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Rafaël, le grand représentant de la Renaissance classique (Max et Nathan)

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Rafaël, le grand représentant de la Renaissance classique (Max et Nathan)

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Raffaello Sanzio (ou Santi) est né en 1483 à Urbino et est Mort en 1520 à Rome. C’est un peintre de la renaissance classique italien. Dès son enfance, Raffaello Sanzio est baigné dans le monde artistique : son père, Giovanni Santi, est un peintre reconnu qui se trouve à la tête d'un atelier dans lequel collaborent sur des oeuvres communes le maître et ses élèves. A la mort de son père, Raphaël n'a que 11 ans. Trop jeune pour prendre la direction de l'atelier, il continue sa formation auprès des assistants de son père disparu. A l'âge de 16 ans, il est déjà reconnu comme un peintre accomplit.

A partir de 1503 il part travailler en Toscane. De Sienne il rejoint Florence, ville à l'activité artistique légendaire. En 1506 il entre enfin à Rome où il pourra admirer la Pieta de Michel-Ange. En 1508, son rêve se réalise enfin : il est appelé à Rome par le pape Jules II pour travailler sur des fresques monumentales destinées à décorer les appartements pontificaux du Vatican En 1520, Raphaël, âgé de 37 ans, est emporté par une fièvre fulgurante. Les nombreux dessins et carnets de croquis qu'il a laissé témoignent des incessantes recherches qu'il effectuait pour trouver la perfection dans la position des corps et dans la composition des tableaux.

Style : Dès le début son style réaliste, expressif et emprunt d'une douceur particulière, remporte un vif succès. Durant son séjour à Rome, Raphaël rencontre Pérugin dont il reçoit une forte influence.Il voit également La Pieta de Michel-Ange qui va également l’influencer. Il va alors acquérir un style de l'art florentin. Il étudie également le travail de Léonard de Vinci dont il assimile la technique du sfumato (atténuation des contours grâce à des effets de dégradés d'ombres et de lumières). Cette découverte lui permettra de combiner des formes gracieuses à la lourdeur des corps (La mise au tombeau). Pendant qu'il étudie le travail des grands maîtres, il découvre l'art antique et en assimile progressivement le style qu'il intègre au sien.

Influence :  Son système  de travail "à plusieurs mains" (faisant travailler maître et élève sur une même œuvre) restera gravé dans la mémoire du jeune Raphaël qui en fera son mode de fonctionnement lorsqu'il se retrouvera, plus tard, responsable du plus important chantier artistique de son temps : la décoration des chambres du Vatican. C'est d'ailleurs cette organisation "à la Raphaël" qui donnera naissance dans les siècles suivants aux académies de peinture.

La modernité qu'il apporta à la peinture mis fin à la première renaissance pour entrer dans l'âge classique.

Après Raphaël et son entrée au sommet du panthéon des plus grands peintres, les artistes n'auront de cesse de chercher de nouvelles manières de représenter la nature et les hommes. Cela donnera naissance au dernier courant de la renaissance : le maniérisme.Influence :  Son système  de travail "à plusieurs mains" (faisant travailler maître et élève sur une même œuvre) restera gravé dans la mémoire du jeune Raphaël qui en fera son mode de fonctionnement lorsqu'il se retrouvera, plus tard, responsable du plus important chantier artistique de son temps : la décoration des chambres du Vatican. C'est d'ailleurs cette organisation "à la Raphaël" qui donnera naissance dans les siècles suivants aux académies de peinture.

La modernité qu'il apporta à la peinture mis fin à la première renaissance pour entrer dans l'âge classique.
Après Raphaël et son entrée au sommet du panthéon des plus grands peintres, les artistes n'auront de cesse de chercher de nouvelles manières de représenter la nature et les hommes. Cela donnera naissance au dernier courant de la renaissance : le maniérisme.

