliza a internet, quando se facilitam informações a qualquer um, quando se facilitam dados, quando não se utiliza uma palavra-passe forte (palavra-passe tipo:  "sete chaves" e porta blindada), os  dados expostos podem ser usados para fins com consequências muito gravosas. Mesmo com todas as cautelas, sabemos que enquanto uns trabalham para a segurança, há os que estudam falhas para daí retirar vantagem, sejam de um simples cidadão, de uma empresa, de um país... Claro que, em abstrato, todos sabemos que devemos ser o mais precavidos possível, utilizando palavras-chave complexas, mudar com alguma frequência, utilizar diferentes palavras-chave em diferentes Websites/plataformas, mas quantas vezes cedemos dados a empresas, a instituições...., que consideramos completamente seguras, e são elas o alvo do ataque de "pirataria informática".
É de importância vital formação ao mais alto nível em cibersegurança, mas como em tudo sempre haverá os "espiões" que também utilizarão essa formação. Assim, o lema é: prevenir, prevenir, prevenir... Ser sempre muitíssimo cauteloso.