Le jeune homme à la pomme (1503/1504)

Le jeune homme à la pomme est un des très nombreux tableaux de Raffaello Sanzio. Il représente au premier plan un jeune homme tenant une pomme dans la main droite. Il est vêtu d’une veste en fourrure et d’un couvre chef. A l’arrière plan nous pouvons observer un paysage. Ce portrait pourrait être le portrait de Francesco Maria della Rovere, duc d'Urbino.

Cette œuvre est  une  parfaite  représentation du style  de  la renaissance  en effet  elle  possèdent quasiment  tout ses  caractéristique :

Tout  d’abord c’est  un  portrait  d’homme, ce qui montre  le retour  a  l’antiquité, dans la façon dont l’art est centré sur l’homme. Un autre point fondamental de la renaissance est le réalisme, hors ce chef d’œuvre est totalement réaliste : on peut y observer des jeux de couleurs et de lumière. Il existe également dans ce tableau une perspective, en effet les dimensions de l’arrière plan sont respectées.

Dans Le jeune homme à la pomme, il y a aussi la présence de la nature avec le paysage et la pomme : autre point de la renaissance.

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Jean Fouquet : grand précurseur de la Renaissance (Côme Bernier et Eliott Maudens)

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Jean Fouquet : grand précurseur de la Renaissance (Côme Bernier et Eliott Maudens)

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véronèse un tableau qui marque la Renaissance

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véronèse un tableau qui marque la Renaissance

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Véronèse ( Marie et Lee-ydi)

Paolo Caliari ou Cagliari a pris le nom Véronèse de sa ville natale, Vérone. Il est né en 1528 et est décédé le 19 avril 1588. Il a été un peintre célèbre de la Renaissance. La manière dont il utilise les couleurs le rendent  célèbre. Il a commencé à peindre à l'âge de 15 ans avec l'aide de son maître  Antonio Badile en effet il a été influencé par le goût de l'art de son père qui était tailleur de pierres. Aujourd'hui il est connu principalement pour ses scènes monumentales de banquets actuellement exposées au Louvre comme par exemple " Les noces de Cana " . L'art est une affaire de famille chez les Caliari en effet il a pu compter sur son frère  Benedetto Caliari  et ses fils Carlo et Gabriel.

Ce tableau a une superficie de 70 m² et est une représentation fidèle de l’Évangile de Jean . Véronèse a choisi de représenter le banquet des noces à la fin duquel Jésus transforme l’eau en vin. On peut voir que cette œuvre met en scène 132 personnages qui sont répartis sur le premier et le deuxième plan, ce qui représente un des points essentiels de l’art de la Renaissance qui est la place centrale de l’homme. Au premier plan les personnages représentés sont là pour divertir en jouant de la musique … ce qui laisse paraître le sentiment de joie et de bonheur. On peut observer également  au deuxième plan sur la droite et la gauche des colonnes qui s’étendent jusqu’au dernier plan du tableau ce qui donne une impression de perspective. Cette peinture est proportionnelle car les dimensions sont respectées. Ces éléments valide encore un point de l’art de la Renaissance qui est le réalisme. Au centre de ce tableau il y a le personnage principal qui est Jésus, il est mis en valeur par l’auréol de lumière. Les couleurs sont vives en effet les personnages sont vétus de vêtements rouge jaune oranges donc des couleurs chaudes.  On peut voir au dernier plan le ciel avec des nuages qui sont traversés par une tour ainsi que des oiseaux qui représentent la nature  ce qui valide également un autre point de l'art Renaissance.
Pour finir ce tableau imite à la perfection la réalité, la nature ainsi que l'Antiquité car il est Beau et laisse paraitre des sentiments tel que la joie et le bonheur.

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Albrecht Altdorfer, un artiste marquant de la Renaissance ( Lison et Jeanne )

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Albrecht Altdorfer, un artiste marquant de la Renaissance ( Lison et Jeanne )

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COURTE BIOGRAPHIE :
Albrecht Altdorfer , est né vers 1480 , il est mort en 1538 à Ratisbonne. Il était d'origine  Allemande . Il est devenu dessinateur, peintre, graveur et architecte. Jusqu’à sa mort, il sera nommé architecte de la ville .Il acquit le droit de bourgeoisie à Ratisbonne  en 1505. A sa mort, il  était le propriétaire d'une fortune non-négligable .
Altdorfer appartient à la pléiade d'artistes qui firent du 16°siècle l'âge d'or de la peinture allemande . Ses tableaux se distinguent par des recherches d’éclairage créant une atmosphère surnaturelle. L’historien d’art Otto Benesch a fait remarquer que les peintures d’Altdorfer datant de cette période sont parmi les premières à représenter un univers convexe, héliocentrique, dans lequel la Terre n’est plus le centre du monde ; l’art dévoile ainsi, par ses moyens propres, la révolution scientifique à laquelle Copernic travaillait au même moment.

OEUVRE DE L'ARTISTE :
La fierté du mendiant assis sur le train

DESCRIPTION DE L’OEUVRE

Sur cette œuvre de Albrecht Altdorfer, nous pouvons observer une farandole de couleur chaude pour mettre en valeur le château et les personnages au premier plan. En arrière plan nous pouvons y remarquer des couleurs froides tel que le vert et le bleu qui permettent de distinguer le paysage aux  alentours du château. Le château y est représenté en perspective comme le paysage autour de celui-ci. L’œuvre comporte un jeu de lumières important comme par exemple la lumière apporté sur le château et les personnages mais aussi par les jeux de lumières plutôt obscur en arrière plan.

RELATION AVEC LE COURANT DE LA RENAISSANCE

Toute la description de cette œuvre nous permet de faire un rapprochement avec le courant artistique de la Renaissance qui se caractérise par le réalisme tel que  le jeu de couleur, la perspective , la lumière. Il se caractérise aussi par nature qui comporte une place importante dans cette œuvre de Albrecht Altdorfer

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Tintoret dit « IL TINTORETTO » : (Morgane et Marina)

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Tintoret dit « IL TINTORETTO » : (Morgane et Marina)

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BIOGRAPHIE :

Jacopo Robusti, surnommé Tintoret qui signifie le petit teinturier car son père était teinturier dans le quartier marchand de la Merceria. Il est né le 29 septembre 1518 à Venise en Italie, où il est mort le 31 mai 1594. C'est un peintre italien de la Renaissance.  Sa mise en scène repose autant sur la force du sentiment religieux que sur les effets de lumière et de dramatisation ce qui offre l'une des plus parfaites expressions du maniérisme.

Il admirait énormément Michel-Ange, le considérant comme modèle.

DESCRIPTION DU TABLEAU :

Ce tableau représente le christ lavant les pieds de ses disciples. Cette huile sur toile a été peinte entre 1547 et 1549, il est exposé au Museo del Prado à Madrid. L’évangile dit que c’est au cours du repas que Jésus lave les pieds, ici il semble plutôt terminé, les apôtres sont affalés à terre et dans un coin sombre, Jésus lave les pieds de Pierre, Jésus s’abaisse, Pierre refuse mollement. Le fait de mettre la scène principale dans un coin, correspond bien à l’idée du service des frères, fait par amour dans la discrétion.

En quoi cette œuvre appartient au courant de la Renaissance ?

Ce tableau de la Renaissance est caractérisé par les détails, les perspectives, le jeu de lumière et de couleur qui montre le réalisme. Nous pouvons apercevoir les sentiments et les expressions des personnages notament ceux de Pierre au premier plan à droite. A l'arrière plan, nous observons la nature entre les portes Antiques.

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Matthias Grünewald, un grand peintre du XVIème siècle (Juliette/Charline)

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Matthias Grünewald, un grand peintre du XVIème siècle (Juliette/Charline)

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Biographie:
Aucun document ne rapporte sa date ou son lieu de naissance exacte, mais il est probablement né à Wurtzbourg, en Bavière entre 1475 et 1480. Il a surtout été connu pour ses retables comme «Rencontre de Saint Erasme et de Saint Maurice» (1520-25) ou bien «Crucifixion» (1523-24).
Matthias Grünewald est un peintre atypique pour le début du 16e siècle, époque où l'influence de la Renaissance italienne atteint l'Europe entière.
Certains artistes peintre notamment Otto Dix se sont inspirés des œuvres les plus connues de Matthias Grünewald comme «Crucifixion».

Ami de Luther, Grünewald  est mort avant les insurrections de la réforme de celui-ci en 1528 àHalle-sur-Saale (Saxe-Anhalt).

OEUVRE REMARQUABLE: le retable d'Issenheim
Le retable d'Issenheim est une œuvre  inclassable. Elle fait partie de l'art gothique tardif, du maniérisme, de l'art fantastique, de l'art réaliste...
Elle est l'œuvre de deux peintres du gothique tardif:
- Le peintre allemand Matthias Grünewald, dont il constitue le chef-d'œuvre, pour les panneaux peints
- Nicolas de Haguenau pour la partie sculptée (autour de 1500).
Ce monumental polyptyque se trouve aujourd'hui à Colmar, au musée d'Unterlinden. Il représente le christ lumineux crucifié avec, autour de lui, ses proches. Il a été commandé pour un hôpital.

Contexte de l'oeuvre :
Les religieux se consacraient à cette époque à une affection qui se répandait rapidement, l'empoisonnement par l'ergot de seigle. Cet empoisonnement par un champignon microscopique attaquant la céréale causait des douleurs terribles aux malades qui étaient affectés de ce que l'on appelait alors le « mal des ardents » (ergotisme gangreneux). Les religieux soignaient aussi les autres maladies : syphilis, tuberculose etc.
C'est pour l'hôpital que fut commandé et réalisé le retable.

CRUCIFIXION ET LA RENAISSANCE :

Cette oeuvre fait bien partie de la renaissance étant donné que les personnages sont réalistes, que le décor donne une impression de profondeur et qu'il y a un sens du détail.

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Luis de Morales (Alexis et Aliséa)

Biographie :

Luis de Morales surnommé " El Divino" est né 1510? et est décédé le 9 Mai 1586 à Badajoz sa ville natale. C'est un peintre espagnol, il a fait un apprentissage à Séville.  Il utilise la technique flamande, l’art flamand souvent utilisé dans les peintures portugaises il est attaché à la religion c'est pourquoi elles sont  exclusivement religieuses.

Il a voyagé en Italie et de la, s’est créé des affinités avec des italiens prenant modèle sur eux et est chargé de participer à la décoration de l'Escorial ( Monastère d'Espagne, à Madrid )  présenter sur l'image ci dessous :  Luis a un répertoire très peu étendu.
Et a été "copiés", par beaucoup de disciples ou des imitateurs. Il a été une grande source d'inspiration pour d'autres auteurs

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Pontormo, Le Maniériste (Antoine et Julien)

Qui est Pontormo ?

Jacopo Carrucci est né à Pontormo, dans le nord ouest de l’Italie, en 1494. Il est le fils du peintre Bartolomeo Carrucci, il a été l’élève d'Andrea del Sarto, Mariotto Albertinelli, Piero di Cosimo, et de Léonard de Vinci qui l’ont influencés même si Michel-Ange et Albrecht Durer l’ont fascinés encore plus, à l’inverse il a inspiré Agnolo Bronzino et GiovanniBattista Naldini (deux de ses élèves). Avec le temps, il est devenu l'un des principaux maniéristes (mouvement s’opposant à l’humanisme de la Renaissance après le sac de Rome en 1527). Il ne faut oublier qu’il a été formé sous la république Florentine (qui c’est achevé en 1512, officiellement en 1532, avec l’avènement des Médicis à Florence), mais qu’il a servi la famille des Médicis et notamment après l’élection du pape Léon X (qui était un Médicis). Pontormo meurt à Florence en 1557.
Qu’est-ce que la Déposition ?

(La Déposition, peinture à l’huile, de Pontormo, réalisé en 1528)

La Déposition est une œuvre commandé en 1525 par Cappella Capponi, pour décorer l’église Santa Felicità à Florence, ses dimensions sont de 313 cm sur 192 cm. Cet œuvre représente Jésus descendu de la croix après sa crucifixion par des sortes d’anges, en bas à gauche, pour donner le corps à Marie qui est au milieu à droite en train d’exprimer sa douleur.

Pourquoi la Déposition s’inscrit tel dans un mouvement Renaissance ?
Elle s’inscrit dans un mouvement Renaissance ( modernité), en effet elle s’inscrit dans un renouveau religieux avec ici une représentation biblique assez classique  même si la représentation des anges n’est pas classique pour la Renaissance du fait de la non représentation des auréoles et des ailes. Elle s’inscrit aussi dans un renouveau artistique de la Renaissance avec une représentation en perspective et corporelle assez fidèle à la réalité même si le corps du christ parait un peu sinueux
( maniérisme). Cet œuvre s’inscrit dans le mouvement Renaissance du fait même de la représentation des sentiments.

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L'art du maître Giotto (Mathilde et Anaïs )

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L'art du maître Giotto (Mathilde et Anaïs )

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Biographie:
Le peintre de son vrai nom Giotto di Bondone né en 1267(?) et meurt en 1337. Né dans une famille paysanne. Lorsqu'il dessinait les brebis de son troupeau sur un rocher on lui trouva un talentet le plaça dans un atelier de maître local.
Durant les années 1320, il peint des tableaux pour l'Eglise de Florence. On  le considère comme un artiste de cour mais il fut bien payé.
Il rompt avec l'infleunce byzantine. Ce peintre était très réaliste dans ses oeuvres. Il se distingue par un naturalisme figuratif qui révolutionne la peinture de son temps.
Ces oeuvres sont à l'origine du renouveau de la peinture occidentale. C'est l'influence de sa peinture qui va provoquer le vaste mouvement de la Renaissance à partir du siècle suivant.

Son oeuvre : La Vierge d'Ognissanti (Maestà di Ognissanti)

Cette oeuvre a été peinte par Giotto entre 1300 et 1303. Elle a des dimensions monumentales (204cm par 325cm). Marie est aussi plus grande que les autres personnages car Giotto à utilisé l'échelle symbolique pour mettre en valeurs les personnages principaux. Jésus est très mal fait, il donne l'impression d'avoir un visage de vieillard.
La manière de placer les anges et les saints tout autour du trône pour explorer un espace à trois dimensions est nouvelle, selon une vision, qui n'est pas encore celle de la perspective mathématiques de la Renaissance, mais qui nous montre déjà la première tentative de situer les personnages dans un espace plus "réel".

Le lien avec la Renaissance: Le peintre joue sur la perspective de son tableau, il essaie de representer au mieux les personnages,pour qu'ils soient plus réels.

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La courte vie de Masaccio (Inès et Florine)

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La courte vie de Masaccio (Inès et Florine)

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Son histoire :

De son vrai nom Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai. Il est né à Castel San Giovanni in Altura en 1401. Il est peintre italien. Sa famille s'installe à Florence en 1417, après le remariage de sa mère. . Il est issu d'un milieu aisé puisque son père, mort en 1406 était notaire, alors que Masaccio avait cinq ans , Du a son enfance difficile il sera appelé Masaccio, terme signifiant idiot. A cette époque il restera donc pauvre et incompris de tous  On ne sait rien de ses débuts avant 1422, date à laquelle il s'inscrivit à l'« Arte dei medici e speziali » de Florence. Masaccio s’inspire du sculpteur Donatello (1386-1466) et de l’architecte et peintre Brunelleschi (1377-1446)

En 1422, Masaccio se voit confier la réalisation d'une fresque représentant la Consécration pour l'église Santa Maria del Carmine, mais cette fresque a été détruite par la suite.
C'est à partir de 1424 que Masaccio collabore avec Masolino da Panicale

Son œuvre :

Sa meilleure œuvre est La Trinité, c’est une fresque mesurant 667 cm de haut sur 317 cm de large. Cette œuvre fut crée entre 1425 et 1428 dans l’église Santa Maria Novella en Florence.

Elle a été recouverte en 1570 par une grande toile et un autel de pierre, elle a été redécouverte en 1861 lorsqu'on les a retirés

Cette fresque représente la Sainte Trinité : Le Christ sur la croix est au milieu de la composition. Derrière lui se trouve Dieu le Père, ainsi qu’une colombe représentant l’Esprit Saint. En dessous, se trouvent Marie et Saint Jean. De part et d’autre de la scène, deux personnages sont agenouillés pour prier, sûrement les commanditaires de l’oeuvre. Au pied de la croix, un sarcophage dans lequel se trouve le squelette d’Adam. On peut y lire une inscription en latin: « j’étais ce que vous êtes ; vous serez ce que je suis »

Le décor, d’inspiration antique, est composé d’une voûte en berceau, divisée en caissons ornés de rosaces. Cette voûte appartient à un ensemble architectural plus large : une chapelle en arc de triomphe avec colonnes et chapiteaux.

Cette fresque est considérée comme la première peinture réalisée avec les principes de perspective. La voûte est tracée en perspective, de sorte que le spectateur aie l’impression qu’elle s’enfonce dans le mur. La scène est très réaliste, de plus, les personnages sont représentés taille réelle, ce qui donne un effet de trompe l’œil surprenant pour l ‘époque. Le spectateur a l’impression de se trouver devant la réalité, et non devant une image. Cette œuvre s’inspire de l’Antiquité (Beau). Ce qui montre bien que c’est une œuvre de la Renaissance.

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EL GRECO ( Astrid & Camille )El Greco de son vrai nom Domenikos Theotokopoulos, est né en 1541 à Héraklion ( anciennemnt appelé Candie ) en Grèce . Il décede le 7 avril 1614 à Tolède en Espagne . Il a vécu en itlalie la majeur partie de sa vie pendant la Renaissance . Il etait comtemporain de Michel Ange . Durant cette période Charles Quint etait au pouvoir .El Greco est un sculpteur , architecte et peintre raffiné il s’inspire beaucoup de scène religieuses . Il est aussi connu comme bon portraitiste. Durant sa vie il à été influencé pas de nombreux italiens comme : Titian , Tinoterreto ou encore Michelangelo , on le remarque par ses œuvres colorées et par son concept de l’espace. Sa perception du corps humain reste une caractéristique importante de son travail. Plus tard , quand il peindra ou sculptera des batiments on retrouvera les influences de ses études d’architecture romaine.Après sa mort , El Greco aura une influence sur Picasso et Jaskon Pollock.

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EL GRECO ( Astrid & Camille )El Greco de son vrai nom Domenikos Theotokopoulos, est né en 1541 à Héraklion ( anciennemnt appelé Candie ) en Grèce . Il décede le 7 avril 1614 à Tolède en Espagne . Il a vécu en itlalie la majeur partie de sa vie pendant la Renaissance . Il etait comtemporain de Michel Ange . Durant cette période Charles Quint etait au pouvoir .El Greco est un sculpteur , architecte et peintre raffiné il s’inspire beaucoup de scène religieuses . Il est aussi connu comme bon portraitiste. Durant sa vie il à été influencé pas de nombreux italiens comme : Titian , Tinoterreto ou encore Michelangelo , on le remarque par ses œuvres colorées et par son concept de l’espace. Sa perception du corps humain reste une caractéristique importante de son travail. Plus tard , quand il peindra ou sculptera des batiments on retrouvera les influences de ses études d’architecture romaine.Après sa mort , El Greco aura une influence sur Picasso et Jaskon Pollock.

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son oeuvre:
dimension:  84cm x 1.13 m
création: 1610-1614
lieu d'exposition: National Gallery of Art

description:
C'est une scène mythologique qui lui rappelle son pays natale : La Grèce.
Au premier plan nous pouvons discerner la scène mythique de la lutte mourante de Lacoon  et ses fils . Au centre il y a Lacoon agonisant sur des rochers. Il est étendu sur le cadavre de son fils et un serpent le mort à la tête. Ses autres fils le regardent avec peine et un autre se bat avec un serpent  . Au second plan on peut voir un village et un ciel sombre.
Cette oeuvre fait référence a la renaissance car il figure des hommes , la nature , les details ; les couleurs et de la perspective.

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Sandro Botticelli , de son vrai nom Alessandro Filipepi (1445-1510, Florence ) est l'un des plus grands maîtres de la Renaissance italienne . Il découvre ses talents d'artistes  grâce  à son apprentissage chez un orfèvre , il prend goût à la peinture dans lesquelles il tente de représenter l'idéal humaniste , tout en gardant en tête l'idéal chrétien . En 1462 , il commence à peindre dans l'atelier de Fra Filippo Lippi . Quelques années plus tard , il recoit sa première commande importante , la Force.Elle est commandée par les Médicis pour le tribunal de commerce. Cette oeuvre fut demandée à Botticelli par défaut ,à l'origine , il était prevu que sa réalisation soit effectuée par Piero del Pollaiolo. Mais, trop en retard sur ses commandes il fut remplacé.
A travers certains détails comme l'expression du visage ou encore  la posture de la jeune femme ,l'artiste montre clairement qu'il développe et enrichit les styles de ses contemporains.Cette peinture lui vaut une reconnaissance et des lors une certaine réputation, qui lui permet de vivre plus aisement.
Cet artiste né réalisa au cours de sa vie , d'autres oeuvres aujourd'hui rennomées mondialement comme La naisance de Vénus , Le Printemps ...
Description de l'oeuvre :
Cette oeuvre est une allégorie de la force, représenté par son armure et le trône où elle est siège.La jeune femme est vêtue d'une toge rouge , elle tient un objet dans ses mains.Botticelli marque son style à travers l'expression du visage et la précision de ses traits ce qui rend le personnage encore plus réaliste.Cette oeuvre appartient au courant de la renaissance car comme nous l'avons dit précedemment la représentation est trés réaliste.

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Van Eyck serait né au alentour de 1390 à Maaseik et il est mort en 1441 à Bruges. Il était de nationalité flamande et était au service du Duc de bourgogne qui lui donnait des missions diplomatiques. Il avait également un frère peintre. C’était un des plus grands artistes flamands du XVème. Il évoluait dans le courant du primitif flamand et du réalisme. C’était le peintre de la cour de Jean de Bavière. Il était très célèbre pour ses portraits d’un réalisme flagrant. Jan Van Eyck était un des premiers à signer ses œuvres. On a longtemps pensé qu’il était à l’origine de la peinture à l’huile, or il a perfectionné cette technique, ce qui a considérablement fait progresser cette technique au XVème siècle. Cela permettait une certaine netteté de ses œuvres et le réalisme des détails. Il peignait généralement ses modèles en buste, avec le visage orienté vers le spectateur, vue de trois quart, ou tourné vers la gauche.

Durant cette époque de transition entre le Moyen-Age et la Renaissance, le grand commerce prenait son essor en Europe. Cette époque a également vu la découverte de l’imprimerie, du nouveau monde ainsi que la Guerre de  Cent ans. Au cours de sa vie, il effectua un voyage en Italie qui changea sa conception artistique : il apprit la technique essentielle de la perspective.
Les époux d'Arnolfini est un tableau qui a été peint en 1434. Il mesure  82 x 60 cm. Il est conservé au National Gallery à Londres. C'est une huile sur bois représentant le double portrait des époux Arnolfini. Giovanni Arnolfini était un riche marchand italien. Il tient la main de sa femme, en signe d'engagement marital. Ils sont dans la chambre nuptiale :  nous remarquons un grand lit, ainsi qu'un chien, signe de fidélité. Leur mains se touchent au croisement des diagonales du tableau, ce qui montre que l'auteur voulait porter l'accent sur ce geste symbolique. Les fruits présents représentent le pêché originel. On peut également voir une bougie allumée qui représente la présence de Dieu ainsi que la flamme nuptiale.
Ce tableau appartient au courant de la Renaissance. En effet, le peintre utilise la perspective sur la scène principale et également dans le miroir au centre. Celui-ci renforce l'impression d'espaceTout autour de ce miroir, le peintre a illustré des scènes bibliques. C'est un autoportrait caché du peintre. La fenêtre placée à gauche du tableau apporte la lumière sur les deux personnages et créé des ombres dans l'entièreté du tableau. Cette mise en avant des personnages montre son intêret pour l'Homme, et un nouveau rapport de l'Homme à lui même.

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Nicolas Froment : Le peintre titre du bon roi René  (Emma & AdeloÏse)

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Nicolas Froment : Le peintre titre du bon roi René  (Emma & AdeloÏse)

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Nicolas Froment était un artiste français originaire de Picardie (on a longuement cru qu'il était née à Uzès) née en 1435; décédé en 1486 à Avignon. A cette époque il fut peintre d'où son appellation "Nicolas Froment le peintre d'Avignon" mais aussi verrier. Il se forme au contact des maîtres flamants en 1460-1465 puis restera très attaché à ce style. De plus il fut considéré comme l'une des personnes marquantes de la seconde école d'Avignon. Apres 1465 il se posa définitivement à Avignon ou il se trouva un courant pictural très actif représenté par Enguerrand Quarton. A ce moment, le roi René régnait en Anjou, en Lorraine mais aussi en Provence. Par la suite Nicolas Fremont deviendra son peintre son peintre officiel . Suite à la mort du roi René l'activité de Nicolas se déclinera.

Oeuvre retenue: "Le Buisson Ardent"    ( 1475-1476)

Son principal art est le gothique cependant il possède la formation Flandre ce qui ne lui permet pas de s'approprier l'esthétique parmi ses tableaux, de plus on ne trouve pas la qualité chromatique et le sens de la dramaturge. Ce peintre est capable d'agencer dimenses compositions telle que "Le Triptyque du buisson ardent" Parmi ce chef d'oeuvre l'auteur parvient à concilier le réalisme des maîtres flamands qui apparait au niveau des personnages mais aussi par la présence d'un arrière plan qui est inspiré des paysages de Toscane, afin de créer un espace pictural original.
C'est une huile sur bois de mesure 410x305cm, la technique utilisée par Froment est celle du glacis . Le panneau centrale illustre un épisode de l'Ancien Testament représentant La Vierge et L'Enfant puis Moise au premier plan  à droite  gardant son troupeau ensuite, les panneaux latéraux sont consacrés aux commanditaires de l'oeuvre : a gauche, le roi René et a droite sa seconde épouse Jeanne de Laval qui ont une attitude pieuse.. Les retables n'étaient ouverts qu'a l'occasion des cérémonies. En position fermée, il était courant de représenter des niches imitant les sculptures par la technique des grisailles. L'épisode du buisson ardent appartient à la mythologie chrétienne et figure dans l'Ancien Testament. Moise recoit la revelation de l'existence d'un Dieu unique par un buisson qui brule mais ne se consume pas. Le Dieu serait, selon l'anecdote biblique, a l'interieur de ce buisson ardent. Le peintre a volontairement représenter l'Ancien et le Nouveau Testament. Tout ces éléments font preuve de renouveau dans la culture religieuse.  Pour conclure nous pouvons dire que ce tableau appartient au courant de la Renaissance car on peut a travers cette oeuvres les différentes techniques utilisées a cette epoques telles les jeux de lumière, il y a une place importante de la nature , et la tableau est centré sur l'homme, et l'auteur cherche a représenter les personnages, aussi grace aux perspectivex qui donne au tableau un effet de réaliste( chercher à faire une imitation de la réalité). De même,  les couleurs du tableau sont très réalistes. Le point de fuite se situe au centre du tableau.